Mon avis sur quelques albums metal

Comme l'auront bien compris ceux qui ont déjà parcouru un peu en détail ma page web, je suis avant tout un auditeur de musique dite classique. Mais ça ne m'empêche pas de m'aventurer occasionnellement dans d'autres genres, et en particulier tout ce regroupe (de façon presque aussi artificielle que pour le classique) sous l'étiquette "metal". J'entends déjà les récriminations outrées du style : "Quoi, mais le metal, c'est ce qui est le plus ridiculement éloigné du classique, ça n'a aucun sens !". Soyons bien clairs : c'est complètement faux. Je sais bien qu'on trouve plus d'amateurs de jazz (genre qui, pour le coup, me répugne assez systématiquement) parmi les classiqueux, mais il y a un paquet d'influences classiques dans le metal (mélodiquement et structurellement, et pas seulement dans les groupes de metal symphoniques qui jouent accompagnés d'un bon gros orchestre). Bon, certes, moins dans le black le plus extrême, mais ça tombe plutôt bien, ce n'est pas le type de metal que j'écoute le plus !

Vous trouverez ici, tout simplement, une rapide critique accompagnée d'une note pour les quelques dizaines (centaines ?) d'albums que j'ai eu l'occasion d'écouter depuis que je me suis remis à écouter un peu intensivement du metal il y a quelques années. Les notes sont métarialisées par des petites ★ (5 au maximum, les ½ sont possibles pour affiner) ou un ☆ pour un 0/5 (mais si, ça arrive). Les disques que j'estime ne pas pouvoir être jugés à l'aide de critères habituels (ça arrive aussi !) seront notés "gozu" (allez lire ma page cinéma pour comprendre la référence). Toutes ces critiques ont d'abord été écrites et postées sur le forum https://classik.forumactif.com/ (et donc légèrement réadaptées pour certaines pour les rendre indépendantes du contexte).

Pour accéder directement à votre groupe préféré, vous pouvez gagner un peu de temps avec les raccourcis ci-dessous (critiques classées par ordre alphabétique de groupe) :

• Amon Amarth - Once sent from the golden hall (1997) ★ ★
  
  Un nom directement piqué chez Tolkien, une influence viking manifeste notamment dans les pochettes des albums (assez chiadées d'ailleurs), à quelle musique pouvais-je m'attendre en entamant la discographie de ce groupe ? J'aurais été devant un petit écran, ça aurait pu pencher du côté carton-pâte héroïque, ou bien du côté nettement plus sanguinolent de la récente série Vikings. Bon ben Amon Amarth, assez clairement, ce serait plutôt l'illustration musicale de la deuxième option, ceux qui espéraient du power metal héroïque ou même folklorisant en seront pour leurs frais. Non, là, on est plus proche d'un black bien primaire : voix gutturale, batterie qui martèle en permanence (c'est Martin Lopez, futur batteur d'Opeth, qui officie) et son assez brut (même si c'est loin d'être aussi inaudible que les groupes de "vrai" black), ça ne fait pas franchement dans la subtilité. Et pourtant, en même temps, il y a une certaine touche mélodique plaisante (en gros, le concept principal c'est de la mélodie très distendue aux guitares sur fond de bourrinage de batterie) qui évite de trop tomber dans la grosse caricature. Malgré tout, l'album reste inégal, avec des pistes réussies (l'enchaînement entre la sympathique Victorious march et les deux titres Friends of the suncross et Abandoned qui accrochent immédiatement l'attention même s'ils souffrent ensuite de transitions franchement brutales) et d'autres qui s'étirent trop malgré une durée limitée (l'album ne dépasse de toute façon pas les trois quarts d'heure), comme la chanson-titre, pas vraiment sauvée par les amusants bruits de bataille en fond sonore. Bref, si on aime un metal bien primaire, c'est à tenter, on ne peut pas nier une certaine efficacité d'ensemble à ce que propose le groupe, mais disons que personnellement ce n'est pas franchement le genre que j'irais écouter tous les jours.
  
  
• Amon Amarth - The Avenger (1999) ★ ★ ½
  
  Pour ce deuxième album, progrès évidents en termes de qualité sonore, on entend mieux ce qui se passe (même si le chant guttural est bien étouffé, c'est un peu curieux, mais bon personnellement ça ne me dérange pas plus que ça). Mais niveau musical, c'est toujours le même principe, du metal guerrier survitaminé sur fond de batterie mitraillette. Assez peu de variété donc, et c'est bien dommage, car c'est tellement répétitif (il faut dire aussi que les éléments mélodiques sont souvent répétés sans grandes variations) que le disque parait bien long alors qu'il ne dure que 36 minutes ! Les quelques solos insérés ne suffisent pas vraiment, seule l'intro de la piste finale Legend of a banished man offre une respiration vraiment bienvenue. Après, encore une fois, cette brutalité est assez prenante, et on a même un titre, le premier (Bleed for ancient gods), franchement excellent. Au rang des satisfactions également, God, his son and holy whore et, pour ceux qui aiment le bourrinage le plus brut, la bien nommée Metalwrath. Reste au groupe à réussir à varier un peu plus les ambiances (et l'utilisation de la batterie...).
  
  
• Amon Amarth - The Crusher (2001) ★ ★ ★
  
  Un album dans la droite lignée du précédent, qui aligne une petite dizaine de titres d'une subtilité toute relative portés par la voix toujours bien caverneuse de son chanteur, des riffs mélodiques très répétés et un son de guitare toujours aussi dense caractéristique du groupe. Rien de nouveau sous le soleil donc ? Non, pas vraiment, mais ça continue à évoluer dans le bon sens car le jeu de la batterie, quoique toujours fortement épileptique, se fait quand même beaucoup plus varié, ce qui rend le disque nettement moins monolithique que les deux précédents. Ce serait même très bien s'il n'y avait pas un ou deux bémols à ajouter : les solos de guitare très présents sur The Avenger sont ici plus discrets (un à la fin de Masters of war, un autre petit sur le très bon Releasing Surtur's fire), et il n'y a aucun morceau qui fasse vraiment une impression très forte (As long as the raven flies ou Annihilation of hammerfest sont réussis mais pas vraiment "coup de poing dans la tronche"), on a plus une succession de titres homogènes et réussis. Encore un petit effort à faire pour passer dans la catégorie supérieure à mon goût.
  
  
• Amon Amarth - Versus the world (2002) ★ ★ ★ ½
  
  Quatrième album du groupe, on commence à connaître la musique et, de fait, on ne sera pas surpris : toujours le même chanteur à voix sépulcrale, toujours une batterie assez pachydermique qui porte des titres basés sur des riffs simples (voire simplistes) mais mélodiques et souvent répétés jusqu'à la nausée. Et pourtant, encore une fois, il y a des évolutions notables par rapport aux albums précédents. Déjà, le son est nettement plus clair et aéré, comme si le groupe s'était rendu compte qu'on n'était pas obligé de proposer une qualité sonore médiocre sous prétexte qu'on joue du metal extrême. Et de fait, ça fait le plus grand bien ! En plus, nos suédois ont ralenti le tempo sur pas mal de titres, allant même jusqu'à laisser de côté l'atmosphère guerrière qu'ils proposent d'habitude pour des choses qui touchent presque le mélancolique (l'intro de For the stabwounds in our backs, le riff principal de Where silent gods stand guard). Bref, ils continuent à affiner leurs propositions, et sur la première moitié de l'album, j'ai même cru qu'ils avaient atteint l'excellence (le Death of fire, bien brutal pour le coup, qui ouvre le disque, est pour le coup assurément excellent). Et puis, malheureusement, ça ne tient pas totalement la route, la chanson titre retombe dans une espèce de caricaturale martiale un peu fatigante, et la plupart des titres de la fin d'album sont moins inspirés (Bloodshed anecdotique notamment), même si ...And the world will cease to be conclut en beauté. Un très bon ensemble quand même, le groupe continue à progresser, ils vont finir par arriver à faire une tuerie tout le long d'un album !
  
  
• Amon Amarth - Fate of Norns (2004) ★ ★ ★ ★ ½
  
  C'était finalement prévisible au vu de la progression constante du groupe depuis ses débuts, leur cinquième album est une sorte d'aboutissement, la tuerie que j'attendais est effectivement là cette fois-ci. La production est aussi impressionnante que dans le disque précédent, mais au niveau du contenu on sent une volonté de revenir à une musique vraiment primitive (les petits solos de guitare ont à nouveau disparu), c'est court (8 pistes pour 40 minutes de musique), dense, et c'est uniquement la qualité des riffs qui rend la plupart des titres irrésistibles. Une illustration évidente, The Poursuit of vikings, ça semblera infiniment trop basique à beaucoup, mais avec moi ça fonctionne parfaitement. Autres excellents titres : An Ancient sign of coming storm (on retrouve un début l'album hyper percutant), The Beheading of a king et le Once sealed in blood final (au premier abord on a l'impression que le riff ne colle pas à l'ambiance générale du disque, et en fait si, ça marche très bien). Soit une moitié de l'album de très haut niveau, le reste ne démérite pas mais me semble moins inoubliable (Valkyries ride est un peu plombé par sa batterie métronomique). C'est quand même globalement très très bon.
  
  
• Amon Amarth - With Oden on our side (2006) ★ ★ ★ ★
  
  Grosse évolution pour Amon Amarth avec ce sixième album ! Non, non, pas au niveau de la musique, c'est pas leur genre (d'ailleurs, le titre même de l'album donnerait presque dans l'auto-caricature), c'est seulement la pochette qui adopte un style assez minimaliste qui tranche franchement avec leurs habitudes (y a même pas un petit coin où ça flamboie allègrement, seules les couleurs rappellent les thèmes habituels), et que j'avoue trouver un peu décevante. Pour ce qui est de la musique en elle-même, on peut quand même noter que le groupe a tendance à s'assagir avec le temps (si on compare avec leurs débuts, les martelages de double grosse caisse se font plus rares et la mélodie a vraiment pris le dessus sur le bourrinage primaire), et on s'en aperçoit d'autant mieux ici que le début du disque propose deux titres (Valhall awaits et Asator) qui reviennent à quelque chose de vraiment plus rapide et sombre, et ma foi, c'est très réussi ! Du coup, en comparaison, les pistes plus tranquilles paraissent parfois un peu fades (Hermod's ride to hell, Under the northern star), quand ce n'est pas la trop forte similitude avec l'album précédent qui dérange un peu (Gods of war, malgré tout excellent). Heureusement, les suédois arrivent encore une fois à réconcilier tout le monde avec un Prediction of warfare final d'une efficacité terrassante malgré son tempo retenu. Un ensemble en léger recul par rapport à Fate of norns car moins homogène donc, mais ça reste très bon.
  
  
• Amon Amarth - Twilight of the thunder god (2008) ★ ★ ★ ★ ★
  
  Première bonne nouvelle avec ce nouvel album, les suédois ont très vite laissé tomber le concept de pochette stylisée et reviennent à l'artwork guerrier impressionnant, ça donne déjà envie d'écouter la musique qui va avec. Et on aurait tort de se priver, car ce "crépuscule du dieu" est monstrueux, à nouveau aux sommets en termes de mélodie (le côté black et brut du premier disque du groupe est un assez lointain souvenir) tout en conservant cet impressionnant côté guerrier et sombre porté par l'utilisation vraiment magistrale de la voix gutturale de Johann Hegg (pour que je dise ça, quand même, c'est que c'est du bon !). Et les premiers titres alignent les tueries, la chanson-titre initiale est monstrueuse d'efficacité, Free Will sacrifice ne baisse pas en intensité, et Guardians of Asgaard réussit à faire passer comme une lettre à la poste des éléments mélodiques tirant pourtant sérieusement vers la facilité (avec un autre habillage, ça pourrait presque virer pop !). De toute façon, il n'y a pas de réel temps faible dans le disque, le groupe a la bonne idée d'ajouter quelques nouveautés à son répertoire (cuivres qui ajoutent encore à l'atmosphère épique de Tattered banners and bloody flags, et même l'intervention des violoncellistes d'Apocalyptica pour sauver un Live for the kill plus quelconque)., et de faire deux ou trois incursions vers des terres plus speed ou thrash pour varier les plaisirs (Where is your god, No Fear for the setting sun). Seul très léger bémol, la piste finale Embrace the endless ocean visait le grandiose, mais n'y arrive pas tout à fait, se contentant d'être une belle conclusion à un album où il y a de toute façon tellement de pistes énormes qu'il est difficile d'en privilégier une !
  
  
• Amon Amarth - Surtur rising (2011) ★ ★ ½
  
  Ayant atteint un probable sommet après sept albums de progression quasi constante, restait le plus dur à faire pour Amon Amarth, confirmer en conservant la ligne directrice qui a peu évolué depuis le début de leur carrière, ou trouver un nouveau souffle en allant dans d'autres directions. Sans surprise, le War of gods qui ouvre cette nouvelle livraison est là pour rassurer les fans, et dans la droite ligne de Twilight of the thunder god, ça fonctionne parfaitement même si c'est probablement moins dévastateur que la plupart des pistes du disque précédent. Mais c'est en fait un leurre car il y a bel et bien une évolution assez marquée avec cet avènement de Surtur (pour ceux qui n'ont pas la mythologie viking dans le sang, Surtur est un géant du feu qui est tellement à sa place dans l'imagerie du groupe qu'il avait déjà fait une apparition sur un titre d'un album antérieur), qui essaye d'accentuer encore plus le côté mélodique un peu facile vers lequel tend parfois le groupe, et de gommer définitivement tout ce qui serait trop brutal et rentre-dedans. On retrouve ainsi des bouts de solo de guitare à la limite du pleurnichard (la fin du par ailleurs très bon Last stand of Frej, ou le solo de Tock's taunt, on se croirait perdus chez Scorpions l'espace de quelques instants), et surtout des intrusions de sons électroniques qui modifient vraiment la coloration du groupe (For victory or death, ou Doom over dead man). Bon, ça continue quand même à beugler bien grave et à arborer fièrement un caractère épique rassurant (Live without regrets) mais c'est nettement moins percutant qu'avant, et c'est dommage. En comparaison avec les quatre ou cinq albums précédents, on a redescendu une grande marche d'un coup même si ça reste très écoutable. Notons quand même un bonus totalement improbable en fin de disque avec la reprise d'Aerials de System of a down (mais qui a pu avoir l'idée de leur proposer un choix aussi incongru pour la première reprise de toute leur disco ?). Le refrain chanté par un choeur de bûcherons vikings a un rendu assez surréaliste mais la chanson est assez fabuleuse pour s'en remettre sans problème !
  
  
• Amon Amarth - Deceiver of the gods (2013) ★ ★ ★ ★
  
  Légère inquiétude concernant Amon Amarth : après un album décevant, allaient-ils être capables de redresser la barre et retrouver les sommets précédemment atteints ? Eh bien, on est vite rassurés : la chanson-titre qui ouvre l'album est redoutable d'efficacité, et enchaînée sur un As Loke falls vraiment superbe dans un style toujours très mélodique. Malgré quelques légères baisses de tension (Coming of the tide notamment), le disque aligne à nouveau les titres bien fichus et très prenants, en lorgnant de façon parfois un peu trop voyante vers leur propre passé (Shape shifter et surtout la conclusion Warriors of the North ont un côté de "déjà entendu" assez prononcé), quand ça ne tombe pas dans une caricature gentillette (les bruits de massacre qui ouvrent Blood Eagle...). Mais c'est tellement bien fichu qu'on en redemande très volontiers. Et puis il y a quand même une piste qui innove, l'étonnante Hel avec ses choeurs orientalisants et l'utilisation de voix claire ! Non mais franchement où vont les vikings, là ? Eh bien en fait ça marche bien... Sans retrouver la perfection d'un Twilight of the gods, ce Deceiver ne décevra personne.
  
  
• Amon Amarth - Jomsviking (2016) ★ ★ ★ ½
  
  Dixième album pour nos suédois, et pour fêter ça, ils se fendent d'un album concept sur l'histoire d'une caste de guerriers vikings (non sans blague, quelle originalité de leur part !!). Le côté plus narratif que d'habitude se ressent un peu dans certaines pistes, pas sûr que ce soit l'idée du siècle car ça a plutôt tendance à ramollir un peu la musique, sans compter cet assez dispensable duo vers la fin du disque (en fait, la chanteuse a bien du mal à exister face à Johann Hegg, ce qui rend la piste assez inutile). Mais bon, cessons de renâcler, malgré une légère baisse de niveau globale, on reste sur du très bon et efficace dans l'ensemble, avec notamment l'intro First kill qui déménage bien, At dawn's first light bien dévastateur (adjectif que pour le coup on ne peut pas vraiment appliquer à une majorité de titres de l'album, pour une fois), ou encore un Vengeance is my name bien réussi également. J'aurais bien ajouté Raise your horns à la liste mais les choeurs sont un peu planplan sur le début de la chanson, avant de réellement réussir à donner des frissons sur la fin. Entre temps, donc, quelques titres où le groupe se contente de faire le taf avec un métier exemplaire, mais une inspiration parfois un peu en berne (Wanderer ou le conclusif Back on northern shores). Le voyage reste bien agréable tout de même.
  
  
• Amon Amarth - Berserker (2019) ★ ★ ½
  
  Eh bien voila, j'arrive au bout de la discographie du groupe et, en une bonne vingtaine d'années et onze albums, on ne peut pas dire que les thématiques aient beaucoup évolué ! La musique, elle, s'est indéniablement apaisée dans les dernières productions, au point de devenir, il faut bien l'avouer, un peu insipide. Pourtant, il y a toujours un bel effort de recherche mélodique, Johann Hegg chante toujours bien, mais tout de même, c'est globalement moins marquant, on ressort de l'écoute en ne retenant finalement pas grand chose qu'une impression d'avoir entendu de la belle musique au fond assez insignifiante. Le tempo a ralenti, la batterie est nettement moins tonitruante qu'auparavant, et surtout l'esprit "hymnes guerriers à chanter la hache à la main" est maintenant bien lointain (aucun véritable tube inoubliable au menu ici). Alors on essaie de compenser en introduisant un peu de piano (et même des violons larmoyants pour l'accompagner sur Into the dark), mais bon, ce n'est pas exactement ce qu'on attend d'Amon Amarth. Une piste comme The Berserker at Stamford's bridge est assez symptomatique de cette évolution : on sent la volonté de faire dans le grandiose, mais le souffle épique est désespérément absent, du coup ça sonne trop creux. Entendons-nous bien, l'album n'est pas du tout mauvais, c'est bien exécuté, on ne s'ennuie pas une seconde. Mais on ne peut pas s'empêcher de penser que désormais les grandes heures du groupe sont derrière eux.
  
  
• Amon Amarth - The great heathen army (2022) ★ ★ ★ ★
  
  Une chose est certaine quand on découvre un nouvel album d'Amon Amarth, c'est qu'on a très peu de chances d'être dépaysé. Le line-up est d'une stabilité rare pour un groupe de metal (à part pour le poste de batteur, pas un mouvement depuis 1998), le chant de Johan Hegg est toujours aussi caverneux (il reste définitivement, dans la catégorie chant extrême, un de mes vocalistes préférés), et les titres bien calibrés (quasiment systématiquement entre 4 et 5 minutes) et mélodiques, mais portés par une rythmique bien brutale, s'enchaînent toujours avec bonheur. Mieux encore, si on avait pu avoir l'impression d'une baisse de régime dans les derniers albums du groupe, il retrouve ici un enthousiasme qui fait plaisir à voir. Le Get in the ring introductif est typique des meilleures tueries du groupe, avec un riff simple mais redoutablement efficace et bien exploité, on se croirait pour le coup revenu 15 ou 20 ans en arrière, à l'apogée du groupe ! Et même si tout ne sera pas aussi énorme, l'ensemble est très homogène en qualité, à l'exception peut-être du très curieux Heidrun, bizarre hommage à une chèvre divine qui se termine sur fond de bêlements (mais oui...) sans oser vraiment jouer la carte du folk comique (c'est pas trop le rayon habituel du groupe en même temps). Autre fait inhabituel, des titres qui lorgnent vers un heavy assez classique, et même un Saxons and vikings qui propose un duo vocal avec Biff Byford, le chanteur de... Saxon (logique), vraiment très sympa. Sympathique, c'est d'ailleurs un qualificatif qu'on peut appliquer à une grosse majorité des pistes de cet album, qui ne cherche pas midi à quatorze heures, mais assure sacrément efficacement (Find a way or make one, ou le conclusif The serpent's trail et son espèce de motif ostinato, sont deux excellents titres). Du bon boulot, une fois de plus.
  
  
  
  
• Angra - Angels cry (1993) ★
  
  Ah, un groupe que j'ai découvert étant ado ! Rappelons pour ceux qui ne le sauraient pas qu'outre Sepultura, le Brésil est aussi le pays de naissance d'Angra, qui n'oeuvre pas vraiment dans le même style puisqu'ils font partie de ceux qui ont mis au goût du jour le power symphonique, dont le principe est en gros d'exploser le kitschomètre à coups de chant (et de guitares) très clair et aigu, de tempi souvent enlevés (ou alors on tombe dans la balade ultra mièvre) et de touches orchestrales réalisées aux claviers. En gros, sans Angra et consorts, il n'y aurait pas eu ensuite de Rhapsody et ça, quand même, ce serait bien dommage ! Bref, amis de la subtilité, fuyez très vite. D'autant plus que ce premier album du groupe est vraiment terriblement caricatural : ça démarre très fort avec un Unfinished allegro qui est une reprise note à note au clavier pas cher du début de l'Inachevée (mais Schubert n'est pas mentionné dans le livret du disque pour autant !), c'est évidemment ridicule et sans le moindre intérêt. Quelques autres citations classiques (Paganini, Vivaldi) déboucheront sans crier gare au beau milieu de deux autres titres de l'album, pour un effet complètement raté. En fait, pour être honnête, il est de toute façon très difficile d'écouter le disque au premier degré tellement c'est ridicule : la grandiloquence du très néoclassique Lasting child qui termine l'album, la conclusion complètement foireuse de Stand away, les violons tourbillonnants et les fanfares de cuivres incongrues de Carry on (pourtant l'un des tubes du groupe !), ça ne peut pas engendrer mieux qu'un bon gros fou rire. Le pompom ? La reprise du Wuthering heights de Kate Bush avec chanteur en voix de tête permanente, dont on ne sait pas trop ce qu'elle vient faire là. Je trouve ça rigolo à écouter car je suis très bon public pour ce genre de truc (et que, malgré tout, les musiciens assurent techniquement et font preuve d'un enthousiasme plutôt communicatif) mais c'est très difficilement défendable.
  
  
• Angra - Holy Land (1996) ★ ★ ★ ½
  
  Le deuxième album des brésiliens est généralement considéré comme leur classique, et de fait c'est bien lui que j'ai écouté quelques dizaines de fois quand j'étais plus jeune. Alors qu'Angels cry a terriblement mal vieilli, qu'en est-il de celui-ci ? Eh bien, c'est nettement mieux, il y a vraiment eu une évolution gigantesque entre les deux albums. Déjà, les citations littérales de musique classique ont fort heureusement été oubliées sur Holy Land, et, encore mieux, les orchestrations sont beaucoup plus réussies (le fait qu'on ait droit à de vrais instruments pour le violon et la flûte, déjà, ça change tout). Mais surtout, le disque est beaucoup plus ambitieux et a la très bonne idée de proposer une sorte de concept album autour de la colonisation du Brésil, qui explique l'apparition des polyphonies sur fond d'ambiance tropicale qui ouvrent l'album, mais surtout l'emploi de percussions tribales (bien dans l'air du temps au moment de la sortie de cet album, qui est de la même année que le Roots de Sepultura) qui rajoute notamment énormément au cachet de la dantesque Carolina IV, qui réussit à tenir ses 10 minutes 30 malgré la grande variété des inspirations convoquées. Rien que pour ce titre, le disque mérite au moins d'être tenté. Pour le reste, pas de miracle non plus, dès qu'il y a des interventions de cuivres synthétiques c'est affreux (Silence and distance par exemple ne s'en remet pas) et il y a des mélodies qui peuvent faire fuir les moins tolérants d'entre nous au kitsch (le début de The Shaman, c'est assez terrible, pourtant j'aime bien ce titre malgré tout). Mais on a quand même assez peu de passages speed, pas mal de piano, bref un album nettement plus travaillé et inspiré que le précédent, qui résiste nettement mieux à l'usure du temps, même si le chef-d'oeuvre que beaucoup y ont vu à l'époque n'est probablement pas vraiment là.
  
  
• Angra - Fireworks (1998) ★ ½
  
  Après un Holy Land très intéressant, et même parfois enthousiasmant, on pouvait espérer de la part d'Angra un album de la même trempe, d'autant plus que les brésiliens disposent désormais des moyens de mettre vraiment en musique leur ambition. Autant dire que ce troisième album est une cruelle déception, dans la mesure où il marque un gros retour en arrière. Les percussion brésiliennes ? Disparues, sauf sur quelques titres comme Gentle change où elles viennent contribuer à créer une ambiance détendue style "mojito en bord de plage", rien à voir avec ce que proposait un Carolina IV sur le disque précédent. L'orchestre ? Quasiment inexistant, à peine quelques touches en fond, honnêtement il ne serait pas du tout là que l'album serait le même. Le groupe ne garde même pas le style power déjanté de son premier album (seule la piste initiale Wings of reality laisse penser qu'on aura droit à ce genre d'orientation, et fait d'ailleurs l'effort de convoquer un piano et des violons qui disparaîtront ensuite), mais revient carrément à un heavy metal lambda, pas mal fichu mais déjà entendu mille fois, avec des solos de guitares bien appliqués (le double solo sur Extreme dream, c'est bien sur une démo de groupe débutant, mais là on est à la limite du remplissage) et tout de même le chant bien aigu d'Andre Matos qui sonne moyennement bien dans ce contexte, d'autant plus que les lignes vocales n'ont vraiment rien de transcendant. Ce n'est pas un si mauvais album, mais tellement quelconque, qu'il rejoindra de nombreux autres dans la catégorie "ah oui c'est sympa" à la première écoute, mais qu'on ne remet jamais ensuite sur la platine.
  
  
• Angra - Rebirth (2001) ★ ★
  
  Renaissance pour Angra ? Eh oui, après seulement trois albums, le groupe a explosé (il est vrai que Fireworks avait de quoi surprendre quant à la direction prise par le groupe, manifestement pas du goût de tout le monde), ne conservant que ses deux guitaristes. Mais il leur aura fallu peu de temps pour reconstruire un lineup crédible, engageant comme nouveau chanteur un Edu Falschi qui, s'il ne cherche pas à rivaliser avec leur précédent dans la pyrotechnie vocale (y aura moins de suraigu, quoi), fait le boulot de façon convaincante. Un bon point, mais niveau musical, du coup, de quel côté part-on ? Eh bien, un peu partout à la fois, ce qui est la principale limite du disque. Après un portique majestueux un peu plombé par les synthés bien cheap (de ce point de vue, on a droit hélas à une grosse régression), Nova era mise tout sur le speed mélodique façon Rhapsody, mais en moins bien, influence qu'on retrouvera un peu plus loin sur un Acid rain majoritairement épique, mais Heroes of sand lorgne beaucoup plus nettement du côté de Scorpions (le côté balade crémeuse, ça ne peut rebuter personne, hein ?) et Unholy wars fait carrément des allusions manifestes à Holy Land, alors même que le groupe ne joue plus du tout le même type de musique. Bon. Et tout ça s'achève avec une reprise casse-gueule d'un prélude de Chopin (mais oui), qui évite le ridicule mais dont on ne comprend pas bien pourquoi elle a été ainsi insérée à la fin de l'album. Bref, tout ça n'est pas très cohérent, mais ça a le mérite d'être bien exécuté par de bons techniciens, sans toutefois qu'un titre puisse vraiment être qualifié de très inspiré (c'est mélodiquement passe-partout, les intros sont souvent intéressantes mais complètement laissées de côté ensuite, et les solos de guitare déjà entendus mille fois). Au fond, un album impersonnel tout à fait correct mais qui sera très vite oublié.
  
  
• Angra - Temple of shadows (2004) ★ ½
  
  Nouvel album ambitieux de la part d'Angra, puisqu'il s'agit apparemment d'un concept-album autour de l'histoire d'un croisé. On comprend mieux du coup les ambiances médiévisantes de quelques pistes, notamment le Gate xiii final, purement symphonique (enfin, tout est joué aux claviers, faut pas rêver non plus) et plutôt sympathique même si un peu décousu. J'aurais peut-être d'ailleurs mieux fait de creuser un peu le contenu des paroles, qui auraient sûrement pu expliquer les curieuses influences hispanisantes, notamment sur The Shadow hunter (qui débute carrément avec un fond de castagnettes accompagnant les guitares acoustiques) ou le très étrange Sprouts of time (qui convoque aussi flûtiaux et piano dans un espèce de bazar franchement bizarre). Mais le principal problème de l'album n'est pas tant cet aspect hétéroclite que le vrai manque d'inspiration global. Ca commence assez bien avec un Spread your fire qui aligne les clichés du speed héroïque avec une certaine conviction, mais plus on avance dans l'album, moins on trouve d'occasions de se réjouir. Encore une fois, comme dans leur album précédent finalement, les brésiliens font plutôt bien le boulot, mais l'ensemble est très hétéroclite, et surtout les pistes se suivent sans qu'on accroche à grand chose, pour un sentiment de déception à l'arrivée. Parmi les pistes à sauver, je mettrais quand même aussi Winds of destination pour son côté plus martial, malgré un solo bien académique en cours de route.
  
  
• Angra - Aurora consurgens (2006) ★ ★ ★
  
  J'avoue avoir été tenté de laisser tomber la fin de la discographie de cet Angra deuxième mouture qui ne semblait décidément pas réussir à trouver un nouveau souffle. Eh bien j'aurais eu tort car, sans être un chef-d'oeuvre impérissable, ce sixième disque du groupe réussit à faire souffler un vent de fraîcheur bienvenu et se laisse fort bien écouter. Il opère de fait une sorte de retour aux fondamentaux en proposant un metal plus heavy que franchement speed (à part The Voice commanding you, assez bonne d'ailleurs, ça galope assez peu), en laissant la part belle aux claviers qui créent un fond souvent intéressant, et surtout en recentrant la plupart des pistes sur une approche mélodique qui fonctionne bien. Bien sûr, on n'évite pas du coup de tomber dans le piège de la balade mièvre (le début de Passing by, Breaking ties qui est limite pop, comme deux ou trois autres titres d'ailleurs qui tombent un peu trop dans la facilité), mais c'est parfois réussi (Abandoned fate conclut joliment l'album), et on a aussi quelques nouveautés avec une sonorité limite électro sur Ego painted grey ou l'intro orchestrale orientalisante de So Near so far (deux des pistes les plus réussies de l'album). C'est bien suffisant pour passer un moment très agréable à défaut de tenir l'album de la décennie. Ah quand même un dernier reproche, les solos de guitare pour le plaisir d'étaler sa technique (impeccable d'ailleurs), c'est pas franchement indispensable.
  
  
• Angra - Aqua (2010) ★ ★ ½
  
  Curieux album que celui-ci, qui semble bien trop souvent se lancer dans des développements hasardeux et mal maîtrisés qui viennent un peu gâcher de belles introductions et une veine mélodique souvent inspirée. Après un Arising thunder qui joue la carte d'un speed épique classique et efficace à défaut de mieux, Awake from darkness est vraiment une belle chanson. Ce début prometteur ne sera pas vraiment confirmé ensuite : Lease of life, ballade avec piano assez inattendue de la part d'Angra, s'enlise complètement sur la fin, et Spirit of the air tombe carrément dans le patchwork sans cohérence et vraiment peu convaincant. La deuxième moitié de l'album va alter entre passages sympathiques (le début de A monster in her eyes>) et transitions étranges rendant trop de pistes décousues (un peu comme si le groupe essayait de "faire prog" sans vraiment y arriver). Heureusement, le disque se conclut sur la mélancolique Ashes qui est pour le coup très réussie. Mais l'ensemble reste pour moins bancal.
  
  
• Angra - Secret Garden (2014) ★ ★ ½
  
  Chez Angra il y a (à nouveau) du changement de personnel, le deuxième chanteur n'ayant finalement pas tenu beaucoup plus longtemps que le premier (quatre albums au lieu de trois). C'est Fabio Lione, ancien de Rhapsody, qui reprend le flambeau, le signe d'une orientation speed épique vraiment assumée ? En fait non, pas vraiment. Pourtant, la deuxième piste, Black hearted soul, qui démarre sur fond de choeurs et de violons synthétiques, est un plagiat assez évident du style Rhapsody (plutôt bien fichu d'ailleurs), mais elle est encadrée par deux chansons qui misent beaucoup plus sur des sonorités assez électro, très sympathiques même si on tombe par moments dans la facilité (notons tout de même le retour d'une influence hispanisante dans le break de Newborn me, piste qui aurait pu être exploitée dans la suite de l'album). Après ce début somme toute très encourageant, le disque tombe malheureusement un peu dans le pot-pourri de chansons sans lien, ne sachant manifestement pas trop dans quelle direction partir, et tombant parfois dans la médiocrité (la chanson-titre, chant féminin sur fond de piano et de synthés mielleux, n'a strictement rien à faire là, Upper levels mélange tout et n'importe quoi sans cohérence, et Silent call avec son choeur sur fond de guitares acoustiques est aux frontières du ridicule). L'ensemble reste sauvé par la qualité technique (les solos sont toutefois rarement inoubliables) et un sens mélodique assez sûr, mais au niveau de l'ambition d'ensemble, on est quand même à quelques années-lumières de l'époque Holy Land.
  
  
• Angra - Ømni (2018) ★ ★
  
  Encore du changement au niveau du lineup pour Angra, c'est cette fois-ci l'un des deux guitaristes fondateurs qui est parti rejoindre Megadeth. Bon, honnêtement, ça n'a pas une grande importance tant Angra produit depuis quelques albums une musique peu personnelle, tantôt du gentil plagiat de Rhapsody (les premiers titres de cette cuvée sont tout à fait dans cet esprit-là), tantôt des chansons plus développées mêlant un peu tout et n'importe quoi sans grand souci de cohérence (ici on a droit à des choeurs tribaux sur Caveman, des sons électro incongrus sur Magic mirror, ou à la balade FM Always qui n'a simplement pas sa place sur le disque). Une nouveauté tout de même cette fois-ci, la chanson Black widow's web joue la carte des invités en faisant dialoguer, outre le chanteur du groupe, une dénommée Sandy au chant très clair, et le growl vomitif d'Alissa White-Gluz d'Arch Enemy, ce qui m'aura permis de confirmer que cette dernière est assez insupportable à écouter. Dans l'ensemble, le disque reste agréable à écouter, mais il souffre quand même d'un Fabio Lione pas très inspiré au chant (il semble forcer en permanence pour se faire une place) et d'une dernière piste ridicule, où les musiciens ont eu la brillante idée de proposer une conclusion orchestrale triomphaliste, mais jouée au synthé MIDI. Ils sont vraiment fauchés à ce point les brésiliens ?
  
  
  
  
• Animals as leaders - Animals as leaders (2009) ★ ★ ½
  
  Après avoir passé par mal de temps ces dernières semaines à écouter du metal plus ou moins extrême mais globalement assez accessible, retour à quelque chose de beaucoup plus sérieux avec l'un des groupes préférés des amateurs de djent, cette sous-branche ultra-technique du metal progressif. Et de fait, rien de surprenant là-dedans, il s'agit de musique très technique (projet d'un guitariste particulièrement virtuose), hyper maîtrisée, avec ambiances très variées et sophistiquées, mais qui lorgnent vers plein de choses assez éloignées de la sphère metal proprement dite (pas mal d'utilisation de sons électroniques, de la guitare acoustique sur certaines pistes, et même des tentations presque jazzy par moments, comme sur Soraya, qui du coup me plait assez peu). Rien de surprenant non plus du coup à ce que j'apprécie assez moyennement cette musique. Non pas que je trouve ça mauvais, loin de là, mais si quelques pistes me convainquent sans problème (Behaving badly, le nettement plus percutant et assez impressionnant Cafo), d'autres me semblent tourner à vide (On impulse, ou The Price of everything and the value of nothing). Globalement, pour comparer à ce que j'ai pu écouter de plus proche, à savoir les albums de Liquid Tension Experiment, ça manque franchement de nerf (on n'a pas droit aux titres ultras explosifs et jouissifs qui ouvrent les disques de LTE), mais c'est plus homogène en termes de qualité (on n'a pas non plus de pistes crémeuses en cours de route). De la bonne musique pas vraiment pour moi.
  
  
• Animals as leaders - Weightless (2011) ★ ★
  
  Pas de révolution pour ce deuxième album du groupe, bien dans la lignée du premier. On retrouve même certaines ambiances très très proches de celles de l'éponyme, comme cette ambiance détente sur Somnarium qui rappelle celle de On Impulse (du coup, forcément, j'aime pas). Il y a quand même un côté un peu plus ludique sur certaines pistes (le motif initial d'Odessa, l'un de mes titres préférés du disque, ou la rythmique pulsée de Do not go gently) qui aurait à mon sens mérité d'être encore un peu plus développé, dans le sens où la technicité domine quand même trop souvent les chansons (enfin, chansons, façon de parler, ça reste bien sûr purement instrumental), comme sur l'inaugural An Infinite regression (dommage, le titre était plutôt attirant !). Pourtant, alors qu'on approche doucement de la fin de l'album, l'intermède Espera bifurque soudain vers des sonorités assez spatiales, qu'on retrouve au début de To lead you an overwhelming question, et qui me plaisent nettement plus... jusqu'à un intermède "jazz cool" qui refroidit nettement mon enthousiasme naissant. Une belle utilisation de la guitare acoustique sur les dernières pistes quand même, mais pour moi les bonnes idées sont minoritaires par rapport aux passages que je trouve à la limite de l'ennui.
  
  Pas de critique pour les derniers albums du groupe (qui n'en a d'ailleurs sorti que cinq à ce jour), mais quand même quelques mots rapides à leur sujet : après un The Joy of motion plutôt plus réussi que le précédent (j'aime beaucoup la piste The Woven web) mais sur lequel mon avis global resterait quand même à peu de choses près le même, le groupe a encore renforcé le côté technique imbittable dans ses deux dernières productions, et assez bizarrement, je préfère ces deux albums aux précédents, et notamment le petit dernier Parrhesia. Pas de quoi crier au chef-d'oeuvre non plus, mais c'est cohérent dans le côté presque abstrait de la musique (pas d'intermèdes plus ou moins planants) et rythmiquement toujours aussi impressionnant.
  
  
  
  
• Anthrax - Fistful of metal (1984) ★ ★
  
  Anthrax c'est un peu la cinquième roue du carrosse du thrash, le groupe qui a été été intronisé comme un "Big Four" du genre aux côtés des légendes Metallica, Megadeth et Slayer, mais dont personne ne comprend plus bien pourquoi trente ans plus tard, et qui traîne une réputation plutôt incongrue dans ce style de groupe "fun". Pour son premier essai discographique, le groupe nous propose en tout cas une pochette assez grotesque (qui fait forcément penser à une autre un peu plus tardive et célèbre d'un certain Pantera), mais surtout un thrash bien dans son jus avec production datée et chanteur totalement incompétent. Bon, on sait bien que ce genre de détail n'a jamais empêché un groupe de percer, mais là quand même, ça gâche pas mal le disque. Une remasterisation ne ferait vraiment pas de mal tant le son est étouffé et la batterie fait de la bouillie, et le chanteur fait vraiment mal aux oreilles (il disparaîtra avant que le groupe n'enregistre un second album), notamment dès qu'il tente de partir dans l'aigu. Bon ok, mais la musique dans tout ça ? Eh bien c'est vraiment du thrash très classique (c'était probablement plus novateur à l'époque), avec une ou deux intros vraiment réussies (celle de Panic), et quelques riffs qui donnent envie de bouger (Metal thrashing mad, sûrement le sommet du disque), mais rien d'exceptionnel non plus et une homogénéité qui donne l'impression que ça tourne en rond alors que l'album ne fait qu'une grosse demi-heure. Rien de très fun là-dedans, mais surtout rien qui mérite de se replonger dans cet album si on n'est pas un adorateur du thrash des débuts.
  
  
• Anthrax - Spreading the disease (1985) ★ ★
  
  Hasard du calendrier je chronique aujourd'hui un disque dont le titre est le même que celui d'une chanson de Operation : Mindcrime, album sujet de ma précédente chronique. Le genre, lui, en est assez éloigné, mais depuis sa première tentative, Anthrax a changé des choses, avec un chanteur très différent qui paraît même un peu déplacé (chant bien clair et très net, très en avant par rapport aux guitares toujours aussi fouillis en fond, ça ne fonctionne pas vraiment, mais au moins lui sait chanter) et une plus grande assurance de tous les musiciens. Est-ce suffisant pour faire de cet album le classique dont il a la réputation ? En fait non, c'est un peu mieux mais ça reste trop basique (quand il y a un bon riff ou un refrain efficace, comme sur A.I.R. ou Stand or fall, il est répété sans variations tout le long de la chanson) pour vraiment intéresser à long terme (et puis bien sûr, le son daté n'aide pas). Et puis bon, si le côté soi-disant fun du groupe c'est la fin complètement ridicule de Gung-ho, on va espérer qu'ils ne feront pas trop d'autres blagues sur les albums suivants. Restent quelques intros sympathiques et un Armed and dangerous pas si mauvais même si l'influence du Metallica de Fade to black est bien trop présente (et que c'est un très gros cran en-dessous). Pas de quoi s'emballer donc.
  
  
• Anthrax - Among the living (1987) ★
  
  Après deux premiers essais pas franchement concluants, cette troisième tentative ressemblait à un rendez-vous de la dernière chance entre Anthrax et moi-même, puisque ce disque est assez unanimement considéré comme le sommet de la carrière des new-yorkais. Eh bien, comme rendez-vous manqué, on peut difficilement imaginer mieux, tant les défauts de cet album me sautent à la figure tandis que ses qualités me semblent bien maigres. Déjà, la production reste assez problématique, le son des guitares n'est pas net et manque cruellement de puissance mais elles sont surtout totalement bouffées par le chant mis très en avant, ce qui est évidemment gênant quand le chant en question est atroce tout le long. Non pas que le chanteur soit nul (j'ai déjà dit qu'il était nettement meilleur que le précédent), mais il adopte ici un style scandé (limite rappé !) systématique sur les couplets qui le rend insupportable. Il aurait donc fallu que la musique en fond soit spectaculairement inspirée pour que je puisse être emballé, et elle ne l'est pas. Tout au plus du riff thrash potable mais sans imagination, pas mélodique pour deux sous et trop souvent répétitif. La fin de l'album est un peu meilleure (One world est même un vrai bon titre) mais le fait que la chanson titre ou I am the law puissent être considérés comme des classiques est pour moi totalement incompréhensible.
  
  
• Anthrax - State of euphoria (1988) ★ ★
  
  Les fans de la première heure d'Anthrax considèrent que ce quatrième album marque le début de la fin pour le groupe. En ce qui me concerne, c'est au contraire le premier où je commence à trouver leur musique intéressante, quoique seulement par intermittences. L'album commence pourtant vraiment bien, avec un Be all, end all à l'intro au violoncelle surprenante (mais une fois de plus de toute façons, les intros sont souvent ce qu'il y a de mieux dans les chansons de cet album) mais surtout un côté plus mélodique qu'à l'habitude qui me convient bien. Le chant est pour moi nettement moins problématique que sur Among the living (même si ça se gâte ensuite, notamment sur Now it's dark), et la bonne tendance est confirmée par les deux titres suivants, même l'assez déjanté Make me laugh me semble assez réussi. Et puis il y a cette curieuse reprise d'Antisocial plantée au beau milieu de l'album. Déjà, c'est une idée étrange (c'est inévitablement moins bon que l'original de Trust même si assez fidèle, le refrain notamment ne passe pas du tout aussi bien), mais surtout, ça semble complètement couper les jambes du groupe, qui retombe ensuite dans la médiocrité, entre un Who cares wins beaucoup trop long et les titres finaux franchement ratés. Bon, dommage, l'album vraiment réussi ne sera pas encore pour cette fois, mais au moins il y a ici la démonstration d'un certain potentiel, suffisant pour que je continue l'aventure encore un peu.
  
  
• Anthrax - Persistence of time (1990) ★ ★ ½
  
  Ce cinquième album sera le dernier à être enregistré avec le chanteur Joey Belladona, et à l'écoute on comprend facilement pourquoi un changement de vocaliste est apparu nécessaire. En effet, il y a une grosse évolution de style ici, Anthrax délaissant son côté festif et sautillant pour proposer un thrash nettement plus sérieux (on pense souvent à Metallica niveau instrumental), avec des titres plus longs, alors même que ce disque est sorti à une date où ce genre de musique battait de l'aile (pas très en phase avec leur époque, les musiciens d'Anthrax puisque jusque-là ils étaient plutôt en avance sur leur temps !). C'est d'ailleurs fait de façon plutôt correcte, sans génie mais avec une efficacité certaine (Time, One man stands), mais le chant de Belladona est clairement à côté de la plaque pour ce genre de musique, beaucoup trop clair et pas assez agressif. À la limite, le chant quasi rappé de Blood serait plus adapté, c'est dire...
  
  
• Anthrax - Sound of white noise (1993) ★ ★ ★ ½
  
  Encore un groupe qui a changé de chanteur à mon programme aujourd'hui. Mais ici, ce changement est vraiment largement audible, et accompagne de façon logique l'évolution stylistique du groupe. Pour ce premier disque avec John Bush au chant, Anthrax propose en effet un metal beaucoup plus mélodique qu'à l'habitude, qui laisse un peu de côté le thrash technique au point de donner parfois dans la facilité. Bon, ok, disons-le clairement, le groupe a fait son Black Album avec quelques années de retard sur leurs comparses de Metallica. Il y a là certainement de quoi énerver les fans de la période Balladona, mais pour quelqu'un comme moi qui n'a au contraire pas aimé les albums précédents et qui adore le disque culte de Metallica, c'est franchement une bonne nouvelle ! Et d'ailleurs, sans atteindre les sommets de son modèle, on a là un disque franchement sympa, avec des riffs qui fonctionnent très bien (Room for one more, 1000 point of hate), une inévitable ballade réussie (Black Lodge), et même quand le groupe part dans du n'importe quoi festif qui ressemble plus à son ADN je suis cette fois-ci assez conquis (Burst et sa basse galopante). Si l'évolution du groupe le pousse à produire d'autres albums de ce calibre, franchement, je suis prêt à changer d'avis sur Anthrax !
  
  
• Anthrax - Stomp 442 (1995) ★ ½
  
  Avec ce septième album, Anthrax continue sa mue vitesse grand V : le passage par un metal simplifié et mélodique sur l'album précédent n'aura finalement été qu'une étape, là on est passé carrément à autre chose, avec une influence très forte de la nouvelle scène américaine (vous savez, les bourrins de chez Pantera et Machine Head). Voila qui n'est pas forcément pour me plaire, et je trouve de fait ce disque très moyen. Certes le son est impressionnant et la section rythmique envoie du pâté, mais c'est d'une linéarité qui fait que ça lasse très vite, le groupe n'ayant manifestement pas les moyens dans ce style de faire grand chose d'autre que bourriner sans variations pendant trois quarts d'heure. Ce n'est d'ailleurs pas forcément mal réalisé, mais bon, quand on n'est déjà pas un fan absolu des groupes cités plus haut, une copie des dits groupes en moins bien, ça ne peut qu'être assez décevant. Et puis conclure sur un titre acoustique sans aucun lien avec ce qui précède est une idée curieuse (surtout que le titre en question est clairement mauvais).
  
  
• Anthrax - Volume 8 : The Threat is real (1998) ★
  
  C'est gentil de la part d'Anthrax de préciser qu'il s'agit là de leur huitième album, ça m'évite de perdre le fil. On est en donc au troisième avec John Bush, et il faut bien admettre qu'après un Sound of white noise très prometteur, Stomp 442 avait bien douché mon enthousiasme naissant. Cette nouvelle tentative ne fera pas grand chose pour remonter la pente. En fait, Anthrax y fait ce qu'il veut, c'est-à-dire assez souvent n'importe quoi, sans aucun souci de cohérence. On a donc quelques morceaux très teintés neo metal (les riffs ne sont vraiment pas très recherchés) mais plutôt sympathiques (le début de Crush, Killing box), au milieu desquels sont insérés des titres nettement plus bordéliques (l'incompréhensible Inside out), des délires "country metal" risibles (Toast to the extras) et des intermèdes où le groupe se tape juste un délire sans intérêt. Un album qui aura bien du mal à provoquer un intérêt chez d'autres que les fans absolus du groupe.
  
  
• Anthrax - We've come for you all (2003) ★ ½
  
  Cinq ans après le précédent, et alors que le groupe est entré dans une période de turbulences dont il aura bien du mal à sortir, Anthrax sort un dernier disque avec John Bush au chant. En ayant lu pas mal de bien j'espérais qu'il remonte effectivement la pente par rapport aux précédents, mais en fait ce n'est guère le cas. Certes, on évite ici les pistes complètement délirantes du disque précédent, mais n'empêche que ce qui reste est beaucoup trop long (pas moins de 16 titres dans la version complète), et surtout que le chant de Bush y est extrêmement pénible, en permanence crié sur des lignes vocales grossières. Comme le fond instrumental donne lui aussi bien souvent dans la facilité malgré quelques bonnes idées (l'intro de Any place but here, le côté plus vintage de Taking the music back), ça suffit à faire une nouvelle fois passer l'album du côté de la médiocrité. Ceux qui aiment les productions bien puissantes des années 2000 admireront tout de même le rendu sonore assez impressionnant.
  
  
• Anthrax - Worship music (2011) ★ ★ ★
  
  Pas moins de 8 ans séparent ce dixième album studio d'Anthrax du précédent. Entre temps, beaucoup d'agitation au sein du groupe, des changements de line-up à ne plus savoir où donner de la tête, et finalement Joey Belladonna qui reprend du service côté chant. Pas forcément une bonne nouvelle en ce qui me concerne, mais bon, vu le niveau des derniers disques avec Bush, ça aura au moins le mérite d'apporter un peu de renouvellement. Mieux, ça semble même avoir redonné de l'inspiration à tous les musiciens, qui font preuve d'énergie et d'envie tout au long de l'album malgré le caractère très inégal des compositions proposées. L'inaugural Earth on hell laisse entendre un retour à un thrash agressif (encore amplifié par le son aussi énorme que sur les disques précédents du groupe), mais c'est une illusion car la suite navigue plus entre heavy mélodique musclé (Fight 'em 'till you can't) et carrément du hard popisant d'assez mauvais goût (mais pas forcément si mauvais, The Devil you know fonctionne assez bien malgré ce côté racoleur ; par contre avec The Constant on tombe assez bas). Comme si Anthrax ne pouvait pas s'empêcher de tomber dans la facilité, ce qui est manifeste aussi dans le nombre élevé de morceaux proposés, donc certains s'étirent d'ailleurs plus que de raison (Judas Priest). Dommage, car ça vient un peu plomber un album qui reste quand même globalement de bonne tenue, et qui est surtout éclairé par quelques tentatives assez inclassables qui montrent que le groupe reste capable de fort bonnes choses : I'm alive est très intéressant malgré son refrain horriblement pop, et surtout In the end (avec son Hymn 1 introductif aux violoncelles !) crée une ambiance épique assez exceptionnelle, chose qu'on n'imagine guère chez Anthrax. De mon point de vue de "pas fan du tout du groupe", il ne manquait pas grand chose à ce disque pour devenir tout simplement le meilleur de leurs auteurs.
  
  
• Anthrax - For all kings (2016) ★ ★
  
  Depuis le retour de Belladonna au chant, Anthrax s'est trouvé un nouveau style assez éloigné de celui qui a fait sa réputation il y a quelques décennies (quand on écoute un Breathing Lightning, difficile de reconnaître un des piliers du thrash). Pourtant, leur album précédent était vraiment sympa et contenait quelques titres vraiment inspirés. Celui-ci lui ressemble... sans les titres vraiment inspirés. On vaque à nouveau assez souvent sur les rivages d'un hard rock mélodique qui s'écoute gentiment mais dont l'intérêt est fort limité, avec quelques pistes un peu plus brutales pour vaguement sauver la face (mais même un titre comme Suzerain qui démarre violemment est affublé d'un refrain mielleux au possible). L'ensemble est très acceptable en musique de fond, mais ça ne mérite pas vraiment plus d'attention que ça.
  
  
  
  
• Apocalyptica - Plays Metallica by four cellos (1996) ★ ★
  
  Quand on a soi-même taquiné un peu le violoncelle dans sa jeunesse, le projet des finlandais d'Apocalyptica ne peut qu'attirer : du metal joué aux violoncelles, sans même l'appui d'une batterie ou d'un chanteur (du moins sur ce premier album), qui plus est par des gars qui ont une formation classique solide. Pour leurs débuts, ils n'ont en tout cas guère pris de risque en se contentant de reprises du groupe de metal le plus célèbre qui soit, qui plus est en sélectionnant uniquement des tubes absolus, et sans modifier la moindre note aux compositions initiales. La performance technique force le respect, mais il faut bien admettre que le manque de basse à gros son (même si le registre grave des violoncelles est nécessairement (sur)exploité) uniformise et appauvrit sérieusement le rendu. Sans surprise, ça passe mieux sur une ballade mélodique comme The Unforgiven que sur des titres plus rapides et violents (Master of Puppets survit toutefois correctement, Enter sandman moins). Une curiosité sympathique, mais au fond assez vaine.
  
  
• Apocalyptica - Inquisition Symphony (1998) ★
  
  Pour leur deuxième album, les finlandais évoluent, mais doucement. Toujours une écrasante majorité de reprises, mais un peu plus variées (Metallica est rejoint par Sepultura, Pantera et Faith no more), et aussi trois composition originales. Hélas, dans les deux directions, la diversification est un gros échec. Les choix discutables pour les reprises de titres plus agressifs alors que le manque de base rythmique est toujours gênant rend notamment l'audition des Sepultura à la limite du pénible, et même For whom the bells tolls est joyeusement massacré. Quant aux compositions originales, elles se cherchent encore beaucoup trop, avec des transitions mal gérées et un contenu qui n'est pas franchement transcendant. Bref, un album plus que dispensable.
  
  
• Apocalyptica - Cult (2000) ★ ★ ★
  
  Troisième album du groupe, qui se décide enfin à prendre réellement son envol en ne proposant plus que trois reprises casées en fin d'album comme des bonus (par ailleurs très sympathiques, avec un Hall of the mountain king assez dément et une reprise efficace de Ride the lightning). Surtout, les compositions qui forment le reste du disque marquent une très nette évolution par rapport à celles de l'album précédent. Certes il y a un systématisme un peu trop évident dans l'alternance entre des pistes lentes où le violoncelle aligne les lignes mélodiques lacrymales (sur Romance notamment), et d'autres plus nerveuses qui alignent les effets de saturation pour tenter de dynamiser le tout (comme sur un Hyperventilation assez barré). En fait, le groupe s'en sort mieux quand il quitte les formules toutes faites (les notes répétées pour tenter de donner une assise rythmique) et tente autre chose, l'ambiance inquiétante de Coma est assez réussie. En fait, le plus gros défaut du disque, c'est quand on a comme moi découvert le groupe avec leur album suivant, et qu'on se rend compte que les lignes mélodiques de ce dernier ressemblent très souvent à celles proposées sur Cult. Du coup, on a un peu de mal à considérer celui-ci comme autre chose qu'une préfiguration de son petit frère, en moins inspiré.
  
  
• Apocalyptica - Reflections (2003) ★ ★ ★ ★ ½
  
  Un album que j'avais découvert il y a bien longtemps, sans jamais chercher à approfondir la discographie du groupe alors même que je l'avais beaucoup apprécié. La réécoute ne m'a pas déçu : l'introduction de la batterie donne enfin au groupe l'assise qui permet aux mélodies de violoncelle de développer des mélodies plus recherchées et complexes, et les ambiances sont vraiment prenantes. Alors bien sûr, on s'éloigne assez sérieusement de l'esprit metal sur pas mal de pistes (la ballade avec piano Faraway est un peu caricaturale, mais c'est quand même rudement beau), mais dans ce genre-là, c'est assez imparable. Même pas besoin d'être un fan de violoncelle pour prendre beaucoup de plaisir à l'écoute des mélodies finement ciselées proposées par le quatuor finlandais.
  
  
• Apocalyptica - Albums postérieurs à Reflections ★
  
  Bon, je l'admets volontiers, c'est un peu facile (et bas) de regrouper ainsi tous les derniers albums du groupe finlandais, mais franchement, il aurait mieux valu pour eux que leur carrière s'arrête après le très réussi Reflections. On pouvait logiquement attendre beaucoup de l'album éponyme suivant, mais la première piste anéantit tout espoir après quelques secondes, l'apparition au chant d'une espèce de minet rock FM étant irrécupérable. Il ne sévit heureusement que sur une autre piste (accompagné d'ailleurs d'un comparse au chant nettement plu supportable) mais le mal est fait, et les pistes instrumentales qui complètent l'album confirment hélas une autre mauvaise nouvelle : la capacité du groupe à se renouveler n'est vraiment pas flagrante, on est à la frontière de l'auto-plagiat par rapport à Reflections plus d'une fois. Autant donc se contenter de ce dernier et oublier ce mauvais album.
  Mais les disques suivants ne vont pas aller en s'améliorant : Worlds collide généralise le concept "on invite des chanteurs" mais tourne carrément à la réunion de potes (la liste est par ailleurs prestigieuse) venus faire une reprise sans intérêt ou illustrer un titre pop à vomir. Les plages instrumentales retrouvent un peu d'inspiration, mais ça ne suffit pas. Le 7th Symphony qui suit, malgré son titre ambitieux, tourne exactement autour du même concept, et Shadowmaker tombe encore plus bas, puisque là c'est toujours le même inconnu qui chante les niaiseries pop-rock, et qu'il est franchement mauvais. Petite lueur d'espoir tout de même, le récent Cell-O revient à un format purement instrumental et semble même marcher sur les traces de Reflections, sans toutefois approcher la réussite de ce dernier (mais objectivement, il mérite nettement plus qu'une étoile). De quoi espérer à nouveau un bon album dans un futur proche ? On peut toujours rêver...
  
  
  
  
• Arch Enemy - Black Earth (1996) ★ ★ ★
  
  La volonté de faire lourd à peu près en permanence est manifeste : son très compact, chant bien viril constamment dans le grave, les respirations sont rares, à l'exception des quelques solos de guitare (assez anecdotiques d'ailleurs), et d'un petit break sur Cosmic retribution qui semble presque s'être perdu là. Bon, pourquoi pas, ce n'est pas désagréable car c'est malgré tout assez bien fichu, et surtout agrémenté d'une vraie bonne base mélodique (le "refrain" de la piste initiale Bury me an angel par exemple), mais ça finit tout de même par tourner un peu en rond faute de vraie variété, surtout au niveau du chant (même pour ce type de chant, on doit quand même pouvoir faire moins monocorde). Un coup d'essai (c'est le premier album du groupe) intéressant mais pas encore assez abouti.
  
  
• Arch Enemy - Stigmata (1998) ★ ★ ★ ★ ½
  
  Cette deuxième fournée est déjà nettement plus aboutie que la première. En fait, les défauts que je voyais dans l'album précédent ont été en grande partie gommés : beaucoup plus de variété (jusqu'à tenter un instrumental avec clavier sur Vox stellarum !), des instrumentistes qui jouent tous un rôle dans l'équilibre du groupe (les solos de guitare sont toujours un poil scolaires à mon goût, mais le petit solo de batterie au début de Let the killing begin est par contre bienvenu), et surtout des titres plus longs et mieux construits (le très bon Dark of the sun notamment), le tout sans perdre de la verve mélodique qui rendait déjà l'opus précédent assez attirant (on notera d'ailleurs une forte ressemblance au niveau de la mélodie entre Let the killing begin et le Bury me an angel du premier album). Beaucoup de très bons morceaux dans le lot (Sinister Mephisto, Tears of the dead entre autres), et peu de fautes de goût (la conclusion de Bridge of destiny est un peu platounette quand même avec sa mélodie naïve), c'est vraiment un quasi sans faute ! Bon, si quand même, je ne peux pas passer sous silence le beugleur chanteur toujours aussi monolithique (on a l'impression qu'il chante une seule note tout le long de l'album en fait).
  
  
• Arch Enemy - Burning bridges (1999) ★ ★ ½
  
  Pas grand chose à dire de ce troisième album, tout à fait dans la lignée du précédent, avec même un peu plus de contenu technique (les solos de guitare sont un peu moins appliqués qu'avant) et toujours cette volonté de proposer des mélodies engageantes mais ... ben je ne sais pas, ça me semble beaucoup plus formaté et insipide que sur l'album précédent. Pas mauvais non plus mais ça tourne un peu à vide, une impression d'entendre vraiment du metal "standard", très carré, avec rien qui dépasse, mais aussi justement sans le petit plus qui fait dresser l'oreille. On est pas loin du mauvais goût par moments aussi (les claviers et les violons de la chanson titre...).
  
  
• Arch Enemy - Wages of sin (2000) ★ ★ ★ ½
  
  Pour le quatrième album du groupe, changement de line-up, le chanteur beugleur a été remplacé par une accorte jeune blonde. Diable, faut-il y voir le signe d'un changement de style pour se diriger vers de la soupe lyrico-symphonique façon Nightwish (je dis ça, j'adore par ailleurs Nightwish !) ? En fait pas du tout, la chanteuse est en permanence en chant guttural et beugle donc autant que son prédécesseur. C'est assez impressionnant (on n'imagine bêtement pas une femme chanter comme ça), plutôt moins monolithique qu'avec le chanteur précédent, mais pas vraiment plus subtil et tout aussi lassant à la longue. À vrai dire, ça ressemble surtout à un gros coup marketing de la part du groupe, coup qui semble d'ailleurs avoir bien réussi. Niveau musique, on est quelque part entre les deux albums précédents : ça commence très très bien avec deux titres qui retrouvent une inspiration mélodique vraiment sympa, mais la suite de l'album ne tient pas totalement ces belles promesses. Structure très prévisible des morceaux (le break avec solo de guitare systématique en fin de morceau...), la batterie est trop souvent en mode "speed automatique", et l'instrumental placé avant la dernière chanson aurait été une vraie bonne idée s'il ne s'était pas limité à une mélodie répétée trois fois à la guitare pour tenir péniblement une minute trente. Je suis un poil méchant car il n'y a malgré tout pas de vrai ratage, et plusieurs titres (outre les deux premiers déjà notés) sont très sympa, notamment Web of lies ou le final Shadows and dust, mais disons que le disque dans son ensemble sent bon le produit bien calibré pour un succès commercial, et qui ne cherche pas à monter jusqu'au niveau "album mémorable" alors qu'il en avait le potentiel.
  
  
• Arch Enemy : Anthems of rebellion (2003) ★ ★ ★ ★
  
  Le précédent album du groupe m'avait légèrement frustré par un manque évident de prise de risque qui laissait un peu retomber le soufflé après un début de disque très prometteur. Celui-ci est dans la droite lignée, avec des morceaux qui tournent à peu près tous autour de recettes bien éprouvées, mais à l'efficacité assez indiscutable : une intro martiale pour se mettre dans le bain, puis on aligne les titres de 4-5 minutes avec une structure toujours semblable, mais tout de même une certaine variété d'ambiances (très speed sur Dehumanization, plus electro dans Instinct, un petit break plus mélancolique avec violoncelles dans Dead eyes see no future), des instrumentaux à nouveau très (trop) courts pour faire bonne impression, ça ne cherche vraiment pas à réinventer la roue, mais en même temps c'est fait avec un soin indiscutable et, contrairement à Wages of sin, je trouve qu'il y a ici très peu de baisses de tension (Despicable heroes me semble être le titre le moins réussi), et quelques morceaux vraiment efficaces (Exists to exit ou Leader of the rats). Bref, pas de quoi cracher dans la soupe non plus, c'est du bon.
  
  
• Arch Enemy : Doomsday machine (2005) ★ ★ ★ ★ ½
  
  Encore un album sans prise de risque, mais la qualité est au rendez-vous, beaucoup de mélodies accrocheuses, même si certaines transitions laissent un peu à désirer (dans My Apocalypse par exemple) et si la voix de la chanteuse semble avoir été bidouillée électroniquement sur certaines pistes pour un effet bizarre (m'enfin bon, en ce qui me concerne, ça ne change pas énormément ma perception de la qualité de la chose !). On peut aussi regretter l'instrumental Hybrid of steel assez bizarrement fichu (finalement je n'aurais peut-être pas du me plaindre que les instrus étaient trop courts sur les albums précédents). En fait, c'est quand ils font de l'hyper classique très bien maîtrisé qu'Arch Enemy assurent, et il y en a largement assez ici (Skeleton dance, Mechanic god creation ou l'excellent morceau final Slaves of yesterday) pour prendre beaucoup de plaisir sans aller chercher plus loin.
  
  
• Arch Enemy - Rise of the tyrant (2007) ★ ★ ★ ½
  
  Il ne faut pas s'attendre à être surpris quand on se met dans les oreilles un nouvel album d'Arch Enemy, c'est toujours à peu près les mêmes recettes : des structures hyper prévisibles mais un sens mélodique certain, et par-dessus les beuglements sans grand intérêt de la chanteuse. Exactement ce qu'on trouve dans ce Rise of the tyrant, quelques bons titres un peu affadis par les facilités (In the shallow grave par exemple est sympa, mais les marches harmoniques paresseuses...), mais aussi des moments où cette même facilité finit par énerver un peu (l'instrumental Intermezzo libertés, outre son titre ridicule, est dégoulinant à souhait, et les premières pistes de l'album auraient franchement mérité un peu plus d'imagination à la batterie). Encore une fois un album un peu frustrant, ça se laisse très bien écouter, mais on sent que le potentiel n'est pas exploité à fond.
  
  
• Arch Enemy : Khaos Legions (2011) ★ ★ ½
  
  J'ai déjà signalé le côté "paresseux" du groupe deux ou trois fois dans mes précédents comptes-rendus, il faut bien admettre que ça se confirme ici, et même que ça s'intensifie un peu. Toujours les mêmes recettes mélodiques, une prise de risque réduite à pas grand chose (notons l'apparition de quelques violons synthétiques sur Cruelty and beauty, c'est maigre), mais surtout des transitions médiocres, des solos qui sentent le remplissage et un gros air de déjà entendu sur pas mal de pistes (le début de Through the eyes of a raven typiquement). Rien de franchement raté non plus dans tout ça, mais ça ne décolle que trop rarement (No gods, no master est pour moi le sommet assez incontestable de l'album), une sorte d'easy-listening du metal qui se contente de faire passer un bon moment sans se prendre la tête, le groupe a quand même fait (beaucoup) mieux auparavant.
  
  
• Arch Enemy - War eternal (2015) ★ ★
  
  Me voici donc arrivé au changement de chanteuse du groupe. On reste dans la catégorie "jeune femme qui chante guttural comme un vrai metalleux", et pourtant la voix est vraiment différente, là où Angela Gossow se contentait en quelque sorte d'un hurlement assez standard, la nouvelle venue Alissa White-Gluz a un son plus, euh, comment, dire, vomitif. Non, vraiment, on a limite l'impression que les tripes vont sortir avec par moment, c'est d'une laideur assez impressionnante, d'autant plus que c'est accentué par des effets volontaires accentuant encore ce phénomène (sur No more regrets notamment). Bon, même en faisant relativement abstraction du chant depuis plusieurs albums, j'avoue que là j'ai un peu de mal. C'est un peu dommage d'ailleurs car pour le reste, il y a plutôt du mieux après deux albums qui étaient assez clairement sur la pente descendante : une intro avec orchestre et clavecin (enfin, synthés imitant le tout) plutôt classe, et des petites touches orchestrales dans d'autres pistes qui se marient bien au style mélodique du groupe, mais sont malheureusement assez sous-exploitées (les intros de You will know my name et surtout l'espèce de rengaine qui démarre Time is black). Il faut aussi noter la première chanson, Never fogive never forget qui renoue avec une inspiration mélodique plus vue depuis un moment. Dommage que tout l'album ne soit pas à ce niveau, il y a pas mal de pistes de remplissage (les instrumentaux sont encore une fois d'une pauvreté absolue). Tout de même un dernier bon point : le CD s'achève sur une reprise réussie de Mike Oldfield (Shadow of the wall, je ne connaissais pas du tout, mais c'est vraiment sympa).
  
  
• Arch Enemy - Will to power (2017) ★ ★ ½
  
  Dernier album en date du groupe, bien dans la lignée du précédent, mais en un peu mieux (à mon humble avis personnel, comme d'habitude !). Je me suis peut-être un peu habitué à la chanteuse, en tout cas je trouve qu'elle en fait nettement moins dans le vomitif laid, et on a même droit (incroyable !) à un peu de chant clair sur Reason to believe. L'occasion de constater qu'en fait elle chante bien, mais bon faut pas rêver, c'est vite mis de côté pour revenir à du guttural. C'est d'ailleurs une constante sur les derniers albums du groupe, des petites touches d'originalité qui pourraient vraiment ajouter une plus-value aux chansons (ici, on a droit à un peu de piano en conclusion de quelques titres, à des petites guirlandes de clavecin sur Dreams of retribution et carrément à une intro orchestrale avec violoncelles bien bien synthétiques sur A Fight I must win), mais qui ne sont pas vraiment exploitées, ça revient systématiquement très vite à du speed mélodique assez bateau avec batterie en mode mitraillette vraiment pas très intéressante. Ce sera globalement mon ressenti pour ce groupe : trop de facilités qui font qui font qu'ils produisent des albums sympa sans grand plus, quand ils pourraient faire beaucoup mieux.
  
  
• Arch Enemy - Deceivers (2022) ★ ★ ★
  
  Nouveau détour par la Suède avec le nouvel album d'un groupe qui est devenu un poids lourd commercial du genre. Je n'ai pourtant que rarement été totalement emballé par leurs disques, leur reprochant régulièrement une certaine paresse dans l'écriture malgré une maîtrise indéniable du death mélodique à chanteuse dont ils sont les fiers représentants depuis maintenant un certain temps. Eh bien, cette nouvelle offrande ne va pas me faire changer radicalement d'avis : c'est solide, c'est bien interprété (même si la voix de la "nouvelle" chanteuse qui officie quand même depuis près de 10 ans ne me plaît toujours pas), les mélodies sont présentes, ça s'écoute tout seul avec un certain plaisir. Et pourtant, je n'atteins jamais un stade dépassant l'acquiescement tiédasse. Je ne suis pas fan du son produit sur ce disque (que je trouve assez étouffé, pas aéré), mais le vrai problème est bien dans les compositions : c'est tellement formaté (on comprend pourquoi le groupe a du succès) qu'on finit par s'ennuyer gentiment. Pourquoi par exemple proposer sur chaque piste ou presque une intro alléchante mais qui est coupée au bout d'une dizaine de secondes pour laisser la place à complètement autre chose ? Pourquoi au contraire arrêter brutalement des titres qui avaient peut-être encore des choses à dire ? Parce qu'on avait dépassé les quatre minutes et qu'il ne faudrait pas qu'on puisse croire que le groupe se met à faire du metal prog ? Seule la dernière piste, Exiled from earth, propose quelque chose qui sorte un peu de l'ordinaire (cette intro avec clavecin et choeur lugubre notamment !) et montre ce que pourrait vraiment donner le groupe s'il se donnait à fond. Bref, une fois de plus, c'est très pro, très bien (avec tout ce que je dis de mal, on pourrait imaginer une note plus basse, mais honnêtement ça reste nettement au-dessus de la moyenne, j'ai même sûrement été un peu sévère), mais ça aurait pu être encore tellement mieux.
  
  
  
  
• Avenged Sevenfold - Sounding the seventh trumpet (2001) ★ ★
  
  Allez, aujourd'hui, entamons la discographie d'un groupe de "djeunz" qui ne l'est plus tant que ça (un peu plus de 20 ans de carrière désormais) qui a de fait déboulé à une époque où le metal allait assez mal, et qui est souvent catalogué "metalcore pour ados", bref le genre d'étiquette qui a tendance à faire fuir avant même d'essayer d'écouter la musique proposée. Pourtant, sur ce premier disque, les influences sont vraiment beaucoup plus nombreuses et variées que ce qu'on pourrait imaginer : un fond de riffs heavy qui fait souvent penser à Iron Maiden, mais accompagné de chant hurlé très laid la plupart du temps (bon, en même temps, le peu de chant clair entendu est assez pénible), lui-même secondé par des choeurs clairs hyper niais (sur Darkness surrounding, c'est assez terrible), d'une batterie hyper envahissante (on a vraiment l'impression que si le batteur passe plus d'un quart de seconde sans taper sur un truc il va pas survivre), de piano mielleux sur certaines pistes, et de breaks et autres changements de rythme permanents. Tout ça constitue d'ailleurs le principal défaut du groupe : il y a des idées, et même de bonnes idées, mais il y en a tellement dans chaque morceau, avec un sens de la structure aux abonnés absents, qu'on ne sait plus où donner de la tête... Un véritable album de groupe débutant finalement, fort de l'énergie juvénile de ses musiciens et d'un sens certain de la mélodie, mais qui propose trop peu de titres convaincants du début à la fin (Lips of deceit est probablement mon préféré). Je suis quand même curieux de voir leur évolution sur les disques suivants, ça peut devenir vraiment intéressant si c'est un peu mieux canalisé.
  
  
• Avenged Sevenfold - Waking the fallen (2003) ★ ½
  
  Après un premier album débordant d'énergie mais trop brouillon, j'espérais une suite qui tienne mieux la route de la part d'un groupe encore en recherche d'équilibre. J'ai été à moitié entendu, mais pas forcément de la façon que j'espérais... La profusion d'idées et le côté fourre-tout difficile à appréhender de la plupart des chansons reste hélas intact, mais le style musical, lui, prend une direction plus claire, en s'éloignant des tendances extrêmes du premier album (on a encore droit à du chant hurlé assez systématique sur les couplets, mais les refrains font systématiquement intervenir un chant clair très typé FM, avec des choeurs bien niais pour couronner le tout) pour se rapprocher d'une sorte de variétoche métal avec insertion de tout et n'importe quoi (violons synthétiques sur quelques pistes, notamment). Heureusement, le fond instrumental reste assez musclé et sympathique, mais l'ensemble est peut-être encore plus bancal que sur le premier essai du groupe, et on retient surtout le côté cheap de l'ensemble, ce qui est un peu fâcheux. En exagérant à peine, on a souvent l'impression de musique calibrées pour servir de fond à un jeu video type Guitar Hero, et pas de vraies chansons à la hauteur de leur ambition. Dommage, une fois de plus, car le matériel proposé par le groupe serait largement suffisant pour produire deux ou trois excellents albums en étant mieux exploité.
  
  
• Avenged Sevenfold - City of evil (2005) ★ ★
  
  Avec ce troisième album, Avenged Sevenfold continue à évoluer et semble avoir trouvé une sorte de point d'équilibre après les expérimentations de ses débuts : exit les tentations extrêmes (la voix est claire tout le temps ou presque désormais, et les choeurs bien sucrés extrêmement présents), on est clairement dans un heavy très vitaminé et mélodique qui se vautre régulièrement dans la facilité. En fait, même si ça se laisse écouter, ça manque encore une fois de l'ambition de faire quelque chose de vraiment marquant, on se contente d'aligner douze mille idées à la suite (ça, la profusion, elle reste bien présente), souvent sans grande logique (la fin aux influences tribales de Sidewinder, les choeurs elfmaniens et autres touches orchestrales de The Wicked end), mais avec le sourire aux lèvres et un enthousiame juvénile (on sent par moments une influence des groupes de speed orchestral type Rhapsody, mais sans le côté épique, simplement en mode "happy nunuche"). Pourquoi pas hein, mais personnellement je continue à trouver ça bien décevant par rapport à ce que ça pourrait donner. Je crois que le "guimauve metal" c'est pas trop mon truc finalement.
  
  
• Avenged Sevenfold - Avenged Sevenfold (2007) ★ ★ ★
  
  Un album sans titre, une couverture blanche sur laquelle est simplement apposé l'emblème du groupe, faut-il voir ici l'affirmation de la part du groupe d'une sorte d'accomplissement dans leur jeune carrière ? Probablement, et il faut bien admettre, même quand on apprécie modérément leurs efforts comme c'est mon cas, qu'ils n'ont pas totalement tort. On a ici une sorte d'apogée de leur metal easy listening aux influences diverses, avec des échappées encore plus imprévisibles que sur l'album précédent (les influences country de Gunslinger et de Dear god, l'ambiance cabaret fantasque de A little piece of heaven, mais aussi des choses qu'on aurait préféré ne pas entendre, comme les voix enfantines à la fin de Unbound et surtout les voix trafiquées façon Daft Punk de Lost), mais une volonté appréciable de raccourcir les morceaux et de simplifier leur structure (l'album a une durée nettement plus raisonnable que son prédécesseur). Et il faut bien admettre que ça débouche sur une suite de morceaux souvent agréables à défaut d'être mémorables (j'aime bien, entre autres, Scream et Afterlife). Il ne faut toujours pas y chercher les chefs-d'oeuvre que le groupe ne cherche manifestement pas à composer, mais dans ce style un peu facile, c'est au-dessus d'une bonne majorité des albums de pop-rock qui sortent par dizaines chaque semaine.
  
  
• Avenged Sevenfold - Nightmare (2010) ★ ★ ½
  
  Ce disque, dont le titre et la pochette peuvent surprendre pour un groupe qui proposait jusqu'ici une musique plutôt joyeuse, est sorti peu de temps après le décès du batteur du groupe (remplacé pour l'occasion par Mike Portnoy !), qui était manifestement aussi l'une des têtes pensantes de l'entreprise. Du coup, faut-il s'attendre à un effondrement complet ? À un changement d'ambiance pour tirer plus du côté du sombre/douloureux/émotionnel ? Pour la deuxième question, la réponse est plutôt oui, avec beaucoup de titres au tempo très mesuré et des intros volontiers dépressives. Mais trop souvent, ce ne sont que des pétards mouillés qui débouchent sur des titres heavy pop ressemblant en tous points à ce que le groupe proposait sur ses albums précédents (Victim en est un exemple frappant, avec son superbe glas initial, qui contraste de façon assez douloureuse avec les petits choeurs nunuches qui émaillent les refrains ensuite). Pas d'effondrement en vue par contre, tout ça est toujours fait avec un grand professionnalisme, même si on sent une certaine prudence chez le groupe cette fois-ci (pas de chansons allant explorer des contrées invraisemblables comme on pouvait en avoir sur l'éponyme précédent). Bref, ça tourne un peu en rond, et ce n'est pas encore pour cette fois qu'Avenged réussira à créer des titres qui prennent vraiment aux tripes. L'ensemble reste toutefois loin d'être désagréable à écouter, notamment la chanson titre et ses guitares épiques qui a une certaine gueule.
  
  
• Avenged Sevenfold - Hail to the king (2013) ★ ★ ★ ★ ½
  
  Beaucoup de fans du groupe considèrent cet album comme l'un des plus faibles de sa discographie, lui reprochant des structures trop prévisibles et des influences trop flagrantes, à la limite du plagiat. Pour moi, au contraire, il s'agit d'une véritable révélation pour un groupe qui n'arrivait jusqu'ici pas à m'emballer vraiment. Alors oui, c'est vrai, les américains ont énormément épuré leur style ici (jusqu'à proposer un album très court pour eux dépassant de peu les 50 minutes), et les influences ressortent plus nettement qu'avant (le Metallica du Black album notamment, sensible jusque dans le mimétisme vocal complètement assumé par le chanteur sur certains titres, mais aussi le côté épique volontiers pompier d'un Requiem qui lorgne plus du côté de Rhapsody et consorts). En même temps, Avenged n'a jamais prétendu réinventer l'eau chaude, et quitte à reprendre des styles déjà explorés, autant ne pas en faire un mélange indigeste (ce qui était un peu le cas de certains albums antérieurs) mais en proposer une redite de qualité et cohérente. Mine de rien, arriver à faire un "plagiat" du Black Album qui soit presque à la hauteur de l'original, c'est loin d'être donné à tout le monde, et c'est plus ou moins ce qu'on a ici. Mélodies redoutablement efficaces et accrocheuses, son nickel, touches orchestrales vraiment réussies (les cuivres de Shepherd of fire, j'adore !), c'est irrésistible de bout en bout... ou presque, les ballades Crimson day et Acid rain manquant pour le coup vraiment de fraîcheur. Mais c'est à coup sûr un album qui fait plus que me réconcilier avec Avenged Sevenfold !
  
  
• Avenged Sevenfold - The Stage (2016) ★ ★ ★ ★
  
  L'album précédent du groupe, que j'avais tant aimé, n'aura été qu'une parenthèse. Exit l'hommage appuyé à une forme de heavy assez classique (mais très classe), le groupe retourne ici à quelque chose de beaucoup plus varié, avec des titres à rallonge (surtout le dernier) à la construction volontiers alambiquée. En fait, disons-le franchement, cet album est le plus prog du groupe (pour le coup, les références à Metallica sont bien loin malgré un ou deux titres qui remuent bien). Mais contrairement à leurs premiers disques qui souffraient d'un trop-plein d'idées pas toujours bien agencé, ici la maîtrise est au rendez-vous, on sent vraiment que leur musique est désormais assez mûre pour proposer des choses construites et cohérentes sans renoncer à surprendre (les cuivres improbables de Sunny disposition, le chant choral de Creating god). Et c'est vraiment réussi, dès la chanson-titre qui ouvre assez magistralement l'album, et... presque jusqu'au bout. J'avoue que, si la plupart des titres précédents me convainquent presque sans réserve (on note quand même encore ici ou là un refrain un peu facile, sur Paradigm et Creating god notamment), j'ai du mal avec Exist, le morceau de bravoure d'un quart d'heure essentiellement instrumental qui conclut le disque. Je n'ai pourtant rien contre les nappes de synthés qui y sont très présentes (oui, on vous a dit que cet album était prog), mais j'ai simplement du mal à accrocher sur la longueur, à mon sens pas vraiment justifiée (les passages techniques ne sont pas palpitants), et le discours collé à la fin sonne plus prétentieux qu'autre chose. Mais, à ce bémol près, c'est tout de même à nouveau un très bel album de la part du groupe, dans un genre très éloigné du précédent.
  
  
• Avenged Sevenfold - Life is but a dream (2023) ★ ★ ★ ½
  
  Avec The Stage, Avenged Sevenfold avait quitté la sphère du heavy metal classique pour proposer un album assez aventureux. Il était pourtant bien sage en comparaison de leur dernière proposition (sept ans après la précédente !), qui laisse cette fois-ci assez loin derrière elle l'univers du metal dans son ensemble (et pourtant, la guitare saturée a une place proéminente dans ce disque). Impossible d'ailleurs d'évoquer tout les styles et influences évoqués ici, parfois au sein d'une même chanson, tant l'album semble vouloir être une somme de tout ce que le groupe a touché de près ou de loin depuis sa création : chant speed façon System of a down sur Game over, samples et motfs électroniques par dizaines, jusqu'à retrouver les voix trafiquées à la Daft Punk par endroits (sur Easier notamment), mais aussi un retour fugace au growl des tous premiers disques du groupe (sur Mattel), une intro technico-prog que ne renieraient pas Haken et consorts (sur G), sans compter le chant de crooner et les cordes synthétiques voluptueuses en fond de (D)eath. Le plus surprenant dans tout ça, c'est que ce mélange particulièrement riche arrive à éviter l'écueil de la dispersion, ça se tient plutôt bien, et l'odyssée musicale à laquelle on est conviés a quelque chose de fascinant. Pour autant, je ne crie pas au chef-d'oeuvre car il y a quelques pistes irritantes dans le lot (We love you est assez insupportable), et quelques idées qu'il aurait été plus sage de laisser de côté (la dernière piste et son improbable pastiche chopinien au piano). Mais la prise de risque et l'effort fourni pour produire un tel disque méritent vraiment d'être salués. Quand on pense qu'Avenged Sevenfold a longtemps traîné une réputation de groupe de suiveurs pour midinettes, leur évolution récente laisse pantois.
  
  
  
  
• Ayreon - The Final experiment (1995) ★ ★ ★ ★
  
  Au beau milieu des années 90, Arjen Anthony Lucassen, jusque-là guitariste (mais il joue de plein d'autres instruments) dans un obscur groupe néerlandais, décide de se lancer dans la composition d'opéras metal (enfin, ils sont qualifiés ainsi, mais c'est plutôt quelque part entre le rock et le metal) sur des sujets mêlant science-fiction et fantasy. Projet ambitieux qui aurait fort bien pu rapidement tourner en eau de boudin, mais le premier disque issu de cette expérience est assez fascinant : quoique bourré de défauts évidents, il donne irrésistiblement envie de le réécouter en boucle. Pourtant, le concept opératique y est géré de façon franchement maladroite : le scenario n'est pas inintéressant (un barde aveugle vivant à l'époque du roi Arthur reçoit des messages télépathiques du futur l'informant de la destruction imminente de la Terre) mais on a juste droit à une succession de chansons rock aux textes assez nébuleux, chantées par différents artistes souvent censés interpréter le même personnage central (le barde Ayreon qui donnera son nom au groupe), et dont les typologies vocales ne collent à mon sens pas du tout aux ambiances souhaitées (il y en a même un dans le lot, celui qui officie sur Merlin's will qui est absolument désastreux et force en permanence, on est encore loin des castings vocaux réunissant la fine fleur du metal que Lucassen arrivera à convoquer pour ses oeuvres ultérieures). C'est peut-être plus clair avec le livret du disque sous les yeux, mais sans c'est assez confus. Et tout ça est agrémenté de choeurs féminins virant parfois au niais, et surtout de tonnes de claviers datés et de bruitages électro qui font franchement douter que le disque n'ait pas été enregistré il y a cinquante ans. Mais en fait non, ce n'est pas possible, le refrain de Eyes of time sonne vraiment trop "générique de dessin animé des années 90" pour avoir été pondu avant ! Bref, c'est ultra kitsch, assez indéfendable, et pourtant je marche à fond, tout simplement car la musique, elle, arrive à percer sous les bzoui bzoui et qu'elle est très souvent excellente, des fanfares épiques du prologue ou du très énergique Sail away to Avalon (fanfares synthétiques, hein, ça va de soi) au clavecin de Ye courtyard minstrel boy (ben oui, on est au Moyen-Âge quand même !), en passant par les ambiances plus planantes de The Awareness, c'est varié, jamais ennuyeux, et tout simplement très prenant. Je craignais avant de me lancer sérieusement dans l'aventure Ayreon d'aimer le concept mais de bloquer sur la musique, et en fait c'est exactement le contraire qui s'est produit : vraiment pas convaincu par le concept, mais c'est totalement sauvé par le contenu musical.
  
  
• Ayreon - Actual fantasy revisited (1996) ★ ½
  
  Commençons par une explication de texte concernant le 'revisited' du titre : après le succès inattendu de The Final experiment, sa maison de disque tanne Lucassen pour qu'il sorte le plus vite possible un second album, et ce dernier s'exécute en faisant avec les moyens du bord, et notamment sans batteur compétent (il est certes multi-instrumentiste mais il ne peut pas tout faire non plus). Peu satisfait du résultat, il réenregistrera le disque quelques années plus tard pour lui donner un meilleur son, et c'est donc cette version que j'ai écoutée. Soyons honnêtes, ça ne change probablement pas grand chose, car le mal est plus profond que ça : pas d'histoire fouillée ici mais une succession de titres indépendants évoquant quelques films ayant marqué Lucassen, mais surtout une musique assez quelconque complètement bouffée par des claviers et des bruitages électroniques omniprésents (là on est quand même assez loin du metal). Tout n'est pas à jeter malgré tout, avec de beaux passages instrumentaux sur The Stranger from within ou Computer eyes, mais on est trop souvent dans une sorte d'ambiance électro pop qui frise le gnangnan (Farside of the world...). Un net recul évident par rapport à la première tentative du groupe, mais ce disque doit-il vraiment être intégré au projet Ayreon ?
  
  
• Ayreon - Into the electric castle (1998) ★ ★ ★ ★ ½
  
  Les fans considérent que les choses sérieuses ont vraiment commencé pour Ayreon avec ce troisième opus, et il n'ont pas tort, dans la mesure où une partie des caractéristiques principales du groupe font en effet leur apparition ici. Pour la première fois donc, on a droit non pas à un mais à deux CD représentant une centaine de minutes de musique, et surtout à un superbe casting vocal (Anneke van Giersbergen, Damian Wilson, Fish, entre autres), même si on atteint pas encore les sommets des albums ultérieurs. En fait, l'appellation "opéra" n'a jamais été autant justifiée qu'ici (et probablement qu'après, vu ce que j'ai pu apercevoir de la construction des albums suivants) puisque l'album nous conte le périple de huit personnages issus de diverses périodes de l'histoire de l'humanité et confrontés, dans le mystérieux château électrique du titre, situé dans un espace-temps peu identifiable, à une expérience étrange centrée sur les émotions et proposée par un drôle de personnage futuriste. Chacun des protagonistes est une sorte de prototype (un barbare légèrement borné, un hippie qui plane sévèrement...) facilement identifié par la signature vocale de son interprète (il y a beaucoup de dialogues et d'interactions entre eux). C'est à la fois malin et un peu piégeux dans la mesure où ça en enferme certains dans un carcan un poil pénible (la voix noyée de réverbération artificielle du hippie notamment, il n'aime pas s'entendre chanter le père Lucassen ?). Mais si on accepte le salmigondis philosophico-futuriste qui sert de scénario et qu'on n'est pas allergique aux sonorités électroniques (encore beaucoup de claviers évidemment mais aussi des bruitages bien kitsch par moments, même s'il y a un clair progrès de ce point de vue), ça se suit de façon assez fluide et même agréable. Je suis d'ailleurs persuadé que, représenté en live avec un peu de mise en scène, ce serait vraiment une expérience extraordinaire.
  Mais venons-en quand même au principal, c'est-à-dire à la musique. Je dois avouer avoir mis un peu de temps à vraiment rentrer dans le style proposé, qui est quand même souvent centré sur de longues plages narratives ou instrumentales, avec beaucoup de dialogues entre personnages ou des introductions du maître du jeu qui peuvent lasser à la longue. J'aurais franchement préféré que Lucassen laisse un peu plus de place à de véritables échappées laissant les chanteurs s'exprimer au maximum, comme peut l'être la superbe Valley of the queens. Sans surprise aussi, j'aurais préféré plus de passages musclés comme le génial The Two gates ou la deuxième moitié de Across the rainbow bridge. Ils sont assez peu présents ici tout simplement car le style musical de base de Lucassen reste un rock "spatial" un peu sophistiqué qui laisse souvent la place principale aux claviers. Mais même quand ce n'est pas a priori ce qu'on préfère, comme moi, difficile de résister aux mélodies et aux ambiances proposées, qui sont tellement bien travaillées qu'on finit par y succomber, même sur les titres qui traînent un poil en longueur (Isis and Osiris ou The Garden of emotions, c'est quand même très très bon). D'ailleurs, ça ne trompe pas, plus on écoute l'album et plus on a envie de se le remettre encore et encore dans les oreilles. Je ne pensais pas arriver à cette conclusion après ma première écoute, mais il s'agit vraiment d'une oeuvre à la hauteur de son ambition. Je me réserve tout de même le droit d'enlever un petit demi-point pour les quelques critiques émises en cours de route.
  
  
• Ayreon - Universal Migrator (2000) ★ ★ ★ ★ ★
  
  Devenu un compositeur respecté dans le monde du (metal) prog après Into the electric castle, Arjen Lucassen a toute la liberté de produire un nouveau double album ambitieux, avec un casting vocal impressionnant qui réunit à la fois des grands noms du prog (Neal Morse, Russell Allen) et du power/speed mélodique (Fabio Lione, Andi Deris), en passant par la légende Bruce Dickinson (et bien d'autres, je ne vais pas citer tout le monde !). Pourtant, peut-être par peur de se planter, Lucassen revient à une structure plus classique et moins opératique pour nous conter cette nouvelle histoire (celle du dernier colon martien qui, sur le point de mourir, se lance dans un voyage virtuel à différentes périodes de l'histoire de l'humanité, avant de carrément remonter au big bang et démarrer une exploration cosmique à travers trous noirs et autres quasars), réservant en gros une chanson à chacune de ses stars. Au moment de la sortie de l'album, il va même jusqu'à séparer son oeuvre en deux disques distincts, le premier (le voyage temporel) clairement orienté prog et le deuxième (l'odyssée cosmique) nettement plus heavy. Précautions franchement inutiles tant on est éclaboussés par la classe de l'album du début à la fin. D'ailleurs, moi qui fais a priori totalement partie des auditeurs qui auraient naturellement privilégié le deuxième disque, je lui préfère en fait le premier, qui aligne notamment dans sa première moitié les tubes d'une qualité impressionnante. Il faut pourtant encore une fois apprécier les sonorités de clavier un peu kitschouilles et les références datées (on commence en gros par du Pink Floyd pour terminer avec les Beatles), mais comment résister à l'émotion énorme qui se dégage du chant grave de My house on Mars pour ne plus nous lâcher pendant un bon moment (l'atmosphère reste très dépressive sur 2084 et One small step). Je pourrais citer quasiment toutes les pistes du premier CD parmi les grandes réussites, seule peut-être Temple of the cat et son ambiance étrangement optimiste semble un peu hors de propos. Le deuxième disque est moins impressionnant, se reposant probablement plus sur ses chanteurs (Allen et Dickinson notamment ont droit à des morceaux de choix), mais ça reste très bien construit et inspiré mélodiquement. C'est bien simple, on ne s'ennuie pas une seconde sur les 2H15 que dure tout de même cet extraordinaire voyage, et cette fois-ci j'ai été absolument bluffé dès ma première écoute. J'avais déjà été très largement convaincu par l'album précédent d'Ayreon, cette fois-ci le doute n'est plus permis, je suis devenu fan !
  
  
• Ayreon - The Human equation (2004) ★ ★ ★ ½
  
  Après une montée en puissance impressionnante dans les deux albums précédents, Arjen Lucassen allait-il pouvoir faire encore mieux avec ce projet (un double album comme d'habitude) qui laisse pour une fois un peu de côté les délires de SF mystique pour illustrer les états d'âme d'un homme plongé dans le coma suite à un accident de voiture, et qui échange avec ses émotions (personnifiées chacune par un(e) chanteur(se)) sous le regard inquiet de sa femme et de son meilleur pote ? Au niveau du casting vocal, en tout cas, pas de baisse de régime, c'est toujours aussi impressionnant. Pas sûr par contre que le changement d'univers du scénario soit bienvenu dans la mesure où Lucassen aligne benoîtement les clichés les plus attendus (et puis bon, c'est con mais les émotions personnifiées ça me met immédiatement en tête des images du Vice-Versa de Pixar...), jusqu'à une pirouette finale franchement minable pour recoller la chose aux autres disques d'Ayreon. Mais ça permet au moins de proposer naturellement beaucoup d'interactions entre les chanteurs, on est de ce point de vue vraiment dans la lignée de Into the electric castle, avec lequel cette équation humaine partage d'ailleurs quelques défauts : des longueurs par moments (le deuxième CD est à mon sens vraiment moins bon que le premier, où Lucassen arrive une nouvelle fois à créer de belles ambiances douces amères, sur Childhood par exemple), et surtout un manque assez net de moments vraiment emballants. C'est globalement bon, toujours très maîtrisé, mais même au sein des titres plus réussis (Trauma est peut-être mon préféré), il y a un refrain qui s'intègre mal (pourquoi diable avoir laissé Devin Townsend composer ses propres lignes vocales, sur School notamment ça déboule comme un cheveu sur la soupe, c'est assez pénible), un solo de clavier pas franchement inspiré, ou un passage aux influences folk incongru (beaucoup d'utilisation de la flûte ou du violoncelle, en soi ça ne peut pas me déplaire, mais on se demande parfois franchement où ça veut en venir, comme dans l'improbable gigue irlandaise introduite au didgeridoo qu'est Loser, manifestement voulue comme le temps fort du dernier quart de l'album mais qui ne me convainc absolument pas). Pas suffisant pour gâcher complètement le plaisir de ce qui reste un (très) bon disque, mais il vaut quand même mieux éviter de trop le comparer aux deux précédents sous peine d'être déçu.
  
  
• Ayreon - 01011001 (2010) ★ ★ ★ ★ ½
  
  Le sixième album de la discographie d'Ayreon, qui se recentre sur une histoire de SF en lien direct avec celles contées dans les premiers disques du groupe (on a droit ici à l'histoire d'une race d'extra-terrestres bouffée par la technologie, qui est à l'origine de l'extinction des dinosaures et de l'apparition des humains sur Terre, c'est bien n'importe quoi mais les thèmes abordés sont intéressants), est une sorte de quintessence du style Ayreon. Cent minutes de musique (avec une majorité de titres longs), un casting vocal stellaire, et toujours cette musique très travaillée, aux influences diverses mais bien digérées (les teintes folk sont nettement mieux intégrées que dans l'album précédent), aux atmosphères souvent dépressives qui vous prennent immédiatement (le superbe Comatose). Le voyage est long, certes, peut-être même un peu trop (encore une fois je trouve le deuxième CD moins inspiré que le premier, The Fifth extinction notamment est un peu trop décousu), et quelques titres semblent légèrement hors de propos (en premier lieu le Web of lies qui conclut la première partie, espèce de niaiserie mielleuse qui est plutôt réussie si on supporte le genre mais qui ne semble même pas cohérente d'un point de vue narratif), mais on embarque quand même avec bonheur tant les chansons réussies, voire excellentes, sont nombreuses (Age of shadows, Liquid eternity, Ride the comet, The Truth is in there). Y a pas à dire, même s'il ne se renouvelle pas énormément, Lucassen maîtrise vraiment complètement son sujet sur cet album, presque aussi impressionnant que le sommet que reste pour moi The Universal migrator.
  
  
• Ayreon - The theory of everything (2013) ★ ★ ★ ★
  
  Après avoir laissé de côté Ayreon pendant quelques années, Arjen Lucassen revient à son projet phare pour nous raconter l'histoire d'un génie scientifique sans lien direct avec celles des albums précédents (on est plus proche de The Human equation de ce point de vue). Mais surtout, il recentre un peu son projet par rapport aux délires SF pharaoniques dont 01011001 était en quelque sorte l'apogée. Seulement sept chanteurs cette fois-ci, mais c'est un peu compensé par une galerie d'invités prestigieux... du côté instrumental. Plusieurs claviéristes, mais aussi violon, violoncelle et flûtes sont de la partie, et ça sent à l'écoute du (double) album, qui propose régulièrement d'assez longues coupures purement instrumentales, les lignes de chant étant par ailleurs assez peu mélodiques dans l'ensemble (on est revenu à un côté très "récitatif dialogué"). C'est également cohérent avec la structure de l'ensemble : pas de chansons vraiment identifiables, mais un long flot de musique séparé en quatre longues parties (une vingtaine de minutes chacune). Bref, le côté prog a vraiment été renforcé, mais ça ne me dérange pas, dans la mesure où ça reste musicalement très convaincant, avec des moments forts vraiment mémorables (la piste-titre, reprise trois fois avec une instrumentation différente, les cordes de Side effects, le très beau Progressive waves), des ambiances bien dépressives comme d'habitude, Lucassen n'a pas perdu la main, même si je trouve tout de même que ça s'essouffle assez nettement sur la dernière partie. Pas totalement convaincu non plus par les quelques influences orientales audibles par moments (sur The teacher's discovery notamment), sans lien aucun avec l'histoire racontée. À propos de l'histoire d'ailleurs, ce n'est pas encore cette fois-ci que je serai impressionné par les talents de scénariste de Lucassen, on nage une nouvelle fois dans un océan de clichés (m'enfin c'est pas pire que sur The Human equation, certes), avec certains personnages vraiment caricaturaux au possible (le rival et la fille, ouille ouille). Heureusement qu'ils sont comme d'habitude fort bien interprétés, avec tout de même un bémol pour le choix du vocaliste jouant le père (c'est pas qu'il soit mauvais, mais je trouve que son timbre fait presque plus juvénile que celui de son fils, c'est perturbant). Malgré ces quelques réserves, c'est encore une bien belle oeuvre que nous propose Ayreon, probablement plus austère et donc un peu plus difficile d'accès, mais qui se révèle quand on fait l'effort de l'appréhender dans sa continuité. À ce sujet d'ailleurs, évitez absolument d'écouter cet album en version "42 pistes" si vous avez un matériel qui vous crée des coupures entre les pistes, c'est insupportable !
  
  
• Ayreon - The Source (2017) ★ ★ ★
  
  Alors que l'album précédent semblait lancer le groupe dans une direction nouvelle, Arjen Lucassen n'a pas pu s'empêcher de revenir une fois de plus en terrain connu avec celui-ci, qui est une sorte de préquelle à la saga racontée de science-fiction qu'il a maintenant démarrée depuis une bonne vingtaine d'années. Et pourquoi pas après tout, si la musique est à la hauteur de celle de 01011001, dont l'histoire prolonge naturellement celle de The Source. Sauf que, soyons honnêtes, ce n'est pas vraiment le cas. En fait, peut-être pour la première fois depuis la création du groupe, on a l'impression qu'Ayreon tourne un peu en rond avec un abus assez clair d'influences folk de mon point de vue, et que ce qui nous est proposé ici est trop proche de choses déjà entendues, et en moins bien, dans la mesure où les moments forts sont assez rares (le très entraînant Run ! Apocalypse ! Run ! est sympa même si on n'est pas loin du grotesque, Star of Sirrah est efficace, mais où sont les superbes ambiances dépressives chères à Lucassen ? Ici, c'est trop souvent joyeusement sautillant, alors même que l'histoire racontée ne le justifie pas vraiment), et les fautes de goût pas totalement absentes : les ridicules sonorités aquatiques de The Source will flow, les passages arabisants ou le chant lyrique sur Deathcry of a race (là on a vraiment l'impression d'une piste en totale roue libre qui part droit dans le décor). Et puis, même si c'est de l'ordre du détail, je déteste le "personnage" de TH1 et ses interventions vocales. Tout ça commence à faire un lot de points négatifs pas négligeable, même si, sur la durée du double album (seulement 1H28 toutefois, l'inspiration se tarit peu à peu), on a encore une bonne dose de chant maîtrisé, de mélodies efficaces et de synthés colorés. Mais bon, on est quand même assez clairement sur la pente descendante, et la comparaison inévitable avec 01011001 ne peut qu'être défavorable au petit dernier de la saga.
  
  
• Ayreon - Transitus (2020) ★ ★ ½
  
  Après un retour à la science-fiction un peu moins réussi que d'habitude, le dernier double album en date d'Ayreon tente une nouvelle échappée vers un univers très différent en nous contant une histoire gothico-fantastique censée se dérouler à la fin du 19ème siècle. Surtout, retour à un format nettement moins sophistiqué et ambitieux que sur les albums précédents : nombre de personnages assez limités, mais surtout peu d'interactions entre eux (en gros les personnages secondaires ont droit à un petit air en passant et puis voilà), et une musique basée sur quelques thèmes exposés dans une sorte d'introduction d'une dizaines de minutes (le très boursouflé Fatum Horrificum avec ses choeurs gothiques sur fond de rythmique pompée sur Holst) qui seront repris comme des leitmotivs tout au long de l'oeuvre. Même les habituels développements progs sont essentiellement absents ici, on est plus proche d'une sorte d'opéra rock à l'ancienne, avec quelques touches de diversité qui rassurent quand même sur la capacité de Lucassen à proposer de la musique intéressante (les cuivres jazzy ne sont pas très subtils mais ça fonctionne plutôt bien, et le duo flûte-clavecin de Talk of the town est rafraîchissant). Mais l'habitué d'Ayreon aura probablement malgré tout un goût un peu amer de facilité et de répétition, le groupe nous a habitués à mieux que ça. Et puis il y a quand même un gros point noir sur ce disque (double de 80 minutes, d'ailleurs, qui aurait très bien pu tenir sur une seule galette), c'est le scénario complètement absent (aucune mise en place des personnages, c'est à peine si on comprend vraiment ce qui s'est passé) que les chanteurs tentent trop souvent de compenser en surjouant leur rôles. Et je ne parle pas du narrateur (rôle parlé !) mille fois trop envahissant (il pourrait au moins nous expliquer ce qui se passe !). Sans tomber dans le mauvais (la musique reste globalement sympa), Ayreon nous propose tout de même pour la première fois depuis longtemps un truc où les défauts prennent au moins autant de place que les qualités.
  
  
  
  
• Bathory - Bathory (1984) ★ ★ ★
  
  Continuons donc notre petit tour d'horizon des sources du metal extrême en commençant aujourd'hui une nouvelle série consacrée à un "groupe" culte souvent cité comme précurseur du black metal (oui, encore un). Pourquoi groupe entre guillemets ? Parce qu'il s'agit avant tout du délire d'un seul homme, qui se faisait appeler Quorthon et qui avait à peine 20 ans quand il décida de se mettre à enregistrer des disques. Mais voilà, il y avait quelques problèmes à régler. Quorthon n'avait pas d'amis pour faire un groupe, alors il a enregistré la plupart de ses productions tout seul, en gérant tous les instruments lui-même (bon, pas sur ce premier disque certes, mais ce sera le cas des suivants). Et puis, Quorthon ne sait pas chanter. Aucune importance, il chantera quand même, c'est du metal, personne s'en rendra compte. Enfin, il n'a pas les moyens de faire un disque correct, alors il enregistre dans son garage avec un son dégueulasse. Cet amateurisme total couplé à une voix pour le moins particulière fera dire à certains que Quorthon a inventé le metal extrême, alors qu'à l'écoute on a juste l'impression que c'est franchement involontaire... Bon, certes, la suite de la discographie du groupe montrera qu'il y avait vraiment chez lui une capacité à innover, mais ici, on a droit à une espèce de thrash speed à la sauce Motörhead plutôt dans l'air du temps. Le plus étonnant dans tout ça restant quand même que l'album est loin d'être une bouse totale. Le son est infect, les chansons très répétitives et courtes (en tout, si on vire l'intro sans intérêt, on a même pas 25 minutes de musique), c'est donc très mal chanté, mais il y a une sorte de science innée du riff qui rend le tout très entraînant, ça passe vraiment tout seul (bon, la durée aide aussi, certes). Basique, mais assez redoutablement efficace...
  
  
• Bathory - The return... (1985) ☆
  
  Avec ce deuxième album, on comprend nettement mieux pourquoi Bathory est considéré comme un des principaux groupes ayant influencé l'émergence du black metal : son complètement ignoble (mais c'était déjà le cas du premier disque éponyme), mais surtout un chant outré qui vire au simili guttural par moments (le refrain de Born for burning est assez hilarant), qui est trafiqué de façon grotesque à d'autres (sur Reap of evil notamment), et une ambiance qui se veut nettement plus "diabolique" également. C'est parfois presque réussi (l'intro Revelation of doom plutôt convaincante, The Return of darkness of evil a une atmosphère intéressante), mais la plupart du temps, on a juste un vague fond musical à peine audible tant il est noyé sous les grésillements, c'est absolument nul. En fait, Quorthon était effectivement très en avance sur son temps, déjà capable en 1985 de produire de la merde digne des albums d'Emperor (oui, je les aime bien eux, c'est pour ça que je les cite souvent).
  
  
• Bathory - Under the sign of the black mark (1987) ☆
  
  Je ne m'étendrai pas très longtemps sur ce troisième opus de Bathory, qui est la suite directe du précédent. Pour être tout à fait honnête, c'est un peu plus varié et donc intéressant (présence audible de claviers par moments, citation de la marche funèbre de Chopin dans Call from the grave, et des tempi et ambiances vraiment différents d'un titre à l'autre), mais comme on entend à peu près rien (particulièrement sur les titres rapides du genre Massacre, qui porte fort bien son nom tant c'est de la bouillie sonore), ça a le même intérêt proche du néant absolu pour l'auditeur. Je n'arrêterai toutefois pas mon exploration de la discographie de Bathory car le style va nettement évoluer sur les albums suivants (heureusement).
  
  
• Bathory - Blood fire death (1988) ★ ★
  
  Déjà lassé de faire du proto black inaudible après deux tentatives et demie dans le style, notre ami suédois va donc se lancer à partir de ce quatrième album dans une direction qui donnera naissance à ce qu'on appelle aujourd'hui "viking metal" et qui ne regroupe rien de très clair si ce n'est qu'il y est question de vikings (sans blague). En tout cas, l'introduction Open ride over Norland donne le ton épique de ce nouveau disque, avec même de vrais hennissements de chevaux en prime. C'est plutôt pas mal, surtout que c'est enchaîné avec un A fine day to die ambitieux et lui aussi épique à souhait (intro avec arpèges de guitare acoustique, choeurs en fond, même le son est moins mauvais qu'auparavant même s'il reste médiocre, reste quand même le chant minable de Quorthon pour rassurer le fan de la première heure). Et puis... eh ben, sans raison apparente, avant de revenir pour la chanson-titre finale (la meilleure de l'album) à ce style épique et franchement intéressant, on a droit à du remplissage en mode pseudo-thrash bourrin aux influences trop évidentes (Dies irae sent fort son Fight fire with fire) et à l'intérêt extrêmement limité qui laisse franchement perplexe. Un bon demi-album, c'est toujours mieux que rien, mais le projet n'est clairement pas encore abouti.
  
  
• Bathory - Hammerheart (1990) ★ ★ ★ ★
  
  Si l'album précédent de Bathory était encore un hybride assez étrange entre thrash poussif et épopée viking, celui-ci assume pleinement : c'est épique de bout en bout, avec des choeurs viking en veux-tu en voilà, et une dose assez élevée de bruitages "on va vous mettre dans l'ambiance" (les bruits de vagues qui ouvrent le disque, les ajouts "ambiance village viking" au début de Father to son, les mouettes sur la piste finale). Et, il faut bien l'avouer, l'ambiance est de fait vraiment prenante tout au long du disque. Les chansons sont pour la plupart longues et travaillées (seulement sept pistes si on oublie les Winds of mayhem qui servent de clôture à tous les albums du groupe), et réussissent à nous entraîner dans le sillage de ces guerriers sanguinaires qui n'étaient pas encore à l'époque devenus un cliché dans le monde du metal. Les deux premières pistes, Shore in flames et Valhalla, et la dernière, One rode to Asa bay (malgré la guimbarde introductive qui casse un peu les oreilles), sont particulièrement réussies. Le coup de moins bien en milieu d'album est d'ailleurs surtout du au chant toujours aussi mauvais de Quorthon (sur Song to hall up, c'est rédhibitoire, et sur Home of once brave, la structure est trop basique pour que ce ne soit pas gênant). Au niveau des défauts, on a bien sûr encore une production, euh, médiocre (quand il y a des tentatives de solos de guitare on n'entend pas les notes), mais ça reste nettement plus acceptable que sur les albums proto black du groupe, et quelque part, ça contribue aussi au cachet assez inimitable de cet album qui reste une réelle réussite.
  
  
• Bathory - Twilight of the gods (1991) ★ ★ ★ ½
  
  Avec un tel titre et la pochette qui l'accompagne, aucun doute, Bathory va encore nous convier à un voyage dans le temps à la recherche de ses ancêtres vikings. De fait, cet album est dans la droite lignée du précédent, même si Quorthon en fait peut-être encore plus (les passages déclamés, notamment sur Through blood by thunder, sont à la limite du pompeux, l'ambiance quasiment fantasy de To enter your mountain assez kitsch). On est souvent à la frontière du mauvais goût, mais la qualité des ambiances recrées suffit à se laisser prendre une nouvelle fois (la chanson titre qui ouvre le disque, avec ses choeurs en fond, ou Blood and iron et son côté folk, c'est vraiment réussi). Du moins jusqu'à la dernière piste, un dérapage incontrôlé qui est vraiment de trop (quelle idée d'avoir vouloir chanter sur le Jupiter de Holst, qui a du bien se retourner dans sa tombe). Mais l'ensemble garde un charme certain.
  
  
• Bathory - Requiem (1994) ★
  
  Dans la discographie de Bathory, les albums vont par groupes de trois, ensuite manifestement Quorthon se lasse et passe à autre chose. Après donc une deuxième trilogie axée vikings, il aura fallu attendre trois ans avant que le groupe ne ressorte un disque, et il n'a strictement rien à voir avec les précédents. À la limite, on serait plus proche de l'album éponyme de 1984 puisqu'on nous propose ici un thrash extrêmement primaire (riffs basiques simplement répétés tout le long des morceaux, et accessoirement des pistes qui se ressemblent toutes), avec une production qui, si elle n'est pas aussi atroce que celle des albums de la période proto black, est quand même pour le moins spéciale (batterie hyper mate, basse absurdement surmixée). Bon, l'espace de quelques minutes, ça donne un cachet étonnant à l'ensemble (le début de la piste titre est intriguant), mais on s'en lasse quand même largement avant d'avoir fini la première écoute. Et comme par ailleurs Quorthon n'a toujours pas pris de leçons de chant, il devient vite difficile de ne pas décrocher, d'autant plus qu'ici le côté novateur habituel du groupe n'est pas du tout présent (sur le fond, on a droit à du sous-Metallica matiné de Slayer, quantité de groupes ont fait bien mieux dans le genre avant Bathory). En fait, on se demande pourquoi Bathory s'est lancé dans cette nouvelle aventure qui ne semble pas pouvoir intéresser grand monde.
  
  
• Bathory - Octagon (1995) ☆
  
  Le précédent disque de Bathory était insignifiant et mauvais, celui-ci est nettement pire. On reste dans le thrash bas de plafond déjà à l'oeuvre sur Requiem (hyper répétitif et peu inspiré), mais en plus de ça, le groupe semble prendre un malin plaisir à proposer un son désagréable (non, ce n'est pas le son dégueulasse des premiers albums, mais une production qui semble accentuer volontairement un côté brut grésillant qui donne vraiment envie d'arrêter le disque après les premières secondes). Du coup, il faut un certain masochisme pour aller jusqu'au bout de la dizaine de chansons proposées, dont pas une seule ne dépasse le stade du potable (Century est à peu près sauvable). Quorthon chante pourtant un peu moins mal que d'habitude, mais ça ne suffit vraiment pas. Ah, si on veut se donner un dernier espoir, on peut aller jeter un oeil aux paroles... et on sera encore plus atterré !
  
  
• Bathory - Blood on ice (1996) ★ ★ ★
  
  Quorthon a triché ! Cet album est certes sorti en 1996, juste après les deux bouses thrash récemment chroniquées par votre serviteur, mais il est en fait constitué de matériel datant de plusieurs années auparavant, et constituant donc un quatrième acte de la "trilogie viking" du groupe. Ou plutôt un deuxième acte d'ailleurs puisque les morceaux ont été écrits avant Hammerheart. Du coup, sans surprise, on retrouve des atmosphères épiques (The Sword, entre autres), des bruitages rigolos mais anecdotiques (l'intro est franchement grotesque avec ses bêlements de chèvre), quelques passages acoustiques voire franchement teintés folk (Man of iron, pas terrible), et des choeurs en fond pour ajouter à l'ambiance (très présents sur The Woodwoman notamment). L'ensemble est censé être un concept album dont je n'ai pas cherché à saisir l'histoire, mais ça s'écoute sans aucune difficulté, malgré le chant toujours approximatif, et on passe un agréable moment même si l'ensemble reste un cran en-dessous des deux disques qui l'ont moralement suivi. Infiniment mieux que les deux bouses sorties juste avant, en tout cas.
  
  
• Bathory - Destroyer of worlds (2001) ★ ½
  
  Ce dixième album de Bathory vient moralement juste après les deux bouses thrash pondues au milieu des années 90. Et pourtant, un certain esprit viking fait son retour, avec notamment des choeurs bien présents... sur les trois premières pistes (dont une Ode qui restera le sommet du disque, avec un riff bien fichu et une ambiance épique qui fonctionne). Ensuite, Quorthon semble regretter de ne plus faire de la musique de merde, et retourne se vautrer dans un thrash bien trop limité et mal chanté pour intéresser. Seule nouveauté dont on se serait bien passés, l'ajout de bruitages ridicules sur certains titres (Sudden death avec son ambiance de stade en délire, on tombe très bas), qui ne suffit pas à faire respirer un album qui semble durer une éternité (alors qu'il ne totalise pas beaucoup plus qu'une heure de musique). Alors qu'on perdait tout espoir, la fin de White bones part toutefois complètement dans le décor, avec un break planant et un retour des choeurs fort inattendu. Et c'est enchaîné avec un Day of wrath reprenant le Dies Irae à la sauce viking, ça laisse perplexe. À l'image finalement d'un album qui, malgré un début réussi, n'a ensuite pas su choisir la bonne voie.
  
  
• Bathory - Nordland I (2002) ★ ★
  
  Cette fois-ci, Quorthon a vraiment compris. Fini les tentations thrash, pour ses dernières livraisons (le pluriel est peut-être de trop puisqu'il s'agit plutôt d'un dernier album en deux parties), il revient à du viking pur et dur, avec hymnes épiques à gogo, choeurs très présents, et pas mal de passages acoustiques folklorisants avec bruitages plus ou moins inspirés en fond (le début de Foreverdark woods, avec guimbarde et chevaux galopants, vaut son pesant de cacahuètes, même s'il s'agit en fait d'un titre plutôt sympathique et efficace). J'étais tout prêt à me laisser embarquer une fois de plus, mais le problème, c'est qu'après une intro qui se veut majestueuse mais qui en pratique est lagèrement plombée par les claviers cheap qui ont servi à l'enregistrer, on constate très vite que Quorthon tout seul pour tout jouer, ça va vite se transformer en concours de médiocrité en termes de qualité sonore (les guitares de la chanson titre sont franchement crispantes, et Broken sword est une bouillie quasiment inaudible). Comme bien entendu le chant navigue comme d'habitude entre le mauvais et le ridicule (Great hall awaits fallen brothers, avec un titre pareil, on peut légitimement donner un carton rouge aux lignes vocales dignes d'un mauvais anime japonais), l'album est finalement assez décevant. Il y a pourtant de bonnes choses, les choeurs de Winterblot, l'introduction mélancolique de Ring of gold, un Mother earth father thunder qui convainc dans un style grandiloquent assumé, mais l'ensemble reste loin de valoir les premiers albums du genre proposés par Quorthon près de quinze ans auparavant.
  
  
• Bathory - Nordland II (2003) ★ ★ ½
  
  Avant de disparaître à un âge bien peu avancé, Quorthon aura eu le temps de sortir un deuxième volet de son projet Nordland. Ceux qui espéraient un album innovant et inspiré en seront pour leurs frais, on a à nouveau droit à une épopée viking avec longs hymnes épiques (on dépasse parfois les 10 minutes, ce qui me semble assez inutilement étiré), des bruitages qui tournent en rond (oh, du galop de cheval, ouh des beaux bruits de vagues !), des choeurs quasiment en permanence, on nage dans le cliché le plus évident, et ce qui était révolutionnaire quand Bathory a sorti son premier album du genre ne peut plus l'être en 2003. Pire, les rares tentatives de changement d'ambiance tombent complètement à plat (le début de Death and resurrection of a northern star, bourrin et peu audible). Et pourtant, malgré tout le mal que je viens d'en dire, pris isolément de tout contexte et comparaison à ses prédécesseurs, ce disque est dans l'ensemble agréable à écouter (un peu plus que le premier volet de Nordland), les mélodies sont efficaces, Quorthon a toujours un certain talent de créateur d'atmosphères, on se laisse volontiers embarquer une dernière fois dans un voyage qui conclut finalement de manière honorable une carrière de toute façon extrêmement inhomogène.
  
  
  
  
• Black Sabbath - Black Sabbath (1970) ★ ★ ★ ★ ★
  
  Un sinistre glas sur fond d'orage, un motif de trois notes lourdement asséné, la voix inimitable d'Ozzy Osbourne qui se lance par-dessus tout ça, et le metal pouvait décoller vers de nouveaux horizons. Bon, ok, l'album est historiquement incontournable, mais le néophyte qui le découvrirait plus d'un demi-siècle (!) après sa sortie (ce n'est pas mon cas pour le coup) ne risque-t-il pas d'être justement déçu par un contenu musical pas à la hauteur de l'importance que le disque a eu pour des dizaines de groupes par la suite ? Eh bien, non, pas de déception à l'horizon. Black Sabbath (la chanson) prouve de façon éclatante qu'il n'y a pas besoin d'en faire des tonnes pour créer une ambiance crépusculaire, Black Sabbath (l'album) est une tuerie qui réserve bien d'autres belles surprises (l'harmonica faussement guilleret de The Wizard, les riffs indémodables de N.I.B et de Wicked world), et Black Sabbath (le groupe) montre une maîtrise impressionnante pour un premier album explorant des pistes à peine entrevues auparavant. La voix d'Ozzy est incroyable (en tout cas, moi j'aime beaucoup) et le seul temps faible de l'album se trouve dans un Warning dont les développements instrumentaux ne mènent pas à grand chose de vraiment notable. Encore et toujours d'actualité !
  
  
• Black Sabbath - Paranoid (1970) ★ ★ ★ ★ ★
  
  Quelques mois à peine après leur première livraison, revoilà déjà Black Sabbath avec un deuxième album qui leur vaudra à la fois le prix de la pochette la plus laide de l'année et le respect immortel de générations de fans. Peut-être encore plus que le disque précédent, une succession de tubes impressionnante, du War pigs d'ouverture au Fairies wear boots de clôture, en passant par le plus planant Planet caravan et les efficaces en diable Paranoid (malgré des effets de réverbération sur la voix d'Ozzy qui ne me semblent pas apporter grand chose) et Iron man. Je suis un tout petit moins fan de Hand of doom (de petites longueurs à mon goût) et le Rat salad qui complète le disque n'a pas grand intérêt, mais il y a largement assez de contenu mythique pour rendre l'album plus qu'indispensable malgré ça.
  
  
• Black Sabbath - Master of reality (1971) ★ ★ ★ ★ ★
  
  Continuant sur son rythme effréné d'un album tous les six mois, le groupe sort en effet un troisième disque dans la lignée des précédents et (presque) aussi incontournable. La nouveauté vient du son encore plus grave et lourd manifeste dès le riff introductif de l'excellent Sweet leaf, à la hauteur des classiques du groupe. Contraste ensuite avec un After forever beaucoup plus "spatial" mais très bon également, mais les riffs bien lourds reviendront en force dans Children of the grave (peut-être le sommet de l'album, quel morceau une fois de plus !), et les peut-être un peu moins convaincants Lord of this world et Into the void (où le côté répétitif commence selon moi à vraiment se faire sentir). Mais bon, je fais la fine bouche, il n'y a pas vraiment de point faible dans ce nouvel album, même la ballade Solitude avec son accompagnement de flûte a le mérite de révéler un Ozzy capable de s'adapter en-dehors de son environnement naturel. En fait, le principal défaut du disque ... c'est qu'on en a déjà fait le tour ! Six chansons (plus deux interruptions instrumentales sympathiques mais extrêmement courtes), à peine plus d'une demi-heure de musique, eh, c'est un peu facile de faire deux albums par an en les remplissant aussi peu ! J'ai failli baisser la note rien que pour ça...
  
  
• Black Sabbath - Vol.4 (1972) ★ ★ ★
  
  Après avoir produit en à peine plus d'un an trois albums majeurs d'un genre qu'ils avaient plus ou moins inventé, on pouvait se poser la question : le groupe pourra-t-il continuer à tenir le rythme, et sera-t-il capable d'évoluer de façon intéressante quand l'usine à riffs ultra efficaces verra sa production se tarir (ce qui arrivera forcément tôt ou tard) ? Ce quatrième album donne une partie des réponses à ces angoissantes questions. Un temps de gestation un peu plus long (et un album plus long aussi, ça c'est cool !), mais surtout beaucoup de sorties de pistes par rapport à ce qui est déjà devenu "le son Black Sabbath", il y a manifestement de l'expérimentation dans l'air. La première chanson, Wheels of confusion, sème déjà le trouble avec sa construction nettement plus recherchée et moins immédiate que d'habitude, j'étais dubitatif au premier abord mais en fait c'est plutôt convaincant (la fin est assez bien fichue quand même). Il y aura en fait beaucoup plus étrange et discutable dans la suite du disque : une ballade avec piano (Changes) assez entêtante, dont on se demande comment elle s'est perdue sur un album de Black Sabbath, l'instrumental Laguna sunrise qui, comme son nom l'indique, est une évocation détendue de décor paradisiaque (là encore, la pertinence de cette piste est discutable) et surtout FX, improbable instrumental expérimental qui aurait pu être remplacé par un extrait d'oeuvre de Boulez pour à peu près le même effet. Entre temps, des pistes plus classiques pour le groupe, mais on sent un léger manque d'inspiration, les riffs n'ont plus la même évidence et la même efficacité que sur les albums précédents (sur Tomorrow's dream ou même Snowblind, qui restent malgré tout assez efficaces ; le meilleur riff de l'album est peut-être celui de Supernaut mais là c'est un break instrumental dansant assez incongru qui laisse perplexe), et les transitions pas toujours heureuses (l'espèce de montée de gamme bizarroïde de Under the sun par exemple). Malgré tout ça, et peut-être bizarrement à cause de ce côté complètement hétéroclite, l'album s'écoute très agréablement. Je reste quand même nettement moins fan que pour les trois premiers.
  
  
• Black Sabbath - Sabbath bloody sabbath (1973) ★ ★ ★ ★ ★
  
  Après un quatrième album plus expérimental et à mon sens moins convaincant que les précédents, retour aux affaires pour Black Sabbath avec un nouveau disque qu'on peut sans hésitation ranger aux côtés des trois premiers en tant que grands classiques du genre. En fait, dès les premières secondes de la chanson-titre qui ouvre l'album, on est rassurés : l'usine à tubes et à riffs mémorables a repris du poil de la bête. La première moitié du disque est simplement un enchaînement de morceaux imparables, qui n'hésite pas à jouer crânement la carte de la mélodie (et globalement à proposer des ambiances nettement moins sombres qu'à l'habitude, Sabbra cadabra étant même pas loin de l'exubérance), à proposer comme d'habitude un instrumental (Fluff) qui tranche avec le reste, mais aussi à faire une grosse place aux claviers, qui déboulent en fanfare dans Sabbra cadabra pour ne plus disparaître avant la fin de l'album, par ailleurs un poil moins réussie (les bziou-bziou de Who are you font un peu daté, et Looking for today, sans démériter, est un peu plate par rapport aux autres chansons de l'album), avant un final en apothéose orchestrale dans The spiral architect. Bon, là, les applaudissements intégrés sont quand même très dispensables, mais on pardonne tant l'ensemble du disque est de très très haute tenue. Seul petit bémol pour moi, la tendance toujours plus affirmée à trafiquer la voix d'Ozzy à coups d'effets qui ne me semblent pas vraiment utiles.
  
  
• Black Sabbath : Sabotage (1975) ★ ★ ★ ★
  
  Pour leur sixième album en cinq ans (et pour beaucoup, si j'ai bien compris, le dernier vraiment valable), nos amateurs de sabbat font une espèce de synthèse de tout ce qu'ils ont introduit dans leurs albums précédents : des vrais gros riffs sombres (Symptom of the universe), un instrumental acoustique court et détendant (Don't start), des titres très développés et ambitieux (Megalomania et sa longue introduction atmosphérique), mais aussi du plus court qui lorgne vers une espèce de pop-rock un peu démodé (Am I going insane) et même un invraisemblable Supertzar qui convoque des choeurs grandiloquents (c'est pas de très bon goût, mais j'aime beaucoup !). Tout cela est fort bien réalisé et donne un disque net et sans bavure, mais je trouve quand même qu'il navigue à des hauteurs moins impressionnantes que ses prédécesseurs, peut-être la faute à des lignes vocales moins recherchées (ça crie pas mal dans l'aigu, ce qui ne change pas forcément énormément de d'habitude, mais ça me frappe plus sur cet album-ci) et à l'absence de chanson vraiment monstrueuse. On reste quand même dans le domaine du très bon cru.
  
  
• Black Sabbath - Technical ecstasy (1975) ★ ★ ★ ★ ½
  
  Considéré comme le premier album à éviter du groupe, eh bien je persiste et signe, c'est une réputation imméritée ! Peut-être parce qu'il arbore dans son ensemble une tonalité plus "dépressive" que "sombre et lourde" comme on en avait jusqu'ici l'habitude, je l'aime même beaucoup. Après une ouverture sans grand risque avec un Back street kids efficace mais pas spécialement mémorable, première grosse claque avec un You won't change me superbe, les synthés sont de sortie, la guitare de Iommi également (des solos plus développés qu'à l'habitude parsèment tout l'album), mais surtout c'est très beau. Certes, la suite de l'album est un peu plombée par une ou deux sorties de pistes évitables (le beatlesien It's all right qui suit, même pas chanté par Ozzy, est complètement à côté de la plaque, et un peu plus loin le Rock'n roll doctor avec son piano sautillant façon piano bar jure un peu aussi), mais il se termine sur deux nouvelles perles, avec la ballade She's gone et ses violons bien lacrymaux (ok, peut-être un poil trop, mais moi je me laisse faire), et Dirty women qui revient à un riff plus clairement sabbatien, mais garde ce ton mélancolique que je trouve vraiment sympa (enfin, si on peut dire). Si tous les albums ratés du groupes sont de ce niveau-là, j'en veux bien encore quelques-uns !
  
  
• Black Sabbath - Never say die (1978) ★ ★
  
  Me voilà donc arrivé au dernier album de la période historique, juste avant qu'Ozzy ne s'en aille vraiment voir ailleurs. Cet album, comme le précédent, voit clairement le groupe explorer des rivages assez éloignés du metal lourd qu'il avait lui-même inventé quelques années plus tôt. Et autant la direction prise dans Technical ecstasy m'avait beaucoup plu, autant là j'accroche beaucoup moins. Beaucoup de rythmes syncopés, voire d'ambiances jazzy qui ne m'intéressent pas, un piano soudain envahissant (ce qui donne d'ailleurs avec Air dance, qui ne ressemble absolument à rien, une piste qui a le mérite d'être marrante, mais sur Over to you, on a limite l'impression que le piano joue dans son coin sans se préoccuper du reste...), et même un Breakout orientalisant avec cuivres pétaradants (là encore, au moins c'est rigolo). Mais surtout, le problème c'est que les titres plus classiques sont franchement mous du genou, les riffs manquent de puissance, on écoute tout ça d'une oreille distraite, ce n'est pas totalement mauvais mais ça n'est pas vraiment digne de Black Sabbath malgré le savoir-faire encore manifeste du groupe.
  
  
• Black Sabbath - Heaven and hell (1980) ★ ★ ★ ★
  
  Changement de décennie, mais surtout changement de chanteur, Ozzy a vraiment quitté le groupe et ... eh ben je dois bien l'admettre, je fais partie de ceux qui considèrent qu'il est assez irremplaçable. Avec Dio au chant, c'est vraiment autre chose qu'on écoute, et je suis personnellement nettement moins fan, au moins vocalement. Pour le reste, plus trop d'expérimentations sur ce nouvel album, on revient à du classique solide, sans le côté sombre des premiers albums du groupe, et avec même un penchant plus "maidenesque" sur un titre comme Children of the sea (c'est peut-être aussi la voix assez aiguë de Dio qui me fait dire ça). Quoi qu'il en soit, il y a du très bon, à commencer par l'incontournable chanson titre, l'un des classiques immédiats du groupe, ou la piste inaugurale Neon knights, qui envoie du bois pour commencer en beauté. Quelques titres également un peu moins réussis, je ne suis pas fan de Lady evil ou même des changements de tons assez bizarres de Die young, mais on ne peut pas nier que, globalement, Black Sabbath a repris du poil de la bête, même si on se doute bien qu'on ne retrouvera jamais l'ambiance des tout premiers albums du groupe.
  
  
• Black Sabbath - Mob rules (1981) ★ ★ ★ ★ ½
  
  Deuxième album avec Dio au chant ... et ce sera le dernier avant un bon moment puisque Black Sabbath va rentrer dans une période assez troublée niveau line-up. En attendant, c'est du très très solide et maîtrisé qu'on tient là. J'ai pourtant craint la déception avec Turn up the night, qui a un côté trop optimiste pour moi et sur lequel la voix de Dio me semble assez peu adaptée. Mais ce dernier se rattrape largement dans un Sign of the southern cross épique (ça me fait encore une fois penser à du Maiden par anticipation !) qui tient à nouveau du chef-d'oeuvre. On pardonnera la transition instrumentale bizarroïde qui mène à la chanson-titre (c'est quoi ces fonds de voix trafiqués, c'est censé foutre la trouille ??), elle aussi très réussie et qui convoque pour le coup plutôt les manes d'un Mötorhead (ce qui n'est pas nécessairement un défaut pour moi !). La deuxième moitié de l'album tombe un peu plus dans la facilité (même si Falling off the edge of the world et son intro lente saturée de synthés a le mérite de sortir un peu du cadre), voire dans le larmoyant pour le dernier titre, mais l'album dans son ensemble est une franche réussite, que je trouve même plus convaincante que Heaven and hell. Bon, par principe, je laisse quand même la plupart des albums avec Ozzy au-dessus.
  
  
• Black Sabbath - Born again (1983) ★
  
  Dio ayant quitté le navire après seulement deux albums pourtant très réussis, voilà donc un troisième chanteur qui déboule chez Sabbath, qui a à nouveau pioché parmi les grands noms de la scène rock en la personne de Ian Gillan, chanteur emblématique de Deep Purple (et donc, en ce qui me concerne, un gars que je n'ai à peu près jamais entendu). Hélas, son style très très "showman" colle extrêmement mal avec celui du groupe, il en fait des tonnes en permanence à coups de hurlements, ricanements et autres trucs qui n'ont rien à faire là, il gâche à lui tout seul plusieurs pistes de l'album (le début de Disturbing the priest ou Hot line, et puis accessoirement il prononce le mot 'again' de façon très perturbante pour moi dans le refrain de Born again). Pire encore, une production absolument désastreuse achève de faire couler le bateau, c'est à la fois brouillon et saturé, franchement moche, à se demander comment un ratage pareil est possible pour un groupe de cette renommée. Vraiment dommage car musicalement (pour ce qu'on entend...), Iommi n'a pas totalement perdu la main, un titre comme Zero the hero a même un vrai potentiel, il est d'ailleurs à peu près la seule raison pour ne pas mettre un zéro pointé. Ah, j'oubliais un dernier point négatif : les pistes de remplissage avec délires bizarres au synthé dont je ne comprends toujours pas l'intérêt. Bref, pas grand chose à sauver...
  
  
• Black Sabbath - Eternal Idol (1987) ★ ★ ★
  
  Ayant volontairement sauté un Seventh star dont personne ne sait trop s'il faut le considérer comme un album de Black Sabbath ou un album solo de Iommi, j'arrive au premier disque enregistré avec le chanteur Tony Martin (pour une fois, Iommi a été chercher un inconnu pour reprendre le flambeau vocal) et me rends compte qu'il est dans la droite ligne de Seventh star pour ce qui est de l'orientation musicale ! Le bon point, c'est qu'on a retrouvé une production digne de ce nom après l'horrible Born again, le mauvais c'est qu'on s'éloigne clairement du côté sombre des débuts de groupe et qu'on lorgne fortement vers une espèce de hard rock FM commercial pas très plaisant. Son un peu trop clinquant, batterie en mode tchac-ploum sans l'ombre d'un intérêt, nappes de claviers franchement datées et un chanteur qui ne démérite pas mais sans grande personnalité, on pourrait même craindre un nouveau naufrage. Mais encore une fois, l'album surnage largement car Iommi sait encore composer de la bonne musique : The shining est une ouverture efficace, le riff de Nightmare est inspiré, et, miracle, on retrouve même une composition vraiment sabbathienne avec la chanson titre qui conclut le disque. Du coup, malgré ses défauts, un album qui s'écoute malgré tout très bien.
  
  
• Black Sabbath - Headless cross (1989) ★ ★ ★
  
  Ce soir, j'ai écouté un assez bon album de Scorpions, mais, je ne comprends pas pourquoi, c'était écrit Black Sabbath sur la pochette... Plus sérieusement, Martin est toujours au chant sur cette nouvelle livraison, et surtout la direction "rock commercial" prise par le groupe est toujours assez nettement affirmée. Après une intro inquiétante aux claviers, on a même très peur quand on entend la batterie introduire la chanson titre, c'est stéréotypé et franchement mauvais. Et puis, miracle, quelques minutes après, on s'est rendus compte que Martin assurait franchement au chant (il a pris ses marques depuis l'album précédent, et il est vraiment loin d'être ridicule par rapport aux mastodontes qui l'ont précédé au poste), que les claviers étaient moins kitsch que dans Eternal Idol, et que la chanson elle-même arrivait presque à être épique malgré un refrain choral un peu maladroit. Le reste de l'album sera plus ou moins du même tonneau, beaucoup de titres gentiment calibrés avec des choeurs gentillets (du Scorpions quoi, comme je le disais plus haut), un Nightwing final qui tire même sur le gnangnan, mais aussi et surtout un When death calls qui commence comme une ballade triste et qui sort la grosse artillerie ensuite, superbe titre qui ne déparerait pas dans un best-of du groupe. Ok, on est bien d'accord, tout ça ne vaut pas ce que Sabbath a proposé dans les années 70, mais les albums de l'ère Martin me semblent quand même assez injustement oubliés, c'est loin d'être mauvais. On ne boxe simplement plus dans la même catégorie.
  
  
• Black Sabbath : Tyr (1990) ★ ★ ★
  
  Début des années 90, Sabbath n'est toujours pas mort, et Tony Martin semble même solidement installé aux commandes vocales du groupe. Pour cet album, un fond de mythologie nordique en arrière-plan donne lieu à une résurgence d'un style épique pas tant que ça exploré par le groupe, mais qui lui réussit plutôt bien. L'introduction d'Anno mundi n'hésite pas à tutoyer le kitsch pour lancer l'album sur de bonnes bases, qui seront confirmés dans un Valhalla bien massif ou même le curieux Jerusalem avec son synthé très présent et son choeur un peu daté. Une énorme faute de goût tout de même en court de route empêche de vraiment donner une très bonne note à l'album : Feels good to me est une ballade complètement mièvre qui n'a absolument rien à faire là, heureusement rattrapée par le Heaven in black final bien pêchu. Au final, un album encore inégal, mais loin d'être désagréable à écouter. Un peu comme les précédents avec Martin, finalement.
  
  
• Black Sabbath - Dehumanizer (1992) ★ ★ ★ ½
  
  Surprise surprise, alors que Tony Martin semblait bien accroché à son poste, voilà Dio qui revient faire un album avec Black Sabbath, qui retrouve pour l'occasion le line-up des très bons Heaven and hell et Mob rules. Mais, au risque d'en faire hurler certains, je ne suis pas sûr que ce retour de Dio soit une si bonne nouvelle d'un point de vue purement vocal (Martin assurait très bien sur les albums précédents), car on sent qu'il force pour bien marquer son retour, et il en fait parfois franchement trop (sur Computer god ou sur I notamment), même s'il faut admettre que sur d'autres titres il est excellent (la ballade Too late, qui serait probablement assez anecdotique sans sa performance). En fait, peu importe, l'essentiel est ailleurs : dans cette formation, les musiciens semblent naturellement enclins à revenir un peu aux sources, avec une production moins clinquante et surtout le retour des riffs lourds et sombres qui ont fait la célébrité du Sabbath des années 70. Même si on n'atteint pas les mêmes sommets, After all (The Dead) ou Master of insanity fleurent bon l'ancien temps, et rien que pour ça l'écoute du disque est un petit bonheur. Même si d'autres titres sont simplement efficaces et un peu routiniers, ça mérite quand même une note un peu supérieure aux opus avec Martin, qui sera d'ailleurs de retour très rapidement...
  
  
• Black Sabbath - Cross purposes (1994) ★ ★ ½
  
  Dio ayant reclaqué la porte aussi vite qu'il n'était revenu, le Sabbat noir en est réduit à reprendre une nouvelle fois Tony Martin en temps que vocaliste. Vu ce que j'avais dit sur l'album précédent, je ne devrais pas spécialement m'en plaindre, mais j'avoue que sur cet album-ci, Martin me convainc moins, il fait le boulot, mais manque quand même de charisme pour porter certains titres il est vrai assez moyens, notamment en fin d'album. Pourtant, ça commence assez bien avec un I Witness très efficace, et peut-être encore plus avec la ballade Cross of thorns qui n'est pas loin de tomber dans la caricature (les claviers bien planants...) mais qui emporte in fine le morceau, tout simplement parce que c'est beau. La caricature, on la frôlera à nouveau dangereusement lors d'autres chansons (ou intro) lentes, le solo introductif de Dying for love étant guimauvesque à souhait, et The hand that rocks the cradle tombant franchement en-dessous des standards du groupe. Le reste du temps, on navigue entre l'efficace (Immaculate deception), l'inattendu (Cardinal sin qui ne ressemble pas à grand chose de ce qu'a produit le groupe auparavant, avec son riff "kashmiresque" mais en beaucoup moins lourd), et le franchement décevant (la conclusive Evil eye, on a l'impression que les musiciens n'ont plus grand chose à nous dire). Au final un album qui s'écoute encore, mais qui penche dangereusement vers l'"album de trop" pour le groupe.
  
  
• Black Sabbath - Forbidden (1995) ★ ★ ½
  
  Dernier album du groupe avec Tony Martin au chant, ce qui n'est peut-être pas une mauvaise nouvelle dans la mesure où le précédent semblait déjà à bout de souffle, mais aura-t-on au moins droit à un dernier effort suffisant pour ne pas lâcher l'affaire sur une mauvaise note ? Eh bien, j'ai une nouvelle fois envie de dire "oui et non". Non car de fait Martin semble un peu fatigué sur ce disque, tout comme d'ailleurs les claviers de Geoff Nichols qu'on entend peu, et qu'on aurait préféré ne pas entendre autant quand ils surnagent (sur la chanson titre notamment où ils sonnent très datés). Mais oui quand même parce qu'il y a des choses intéressantes malgré tout, et notamment (à ma grande surprise !) la chanson d'ouverture The illusion of power avec la partition d'Ice-T (et donc une composante rap) fonctionne franchement bien et laisse imaginer une évolution intéressante de la musique de Black Sabbath. Malheureusement, cette ouverture n'est pas du tout exploitée dans la suite de l'album, tout ce qu'on garde c'est le son médiocre (c'est très brouillon) et ça on s'en serait bien passé. On restera ensuite dans un registre beaucoup plus classique, avec pas mal de tempos lents menaçant de virer au lacrymal (c'est le cas d'ailleurs de I won't cry for you malgré le titre) et quelques riffs sympathiques dont Iommi a le secret, celui de Guilty as hell est vraiment cool (dommage qu'il soit autopompé dès le Sick and tired qui suit...) et la fin de Kiss of death est aussi bien fichue. Après, il faut être honnête, tout ça reste un peu paresseux pour un groupe de la trempe de Black Sabbath, c'est très écoutable mais on en attend mieux. À propos d'attendre, c'est le prochain album du groupe qu'il faudra attendre trèèès longtemps.
  
  
• Heaven and Hell - The devil you know (2009) ★ ★ ★ ★ ½
  
  Il aura donc fallu attendre près de 15 ans après le dernier disque enregistré par Tony Martin pour que Black Sabbath nous gratifie d'un nouvel album. Et encore, même pas sous son vrai nom, puisqu'Ozzy a entretemps réintégré le groupe mais se contente de tourner avec eux sans rien produire de nouveau. Ne soyons pas dupes, avec Dio de retour au chant pour une dernière pige, c'est bien un Sabbath sous couverture qui est de retour (d'où la position de cet album qui n'est pas vraiment à sa place dans ma liste aphabétique), et pour un retour c'est même un sacré retour en forme ! Exit les mièvres ballades FM de la période Martin, dès l'inaugural Atom and evil on a droit à un bon doom bien lent et lourd comme on aime, magnifié par un son forcément plus moderne qu'à l'habitude. Ca ne révolutionne rien, mais qu'est-ce que ça fait du bien ! Ce sera d'ailleurs le ton général de l'album, très peu de titres rapides (à part le rigolo Eating the cannibals), à peine une petite baisse de rythme en cours de route avec les plus convenus Rock and roll angel et The Turn of the screw), et surtout plusieurs pépites bien lourdes : Bible black, Double the pain et son refrain entêtant, et la superbe Follow the tears avec son intro sur fond d'orgue, ça penche franchement vers le grandiloquent par moments, mais sans jamais tomber dans le kitsch. La fin de l'album est à nouveau un peu moins réussie (Breaking into heaven s'éternise un peu, même s'il est vrai qu'on n'a pas vraiment envie que l'album se finisse !) mais c'est globalement une très très belle réussite, qui n'a pas du tout à rougir face aux deux premiers albums enregistrés avec Dio une trentaine d'années plus tôt.
  
  
• Black Sabbath - 13 (2013) ★ ★ ★
  
  Allez hop, il est temps de passer au dernier album studio du Sabbat Noir, le seul enregistré avec Ozzy au chant après les années 70. Forcément, il est difficile de juger un tel dernier opus de façon vaguement objective, surtout quand le côté "hommage à la grande époque" est aussi manifestement assumé. Ce n'est pas uniquement Ozzy et Geezer Butler qu'on retrouve sur ce disque, mais carrément l'atmosphère de Planet Caravan (sur Zeitgeist), et un riff et une construction qui rappellent fortement Black Sabbath (sur End of the beginning). Et je ne parle même pas des mythiques bruits d'orages insérés à la fin de la dernière piste. Le groupe joue à fond sur la nostalgie... et au fond il n'a pas totalement tort, parce que ça marche plutôt bien, malgré un Ozzy qui n'est plus vraiment le même (la voix est fatiguée et honteusement trafiquée en permanence) et des chansons qui s'étirent parfois sans que l'inspiration le justifie (Damaged soul notamment). Mais bon, le son est bon, les riffs restent corrects, on a même une ou deux très bonnes chansons (God is dead ? ou Age of reason), et le plaisir de retrouver nos sexagénaires capables de produire de la musique plus qu'écoutable l'emporte sur toute autre considération. Bon, j'avoue, j'ai remis Paranoïd dans la foulée, c'est quand même autre chose...
  
  
  
  
• Blind Guardian - Battalions of fear (1988) ★ ★ ★
  
  Blind Guardian, c'est l'un des fleurons du renouveau du metal allemand à la fin des années 80, avec l'éclosion d'un certain nombre de groupes initialement très orientés power metal. Forcément, on pense alors inévitablement à Helloween, et la référence est assez manifeste ici, notamment bien sûr quand on a droit à des "Halloween" chantés en choeur sur le refrain de Wizard's crown. Sans surprise donc, ce court premier album propose une musique mélodique et rapide, avec refrains repris en choeur et un enthousiasme juvénile qui gomme en partie les défauts pourtant visibles du disque. Le plus évident, c'est le chant peu maîtrisé d'Hansi Kürsch, qui gâche par exemple le très heavy Guardian of the blind (on est pas loin du thrash par moments... comme sur le premier album d'Helloween !). Le son est par ailleurs franchement moyen, même dans la version récemment remastérisée que j'ai écoutée. Et puis il y a des maladresses assez grotesques, notamment les allusions à la musique classique (l'intro de Majesty qui reprend le Beau Danube bleu à l'orgue de barbarie, et By the gates of the Moria basé sur le dernier mouvement de la Symphonie du nouveau monde). Mais qu'importe, c'est rafraîchissant, et il y a assez de titres réussis (Majesty, The Martyr, la chanson titre) pour passer un bon moment, en attendant un peu plus de maîtrise.
  
  
• Blind Guardian - Follow the blind (1989) ☆
  
  On a le curieux sentiment, en écoutant ce deuxième effort de Blind Guardian, qu'il a du y avoir une sorte d'inversion avec leur premier album, tant celui-ci est moins convaincant que le précédent. Ceux qui espéreraient au vu de la sympathique pochette des atmosphères lorgnant vers la fantasy seront en tout cas fort déçus : si on reste à un tempo rapide à peu près tout le temps, les influences thrash ont complètement pris le pas sur l'aspect mélodique, et on a du coup droit à une succession de titres bourrins sans inspiration, toujours assez mal enregistrés et surtout très mal chantés. Le pompom revient à Valhalla où Kai Hansen vient jouer les guest stars pour un duo qui fait franchement mal aux oreilles. On notera aussi, dans la catégorie franche rigolade, la reprise de Barbara Ann (oui, la chanson des Beach Boys) qui conclut le disque, comme si les musiciens eux-même avaient eu quelque part conscience d'avoir produit là un album qui ne resterait de toute façon pas dans les annales.
  
  
• Blind Guardian - Tales from the twilight world (1990) ★ ★ ★ ½
  
  Avec un deuxième essai complètement raté, ce troisième album du groupe allemand repart du bon pied, et semble même constituer le réel point de départ de leur carrière, avec des progrès techniques énormes par rapport à leurs précédents disques (notamment chez Hansi Kürsch qui semble soudain avoir appris à chanter, la nouvelle intervention de Kai Hansen sur Lost in the twilight hall n'en est que plus douloureuse pour ce dernier). Niveau style, pour le coup, on a une sorte de retour en arrière puisque c'est moins bourrin que Follow the blind (tout en restant très énergique), et à nouveau très mélodique, avec en plus une utilisation quasi systématiques de choeurs sur les refrains (tous assez réussis) et même des allusions à Queen plutôt sympathiques. Bref, le groupe semble avoir clairement trouvé sa voie, et ça fonctionne assez bien, même si le disque est encore desservi par un son assez brut qui donne un côté brouillon à l'ensemble et quelques pistes ratées (Lord of the rings méritait un meilleur traitement que l'espèce de ballade folk qui lui est dédiée, et le court instrumental Weird dreams ne ressemble à rien). Le reste a une patate assez communicative (le très bon Welcome to dying ou le percutant Goodbye my friend), avec par moments un côté "générique de série de SF vintage" que je trouve franchement cool (sur The Tommyknockers notamment). Pas (encore ?) un chef-d'oeuvre, mais de quoi passer un très bon moment.
  
  
• Blind Guardian - Somewhere far beyond (1992) ★ ★ ★
  
  J'avoue une approche un peu compliquée avec cet album, ayant été capable de le trouver d'un inintérêt presque total lors d'une écoute, avant de le trouver très intéressant le lendemain. Après avoir insisté un peu, le verdict sera quelque part entre les deux. On reste dans le même univers que pour leur disque précédent, un speed bien énergique avec chanteur très engagé (de plus en plus même, ça a un côté impressionnant mais c'est pas loin de devenir pénible par moments), et un zeste d'influence Queen tellement assumé qu'on a droit cette fois-ci à une reprise du groupe. Au niveau des nouveautés tout de même, un peu plus de variété, des passages en acoustique, et une volonté de donner dans le médiéval qui donne lieu à une sorte de ballade (The Bard's song) dont le seul mérite pour moi est de ralentir un peu le rythme, et à l'intervention assez incongrue de cornemuses (leur irruption dans la par ailleurs très bonne chanson titre est assez grandiose). Tout ça est bien fichu, recherché (les titres sont relativement longs) mais, malgré des refrains quasiment systématiquement réussis, je n'arrive qu'assez rarement à accrocher à une chanson sur toute la longueur, comme s'il y avait trop de choses sans rapport évident les unes avec les autres et que ça finissait par parasiter mon écoute. J'aime quand même vraiment l'inaugural Time what is time, le grandiloquent Theatre of pain (les trompettes synthétiques, forcément, ça me parle) et Ashes to ashes (plus la chanson titre, ça fait quand même une majorité du contenu du disque), mais l'ensemble me reste un peu plus hermétique que leur Tales from the twilight world.
  
  
• Blind guardian : Imaginations from the other side (1995) ★ ★ ★ ★
  
  Avec ce cinquième album, nos amis allemands ont encore ajusté un cran sur le curseur de leur maîtrise technique, et posent indiscutablement un jalon important dans l'histoire d'un certain genre de metal, disons rapide et orienté fantasy pour résumer (rappelons quand même que ce disque précède de quelques années le revival du genre provoqué notamment par les kitscheries d'un Rhapsody). Justement, ici, pas de kitsch, c'est un metal épique certes (avec utilisation assez massive des choeurs, souvent très efficace d'ailleurs), mais puissant et même volontiers sombre. Rien que le chant très écorché d'Hansi Kürsch, dont le décalage fréquent avec l'ambiance sonore qui l'entoure crée parfois des effets saisissants (le refrain quasiment désespéré de I'm alive notamment), place de toute façon le groupe dans une catégorie à part. De la maîtrise donc, il y en a indiscutablement ici, et les titres marquants sont nombreux, à commencer par la chanson-titre qui ouvre l'album. Du génie, peut-être moins, même si j'avoue une grande fascination pour l'irruption de la guitare acoustique hispanisante vers la fin de And the story ends. C'est pour ça, et aussi à cause de quelques pistes plus dispensables (les ballades médiévales me semblent toujours assez insipides), que, même si je prends beaucoup de plaisir à l'écouter, je n'irais pas jusqu'à considérer ce disque comme un sommet incontournable (bah j'ai mauvais goût quoi, je préfère le kitsch de Rhapsody à cette proposition au fond beaucoup plus sérieuse).
  
  
• Blind Guardian - Nightfall in Middle Earth (1998) ★ ★ ★ ★
  
  Cet album-là je l'avais en fait déjà écouté (et il n'y a pas si longtemps que ça, pas à l'époque de sa sortie !), attiré notamment par l'étiquette power metal et l'inspiration puisée chez Tolkien (même si je n'ai pas lu le Silmarillion dont l'album illustre certains passages, ce qui n'est d'ailleurs absolument pas nécessaire pour l'apprécier). Et je n'avais pas franchement accroché. Mais à ce moment-là je ne m'étais pas encore vraiment plongé dans la musique particulière de Blind Guardian, et ça ne ressemblait pas assez à mes groupes habituels dans le genre (qu'on ne va pas rappeler). Maintenant je suis mûr pour vraiment apprécier ce très bon disque, et je ne suis pas loin de partager l'avis général qui en fait un incontournable chef-d'oeuvre (mais pas tout à fait quand même). Le fait qu'il s'agisse d'un concept-album avec de très nombreux interludes (parfois de simples narrations avec bruits de fonds, mais aussi quelques choeurs sympathiques) est un point positif pour moi, qui permet de mieux faire passer les influences médiévales légèrement envahissantes du groupe (malgré tout, il y a encore des passages dans certains titres où on a une irruption incongrue de folk médiévale guillerette qui me semblent plus que superflus, par exemple dans l'assez agaçant Mirror, mirror). Mais surtout, l'album propose des titres travaillés (comme d'habitude) mais surtout très variés (Hansi Kürsch ne braille pas tout le temps, et quand il pose sa voix c'est vraiment pas mal !) : du speed bien rentre-dedans comme d'habitude (Into the storm est assez irrésistible dans le genre), mais aussi du mid tempo mélancolique, voire tragique, qui me convainc en fait encore plus (ma chanson préférée de l'album est sûrement Noldor, mais Nightfall et son ambiance claire-obscure est un sacré morceau aussi), on va même jusqu'à la vraie ballade avec piano (The Eldar). Les choeurs prennent toujours une place très importante et les refrains sont dans l'ensemble superbes. Mais malgré tout, il me reste sur une partie des titres toujours cette impression que le groupe ne maîtrise pas totalement l'enchaînement de ses idées (sur Thorn par exemple), ce qui m'empêche encore d'être absolument emballé. Ça n'en reste pas moins un album passionnant, à écouter au moins une fois dans sa vie.
  
  
• Blind Guardian - A Night at the opera (2002) ★ ★
  
  Blind Guardian a toujours eu une certaine tendance à en faire trop, qui nuit parfois à la lisibilité de leurs compositions. Pas surprenant de ce point de vue que leur plus belle réussite soit Nightfall in Middle Earth, où les interludes et la grande variété de tempo donnaient une aération naturelle au propos. Mais pour leur disque suivant, peut-être par peur de décevoir, les allemands ont terriblement chargé la barque. Dès le premier titre Precious Jerusalem, on est un peu surpris par le ton de l'ensemble, les arrangements lui donnant un aspect "pop électro sophistiquée" (niveau construction, ça n'a rien à voir avec de la pop par contre) assez étonnant. Mais l'énergie déployée et les choeurs très présents emportent le morceau, on se dit que c'est finalement un bon portique pour introduire l'album. Sauf qu'en fait, l'album va jouer en continu sur les mêmes recettes : tempi rapides, énormément de choeurs et plus généralement de présence vocale (Kürsch se répond assez régulièrement à lui-même), arrangements qui rajoutent encore une bonne couche à un édifice déjà chargé tout en éloignant sérieusement la musique de ce qu'on attend d'un album de metal (les choeurs limite gospel sur certains passages de Wait for an answer, les arrangements orchestraux de la monumentale And then there was silence qui clôture le disque avec ses 14 minutes), il n'y a rigoureusement aucun temps mort, on a l'impression d'entendre le climax d'un album "normal" étalé sur plus d'une heure, et il faut bien avouer que c'est assez épuisant. C'est vraiment dommage, car sur le fond la musique du groupe reste très intéressante et les compositions hyper travaillées, mais les bons moments (Sadly sings destiny, The Maiden and the minstrel knight qui est peut-être le titre le plus posé des dix qui constituent l'album) sont noyés dans un trop plein dont on ne retient finalement que bien peu de choses après l'écoute.
  
  
• Blind Guardian - A Twist in the myth (2006) ★ ★ ½
  
  Après nous avoir fait passer une nuit à l'opéra (trop) mouvementée, Blind Guardian revient apparemment à des thèmes plus classiques, mais surtout tient compte de la boursouflure de l'album précédent et propose un disque infiniment plus facile à écouter. La densité des lignes de chant a entièrement disparu, les arrangements sont distribuées parcimonieusement au lieu d'être balancés en paquets continus (il n'y a d'ailleurs presque que The Edge qui sonne symphonique), ça fait du bien aux oreilles. Mais ce qui est nettement plus dommage, c'est qu'en allégeant la sauce, les allemands ont aussi fortement simplifié la recette, proposant des morceaux beaucoup plus directs qu'à l'habitude, et lorgnant même régulièrement vers une sorte de hard rock classique un peu daté (les sonorités de claviers n'aidant pas franchement non plus pour un album pourtant pas si ancien). Pire, ça manque souvent de mordant, les choeurs ne sont plus guère épiques, les refrains pas franchement mémorables, et de façon très symptomatique, Kürsch a définitivement laissé au placard son chant écorché si typique (il chante bien aussi en voix "normale" mais ça a clairement moins de personnalité). Sur les pistes rapides et énergiques, comme le très bon This will never end qui ouvre le disque, ça ne pose pas de problème. Mais quand le tempo faiblit, on tombe dans l'anecdotique, quand on ne frise pas carrément le kitsch dégoulinant (sur Carry the blessed home, on ne fait pas que le friser). Le disque n'en est pas mauvais pour autant (les percus colorées de Fly ou l'inévitable titre médiéval Skalds and shadows sont sympa), mais finalement, pour des raisons bien différentes, pas beaucoup plus convaincant que leur précédent.
  
  
• Blind Guardian - At The edge of time (2010) ★ ★ ★ ★
  
  Après une période de moins bien, Blind Guardian tente de renouveler un peu sa musique en ayant recours à un moyen devenu fort classique dans le monde du speed, l'orchestre symphonique. Dans la mesure où leur musique est souvent déjà bien chargée, ça peut ressembler à une fausse bonne idée, mais les doutes sont dissipés avec le Sacred worlds qui ouvre l'album, et qui constitue une sorte de démonstration d'utilisation raisonnée de l'orchestre qui renvoie dans les cordes tous les concurrents s'étant déjà essayés à l'exercice avec infiniment moins de subtilité. Il parait du coup d'autant plus curieux que l'orchestre disparaisse ensuite jusqu'au Wheel of time conclusif, mais aussi que ce dernier soit nettement moins réussi, mélange improbable entre speed metal et Maurice Jarre version BO de Lawrence d'Arabie qui ne convaincra complètement que les plus fans de bizarreries chroucrouteuses (j'avoue que j'aime assez malgré tout, mais à petites doses quand même). Entre les deux toutefois, le groupe propose un contenu très varié, sorte de best of de tout ce qu'il avait pu mettre dans ses albums précédents, et réussit surtout à retrouver un beau niveau d'inspiration : Tanelorn (Into the void) est un très bon titre heavy où Kürsch retrouve une agressivité bienvenue, Road of no release est plus retenue (belle intro au piano) mais très maîtrisée, le refrain de Control the divine est d'une efficacité redoutable, et la ballade médiévale Curse my name passe très correctement. Tout cela, malgré quelques inévitables moments de moins bien (notamment un War of the thrones au refrain hors-sujet, mais bon, une chanson inspirée par les écrits de George Martin et composée avant la création de la fameuse série avait de toute façon de fortes chances de sonner bizarrement), met tout bonnement ce disque à la hauteur des plus belles réussites du groupe !
  
  
• Blind Guardian - Beyond the red mirror (2015) ★ ★ ★
  
  Avec leur album précédent, les allemands avaient inauguré une période axée sur l'utilisation d'un véritable orchestre symphonique, toutefois encore utilisé parcimonieusement (et judicieusement qui plus est). Leur goût naturel pour la surenchère aura vite repris le dessus, sur cette nouvelle proposition, on fait nettement moins dans la subtilité, avec des tonnes de choeurs et d'arrangements qui ne sont souvent pas loin de tourner au pudding indigeste façon A Night at the opera. Mais on évite le pire, l'ensemble reste lisible (et surtout audible) même si 70 minutes sont probablement un peu trop (surtout que la fin d'album est vraiment moyenne, Grand parade est une conclusion artificiellement festive mais peu inspirée, et le Miracle machine choral sur fond de piano qui précède n'a aucun intérêt). On démarre en tout cas très fort avec une intro de The Ninth wave vraiment prenante (dommage que quelques passages aux sonorités vraiment trop électro gâchent un peu le titre), et l'enchaînement avec un Twilight of the gods caractéristique du groupe met dans de bonnes dispositions. Il faut bien admettre qu'ensuite on aura quand même trop peu de temps forts (quelques chansons sont sauvées par les arrangements énormes, par exemple At the edge of time et son discours assez décousu), même si le tout s'écoute agréablement. Un bon disque pour qui aime le metal spectaculaire proposé par Blind Guardian, et peut-être même une bonne porte d'entrée dans leur univers pour qui n'a pas peur de la surcharge orchestrale, mais ils ont quand même fait mieux.
  
  
• Blind Guardian - The God machine (2022) ★ ★ ★ ½
  
  Blind Guardian laisse passer de plus en plus de temps entre deux albums studio (si on ne compte pas leur précédente tentative symphonique non incluse parmi ces chroniques), mais le groupe est toujours vivant, et bien vivant. D'ailleurs, pour ce dernier album en date, ils ont même assez sérieusement travaillé leur son pour le rendre plus moderne (mais on garde bien sûr les choeurs typiques du groupe), et renoué sur certains titres bien percutants avec les racines thrash dont ils sont issus, mais qu'ils avaient assez soigneusement enfouies depuis un certain temps (Violent shadows notamment). Le revers de la médaille, on ne le cachera pas, c'est que cette approche plus directe s'accompagne d'une certaine simplification de la musique proposée, à l'image de leur A Twist in the myth quinze ans auparavant. Mais cette fois-ci, simplification rime avec efficacité, et des titres comme Deliver us from evil ou l'épique Secrets of the american gods fonctionnent très bien. On regrettera par contre que la ballade Let it be no more soit complètement impersonnelle, ou que le titre final Destiny manque de conviction, mais on a droit le reste du temps à du Blind Guardian bien fichu, mélodique comme d'habitude, et tout simplement satisfaisant sans révolutionner le moins du monde quoi que ce soit.
  
  
  
  
• Blut aus Nord - Ultima Thulée (1995) ★ ★ ★
  
  Il faut bien que je le dise pour commencer, en démarrant l'exploration de la longue discographie de Blut aus Nord (une quinzaine d'albums en près de trente ans d'existence, tout de même), j'avais un peu peur de ce que j'allais y trouver. Ou plutôt, je craignais de le deviner à l'avance : un gars qui se fait appeler Vindsval mais qui cultive volontiers l'anonymat aux manettes d'un "groupe" reposant en pratique quasi exclusivement sur ses épaules et qui s'est toujours refusé à distiller la moindre note de musique hors disques, une musique justement réputée difficile d'accès, à laquelle les fans les plus inconditionnels n'hésitent pas à accoler régulièrement les qualificatifs "glauque" ou "inhumaine", ça sent très fort le machin underground, bien extrême, qui peut donner envie de fuir autant qu'être une expérience inoubliable. Les premières secondes de cet album fondateur confirment totalement cet a priori : The Son of Hoarfrost débute avec une petite mélodie au clavier, très vite enfouie sous une bouillie de guitares au son abominable et de gargouillis censés servir de chant, à ce moment-là je me dis qu'aller au bout de la discographie du groupe est un objectif délirant d'ambition. Et pourtant, on aurait vraiment tort de se limiter à cette première impression, car Blut aus Nord ne se limite pas, loin s'en faut, à ce black cradingue caricatural. Tout au long des huit pistes qui constituent l'album, ils proposent même une variété de décors vraiment intéressante (même au niveau du son des guitares, si on n'atteint certes jamais quelque chose de vraiment propre, ce n'est pas uniformément dégueulasse), avec des claviers planants faisant régulièrement des irruptions franchement inattendues (sur From Hlidskjalf par exemple), mais surtout deux titres partant dans des directions vraiment différentes : les cinq minutes de chant choral "chamanique" a cappella de My Prayer beyond Ginnungagap, et surtout The Plain of Ida, assez longue piste pratiquement purement instrumentale construite sur des motifs mélodiques entêtants, à l'ambiance glaciale (soyons honnêtes, ça respire quand même rarement la joie et le plaisir chez Blut aus Nord) mais absolument fascinante. Ce titre suffirait à lui seul à me faire recommander au moins une écoute du disque. La fin de l'album est un peu plus pénible pour moi (on revient trop souvent à des sonorités black difficiles), mais la conclusion The Last journey of Ringhorn a une tonalité presque épique qui ne manque pas également de faire dresser l'oreille. Me voila en tout cas convaincu d'aller écouter sans rechigner les albums suivants du compère Vindsval (qui, rappelons-le en passant, est français, pour une fois que du metal extrême ne vient pas du grand Nord !).
  
  
• Blut aus Nord - Memoria Vetusta I - Father of the Icy Ages (1996) ★ ½
  
  Pour ce deuxième album avant une longue période sans rien publier, Blut aus Nord propose un disque nettement moins surprenant et inspiré que le premier. Les claviers sombres qui ouvrent le disque sont pourtant plutôt prometteurs, mais ce n'est qu'une illusion, tant les guitares dominent complètement ce nouvel opus (on a bien quelques petites irruptions de claviers, mais trop courtes pour vraiment rompre la monotonie de l'ensemble). Mur de guitares peu audibles en fond, mais aussi des éléments nettement plus mélodiques qui se détachent au premier plan, le chant reste très primaire mais agrémenté de choeurs plutôt intéressants, la volonté générale semble être de proposer quelque chose de nettement plus narratif et "classique" que sur Ultima Thulée. Le problème, c'est que, si la musique tient plutôt correctement la route, c'est quand même extrêmement uniforme, et bien sûr plombé par un son black particulièrement fatiguant à la longue. On n'est pas au niveau des pires productions du genre, mais ça transforme un voyage potentiellement intéressant en disque qu'on n'a pas vraiment envie de réécouter pour l'explorer en détail, dommage.
  
  
• Blut aus Nord - The Mystical beast of rebellion (2001) ★ ★ ½
  
  Cinq ans après son deuxième album (laps de temps inhabituellement long pour le groupe, qui depuis a enchaîné les disques, EP et autres splits au rythme d'au moins un tous les deux ans), Blut aus Nord revient avec une proposition assez différente, qui s'approche probablement plus des qualificatifs que j'avais pu citer dans mon introduction à leur premier disque (glauque, expérimental, et autres joyeusetés). On quitte en effet le black narratif et presque épique de Memoria Vetusta pour une expérience sensorielle assez extrême aux confins de terres inhospitalières et particulièrement désolées : espèces de glissandi de guitares lents et sinistres sur fond de blast-beats effrénés, rares motifs plus ou moins mélodiques répétés jusqu'à l'hypnose, et toujours ce chant extrême qui se fait relativement discret sur cet album. On lorgne clairement vers l'expérimental (les notes graves longuement tenues ou autres sons peu identifiables servant de transition entre les différentes pistes du disque, qui ne portent d'ailleurs plus vraiment de nom, ce sont de simples chapitres numérotés), et il faut probablement un état d'esprit particulier pour vraiment "apprécier" (mais est-ce le but ?) cette musique sur une durée de 40 minutes (ou même deux fois plus si on est assez maso pour tenter la version complétée de l'album) tant les procédés sont répétitifs (le son, lui, est brut mais pas du tout inaudible, c'est toujours ça de pris). On aurait aimé plus d'échappées comme celle de la fin du Chapitre III avec ces notes de piano intriguantes. Pourtant, on ne peut pas nier un certain pouvoir de fascination à cette oeuvre, le Chapitre I notamment réussit à créer une atmosphère vraiment prenante, je n'irai pas jusqu'à dire que c'est beau mais ça fonctionne franchement bien. J'ai quand même du mal à ne pas décrocher avant la fin du disque, même si la réécoute m'a déjà semblé plus aisée. Du coup, je ne me mouille pas trop au niveau de la note, mais dans un genre forcément à part, c'est assez réussi (je n'en écouterais pas tous les jours quand même, hein...).
  
  
• Blut aus Nord - The Work which transforms God (2003) ★ ★
  
  Après un troisième album qui poussait loin dans la direction de l'inconfort et de l'expérimentation, que pouvait bien nous réserver de nouveau Blut aus Nord ? Clairement, on reste dans la même veine, avec ces guitares torturées et ces gémissements (quand ce n'est pas pire) en guise de chant qui ne sont pas vraiment là pour essayer de vous remonter le moral. Mais le groupe semble vouloir proposer un album un peu plus classique sur la forme : douze pistes de durée variable mais globalement raisonnable (avec des vrais titres !), des tempi nettement plus variés, on pourrait presque s'attendre à un album "classique". Mais en pratique je le trouve nettement plus agaçant que le précédent (dont l'extrême linéarité était au fond justifiée par le propos) : intermèdes bruitistes poseurs, boîte à rythme assez insupportable en guise de batterie, mais surtout une volonté de faire toujours plus expérimental (énormément de bruitages douteux) qui finit par donner des trucs tout simplement moches (The Choir of the dead) ou carrément ratés (The Supremem abstract), on s'approche dangereusement de l'album pédant à fuir absolument. Heureusement, le disque est sauvé par une deuxième moitié qui retrouve de l'inspiration, propose de nouvelles ambiances intéressantes (Our blessed frozen cells et ses bruitages industriels, très bon), et conclut (après une piste vide dont on se serait bien passé...) par une Procession of the dead clowns lancinante, inexorable, et carrément fascinante. Ouf, Blut aus Nord a encore des choses intéressantes à dire. Mais ce disque est quand même énervant.
  
  
• Blut aus Nord - MoRT (2006) ★ ★ ★
  
  Après un The Work which transforms God qui m'avait finalement plus énervé qu'il ne m'avait convaincu, Blut aus Nord revient en arrière en proposant un disque à la structure très proche du très expérimental The Mystical Beast of rebellion (très bon point pour le groupe, le nouveau venu a un titre nettement plus court) : huit plages sobrement intitulées Chapter I jusqu'à Chapter VIII, ou plutôt en fait une longue suite ininterrompue de musique, les pistes s'enchaînant sans pause, à peine coupées par des transitions plus calmes. Musicalement, le groupe continue son exploration de la déliquescence en musique, proposant une oeuvre à nouveau extrêmement linéaire : guitares tordues, très peu de "chant" (plutôt des borborygmes qui s'intègrent à l'ambiance générale bien délétère), des bruitages qui vont des sons industriels (sur le Chapter III notamment) à des espèces de claquements d'origine indéterminée, et une batterie en mode déglingué (les blast-beats semblent avoir été abandonnés, un bon point en ce qui me concerne). Pendant trois quarts d'heure, c'est pratiquement tout le temps la même chose, le même tempo retenu, la même ambiance glauque, à quelques infimes variations (bienvenues) près (le beau motif de guitares à la fin du Chapter V, l'apparition d'un motif entêtant sur la dernière piste), mais cette "musique" a encore une fois quelque chose d'assez prenant et fascinant. Si on arrive à rentrer dedans, on peut même sûrement trouver ça extraordinaire (je n'irai personnellement pas jusque-là, ça reste trop uniforme pour moi), sinon on risque fort de trouver le temps très long...
  
  
• Blut aus Nord - Odinist - The Destruction of reason by illumination (2007) ★ ★ ★ ½
  
  Se rendant peut-être compte que sa recherche de l'illustration de la déliquescence en musique ne pouvait pas être poussée beaucoup plus loin que dans ses précédentes propositions, Vindsval revient avec ce sixième album de son groupe Blut aus Nord à quelque chose de nettement plus abordable et moins expérimental. Le disque est court (36 minutes, et même un peu moins si on en retire les deux pistes qui ouvrent et referment l'album, morceaux de claviers planants d'ailleurs très réussis), mais surtout, même si on reconnaît bien le son de Blut aus Nord (et notamment ces guitares toujours aussi glissantes), on retrouve aussi une assise black nettement plus traditionnelle, avec un chant nettement plus standard (enfin, pour du black hein) et quasi continu sur une grande partie des pistes, et une batterie qui aligne du blast rapide en fond assez régulièrement (ceci dit, elle est mixée très en retrait, ce qui n'est pas pour me déplaire). Même les guitares sont nettement plus mélodiques qu'à l'accoutumée (sur Odinist par exemple, c'est d'ailleurs ma foi fort beau). Je dois l'avouer, au premier abord, j'ai presque été déçu par ce virage, le disque étant clairement beaucoup moins aventureux et ambitieux que les précédents et pouvant du coup sembler manquer de personnalité. Mais finalement, je me rends compte après quelques écoutes que j'apprécie plus facilement cette musique moins torturée mais bel et bien inspirée. C'est donc, pour l'instant, au disque du groupe le moins représentatif (mais qui n'est peut-être au fond qu'une parenthèse avant de se lancer vers d'autres expérimentations) que j'attribue la meilleure note, ça me chagrine un peu mais c'est indiscutablement celui que je réécouterai le plus facilement.
  
  
• Blut aus Nord - Memoria Vetusta II - Dialogue with the stars (2009) ★ ★ ★ ★
  
  Leur précédent album le laissait entendre, celui-ci le confirme encore beaucoup plus clairement, Blut aus Nord a décidé d'arrêter d'explorer les tréfonds de l'âme humaine. Le titre de l'album laisse entendre qu'il s'agit d'une suite (13 ans plus tard !) à leur deuxième album, mais je n'ai pas vu tant de similitudes que ça entre les deux : là où le premier opus était très épique et sale (au niveau du son), celui-ci est beaucoup plus aérien (le son n'a vraiment rien de black pour le coup !), proposant une ambiance globalement douce et onirique (oui, oui, on parle toujours de Blut aus Nord). Il n'y a d'ailleurs qu'à écouter l'interlude Translucent body of air (les titres des pistes ont repris de la longueur, et surtout sont bien incompréhensibles...), avec ces arpèges de guitare acoustique sur fond de claviers légers, pour s'en convaincre. On a bien droit à quelques relents de black old school (le chant bien sûr, mais aussi la boîte à rythmes qui blaste-beat la plupart du temps, c'est d'ailleurs le gros point noir de l'album à mon sens, mais comme elle est mixée très en arrière des guitares, ça ne dérange pas trop), mais l'essentiel est vraiment dans ces envolées de guitares très mélodiques (beaucoup de passages purement instrumentaux), qui sont tout simplement fort belles (la fin de Disciple's libration, celle de The Formless sphere avec son côté orientalisant, et surtout la superbe The Meditant qui démarre de façon presque exubérante et constitue pour moi le sommet du disque, qui est malgré tout d'une qualité très homogène). Cette invitation au voyage-là, je la suis quasiment sans réserve, et suis d'autant plus curieux de voir la suite de l'évolution du groupe.
  
  
• Blut aus Nord - 777 - Sect(s) (2011) ★
  
  Blut aus Nord a presque toujours été un groupe très productif, mais il met les bouchées doubles en 2011 avec le projet 777, trois albums devant sortir la même année (en fait le dernier attendra 2012). Eh bien à écouter le premier volet, j'ai presque envie de dire que malheureusement ça s'entend. On retrouve ici un Blut plus nettement plus orienté "expérimental tordu" que sur ses deux précédents disques (encore que ça dépende pas mal des pistes), mais surtout un Blut en manque d'inspiration : six pistes intitulées Epitome (c'est bien, parfois on apprend de nouveaux mots en écoutant du metal), trois quarts d'heure de musique mais ça parait quand même long tant il y a de répétitions (l'Epitome IV, le plus long des six, contient des idées intéressantes mais qu'est-ce que ça traîne en longueur...) et de choses déjà entendues en mieux dans la discographie du groupe. Les pistes rapides (en gros les numéros impairs) sont simplement moches, avec blasts sans intérêt et guitares très dissonantes, la facette noire du groupe mais sans le côté fascinant des ambiances qu'ils avaient su créer sur leurs disques les plus glauques. Il y a du mieux sur les pistes paires, globalement plus atmosphériques (et même un peu mélodiques par moments), mais dans un genre pas si éloigné, c'est très en-deça du Memoria Vetusta II qui a précédé ce Sect(s). On verra ce que donnent les deux opus suivants (qui partent encore dans d'autres directions), mais la trilogie démarre mal pour moi.
  
  
• Blut aus Nord - 777 - The Desanctification (2011) ★ ★ ★ ★
  
  Avec une telle productivité, on pourrait craindre que Blut aus Nord ne finisse par franchement tourner en rond (surtout pour un groupe a priori tenu à bout de bras par un seul homme), mais ce n'est vraiment pas le cas. Alors que le premier volet de la trilogie 777 m'avait laissé de côté, le deuxième propose des ambiances bien différentes qui me convainquent nettement plus. Si on reconnaît bien le son typique du groupe (ces guitares dissonantes et glissantes, les claquements utilisés de temps à autre), le voyage auquel nous convie une fois de plus le groupe nous emmène dans des contrées nettement moins désespérées que d'habitude, et à vrai dire pas faciles à décrire : il y a une petite touche d'orientalisme qu'on avait déjà décelée quelques fois dans les productions de nos amis normands, un chant qui semble de moins en moins présent , une batterie beaucoup plus variée (avec un côté assez pulsé sur Epitome VII qui surprend au premier abord, mais cette piste est en fait vraiment très bien construite), des passages vraiment créatifs (la fin du disque avec ces espèces de tremolos de guitares sur un fond rythmique qui lorgne presque du côté des musiques urbaines) et même un court interlude (Epitome IX) assez aérien qui n'a plus rien de métallique mais que je trouve fascinant. Après, on retrouve quand même, à la base de tout ça, des riffs simples souvent très répétés, mais cette fois-ci je passe un moment très agréable à l'écoute du disque. Oui, ça parait invraisemblable, mais Blut aus Nord est aussi capable de produire de la musique agréable.
  
  
• Blut aus Nord - 777 - Cosmosophy (2012) ★ ★
  
  Après deux premiers volets où Vindsval semblait pousser Blut aus Nord dans des directions encore peu explorées (enfin, surtout sur le second), la tendance est plus que confirmée dans un dernier tome regroupant les six derniers Epitome et comportant son lot de susprises pour le moins inattendues. La première, et de taille, c'est l'apparition d'un chant clair qui semble carrément incongru au sein des ambiances (à nouveau plus atmosphériques que morbides, mais quand même) créées par le groupe. Dans l'Epitome XVII, on se rapproche même niveau vocal d'un "Blut aus Nord s'essaye à la pop britannique" et, bizarrement, ça ne marche pas très bien. Pire, l'Epitome XV est quasi-intégralement constitué d'une sorte de slam absolument minable (pour une fois qu'on comprend les textes sur un album de Blut aus Nord, on le regrette très vite), vraiment l'impression que le groupe se met à faire n'importe quoi pour innover. Et puis quand même, Blut aus Nord est encore capable de produire de la musique aux ambiances travaillées (l'Epitome XIV notamment), et à avoir des fulgurances (sur le fameux Epitome XV, un break aux choeurs épiques qui déboule sans crier gare) qui suffisent à rendre l'écoute nettement moins vaine, à défaut d'être vraiment fascinante. On se demande quand même à la fin du disque où cette trilogie était censée nous mener, et Vindsval lui-même laisse planer un gros doute en achevant son oeuvre par une coda énigmatique et minimaliste qui ne conclut strictement rien et semble demander à l'auditeur "Bon, et maintenant on fait quoi ?". La réponse au prochain album ?
  
  
• Blut aus Nord - Memoria Vetusta III - Saturnian Poetry (2014) ★ ½
  
  Je m'interrogeais à la fin de ma chronique précédente sur la direction qu'allait prendre Blut aus Nord après une trilogie 777 qui l'avait emmené assez loin de ses terres de prédilection. Au moins pour cet album, la réponse est claire : on mise sur un retour en arrière et une valeur sûre en proposant un troisième volet de Memoria Vetusta (après tout, le deuxième sorti 5 ans auparavant était très bon). Mais en fait de retour en arrière, c'est même beaucoup nettement du côté du premier volet de la série que penche ce nouvel opus : oubliées les superbes ambiances aériennes, les tempi sont systématiquement rapides (avec pas mal de blasts de batterie pénibles), le ton est globalement épique (le chant se limite quasiment à des interventions chorales) et surtout on a en continu un mur de guitares très dense dans les oreilles. Pas un moment de répit, ça fatigue assez vite et ça ne permet hélas pas de profiter pleinement de l'aspect mélodique pourtant encore une fois très présent (on a même des éléments d'inspiration folklorique par moments). Le son est pourtant loin d'être dégueulasse, mais après avoir été séduit par les dix premières minutes du disque, j'ai rapidement décroché pour ne garder finalement qu'une sensation de gros gâchis, un peu comme sur le premier Memoria Vetusta...
  
  
• Blut aus Nord - Deus Salutis Meae (2017) ☆
  
  On m'avait pourtant bien prévenu, ces derniers temps, Blut aus Nord pratique l'alternance entre albums mélodiques et expérimentaux. Après le troisième volet des Memoria Vetusta, le groupe enchaîne donc (enfin, façon de parler, le rythme des sorties est revenu à quelque chose de raisonnable après le tryptique de 2011) avec un album qui pousse très fort dans la direction de l'expérimental. Mais il s'gait ici, hélas, d'un expérimental particulièrement moche. Le son est probablement le plus dégueulasse de toute la discographie du groupe, sorte de bouillie grésillante aux relents indus d'où émergent difficilement quelques motifs de guitare qui pourraient être intéressants si on les entendait vraiment (le début de Chorea Macchabeorum est prometteur) et des choeurs inquiétants (ah, et aussi un peu de chant black très "vomi" dont on se passerait bien) qui donnent au tout un côté cérémonie occulte repoussante qui aurait une fois de plus pu être fascinante si elle n'était pas aussi désagréable à écouter. Les bonnes nouvelles dans tout ça : malgré la présente d'interludes bruitistes sans intérêt, ça ne dure qu'une grosse demi-heure. Le choix de titres en latin (et même en grec !) de cuisine est presque rigolo. Et, tout de même, Abisme, avec ses choeurs sur fond de guitares bien lourdes, propose deux bonnes minutes vraiment réussies. D'assez loin le pire disque du groupe pour moi.
  
  
• Blut aus Nord - Hallucinogen (2019) ★ ★ ½
  
  Après un album dont le son dépassait mon seuil de tolérance, Blut aus Nord revient donc à du plus classique avec ce disque à l'apparente influence fongique. En fait, malgré le titre et la pochette, c'est plutôt une ambiance cosmique à laquelle on a droit, une sorte de suite indirecte au deuxième volet des Memoria vetusta. Les guitares sont mélodiques et très aériennes (souvent dans le très aigu), même si c'est en partie compensé par les blasts de batterie (fatigants et sans l'ombre d'un intérêt, d'ailleurs), et surtout par l'emploi de choeurs aux sonorités plutôt médiévales (essentiellement aucun chant à part ces choeurs). L'ambiance créée est réussie, c'est assez beau, mais aussi très homogène pendant une bonne partie du disque, avec des ruptures en fin de piste pour proposer un passage très calme assez systématiquement. Bref, c'est du Blut aus Nord en pilotage automatique qui tourne gentiment en rond, avant quand même de retrouver un peu plus d'inspiration sur les derniers titres (Mahagma propose quelque chose de beaucoup plus varié, Haalucinählia a un côté plus psychédélique qui justifie enfin le titre, et la conclusion de Cosma procyiris est vraiment réussie). Suffisant pour atteindre la moyenne, mais pas plus pour ce disque relativement anecdotique. À noter quand même, au milieu des titres pseudo-latin, la présence d'une piste intitulée Sybelius. De quoi attirer quelques curieux amateurs de classique ? Pas sûr !
  
  
• Blut aus Nord - Disharmonium - Undreamable Abysses (2022) ★ ★ ★ ½
  
  Eh ben voilà, j'arrive au bout de la copieuse discographie de Blut aus Nord (et encore, j'ai zappé tous les EP et autres splits du groupe, relativement nombreux également), et je dois dire que dans l'ensemble j'ai effectué des voyages très intéressants avec eux, même si certains disques m'ont franchement déplu et que je n'ai pas non plus trouvé de chef-d'oeuvre incontournable dans le lot. Pour ce dernier album en date, le groupe se met sous un patronage lovecraftien qui semble presque naturel pour lui, et revient de fait à des ambiances bien glauques qu'on n'avait plus tellement croisé depuis quelques albums. Toutefois, le son est très propre (presque trop !), on se concentre vraiment sur la création d'ambiances morbides et/ou fantômatiques (les choeurs féminins de Into the woods), et à ce jeu là, Blut aus Nord est assez insurpassable. Les deux pistes qui ouvrent et ferment l'album, Chant of the deep ones et The Apotheosis of the unnamable, sont très réussies, et le reste est suffisamment varié pour ne jamais lasser (très curieuse ambiance sur That cannot be dreamed). Les bémols de mon côté, ce sera le fait que l'effet de surprise ne peut plus jouer tant Blut a déjà travaillé sur ce type d'atmosphères, et surtout une batterie qui continue à me fatiguer quand elle blaste en continu (ce qui n'est heureusement pas toujours le cas, mais encore bien trop souvent). Mais on est assez clairement dans le haut du panier de ce que le groupe a proposé depuis ses débuts.
  
  
  
  
• Celtic Frost - Morbid tales (1984) ★ ★ ★ ★
  
  Début d'une nouvelle courte série consacrée au plus célèbre groupe suisse de la galaxie metal. Mais oui, c'est bien de Suisse qu'est issu un groupe considéré comme l'un des précurseurs de toute la scène extrême. Et de fait, dès ce premier album (qui n'en est d'ailleurs pas vraiment un puisque reconstitué à partir de morceaux issus de sources diverses des débuts du groupe), le duo fondateur (uniquement accompagné d'un batteur de cession) fait preuve d'une certaine originalité (surtout pour l'époque, bien entendu) : un son lourd et grave avec une section rythmique mixée très en avant (on entend vraiment bien la basse, ça donne un sacré cachet au son, même si la version que j'ai entendue a sûrement été remastérisée ultérieurement), un chant qui n'en est pas vraiment un (plutôt une espèce de déclamation inquiétante), et surtout quelques expérimentations complètement improbables (les cris super moches de l'introduction Human auraient plutôt tendance à ne pas donner envie d'aller plus loin, mais la Danse macabre qui se trouve quasiment en fin de disque est un moment assez effarant de délire total, avec piano dissonant et violon grinçant, c'est plus que spécial mais ça a un étrange goût de revenez-y). Malgré le contenu strictement musical assez limité (pas de démonstration technique, c'est souvent assez lent, et les riffs sont basiques et pas mal répétés), le disque réussit réellement à créer une atmosphère morbide (le titre de l'album est bien choisi) sans être le moins du monde grand-guignolesque, c'est au fond d'une efficacité redoutable tout en installant effectivement des procédés qu'on retrouvera repris par pas mal de groupes de la première vague de black nordique, mais avec un son autrement plus intéressant. Franchement, j'ai passé un très bon moment à l'écoute de ce premier essai.
  
  
• Celtic Frost - To Mega Therion (1985) ★ ★ ★
  
  Plus encore peut-être que son prédécesseur, cet album est considéré comme culte par beaucoup de métalleux qui le voient comme un génial précurseur de plusieurs branches du metal extrême qui vont se développer dans les années qui suivront. Il faut dire que, contrairement à Morbid Tales, ce To Mega Therion est un vrai disque longue durée sorti comme tel en 1985. Il faut dire aussi que la pochette dessinée par Giger (le créateur d'Alien) ne contribue pas qu'un peu à mettre dans l'ambiance. Il faut dire surtout que, question ambiance, les petits suisses savent y faire pour vous faire pénétrer en quelques instants dans un monde glauque et intriguant. Ici, une introduction d'une minute avec cor (mais oui) et on est partis pour un voyage dans des contrées incertaines. L'ambiance de ce prélude sera d'ailleurs reprise un peu plus loin dans l'excellent Dawn of Megiddo, lent et hypnotisant, puis dans la piste finale Necromantical screams. Mais malgré ces très bons points, je trouve quand même l'album moins efficace que leur premier, peut-être curieusement à cause de ce caractère un peu plus sophistiqué qui fait d'autant plus ressortir le fait que les autres pistes sont finalement assez pauvres musicalement parlant (techniquement, Celtic Frost est loin d'impressionner, et l'ambiance ne peut pas tout faire non plus). Heureusement, la fin de l'album est à nouveau très intéressante, quand Tom Warrior (leader et compositeur du groupe) repart dans des délires expérimentaux invraisemblables (Tears in a prophet's dream est encore plus bruitiste et barrée que la Danse Macabre de Morbid tales, et Necromantical scream fait carrément dialoguer le chanteur avec une soprano lyrique complètement incongrue). En fait, To Mega Therion mérite vraiment son statut culte : pas du tout un chef-d'oeuvre inattaquable, mais incontournable malgré tout pour les pistes qu'il ouvre, et la fascination qu'il exerce en dépit de ses défauts.
  
  
• Celtic Frost - Into the pandemonium (1987) ★ ★
  
  Après deux albums ayant défriché de façon assez phénoménale de nouveaux territoires pour le metal, on pouvait imaginer que les membres de Celtic Frost allait maintenant pouvoir se contenter d'asseoir un peu leur style en restant dans la continuation de ce qu'ils avaient déjà proposé. Eh bien, manifestement, ce n'est pas le genre de la maison puisque cette nouvelle tentative aurait plutôt tendance à battre des records en termes de bizarreries et d'inclusion d'éléments inattendus : on démarre avec une reprise franchement space, puis Warrior introduit un espèce de chant geignard genre "metal gothique pour minettes désespérées" sur Mesmerized, chant qu'il reprendra hélas sur une majorité des titres du disque. Après un Inner sanctum plus classiquement thrash (et assez réussi), on va carrément partir dans le délire total : une espèce de lied en français sur fond de violons (Tristesses de la lune, pas mal mais extrêmement incongru dans cet environnement), une influence orientale sur Caress into oblivion allant jusqu'à l'utilisation d'un chant de muezzin en intro, un machin hip-hopisant plein de samples complètement grotesque (One in their pride) et même un Rex irae mélangeant le chant dépressif déjà cité et une soprano lyrique (ça c'est presque habituel pour le groupe) sur fond de violons larmoyants et d'accords de guitare, on va chercher assez loin. Le pire dans tout ça c'est que prises séparément, les pistes sont souvent plutôt réussies (sauf le chant quand même), mais l'album dans sa globalité donne quand même furieusement l'impression d'écouter une sorte d'improbable nanar musical. À tenter quand même pour les curieux...
  
  
• Celtic Frost - Cold Lake (1988) ★ ★ ½
  
  Après s'être fait une certaine réputation en tant que défricheurs dans le monde encore tout petit de ce qui allait devenir le metal extrême, Celtic Frost a perdu d'un seul coup à peu près tous ses fans avec cet album, qui est d'ailleurs aujourd'hui tellement renié par ses propres géniteurs qu'on ne le trouve pas sur les plates-formes où je m'abreuve habituellement. Est-ce donc une bouse si monumentale ? Même pas. Par contre, il faut bien le dire, c'est un retournement assez ahurissant après les expérimentations de Into the pandemonium : que des pistes hyper calibrées (pas plus de 4 minutes par chanson) proposant une sorte de thrash gentillet assorti d'une batterie en plastoque (ça c'est quand même un gros point noir) et de refrains lorgnant gentiment vers le hard FM, Warrior qui chante en permanence de la même façon (pas très bien, il faut le dire, on pense par moments à du Mustaine d'ailleurs), et quand l'inévitable voix féminine débarque, c'est pour une intervention sensuelle (sur Cherry orchard) qui pousse sincèrement à se demander à quel degré il faut prendre ce titre (que je trouve personnellement bien rigolo). Bref, on est passé en un an d'un album hyper déstabilisant à force de partir dans les directions les plus invraisemblables, à un disque ultra mainstream qui n'est objectivement (si ça peut avoir un sens) pas si mauvais (oui c'est facile mais musicalement ça s'écoute bien), mais évidemment d'un total inintérêt comparé aux précédents efforts du groupe. Il n'empêche que je prends au fond plus de plaisir à l'écouter que le précédent, même s'il aura très vite disparu de ma mémoire.
  
  
• Celtic Frost - Vanity/Nemesis (1990) ★
  
  Le disque précédent du groupe ayant fait grincer bien des dents, celui-ci pouvait-il redresser la barre ? À mon sens, il est encore pire (il faut dire que je trouvais Cold Lake plutôt acceptable). Pourtant, le groupe multiplie les signaux "on a bien compris, on ne refera pas la même erreur" en direction de ses fans : retour du bassiste fondateur du groupe, et avec lui d'un style vestimentaire plus extrême, mais aussi d'un son nettement moins daté années 80, la batterie notamment est moins massacrée. On peut donc s'attendre à un album nettement plus sombre que le précédent. Sauf qu'en fait, ce disque est une arnaque totale, parce que sur le fond, on reste vautré dans un thrash lambda sans aucune imagination ni personnalité, avec plusieurs pseudos-ballades hyper poussives, des refrains FM en veux-tu en voilà (c'est souvent à ces moments-là qu'apparaissent les touches de chant féminin, Wings of solitude est un "bon" exemple de la médiocrité de la chose), et quand même quelques titres un peu plus énervés mais beaucoup trop répétitifs (Phallic tantrum). Quant aux quelques solos, ils sont uniformément mauvais. Bref, ma note est sévère mais Cold Lake avait au moins l'avantage de la sincérité. Là, on se base juste sur un nom de groupe pour sortir un album terriblement banal. Et pourtant, les Suisses sont encore capables d'innover, il n'y a qu'à entendre le bonus improbable que constitue la "reprise" (je le mets entre guillemets car on est bien loin de l'original) du Heroes de Bowie avec chant féminin en français, un grand moment de n'importe quoi. Mais le groupe n'avait manifestement plus vraiment envie de surprendre, pas étonnant qu'ils se soient séparés après la sortie de cet album.
  
  
• Celtic Frost - Monotheist (2006) ★ ★ ★ ★
  
  Seize ans après son précédent effort, Celtic Frost est de retour pour ce qui sera un "one shot" puisque le groupe se séparera à nouveau (et définitivement) juste après. Mais qu'attendre de la part d'un groupe qui aura fait preuve d'une inventivité extraordinaire avant de tomber dans du commercial sans intérêt ? Le temps ayant passé, on peut difficilement espérer un disque dans la veine des premiers opus du groupe (pire, cela semblerait probablement dépassé en 2006 tant sont nombreux les groupes qui se sont engouffrés dans les brèches ouvertes par les suisses entre temps). Et pourtant, ce chant du cygne réussit à surprendre, et même à impressionner. La pochette donne le ton, la musique est à l'avenant : c'est d'une noirceur et d'une désespérance assez terrifiantes, à l'image de cette ouverture Progeny aux guitares lourdes, grasses, à la saturation malsaine, qui vous écrase littéralement. Le reste sera presque en permanence dans ce style lent et extrêmement sombre (ça accélère un peu sur le très sympathique Ain elohim), culminant dans un triptyque final ambitieux (les 14 minutes de Synagoga satanae, la conclusion symphonique désolée Winter). Cette atmosphère continûment pesante est à la fois la grande force de l'album et sa petite faiblesse : presque 70 minutes de désespoir intense, ça finit par fatiguer (malgré une ou deux tentatives d'aérer un peu le propos, notamment via l'exploitation de voix féminines, mais ce ne sont pas les passages les plus réussis du disque). Mais ça mérite indiscutablement vraiment d'être écouté, Celtic Frost a prouvé une dernière fois sa fascinante capacité à créer des atmosphères musicales morbides à partir de pas grand chose.
  
  
  
  
• Children of Bodom - Something wild (1997) ★ ★ ½
  
  Encore un groupe venu du froid au programme, avec les finlandais de Children of Bodom. Ce premier album est sorti alors qu'Alexi Laiho et sa bande avaient à peine 20 ans, et j'aurais bien du mal à catégoriser la chose tant ça part dans tous les sens à la fois : c'est très speed, volontiers technique, et en même temps on a droit à du chant qui se veut extrême mais qui est assez mal maîtrisé (le chant habituel de Laiho tient plus du cri assez moche que d'autre chose, et quand on a droit à de vraies tentatives de growl, comme sur Red Light in my eyes part. I, ça prête plus à rire qu'autre chose tant c'est maladroit), mais aussi à des claviers particulièrement présents qui alternent entre grands accords plaqués bien kitsch et du clavecin qui semble tout droit sorti de chez Stratovarius (après tout, c'est le même pays). D'ailleurs, il y a une influence classique plus que manifeste dans ce disque, allant jusqu'à reprendre des morceaux de la 25ème de Mozart dans la deuxième partie de Red Light in my eyes (pour un effet, euh, surprenant). Ce drôle de mélange aboutirait certainement à un gros navet musical s'il n'était pas curieusement sauvé par l'énergie folle avec lesquelles nos petits jeunes défendent leur musique : ça ne se repose jamais, c'est hyper entraînant, et sur certains titres on finit vraiment par trouver ça bien (In the shadows, Touch like angel of death). Et puis bon, ça dure à peine plus d'une demi-heure, alors on ressent moins l'incohérence globale de la chose. Pas suffisant pour en faire un album vraiment réussi, mais au moins pour attiser la curiosité et donner envie de tester les albums suivants du groupe.
  
  
• Children of Bodom - Hatebreeder (1999) ★ ★ ★
  
  Deux ans après un premier album débordant d'énergie mais un poil immature, les finlandais de Children of Bodom sont de retour, et manifestement ils sont plutôt verts (cf la pochette du disque). Niveau musical, aucune surprise de taille en vue, on a toujours un metal très speed et très mélodique, avec un penchant marqué pour en foutre plein la vue via des solis aux teintes néoclassiques (bon, par contre, faudrait vraiment qu'ils comprennent que mettre des bouts de Mozart dans une chanson sur deux ne rend pas leur musique plus cool). C'est indiscutablement fun, techniquement encore plus maîtrisé que sur leur premier disque (notamment le chant écorché de Laiho qui, même s'il peut paraître incongru vu le style instrumental pratiqué, passe mieux cette fois-ci). Le claviériste a toujours un rôle assez prépondérant dans le groupe (clavecin, harpe, cloches, on a droit à un peu tout et n'importe quoi niveau sonorités) et, quand ils arrivent à trouver un bon équilibre et à ne pas trop se regarder jouer, les cinq gugusses réussissent à proposer quelque chose d'assez irrésistible (le Warheart décoiffant qui ouvre le disque, ou Bed of razors). Il leur reste à se concentrer vraiment sur leurs compositions, et ils finiront pas me convaincre complètement.
  
  
• Children of Bodom - Follow the reaper (2000) ★ ★ ★
  
  Troisième disque du groupe, la couverture a changé de couleur, mais le style, lui, reste essentiellement le même. Beaucoup d'énergie, pas mal de claviers, des solis volontiers démonstratifs, de la mélodie en permanence, et une voix plus ou moins black qui n'a pas grand chose à faire là. Quelques évolutions tout de même : l'inspiration néoclassique a plus ou moins disparu (pas une seule note piquée à Mozart, ça c'est une bonne nouvelle), et le fond musical se dirige plutôt désormais vers une sorte de heavy traditionnel, lorgnant même parfois vers un rock FM assez banal (le single Hate me par exemple tombe dans la facilité, tout en étant sympa à écouter). C'est toujours aussi bien fichu, ça fonctionne toujours assez bien (la conclusion Kissing the shadows par exemple, malgré une fin inutilement technique), et pourtant ça continue à ne pas suffire à m'enthousiasmer complètement, alors même que c'est de la musique qui ne cherche pas la prise de tête et devrait donc très bien me convenir. Je passe un fort bon moment, mais aucune piste ne me parait être vraiment au-dessus du lot.
  
  
• Children of Bodom - Hate crew deathroll (2003) ★ ★ ★ ★ ½
  
  Tout en passant de bons moments à leur écoute, j'étais resté un peu sur ma faim avec les trois premiers albums de Children of Bodom. Cette fois-ci, c'est la bonne, je trouve que, malgré son titre (et sa pochette, en général j'aime nettement plus le bleu et le vert que le rouge...), ce disque propose enfin quelque chose de totalement abouti et assez terriblement addictif. C'est assez nettement plus rentre-dedans que sur les trois albums précédents (Mozart a définitivement fait ses valises, on a droit à du heavy souvent assez massif, et même à des riffs lourds à la Pantera dans un titre comme Sixpounder), comme le démontre d'ailleurs l'entrée en matière Needled 24/7, qui nous balance un bon uppercut au visage dès les premières secondes et est tout bonnement excellente. La tension redescendra d'ailleurs rarement (à l'exception d'un Angels don't kill un peu téléphoné qui ralentit le tempo, tout va vite et est très percutant), jusqu'à la chanson-titre conclusive, à nouveau très réussie. Peu de déchet de toute façon dans ce disque mené tambour battant (comme d'habitude avec Childrem of Bodom, c'est court, même pas 40 minutes de musique), on pourra bien reprocher pour faire la fine bouche des claviers parfois un peu kitsch (mais ça fait partie du concept depuis les débuts du groupe) ou une tendance toujours présente à la démonstration technique un poil vaine (mais pas toujours, la fin de Chokehold est excellente). Mais on est quand même très proche du sans-faute, et je suis maintenant convaincu que Children of Bodom est vraiment plus qu'un groupe sympa et énergique, mais dont les compos manquent de profondeur.
  
  
• Children of Bodom - Are you dead yet ? (2005) ★ ½
  
  Je sens qu'on va encore me dire que je ne sais pas ce que je veux. Dans ma critique de leur précédent album, je m'était réjoui que Children of Bodom abandonne définitivement toute influence néoclassique pour proposer quelque chose de nettement plus heavy, parfois même carrément mastoc, et constamment réjouissant. Cette nouvelle direction est ici assumée avec encore beaucoup plus de conviction... et c'est nettement moins bon. On a cette fois-ci droit à des bribes de riff qui tirent vraiment vers le metal primaire (une influence "nu metal" délétère ?), le côté mélodique qui était très présent jusqu'ici se trouve rejeté à l'arrière-plan, et les claviers ne servent pratiquement plus qu'à balancer quelques gros accords pour ponctuer certaines phrases, c'est vraiment moins recherché qu'avant. Et puis, le côté speed jouissif en a aussi pris un coup, les titres sont quasiment tous sur un tempo plus lent, sans compter le chant plus frontal pas franchement convaincant. En fait, seul le titre Thrashed, lost and strungout reprend les anciens schémas, et c'est le meilleur de l'album. Le reste est tout de même bien exécuté et pas désagréable, mais pas beaucoup plus intéressant que le premier album de metal fusion venu. Une grosse déception après l'excellent Hate crew deathroll.
  
  
• Children of Bodom - Blooddrunk (2008) ★ ★ ★
  
  Ce sixième opus semble être considéré par beaucoup comme étant celui de la chute pour Children of Bodom. Je ne comprends pas bien pourquoi, dans la mesure où le virage pris par le groupe était beaucoup plus manifestement marqué dans le disque précédent, celui-ci revenant au contraire un peu vers ce que les finlandais avaient fait dans leurs premiers albums : les claviers sont à nouveau assez présents (même si c'est souvent en complément du reste, on a quand même droit à quelques mises en avant de sonorités joyeusement kitsch, sur l'intro de One day you will cry par exemple) et les mélodies plus construites. Certes le fond, comme dans Are you dead yet ?, est plus brutal, et les tempi effrénés ont définitivement été rangés au placard, sauf sur l'excellent Hellhounds introductif (et un peu sur un Tie my rope qui réussit à très bien mêler les différents univers entre lesquels le groupe navigue désormais). Il y a malgré tout quelques autres titres très réussis (Smile pretty for the devil) et aussi, c'est vrai, un peu de remplissage qui n'apporte rien de très neuf tout en se laissant écouter (Banned from heaven pour le mid tempo). Pas l'album le plus inspiré du groupe, c'est certain (dans un genre finalement proche, Hate crew deathroll avait mis la barre très haut), mais dans l'ensemble une réussite, en tout cas nettement mieux que celui qui le précède dans la discographie du groupe.
  
  
• Children of Bodom - Relentless, reckless forever (2011) ★ ★
  
  Les finlandais de Bodom continuent leur petit bonhomme de chemin, mais ce nouveau disque confirme probablement que leur âge d'or est passé, et sent même assez sévèrement la routine. On reste dans la lignée des deux précédents, avec un heavy thrashisant beaucoup moins speed et mélodique qu'aux débuts du groupe, mais avec tout de même, comme sur Blooddrunk, des claviers qui reprennent des couleurs. Mais malgré cela, ce nouvel opus n'arrive pas à la hauteur du précédent, la faute tout simplement à des compositions en mode pilotage automatique qui n'arrivent jamais à soulever l'enthousiasme. C'est fait avec honnêteté, les solos sont propres à défaut d'être originaux, il n'y a pas vraiment de piste franchement mauvaise, mais l'enthousiasme et l'envie ont disparu depuis longtemps, et il faut bien admettre qu'on oublie les chansons à peine les dernières notes entendues. D'ailleurs, peut-être un signe que les musiciens eux-même n'étaient pas totalement convaincus que l'inspiration soit au rendez-vous, le disque est encore plus court que d'habitude (35 minutes). Un album anecdotique.
  
  
• Children of Bodom - Halo of blood (2013) ★ ★ ★
  
  Même si la qualité a globalement baissé sur leurs dernières productions, le rythme des sorties de Children of Bodom reste d'une régularité exemplaire. Et, incroyable mais vrai, le début de celle-ci surprend par rapport aux précédentes, en revenant pourtant à des choses très classiques pour le groupe : un début de riff bien massif (et pas très emballant), mais il est immédiatement relayé par une longue mélodie comme on n'en avait pas entendu de leur part depuis un bon moment. Ce sera d'ailleurs une constante de l'album, mélanger des rythmiques très lourdes avec des éléments très mélodiques aux guitares et même des claviers presque trépidants par moments (le solo de One bottle and a knee deep, les sonorités sont affreusement datées mais c'est quand même bien cool !). Et ça marche vraiment pas mal dans l'ensemble, avec plusieurs titres très agréables (Waste of skin, Transference, Your days are numbered). Bon, faut pas rêver non plus, on ne retrouve pas la vitesse d'exécution des premiers albums, et il reste quelques pistes dispensables (dès qu'on baisse le tempo en fait, sur Scream of silence par exemple, et malgré la tentative de proposer autre chose dans l'intro de Dead men's hand on you, avec ce chant clair très grave qui surprend). Mais ça reste tout à fait correct, dans la bonne moyenne des disques du groupe (de fait, je leur ai mis pas mal de trois étoiles depuis le début !).
  
  
• Children of Bodom - I Worship chaos (2015) ★ ★ ½
  
  Le retour en arrière amorcé par Children of Bodom sur leur album précédent semble ici bel et bien confirmé, comme en atteste la pochette bien jaune complétant la galerie de pochettes unicolores entamée près de 20 ans plus tôt. Mais c'est surtout musicalement que c'est flagrant, avec un clavier qui joue à nouveau clairement les premiers rôles, et quelques titres qui regardent assez nettement dans le retro (Hold your tongue, fort sympathique). Pourtant, le I Hurt qui ouvre l'album étonne plutôt par ses sonorités électroniques. Peu importe, il est très réussi, même si presque inutilement rentre-dedans par moments. On ne pourra toutefois pas en dire autant de toutes les chansons de cet album globalement inégal, qui retombe trop souvent dans une sorte de paresse déjà vue de la part de ce groupe dans ses albums les moins inspirés. La chanson-titre, par exemple, les éléments sont bien là, mais qu'est-ce que ça manque de conviction (et puis bon, les rires enregistrés à la fin de la piste, c'est vraiment puéril) ! On ne tombe jamais vraiment dans le raté, mais trop de titres insipides laissent une impression globale d'album tout à fait écoutable, mais vite oublié. Notons quand même que la ballade du disque, Prayer for the afflicted, est plus accrocheuse que les précédentes tentatives du genre de la part du groupe.
  
  
• Children of Bodom - Hexed (2019) ★ ★ ★
  
  J'arrive au dixième et dernier album de la discographie du groupe (qui en restera plus que probablement là puisque son leader de toujours Alexi Laiho est décédé fin 2020, un an après la séparation du groupe). Mine de rien, le temps a passé bien vite en compagnie des finlandais, qui ont toujours su faire ce qu'il fallait pour que presque tous leurs albums soient au minimum agréables à écouter. D'un autre côté, quand on compare l'énergie débordante des débuts et le metal un peu passe-partout qu'ils proposent désormais, on peut regretter la trajectoire qu'ils ont suivi. Et pourtant, une fois de plus, ce Hexed est vraiment pas mal fichu, on a quand même retrouvé un clavier pas loin d'être virevoltant par moments, les soli sont efficaces à défaut d'être originaux, c'est relativement varié, les mélodies fonctionnent, bref que demande le peuple ? Tout simplement que les différentes pistes ne soient pas aussi interchangeables avec tant d'autres composées les années précédentes, peut-être. Mais on passe un fort bon moment à l'écoute de This road, Hecate's nightmare (et son ambiance légèrement vintage) ou Platitudes and barren words. Même si le groupe n'aura que trop rarement été à la hauteur des attentes que son premier essai pouvait faire naître, il aura quand même laissé une discographie d'une qualité appréciable.
  
  
  
  
• Coroner - R.I.P. (1987) ★ ★
  
  Dans le petit milieu du thrash, Coroner est un groupe culte, de ceux que les connaisseurs pointus vont porter aux nues quand une majorité des autres n'en ont tout bonnement jamais entendu parler. Un trio suisse qui a pondu cinq albums au tournant des années 90, sans jamais vraiment trouver son public (avec une maison de disque qui n'a apparemment vraiment pas aidé) et qui a fini par jeter l'éponge. De fait, à l'écoute, il s'agit d'une musique étonnante et pas franchement très accessible. Déjà, il faut se farcir un son franchement daté (on entend à peine la batterie, et même niveau guitares c'est souvent bien confus), mais surtout les helvètes ont une vision très personnelle du thrash : pas vraiment porté sur la violence, mais plutôt sur une surenchère technique (ça va presque tout le temps super vite, et les solos sont carrément démentiels) qui les fait régulièrement oublier les bases habituelles d'un morceau de musique (riffs pas mélodiques pour deux sous notamment, à part sur Reborn through hate). Mais à côté de ça, ils font preuve d'une ouverture d'esprit assez étonnante au niveau des influences (repompant allègrement The Four Horsemen sur la chanson-titre, mais proposant à côté de ça une intro carrément néobaroque à leur Totentanz). À titre tout à fait personnel, je ne peux pas dire que je prenne énormément de plaisir à écouter le disque (je n'ai jamais été un grand fan de metal technique), mais c'est une tentative qui ne manque pas d'intérêt pour qui veut sortir des sentiers battus.
  
  
• Coroner - Punishment for decadence (1988) ★
  
  Je ne vais pas me faire des amis chez mes copains fans de Coroner, mais ce deuxième album est dans la lignée du premier, en moins bien. On garde le côté rapide et technique, on enlève le peu de motifs mélodiques ou de variété stylistique qu'il pouvait y avoir dans R.I.P. (à part The New breed qui explore des choses un peu différentes), et on se complaît joyeusement dans le tricotage stérile (Shadow of a lost dream) ou le bizarre pour le plaisir de faire bizarre (les développements de Voyage to eternity). Le son n'est pas pire que dans leur premier disque (mais ça reste encore trop étouffé pour être vraiment lisible) mais, si ce dernier était intriguant, le nouveau venu est simplement fatiguant.
  
  
• Coroner - No More color (1989) ★ ★ ★
  
  M'y voilà donc rendu, à ce troisième album de Coroner qui représente pour les fans du groupe une pierre marquante de l'histoire du thrash. Indiscutablement, il y a de l'évolution par rapport aux deux premiers opus : le son est meilleur (même si ça reste assez étouffé) mais surtout il y a une nette accalmie aux niveau des tempi, en conservant toutefois le côté technique alambiqué qui fait manifestement partie de l'adn du groupe, et en retrouvant le côté inattendu et expérimental qui avait un peu disparu dans leur second disque. C'est toujours étonnant, traversé de moments improbables mais vraiment réussis (le break de No need to be human, les quelques motifs orientaux de Mistress of deception, et bien sûr l'ambiance étonnante de la dernière piste Last entertainment, avec ses claviers et sa voix d'outre-tombe, qui nous emmène vraiment sur une autre planète), et en même temps je continue à ne trouver ça excellent que par à-coups, restant une part non négligeable du temps sur le côté de la route. J'aime beaucoup Die by my hand et son côté groovy, je reste perplexe devant D.O.A. qui me semble partir dans tous les sens. Bref, sentiment mitigé (mais globalement positif) devant un album qui m'attire indéniablement (avec à peine plus d'une demi-heure de musique, j'ai eu le temps de l'écouter quelques fois déjà) sans que je puisse le qualifier de réussite évidente.
  
  
• Coroner - Mental vortex (1991) ★ ★ ½
  
  Avec ce quatrième album, indiscutablement, Coroner a fixé son style une fois pour toutes (il faut dire qu'ils ne sortiront plus qu'un seul disque après celui-ci). Titres plus longs (mais toujours aussi peu nombreux, sept si on ne compte pas la reprise finale), ambiances lourdes (les tempi sont à nouveau beaucoup moins rapides que dans leurs deux premiers albums) et riffing technique zébré de breaks presque atmosphériques et de solis aériens, c'est du thrash de haute volée, très bien fichu... mais qui ne me fait guère d'effet. Il me manque vraiment quelque chose de plus chantant dans les motifs, ou même d'accrocheur, je suis tout ça avec un intérêt certain mais sans jamais être vraiment emballé. D'ailleurs, le seul titre qui me donne immédiatement envie de le réécouter en boucle, c'est I want you, reprise géniale des Beatles (dont je suis pourtant très peu fan en général) qui conclut de façon improbable l'album. Je ne peux pas pour autant dire que c'est un mauvais album, loin de là, et je l'ai même écouté plusieurs fois sans déplaisir, mais je ne suis manifestement pas plus réceptif que ça à la musique de Coroner. Finalement, je préférais l'album précédent, moins parfait mais aussi moins prévisible et monotone.
  
  
• Coroner - Grin (1993) ★
  
  Voilà, ça y est, seulement six ans après son premier album, Coroner en sort un cinquième qui sera son testament musical avant séparation. Et pour l'occasion, le groupe fait les choses en grand, proposant ici une sorte de version extrême et particulièrement austère du style développé sur son album précédent. On est bien loin désormais du thrash rapide et très technique des débuts : titres longs au tempo quasiment systématiquement très retenu, riffs lancinants extrêmement répétés, batterie minimaliste hyper linéaire (personnellement je la trouve assez insupportable), beaucoup de samples et autres bidouillages électroniques pour renforcer une ambiance assez malsaine (Caveat notamment est un sommet de bizarrerie), et même deux pistes de didgeridoo qui ont de quoi laisser perplexe. Je n'ai été emballé par aucun des albums de Coroner, mais là ils m'ont clairement largué. En deux mots comme en cent, je n'ennuie sévèrement à l'écoute de ce disque franchement étrange, et les longs solos aériens ne suffisent pas à m'extirper de ma torpeur. Un gros coup d'épée dans l'eau en ce qui me concerne, même si les ambiances proto-indus proposées ne sont pas pour me déplaire. Encore aurait-il fallu les habiller d'une musique un peu plus avenante.
  
  
  
  
• Cradle of Filth - Dusk... and her embrace (1996) ☆
  
  Pour pouvoir écouter du Cradle of Filth, il faut déjà supporter quelques-unes des particularités du groupe, à commencer par le style et les thèmes abordés : un salmigondis érotico-gore (la pochette de leur premier album Principle of evil made flesh donne le ton !!) convoquant moult créatures malfaisantes réelles ou imaginaires, dont l'aspect gothique est renforcé par l'utilisation peu subtile de claviers opposés à un metal qui se veut extrême. Etant naturellement bon public, tout ça m'amuse plutôt et serait en tout cas loin de me faire fuir. Mais il y a un autre élément sur lequel je bloque totalement : le "chant" de Dani Filth. Des criaillements suraigus qui cassent littéralement les oreilles, c'est vraiment insupportable et ça gâcherait tout même si le reste était inoubliable (ce qui n'est pas ailleurs pas vraiment le cas). À la limite, je préfère encore leur premier album déjà cité ci-dessus où ça piaille moins, même s'il souffre de défauts assez terribles lui aussi (l'intro qui se veut grandiose jouée par un Clavinova bon marché, ça a un côté "nanar" qui la rendrait presque sympathique). Là, désolé, mais pour moi ce soi-disant classique est inaudible.
  
  
• Cradle of filth - Damnation and a day (2002) ★ ★ ★ ½
  
  Ayant sauté quelques albums de la discographie du groupe, je me décide à faire un nouveau compte-rendu pour cet album qui suit immédiatement un Midian considéré par certains comme le meilleur album du groupe, et qui représente une sorte d'apogée de la volonté de grandiloquence de Cradle of filth : en plus des claviers, on a droit ici à un orchestre au grand complet, des choeurs, divers types de chant (ouf, ça piaille beaucoup moins qu'avant !), le tout pour servir une sorte d'opéra en quatre actes (séparés par des pistes confiées uniquement à l'orchestre et au choeur) d'une durée de 75 minutes. Sur le papier, ça en jette ! En pratique, on peut quand même regretter que l'orchestre ne soit pas toujours exploité au mieux (disons que si c'est pour mettre des tapis de cordes façon synthé géant, l'intérêt est limité, et sur les pistes "classiques" l'orchestre se contente souvent de ponctuations arrière-plan, il faut dire que c'est souvent très dense niveau son, un peu plus d'équilibre et d'aérations n'aurait pas nui), et qu'une partie des chansons s'étire sans que l'inspiration le justifie (trop souvent, la batterie joue les mitraillettes pour occuper le terrain...). Mais soyons honnête, l'atmosphère créée est souvent réussie, et il y a quelques excellentes pistes dans le lot : Better to reign bien pêchu, Doberman pharaoh où l'orchestre contribue pour le coup à l'atmosphère pseudo-orientalisante, ou encore Mannequin et ses drôles de traits d'accordéon (?), le genre d'innovations qu'on aurait aimé entendre beaucoup plus. En tout cas, pour quelqu'un comme moi qui suis a priori fait pour écouter ce genre de truc, ça passe très bien.
  
  
• Cradle of filth - Nymphetamine (2004) ★ ★ ★
  
  Pas d'orchestre cette fois-ci (mais des choeurs par-ci par-là quand même), le groupe revient à une forme de sobriété toute relative (le style reste le même !), mais on a tout de même droit à nos 70 minutes de musique, à des ambiances fantastiques, et à des claviers dans tous les sens (en fait, on ne sent pas tant que ça la différence avec l'album précédent, ce qui prouve bien d'ailleurs que l'orchestre y était assez superflu !). On retrouve aussi du chant plus souvent criard, ça pour le coup on s'en serait bien passé. Mais ne crachons pas dans la soupe, la première moitié de l'album fonctionne à nouveau très bien, c'est souvent assez mélodique, les arrangements sont travaillés, c'est de la bonne musique. Un peu moins de bons moments sur la deuxième moitié, même si la tentation presque épique de Mother of abominations laisse entrevoir d'autres possibilités intéressantes pour le groupe. En tout cas, tout ça me convainc nettement plus que leurs premiers albums.
  
  
• Cradle of Filth - Thornography (2006) ★ ★ ★ ★
  
  J'ai bien fait de continuer à explorer la discographie de Cradle of Filth, puisque j'y trouve de plus en plus mon compte. Pourtant, le côté gothique grandiloquent est à peu près complètement laissé de côté ici : à part la piste inaugurale complètement cliché (on croirait de la musique de mauvais film d'horreur, j'avoue que ça me plaît plutôt !) et quelques touches orchestrales très discrètes, on se recentre ici sur un metal qui n'a par ailleurs vraiment plus rien d'extrême. Très très peu de piaillements dans le chant (il n'y a que Foetus of a new day kicking qui retombe dans ces travers, Filth chante même en voix claire par moments !), des structures simples, un côté mélodique vraiment accentué, si on ne fait pas attention aux thèmes abordés, on aura même du mal à croire qu'il s'agit d'un album de ce groupe. Mais le plus surprenant dans tout ça, c'est qu'ils font ça fort bien ! Des titres comme Dirge inferno ou Tonight in flames, ou l'instrumental Rise of the pentagram sont très réussis, même le plus bizarre The byronic man fonctionne parfaitement. Il y a bien quelques détails à revoir (les voix trafiquées de I am the thorn ou l'intro limite pop de Cemetery and sundown, là ça va un peu trop loin dans l'easy listening), mais globalement ça s'écoute vraiment tout seul. C'est sûrement pour ça d'ailleurs que les puristes s'enfuieront en courant, mais moi j'aime beaucoup !
  
  
• Cradle of Filth - Godspeed and the devil's thunder (2008) ★ ★ ★ ½
  
  J'avais beaucoup aimé Thornography car il s'éloignait franchement des habitudes du groupe, mais ça n'a pas du être le cas de beaucoup de fans, car Cradle fait ici un rétropédalage extrêmement manifeste ! Album centré autour d'un personnage maléfique (ici Gilles de Rais, bien évidemment versant Barbe-Bleue), claviers orchestraux omniprésents (et même pas mal d'intervention de choeurs), introductions atmosphériques avec récitant quasi systématiques, le groupe tombe même dans la caricature complète (l'intro avec "cuivres" de Sweetest maleficia, ou les voix d'enfants de Darkness incarnate, on ne sait pas trop si on doit en rire ou pas !). Mais, et c'est pour moi ce qui change tout, l'aspect très mélodique de l'album précédent se retrouve ici, et ça c'est bien. On commence d'ailleurs très très fort avec un excellent Shat out of hell (enfin non, bien sûr, il y a d'abord une intro orchestrale aussi grandiloquente que son titre qui devrait suffire à faire fuir ceux qui ne sont pas attirés par ce style, et qui auront d'ailleurs bien raison), mais le Death of love qui suit est encore pire, avec ses voix féminines aériennes qui auraient plus leur place chez Nightwish. Non, franchement, l'album gothico-romantique jusqu'à la nausée du groupe, ce n'est pas Dusk... and her embrace, c'est celui-ci ! Aux frontières du kitsch et du mauvais goût, on est en droit de détester, mais moi je suis très client. Quelques mauvais points objectifs quand même : on a aussi un retour en arrière niveau chant avec Filth qui piaille mochement sur quelques titres (Tragic kingdom par exemple), et après les deux titres énormes cités ci-dessus, on a tendance à retomber dans une espèce de metal générique bien speed pas toujours très inspiré (la batterie mitraillette en particulier). Mais franchement, j'ai passé un (enfin, plusieurs maintenant) bon moment en écoutant cet album.
  
  
• Cradle of Filth - Darkly, darkly, Venus Aversa (2010) ★ ★
  
  Pas grand chose de passionnant à dire sur cet opus, qui reprend à nouveau les recettes classiques du groupe (album centré sur un personnage, orchestre synthétique et choeurs présents sur à peu près toutes les chansons, de la narration sur fond d'intro orchestrale à intervalles réguliers, et un metal bien bien bourrin le reste du temps), mais avec une conviction nettement moins claire que pour l'album précédent. On sent une certaine routine ici, les chansons se ressemblent (ou ressemblent trop à des choses déjà maintes fois entendues de la part de Cradle), la batterie mitraille en permanence, tout ça est plutôt bien fait mais au fond assez impersonnel. Tout de même, The persecution song, avec son intro au piano, offre une belle respiration (c'est à peu près le seul titre lent de l'album), et The nun with the astral habit renouvelle un peu le catalogue de riffs. Heureusement quand même qu'il y a les claviers pour créer les ambiances, sinon on s'ennuierait vraiment.
  
  
• Cradle of Filth - The manticore and other horrors (2012) ★ ★
  
  Encore un album mineur de la part de Cradle. On sent ici une ambition en berne (à peine plus de 50 minutes de musique, pas de concept album centré sur un personnage mais une sorte de fourre-tout un peu facile), ce qui se traduit d'ailleurs au niveau de l'effectif du groupe qui a bien diminué depuis la grande époque. Du coup, les arrangements orchestraux prennent beaucoup de place, on entend presque plus les synthés que le reste (faut bien qu'un instrument gère les lignes mélodiques...). Pourquoi pas, mais niveau musique proprement dite, c'est à nouveau assez impersonnel, pas mal fichu mais aucun titre qui transcende le tout, c'est simplement bien fait et ça s'écoute bien, en étant vite oublié ensuite. Notons quand même l'étonnante Sinfonia conclusive, avec un piano très présent, pas forcément totalement réussie, mais c'est une nouveauté intéressante de finir sur un titre purement instrumental.
  
  
• Cradle of Filth - Hammer of the witches (2015) ★ ½
  
  Je suis bien embêté avec ce nouvel album. Moi qui me plaignais que les deux précédents étaient des opus mineurs et assez cheap dans la discographie du groupe, je devrais me réjouir de voir un regain d'ambition matérialisé par un gros changement de line-up (c'est fréquent chez eux, mais là ça s'entend vraiment) avec deux nouveaux guitaristes et un son beaucoup plus dense. On retrouve aussi plusieurs pistes instrumentales qui sont d'ailleurs peut-être les meilleurs moments du disque (The monstruous sabbat et sa harpe et son orchestration que j'oserais presque qualifier de soignée). Mais le gros problème, c'est qu'on retrouve aussi ici de gros défauts du groupe qui avaient un peu disparu : Dani Filth se remet à piailler trop régulièrement, mais surtout le son est trop dense (les claviers se sont un peu perdus pour le coup) et la mélodie à peu près absente de la majorité des pistes. En gros, on fait du bruit et on aligne les riffs sans âme, et on est contents. Ben moi je le suis moins. Alors que, quand le groupe se décide à se défaire un peu de ces stéréotypes, ça peut être très bien (Blackest magic in practice). Mais c'est trop rare.
  
  
• Cradle of Filth - Cryptoriana, The seductiveness of decay (2017) ★ ½
  
  Dernier album de Cradle à ce jour, et le constat sera le même que pour le précédent. Certes, le groupe a réussi à recréer un line-up solide et compétent, avec deux guitaristes qui font du bruit et assument la majeure partie des lignes mélodiques, des interventions régulières des choeurs et des claviers, un récitant et même une voix claire féminine dont les interventions sont bienvenues (mais sa contribution est malheureusement très sous-exploitée). Mais le problème, c'est que les compositions se complaisent dans une routine peu inspirée et terriblement redondante. La structure (ou plutôt l'absence de structure d'ailleurs) est la même à chaque fois : intro censée poser l'ambiance mais qui est systématiquement interrompue après quelques secondes par le même cri suraigu de Dani Filth (dont le "chant" est à nouveau insupportable), on enchaîne sur des riffs lambda de guitares sur fond de blastbeat, et ça dure six ou sept minutes avec simplement quelques breaks "gothiques" mal amenés pour rappeler qu'on a un orchestre et des choeurs derrière. Comme le son est par ailleurs trop dense la plupart du temps, ça ne peut qu'engendrer rapidement un ennui certain. Dommage car certains éléments étaient intéressants (la voix féminine, le côté épique d'un Death and the maiden, ou même la piste inaugurale Exquisite torment awaits un peu plus originale que d'habitude), mais l'ensemble tourne à vide.
  
  
  
  
• Darkspace : Dark space 1 (2003) gozu
  
  Voilà au moins un groupe avec lequel je ne risque pas de me plaindre que c'est trop commercial. Déjà, un album où les pistes durent toutes 10 minutes et n'ont pas de titre (elles sont juste numérotées), avec une pochette aussi sobre qu'énigmatique, ça intrigue. Et le contenu est à l'avenant : des nappes de sons "spatiaux" pour mettre dans l'ambiance puis des guitares hyper saturées qui évoluent lentement, à peine accompagnées par une batterie apparemment purement numérique (qu'on entend très peu de toute façon), il se passe à peine plus de choses que dans une composition de Morton Feldman. Ce minimalisme est évidemment totalement assumé, le but est de créer une atmosphère prenante. Je dois dire que je ne suis pas sûr de savoir quoi en penser (d'où l'absence de note pour une fois), partagé entre "c'est du foutage de gueule" et "on finit par plonger dedans". C'est quand même bien long (avec très peu de renouvellement), mais disons qu'en fond pour corriger mes copies de Centrale c'est pas si mal. Une "musique" qui a le mérite d'exister, mais que je n'écouterais clairement pas tous les jours.
  
  
  
  
• Darkthrone - A Blaze in the northern sky (1992) ☆
  
  Nouvelle tentative d'écoute de "true black metal" joué par des norvégiens satanistes qui crament des églises et tuent des gens pendant leur temps libre (même si, apparemment, les gugusses de Darkthrone sont un peu moins atteints que leurs copains de Emperor ou de Mayhem de ce point de vue, d'ailleurs ils ont réussi à rester vivants et le groupe continue à faire de la musique). Ici, le concept artistique se résume en gros à une seule chose : enregistrer avec un son tellement dégueulasse qu'on entend davantage les impuretés et autres effets de saturation que la musique proprement dite. Une réussite totale puisque le disque est en fait à peu près inaudible (même les enregistrements de classique des années 1920, ça fait moins saigner les oreilles), et que c'est tout à fait volontaire de la part du groupe (ça n'a pas été enregistré dans un garage avec du matériel préhistorique). J'avoue que ça me dépasse totalement : qu'on joue sur la qualité du son pour essayer de créer une atmosphère je veux bien, mais à ce point ça n'a plus aucun sens (non ça ne rend pas le tout plus lugubre/morbide/whatever, ça fait juste mal au crâne). Du coup on ne peut même pas vraiment juger de la musique, qui semble toutefois assez primaire et répétitive...
  Le plus étonnant peut-être là-dedans c'est qu'il s'agit du deuxième album du groupe, et que leur premier disque Soulside journey ne laissait absolument pas imaginer un tournant aussi radical (c'est du metal un peu bas du front, mais plutôt sympathique malgré le côté scolaire et maladroit compréhensible pour un premier disque, et en tout cas enregistré tout à fait normalement). Et cette période extrême ne durera en gros que quelques albums, alors qu'ils en ont maintenant enregistré une vingtaine. Une discographie que je ne pense pas critiquer de façon exhaustive ici même.
  
  
• Darkthrone - Panzerfaust (1995) ★ ★ ★ ½
  
  Je n'ai pas complètement laissé tomber la discographie de Darkthrone après mon expérience douloureuse de leur période "true black" car cette dernière est finalement très limitée dans le temps (bon, je ne vais pas non plus m'attarder sur tous les albums de leur longue carrière). Justement, ce Panzerfaust constitue un premier tournant avec un retour à un son "acceptable" après trois albums passablement inaudibles. Bon, ça reste quand même assez sale (la batterie est lointaine, les guitares très saturées et le chant se réduit à des borborygmes étranges) mais on est de mon point de vue repassé du bon côté de la frontière entre le n'importe quoi et la volonté de créer une atmosphère efficace. Et bien sûr, ça change tout ! Certes, la musique elle-même reste très primitive (riffs bien lourds mais plutôt inspirés répétés ad nauseam, la plupart des plages adoptent un tempo qui laisse de côté toute possibilité de démonstration technique), mais c'est justement ce qui fait la force de ce type de metal. Ecoutez Hans siste vinter pour vous faire une idée, soit vous passerez toute la chanson à vous demander quand ça va vraiment commencer, soit vous serez fascinés par le côté hypnotique de la chose (encore une fois, on n'est pas si loin de la musique minimaliste d'un Glass dans le mode de fonctionnement). On a même droit à une piste conclusive Sno og granskog (il manque sûrement quelques accents bizarres) qui est une incantation mystique (absolument pas de chant) sur fond de pseudos-cuivres, c'est assez grandiose. Pas un chef-d'oeuvre, mais franchement, dans son genre, ça marche bien.
  
  
• DarkThrone : Circle the wagons (2010) ★ ★ ★ ★
  
  Après ma critique de Panzerfaust, j'ai volontairement décidé de me centrer sur cet unique album du reste de la discographie de Darkthrone, qui a pourtant produit une quinzaine de disques depuis. Il faut dire qu'il y a au minimum une énorme similitude au niveau de la forme entre toutes ces tentatives : systématiquement 40 minutes de musique (à quelques epsilon près) répartis sur un nombre limité de titres (6 à 9 selon les disques), et toujours les deux mêmes compères aux manettes. Sur le fond, toutefois, il y a une assez lente mais nette évolution vers une disparition totale des racines black du groupe : son de plus en plus net, chant guttural de moins en moins systématique (ici, on a par exemple droit sur la chanson titre à un duo de voix claires qui surprendra ceux qui n'ont pas écouté DarkThrone depuis quelques décennies), mais surtout une musique qui lorgne de plus en plus ouvertement vers un rock metallisé qui sent bon les influences des années 70-80 mais qui reste au fond intemporel. Disons pour fixer les idées qu'on n'est pas très loin de l'esprit d'un Motörhead, ça n'a vraiment strictement rien à voir avec ce que faisait le groupe dans sa fameuse trilogie inaudible. C'est d'ailleurs assez amusant de constater qu'un groupe essentiellement connu pour avoir "lancé la mode" du black pur et dur produit désormais à la chaîne des albums qui se contrefichent complètement des modes actuelles. Mais ce qui est intéressant, c'est que ces albums contiennent de la très bonne musique ! Quasiment aucun dans le lot (oui, je les ai maintenant tous écoutés) à mettre de côté, beaucoup sont mêmes très bons, voire, comme celui-ci, excellents. Certes, on retrouve une certaine monotonie à la fois dans l'enchaînement des albums, et même au sein de ces mêmes albums, mais y a pas à dire, les deux gusses savent créer du riff qui fonctionne et, à partir de recettes très simples, composer de la musique réjouissante. Que demander de plus ?
  
  
  
  
• Death - Scream bloody gore (1987) ★
  
  Je ne rentrerai pas les débats consistant à essayer de déterminer si Death est l'inventeur du type de metal qui porte aujourd'hui son nom, mais une chose est indiscutable : à une époque où le thrash metal n'a que quelques années derrière lui, on franchit un gros palier vers l'extrême avec des disques de la trempe de ce Scream bloody gore. Le titre et la pochette sont grotesquement caricaturaux ? Non, non, ils annoncent juste la couleur, c'est exactement pareil point de vue musical : thèmes volontairement outranciers (la liste des titres vaut son pesant de cacahouètes, de Zombie ritual à Regurgitated guts, c'est probablement ce qu'il y a de mieux dans l'album d'ailleurs), son dégueulasse, et surtout chant horrible de rigueur, c'est en soi extrêmement fatiguant. Mais comme en plus le fond musical est une espèce de thrash technique rapide (dommage d'ailleurs car les quelques intros lentes ne sont pas mal) sans aucune volonté de donner dans le mélodique qui est forcément transformé en bouillie sonore par la volonté de ne pas fournir un son un minimum propre, c'est à peu près inaudible. On a quand même droit à des solos techniques et autres ruptures de tempo assez arbitraires qui auraient pu donner un vague intérêt à l'ensemble, mais c'est globalement beaucoup trop caricatural pour moi. Le reste de la discographie du groupe est du même acabit ? Pas sûr d'aller au bout dans ce cas (même s'il y a peu d'albums à écouter).
  
  
• Death - Leprosy (1988) ★ ½
  
  Evolution dans la continuité pour ce deuxième album du groupe. Il y clairement un effort pour équilibrer les choses, tant au niveau du contenu (on n'a plus droit aux titres ridicules, c'est presque dommage, mais surtout les chansons présentent une constructions plus réfléchie) que du son, qui reste assez sale mais nettement moins moche que sur le premier album (on garde bien sûr des guitares bien saturées, mais quand même nettement audibles, c'est plutôt au niveau de la batterie que ça reste à mon goût difficile). Niveau musical, c'est un peu plus posé (les tempi ont globalement ralenti), on garde quand même des variations de tempo assez abruptes et on insère des solos techniques relativement souvent, qui ne sont pas aussi inintéressants que ce qu'on pourrait craindre. Il y a même une sorte de touche mélodique par moments, qui rend certains titres tout à fait passables (la chanson-titre qui ouvre l'album, Left to die). Le reste du temps, je n'accroche toujours que très peu à ce qui est proposé (c'est assez terrible, on est censés s'en prendre plein la tronche en écoutant ce genre de musique, mais là je m'ennuie plutôt...), et le chant de Schuldiner n'a pas vraiment évolué et reste donc assez fatiguant. Globalement, ça ne me donne pas envie de le réécouter.
  
  
• Death - Spiritual healing (1990) ★
  
  Pour son troisième album, Death (ou plutôt son leader Chuck Schuldiner puisque les musiciens qui l'accompagnent ne sont jamais les mêmes) continue sa lente évolution : si le chant est toujours écorché, la volonté d'avoir un son dégueulasse semble avoir à peu près complètement disparu, et on va encore un peu loin dans la direction d'un metal plus posé et assez technique que dans l'album précédent. Au point même de devenir limite scolaire tant c'est carré, les guitaristes ont l'air de s'appliquer à mort pour produire des choses qui sont pourtant parfois d'une banalité affligeante (les gammes en intro de Killing spree, ça ressemble à une mauvaise blague !), et le batteur s'emmerde manifestement tout au long de l'album. Je dois bien avouer que je ne suis pas loin de partager son sentiment, c'est très bien fait, manifestement réfléchi au niveau de la composition, mais bon, émotionnellement c'est vraiment l'encéphalogramme plat, de l'alignement de notes sans âme, jamais un élément vraiment mélodique ou une rupture de ton qui accroche l'oreille pour éviter de tomber dans un espèce d'état de somnolence qui me semble encore une fois assez contradictoire avec le type de musique produit...
  
  
• Death - Human (1991) ★ ★ ★
  
  Plus j'avance dans la discographie de Death (j'ai triché, j'ai déjà écouté une ou deux fois tous les albums restants), plus on oublie le côté extrême (sauf niveau chant, hélas) pour se diriger vers une sorte de démonstration technique où l'élément mélodique est de moins en moins sacrifié (avec mêmes des fragments orientalisants par moments), plus ça m'intéresse. Malgré tout, je reste encore mitigé concernant ce quatrième album (on est pile poil au milieu de la courte carrière du groupe) : franchement, ça part bien avec un Flattening of emotions qui a vraiment une construction intéressante et de beaux passages à la pelle, mais pourquoi cette batterie soûlante (et accessoirement cette fin abrupte que je ne comprends pas) ? Les pistes qui suivent ressemblent trop à la première (mais sont du coup également assez intéressantes), toujours le même type de rythmes et de ruptures, c'est un peu lassant (mais bon, le disque est très court, donc on n'a pas franchement le temps de s'ennuyer cette fois-ci). Les vraies (bonnes) surprises viendront un peu plus tard, avec d'abord des introductions inattendues (celle extrêmement hachée de Secret face et surtout l'ambiance assez space de Lack of comprehension). Et puis, il y a l'instrumental Cosmic sea, complètement planant et hors cadre par rapport à ce que propose habituellement Schuldiner, je ne suis pas encore totalement emporté mais voila une prise de risque qui intrigue vraiment. Je note en tout cas que cet album (et ceux qui suivent) me plaît de plus en plus au fil des écoutes successives (initialement j'étais plutôt parti pour un petit deux étoiles), je commence peut-être enfin à rentrer dans le trip de Death, mais la batterie continue à me poser problème.
  
  
• Death - Individual thought patterns (1993) ★ ★ ★
  
  Je continue à progresser assez péniblement dans la disco de Death, et désormais j'ai l'impression de ne pas vraiment savoir ce que j'en pense. À l'écoute, je ne vois vraiment rien à reprocher à cette musique, à part peut-être une certaine uniformité dans les riffs et autres éléments mélodiques qui structurent les chansons. Même le chant écorché de Schuldiner me semble nettement moins pénible que sur les premiers albums de son groupe. Non, vraiment, rien à redire, c'est hyper bien fichu, propre, précis, réfléchi, avec quelques éléments étonnants qui donnent une personnalité à ce disque (les bzoing de basse très audibles sur tous les morceaux, même si je ne suis pas sûr que ça apporte vraiment énormément au contenu musical, ça lui donne un cachet assez inimitable), qui s'éloigne par ailleurs finalement pas mal de l'esprit metal, extrême ou pas (les montées dans l'aigu des guitares sur Nothing is everything ou l'intro de Destiny, par exemple, je trouve qu'on est vraiment dans un autre univers). C'est peut-être ça d'ailleurs qui fait que je n'arrive pas à rentrer totalement dans cette musique, il me manque sûrement le côté "je prends mon pied" que je cherche en général quand j'écoute du metal. Là, l'écoute est très agréable (et ça fait un certain nombre de fois que je réécoute le disque, sans aucune lassitude), mais elle me laisse relativement distant. D'ailleurs, c'est assez symptomatique, je serais incapable de ressortir une piste de l'ensemble, comme s'il n'y avait aucune tuerie ni aucun moment de moins bien, simplement un tout homogène de 40 minutes, tellement parfaitement ficelé qu'il finit par manquer de véritable profondeur.
  
  
• Death - Symbolic (1995) ★ ★ ★ ½
  
  J'approche de la fin de mon petit bout de chemin avec Death, mais ça fait un moment maintenant que mon avis n'évolue plus vraiment d'un album à l'autre (et même d'une chanson à l'autre, à vrai dire !). Toujours aussi bien fait et parfaitement exécuté, mais je n'arrive toujours pas à trouver ça totalement emballant. En fait, je passe un (très) bon moment, mais je ne suis jamais transporté, en étant vraiment méchant je dirais que c'est parfait comme musique de fond. Bon, tout de même, les bzoing de basse ont disparu sur ce disque, on a un son vraiment très propre (le chant de Schuldiner parait presque déplacé par rapport au reste d'ailleurs), et il y a tout de même cette fois-ci quelques titres que je mettrais en avant par rapport aux autres : Zero tolerance avec ses motifs mélodiques étonnants mais bien fichus, et Without judgement assez impressionnante, avec un break assez planant qui fait son petit effet. Mais bon, je crois tout simplement que, sans y être allergique du tout, je ne suis pas hyper sensible à la musique de ce groupe.
  
  
• Death - The sound of perseverance (1998) ★ ★ ★ ★
  
  Dernier album de Death, même s'il ne s'agit pas tout à fait du dernier disque de son créateur Chuck Schuldiner, ce Sound of perseverance a forcément une aura particulière, encore renforcée par le changement assez spectaculaire introduit niveau chant (le chant "simplement guttural" a laissé place à une espèce de croassement redoutablement laid, mais bon, vu qu'à mon sens le chant a toujours été très secondaire chez Death, ça ne gêne pas plus que ça). Niveau musical en tout cas, Chuck continue sur sa lancée des albums précédents, en se lâchant encore plus clairement : breaks inattendus dans tous les sens, alternance entre passages ultra techniques (les intros de Scavenger of human sorrow ou To forgive is to suffer ne font pas dans la dentelle) et d'autres beaucoup plus apaisés, des soli souvent bien perchés mais jamais totalement vains, un (très bel) instrumental en cours de route, on ne sait franchement pas trop où ça veut aller. Et curieusement, ça me plait plus que ses albums précédents, il se passe toujours quelque chose qui attire l'oreille, et après quelques écoutes, on se rend compte que c'est en fait loin d'être décousu et même que ça fonctionne souvent très bien (Bite the pain et ses passages assez délirants à la guitare, Flesh and power it holds sont de très bons morceaux). Finalement, je me retrouve avec ce groupe face à un rare cas où j'ai l'impression d'une progression quasiment continue, sans aucun à-coup, pour atteindre des choses franchement attirantes (même si ça ne procure pas encore pour moi le surcroît de jouissance auditive que je peux trouver ailleurs). C'est tout de même bien dommage que tout ça se soit arrêté en si bon chemin.
  
  
  
  
• Devin Townsend - Ocean Machine : Biomech (1997) ★
  
  Après avoir effectué ses premiers essais au disque en groupe, Devin Townsend lance rapidement sa carrière solo avec cet album qui se veut très aquatique, et qui est considéré par ses fans comme son premier chef-d'oeuvre. Après plusieurs écoutes assidues, un constat s'impose : je n'ai pas du écouter le même album qu'eux. Déjà, bien sûr, le contraste est assez saisissant par rapport à ce que proposait Strapping Young Lad, puisque l'ultra-violence a laissé la place à une sorte de pop rock planant assez optimiste, nimbé de nappes de claviers pour suggérer lourdement le côté marin. Le problème bien sûr, c'est que pour réussir à impressionner dans ce registre-là, il faut une bonne dose d'originalité et de talent, et Townsend en déploie bien peu : aucune mélodie prégnante, des bruitages et autres samples qui n'apportent rien d'autre qu'une touche d'agacement, et un chant indiscernable de ce qu'on peut trouver dans le premier disque de brit pop venu. Pire, sur la fin de l'album, le creux se transforme en prétentieux avec un The Death of music expérimental totalement foireux (et foiré) qui donne irrésistiblement envie de balancer le CD à la poubelle plutôt que de le réécouter. Bon, je suis un peu trop méchant, certains titres sont gentiment agréables (le Seventh wave introductif, Bastard), mais le génie, sincèrement, je le cherche toujours. Quitte à écouter de la soupe, autant se mettre un album d'Oasis, c'est meilleur que ça (et pourtant, je suis très très loin d'être fan !). Pour l'instant, le cas Devin reste donc un grand mystère pour moi, mais je ne m'en tiendrai pas là, car j'ai trouvé des choses qui me convainquent nettement plus dans la suite de sa discographie (comme quoi il faut toujours persévérer).
  
  
• Devin Townsend - Infinity (1998) ★ ★ ★ ★
  
  Devin Townsend est un génie. C'est un postulat relativement populaire dans le petit monde du metal, mais auquel j'avais jusqu'ici bien du mal à adhérer. Je le comprends nettement mieux à l'écoute de ce nouvel album "solo" (je mets solo entre guillemets, parce que malgré la pochette, on est bien loin ici d'une musique intimiste, et on a l'impression qu'il a du y avoir quelques milliers de Devin en surchauffe pour jouer tout ce qui nous passe par les oreilles). Du génie, il y en a en effet dans ce bricolage improbable qui propose une alternance de titres ambiancés plus ou moins dans l'esprit de son Ocean Machine précédent et de délires en apparence totalement incontrôlés. Et c'est dans ces derniers que Townsend me convainc sans réserve : l'orgue sautillant et la trompette jazzy égarée de l'énorme Bad Devil, un Ants survitaminé et indescriptible, le fond de valse déjanté de Wild colonial boy, et même l'assez irrésistible Christeen (qui joue pourtant le rôle du morceau pop de rigueur), tout ça semble n'avoir ni queue ni tête mais on est complètement emportés par l'énergie et l'imagination sans limites du diablotin. Et puis, hélas, entre deux, les pistes qui devraient être plus aériennes sont plombées par un son mille fois trop dense qui finit par fatiguer. Un exemple flagrant : les cinq premières minutes de War font du bruit, ok, c'est cohérent avec le principe de la chanson. Mais une fois que Devin a (littéralement !) mis le holà à tout ça, le choeur angélique qui conclut le titre devrait procurer un contraste saisissant. Eh ben pas du tout, le son cristallin, c'est un concept qui échappe complètement au père Townsend. Je ne parle même pas de Life is all dynamics qui sature carrément de façon très laide. C'est vraiment dommage, l'album avait tout pour être un chef-d'oeuvre unique en son genre, il ne sera qu'un disque hors-norme, génial certes mais aussi un peu agaçant.
  
  
• Devin Townsend - Physicist (2000) ★ ★ ½
  
  Quelques années auront suffi à Devin Townsend pour sortir plusieurs disques qui auront marqué les esprits (à défaut de convaincre tout le monde !). À l'orée du nouveau millénaire, il ressent le besoin de simplifier sa musique, et propose donc un nouvel album beaucoup plus direct et ramassé que les précédents : 40 minutes de musique, des chansons courtes et directes à la construction lisible (on vire même parfois au brutal, notamment sur la paire Death/Devoid, le fait que l'album ait été enregistré avec ses comparses de Strapping Young Lad n'y est probablement pas étranger), on oublie complètement les délires de son disque précédent. Quelque part c'est dommage (puisque lesdits délires étaient jusqu'ici ce qui m'avait le plus plu dans sa production !), mais on y gagne indiscutablement en accessibilité, et il faut bien admettre qu'une majorité de pistes sont très sympathiques : Namaste, Material, ou même les 11 minutes nettement plus ambitieuses de Planet rain, c'est du solide. Mais il y a quand même un gros défaut dans tout ça, Devin a certes simplifié la recette mais pas le moins du monde allégé la sauce, et les couches de claviers qu'on entend en permanence tapent sur le système avant même d'arriver au bout du disque. Encore une fois dommage, même si l'ensemble reste agréable à écouter... à petites doses !
  
  
• Devin Townsend - Terria (2001) ★ ★
  
  Après un Physicist nettement plus direct, Devin Townsend revient à quelque chose de beaucoup plus alambiqué et atmosphérique, plus directement dans la lignée d'un Ocean Machine. Je n'avais pas aimé ce dernier, et mon avis ne sera pas très différent sur celui-ci (qui est pourtant lui aussi considéré par beaucoup comme un des sommets de la carrière de Townsend !). Le début du disque me convainc pourtant assez : la curieuse intro Olives nous met dans l'ambiance d'un voyage apaisé qui va prendre son temps, étirer les pistes (parfois de façon déraisonnable) pour tisser des ambiances (sur)prenantes mais assez peu intenses (il ne faut pas voir dans le titre du disque une annonce de force tellurique, mais plutôt une sorte de communion avec la nature). Malgré quelques maniérismes (les samples...), j'accroche donc assez aux premières pistes, Mountain, Earth day qui pour une fois utilise les synthés de façon raisonnée et efficace, et même Deep peace et ses passages instrumentaux réussis. Mais je ne tiens vraiment pas jusqu'au bout de l'album, la répétition de titres trop longs finissant par me voir plonger dans l'ennui, notamment sur Nobody's here et Tiny tears. Et puis, encore une fois, les lignes vocales ne me semblent souvent pas à la hauteur de l'habillage instrumental (sur le Stagnant conclusif, c'est même franchement mauvais). Un album indiscutablement intéressant mais auquel je n'accroche encore que trop peu.
  
  
• Devin Townsend Band - Accelerated evolution (2003) ★ ★
  
  Léger changement de nom pour la reprise des activités solo (ou pas vraiment, du coup) de Devin Townsend, qui adjoint ce "Band" à son patronyme comme pour indiquer qu'il ne veut plus être seul au centre de l'attention. Pourtant, sa patte est toujours plus que manifeste dans la musique proposée et dans la production. On a même droit à une sorte de petit Devin illustré, avec un son riche ultra typique (oui, oui, les tonnes de claviers sont toujours présentes), un chant hyper présent, et une exploration de diverses facettes de la personnalité musicale du gugusse : assez grandiloquent sur Depth charge qui ouvre le disque (pas mal), torturé sur le diptyque Deadhead/Suicide (mais avec un son toujours aussi énorme), nombriliste sur Away (où Devin s'écoute vraiment tripoter sa guitare, c'est pour le coup vraiment trop long et franchement pas bon), pop presque guillerette sur Traveller ou Slow me down. On échappe par contre aux titres extrêmes ou délirants qui avaient eu droit de cité sur les disques solos précédents, on vise assez clairement l'accessibilité au plus grand nombre ici. Un bon tour du propriétaire finalement pour se donner une idée de la musique du bonhomme. En ce qui me concerne, je le savais déjà, je n'apprécie que modérément (après une petite dizaine d'albums chroniqués en comptant ceux de son groupe, il n'y a toujours que Infinity qui m'ait vraiment emballé), mais celui-là au moins s'écoute facilement en fond et en zappant une partie des dernières pistes.
  
  
• Devin Townsend Band - Synchestra (2006) ★ ★ ★ ★
  
  Soyons honnête, au moment d'aborder ce deuxième et dernier album de l'éphémère Devin Townsend Band, je n'y croyais pas du tout. Trop d'expériences décevantes depuis ma découverte du bonhomme, un disque composé au milieu d'une période quand même bien creuse pour lui, la réputation d'album "bucolique" qui lui colle à la peau (pas vraiment ce que j'aime à priori en metal !), tout laissait croire que j'allais détester. Eh bien, à ma grande surprise, pas du tout ! C'est même un album que, contrairement à Infinity (le seul qui m'avait enthousiasmé jusque-là chez le canadien), je n'apprécie pas par à-coups, mais vraiment dans sa globalité. Oui, il s'agit en effet d'un disque à l'atmosphère assez douce (même si curieusement Devin y insère plus de chant extrême que dans ses précédents projets solo), parsemé de berceuses (qui n'en sont pas vraiment, certes), mais surtout d'un album plus aéré qu'à l'habitude, ce qui permet enfin d'apprécier à leur juste valeur les compositions. La musique y est d'ailleurs très variée, avec même quelques délires typiques de Townsend (l'irruption impromptue d'un passage au banjo dans Triumph, le duo Vampolka/Vampiria qui est assez excellent), et surtout de longues pistes basées sur les atmosphères, ce qui n'est certes pas différent de ce qui était déjà proposé sur Ocean Machine ou Terria, mais la différence c'est qu'ici ça me parle (même l'orientalisme bizarre de Pixillate est assez convaincant). Il reste, bien sûr, quelques ratés (les nappes de clavier de Mental tap), et j'aurais aimé que Devin se lâche un peu plus souvent, mais le côté tranquille de cet album le rend indiscutablement fort séduisant, à l'image de sa très belle introduction Let it roll.
  
  
• Devin Townsend - Ziltoid the Omniscient (2007) ★ ★ ★ ★ ½
  
  En 2006, nouvelle crise chez Devin Townsend, qui semble bien décidé à ne carrément plus composer de musique. Mais il sortira quand même l'année suivante un ovni dans lequel il a absolument tout fait (c'est lui qui enregistre tous les instruments et les vocaux, la batterie étant programmée), et où il nous narre les invraisemblables aventures d'un extraterrestre à la recherche du meilleur café disponible sur Terre. Comme on peut s'en douter avec pareilles prémices, on a droit à une sorte de space opera complètement parodique, avec nombreux passages narrés, pas mal de bruitages ridicules et une batterie le plus souvent réduite à un martèlement martial (mais il y a quand même aussi de beaux passages planants comme Devin les affectionne, notamment le superbe début de Solar Winds). Si on ne rentre pas dans le délire, autant le dire tout de suite, on risque de trouver le temps un peu long (ça dure quand même plus de 50 minutes, et c'est un poil répétitif). Mais personnellement, j'adore, et je passe un moment simplement jouissif en écoutant ce machin, qui comporte par ailleurs de vrais bonheurs musicaux (l'intro puissante, Solar Winds déjà cité, le rigolo Planet smasher). Et puis quand même, un disque où les mots "formes elliptiques" et "courbes modulaires" apparaissent dans le texte, ça ne peut pas être totalement décevant, si ? Certainement pas l'album le plus profond de son auteur, mais je n'y peux rien, en ce qui me concerne, c'est tout simplement mon préféré.
  
  
• Devin Townsend Project - Ki (2009) ★
  
  Après une nouvelle mise en retrait qui n'aura duré que deux ans, Devin est de retour avec un nouveau projet (sobrement intitulé Devin Townsend Project...) consistant initialement en une série de quatre albums prévus pour sortir quasiment simultanément (en pratique il en sortira deux en 2009 et les deux derniers deux ans plus tard), et plus ou moins censés retracer son tumultueux parcours personnel jusqu'à une sorte de sage plénitude (une autobiographie musicale en quelque sorte). Mais ce qui est certain c'est que ce Ki apéritif ne l'est pas franchement, tumultueux. C'est même désarmant de calme et de minimalisme quand on a en tête les disques précédents du bonhomme (oui, même en comparaison avec un Synchestra par exemple, c'est très très calme) : accompagnement de guitare réduit la plupart du temps à quelques arpèges, chant quasiment susurré à la limite du soporifique sur une bonne partie des pistes (on a quand même quelques hurlements par moments, mais aussi l'irruption d'un chant féminin qui apporte au moins un peu de variété), le tout dans une ambiance générale qui lorgne nettement plus vers une sorte de jazz ou de blues cool que vers le métal. Bref, pas grand chose pour me plaire a priori là-dedans, et a posteriori non plus. L'album manque tellement de contrastes (on est vraiment en permanence dans une espèce de demi-teinte cotonneuse) qu'on finit par s'endormir, malgré quelques beaux moments (les premières minutes de Lady Helen, la progression de Heaven send qui est hélas trop long), mais aussi d'autres où la pauvreté du discours musical confine au foutage de gueule (la chanson-titre notamment). Difficile de s'emballer pour le projet dans son ensemble après un tel départ...
  
  
• Devin Townsend Project : Addicted (2009) ★
  
  Deuxième volet du projet, après un Ki qui m'avait sérieusement laissé sur ma faim, ce disque-là promettait a priori de se pencher sur une facette nettement plus déjantée de l'ami Devin, ce qui avait a priori tout pour me plaire. En fait non, le titre est un peu trompeur, le Devin délirant ce sera pour l'album d'après, ici c'est le Devin insouciant qui est à l'honneur, alignant au long d'un disque ramassé (trois quarts d'heures, seule la dernière piste déborde du format standard de 3-4 minutes typé radio) des titres simples et optimistes qui se veulent joyeusement pop (avec tout de même une surcharge de claviers et de son, comme il se doit sur un album de Townsend), mais qui en pratique manquent assez sérieusement d'inspiration. On sait pourtant que Townsend est capable de produire du tube sur ce modèle-là (je me suis remis Christeen dans les oreilles ensuite, c'est vraiment autre chose), mais là ça ne décolle jamais, et la contribution d'Anneke van Giersbergen en chanteuse invitée ne fait qu'ajouter un côté crémeux qui rend le tout encore plus pop et donc insipide (elle n'est pas mal sur la reprise de l'Hyperdrive extrait de Ziltoïd curieusement insérée en plein milieu de l'album). Je suis sévère au niveau de la note, ce n'est pas non plus indigent (en musique de fond ça passe très bien...) mais ça n'a, au sens tout à fait littéral du terme, aucun intérêt. Si ce disque n'existait pas, il ne manquerait à personne. Espérons que le volet suivant de la quadrilogie remonte un peu le niveau, car mon bilan devinien penche de plus en plus vers le bas...
  
  
• Devin Townsend Project - Deconstruction (2011) ★ ★ ½
  
  Pour le troisième volet de son projet plus ou moins autobiographique, Devin avait prévenu, on aurait droit à l'album le plus monstrueusement spectaculaire qu'il ait jamais produit. Et le moins qu'on puisse dire, c'est qu'il n'a en effet pas lésiné sur les moyens : deux batteurs à temps plein (les simili blasts permanents sont plus fatigants qu'autre chose), un son plus énorme que jamais, un orchestre symphonique et des choeurs omniprésents, et une liste d'invités prestigieux longue comme le bras (mais assez dérisoire vu le rendu final, c'est à peine si on arrive à les repérer). Le tout pour nous plonger dans une espèce de délire fantasmagorique dont la pochette donne finalement une idée fidèle : c'est très très dense, bruyant, avec beaucoup de sonorités électroniques, et ça part volontiers dans tous les sens (avec des bouts de solos franchement bordéliques), notamment dans les pistes monstres que sont Planet of the Apes et The Mighty masturbator (oui, oui, c'est bien le titre du plat de résistance de 16 minutes placé au coeur de l'album). Plus que le Devin délirant (il faudra attendre l'intro pétomane de l'ode au cheeseburger qu'est la chanson titre pour le retrouver, et c'est d'ailleurs assez réussi dans le n'importe quoi), c'est donc au Devin mégalomane auquel on a droit. On ne se pose même pas la question de savoir s'il en fait trop, tant la réponse est évidente (ne surtout pas se fier aux deux premières pistes assez tranquilles, c'est après que ça commence vraiment), 70 minutes de musique aussi riche, c'est pour le moins difficile à avaler. Et pourtant, on ne peut pas nier que l'inspiration est plutôt au rendez-vous, il y a de bonnes idées à la pelle, et l'auditeur assez courageux pour prendre le temps de vraiment assimiler complètement le tout y trouvera probablement matière à satisfaction. Il eût quand même été préférable que Devin fasse un peu plus le tri par lui-même...
  
  
• Devin Townsend Project - Ghost (2011) ☆
  
  Pour ce dernier disque de la quadrilogie de son projet autobiographique, on était en droit de se demander à quoi allait aboutir notre ami Devin (les trois premiers ayant été pour le moins différents). Eh bien, la morale de l'histoire c'est apparemment qu'après moult errements, Devin Townsend est devenu une sorte de gourou zen fasciné par la musique d'ascenseur. Ce disque n'aurait d'ailleurs strictement rien à faire dans une liste de disques de metal s'il ne faisait pas partie d'un projet globalement axé metal (quoique, d'ailleurs, avec deux disques sur quatre qui s'en éloignent très fortement, ça se discute) : bribes de flûte sur fond de claviers planants, quelques notes de guitare sèche par-dessus, un chant apaisé qui confine régulièrement à la béatitude, et des atmosphères douces avec une vague teinte exotique, on étire ça sur un peu plus de 70 minutes et ça donne cet improbable Ghost. Il vaut mieux ne pas le lancer en fin de soirée si on ne veut pas risque de s'endormir avant la fin (les longs passages instrumentaux notamment sont parfois d'une vacuité assez désarmante), ce qui ne serait pas forcément une mauvaise idée ceci dit si on ne veut pas être affligé par le côté incroyable minimaliste et nunuche de la chose. Je ne peux même pas citer un titre en particulier, il n'y a pas l'ombre d'une volonté de contraste entre les différentes pistes constituant cette expérience soporifique. Bon, si on ne veut pas être trop négatif, en fond pour accompagner une activité calme, c'est gentiment joli. Mais en tant qu'oeuvre musicale, ça reste totalement indéfendable.
  Arrivé au bout des quatre disques, le bilan du Devin Townsend Project est quand même franchement mauvais : un peu d'inabouti, pas mal d'insignifiant, et une quantité non négligeable de bouse, y a pas de quoi être emballé. Mais ça n'a bien sûr pas empêché Townsend de continuer à sortir des (souvent doubles !) albums par pelletées depuis. Comme je commence à avoir passé beaucoup de temps en sa compagnie, et que l'intérêt moyen de ses disques ne va pas vraiment en croissant, je me contenterai de faire une sélection très réduite sur la suite de sa discographie, oubliant volontairement les albums trop pop (Epicloud) ou expérimentaux (The Puzzle) dans la liste...
  
  
• Devin Townsend Project - Z² : Dark Matters (2014) ★ ★ ★
  
  Exceptionnellement aujourd'hui, une critique d'un demi-album seulement, ou plutôt d'un demi-double album. En effet le sieur Townsend a non seulement continué à sortir des disques sous le label Devin Townsend Project après les quatre initialement prévus, mais il a même pris l'habitude d'en sortir deux d'un coup, et là il a la curieuse idée de caser la suite de son génial Ziltoïd the Omniscient comme complément d'un Sky Blue n'étant pas le moins du monde dans le même style (et sur lequel je ne m'étendrai absolument pas). C'est évidemment avec plaisir qu'on retrouve le compère Ziltoïd, mais aussi avec une légère crainte vu le temps mis à composer cette suite et les moyens employés (entre autres, des choeurs gigantesques enregistrés par des milliers de fans). Devin n'aurait-il pas une fois de plus voulu trop en faire ? Le début du disque confirme ces inquiétudes, on est vraiment dans du grand spectacle qui manque de subtilité, c'est peut-être génial sur scène, mais au disque ça ne passe pas très bien. Heureusement, assez rapidement, l'histoire délirante concoctée par Devin reprend le dessus, et le nouveau personnage central féminin (la "war princess" avec ses "poozers" péteurs à sa suite) est rafraîchissant (bonne idée d'avoir introduit une voix féminine dans le concept). Même s'il y a probablement un abus de dialogues (vaut mieux comprendre l'anglais si on veut vraiment profiter de l'album), on a aussi droit à de la bonne musique (War princess, la March of the poozers, Earth), suffisamment en tout cas pour ne pas se fâcher avec Devin, même si ce deuxième opus n'a pas la magie enfantine du premier, et surtout est tout simplement assez nettement moins bon.
  
  
• Devin Townsend - Empath (2019) ★ ★
  
  Allez, un dernier petit tour avec le copain Devin avant de clôturer sa discographie (j'avais prévenu, j'en ai laissé quelques-uns de côté), je ne pouvais pas ignorer un album qu'un bon camarade a classé parmi ses préférés de l'année 2019 et qu'il a lui-même qualifié de spectacle en Technicolor. On peut difficilement le démentir en effet, et j'irai même carrément plus loin : on a l'impression que Townsend a composé le disque après une longue période de vacances en famille à Disneyland. C'est hyper coloré et optimiste, une espèce d'énergie positive dégouline en permanence comme une guimauve ultra sucrée, et orchestre et surtout choeurs sont très sollicités (et les choeurs, c'est quelque chose, au début de Borderlands on est quelques étages au-dessus de la nunucherie), l'ensemble est d'une mièvrerie tellement hallucinante que j'ai du mal à ne pas imaginer là-dedans une bonne dose de second degré (ou plus ?). Franchement, Why ?, on croirait vraiment une chanson Disney interprétée par Townsend. Dans ce contexte, forcément, les quelques irruptions de violence ou de chant guttural paraissent pour le moins incongrues, mais de toute façon la plupart des pistes sont un patchwork assez décousu d'idées farfelues, donc on n'en est pas à ça près. Un délire maximaliste qui a indiscutablement un certain charme (j'aime bien le côté n'importe quoi total de Borderlands déjà citée), mais que j'ai quand même bien du mal à le considérer comme plus qu'une sucrerie amusante à écouter une ou deux fois sans la prendre vraiment au sérieux.
  
  
  
  
• Dimmu Borgir - For All Tid (1995) ★
  
  Encore un groupe de black venu du Nord au programme, avec les norvégiens de Dimmu Borgir. Il ne s'agit toutefois pas de la même chose que ce qu'on imagine habituellement sous cette appellation, puisque Dimmu Borgir est surtout connu pour quelques albums de black "symphonique" hauts en couleur (voire en mauvais goût) sortis à l'apogée de la carrière du groupe. Mais il s'agit ici des débuts un peu oubliés du combo, et ce premier disque est ... assez surprenant. L'introduction Det nye riket s'ouvre avec quelques sons électroniques assez aléatoires, enchaîne sur un passage de clavier symphonique qui se veut noble et triste, puis sur une déclamation sur fond de piano qui fleure bon l'heroic fantasy. Une première piste qui donne vraiment envie d'entendre la suite. Hélas, on déchantera assez vite, le groupe ne semble pas trop savoir dans quelle direction se lancer, et le mélange de guitares grésillantes qui ne servent à rien (le son est très mauvais), de clavier planants (eux, curieusement, on les entend distinctement) donnant une atmosphère pseudo gothique incongrue, et de chant guttural moyennement maîtrisé passe assez mal (en même temps, pour le chant, on est presque rassuré que ce soit guttural les trois quarts du temps quand on entend le chant clair proposé sur Over bleknede blaner til dommerdag, à mourir de rire tellement c'est faux et mal chanté). Sur le fond, on sent la volonté de proposer une musique mélodique et atmosphérique qui tranche un peu avec les thèmes du black de l'époque, mais c'est tout simplement trop mal réalisé pour être intéressant.
  
  
• Dimmu Borgir - Stormblast (1996) ★ ★ ½
  
  Ce deuxième album de Dimmu Borgir a une curieuse particularité : il a été intégralement réenregistré par le groupe neuf ans plus tard (sous le titre particulièrement inspiré de Stormblast 2005) avec un son nettement plus clinquant (plus conforme à ce que le groupe produisait comme musique à ce moment-là quoi). Enfin, intégralement ou presque puisqu'on y perd notamment le bel interlude au piano Sorgen kammer qui avait apparemment été pompé par le claviériste de l'époque sur une musique de jeu video (mouarf). De toute façon, autant écouter la version originale pour mieux appréhender l'évolution du groupe. Ce deuxième essai est déjà nettement plus convaincant que le premier, même si tout à fait dans le même style. En fait, l'habillage black metal est vraiment là pour donner le change aux copains norvégiens, parce qu'à part le chant guttural et la batterie bourrine (mais qu'on entend assez peu), on est bien loin des ambiances sombres du genre : c'est très mélodique, souvent mélancolique même, et encore dominé par les claviers (qui louchent un peu vers le symphonique par moments). Rien de transcendant (ça manque vraiment de contrastes et de moments vraiment marquants, d'ailleurs aucune piste ne sort du lot à part le fameux interlude plagié) mais si on aime ce type de musique, ça s'écoute.
  
  
• Dimmu Borgir - Enthrone Darkness Triumphant (1997) ★ ★ ★ ★ ★
  
  Ce troisième album du groupe est généralement considéré comme le véritable point de départ de leur discographie. On comprend pourquoi dès les premières notes tant le changement est radical par rapport aux deux précédents. Alors que jusqu'ici Dimmu Borgir proposait un black très atmosphérique aux ambiances brumeuses, là on part d'un seul coup vers un style ultra spectaculaire (le groupe inaugure d'ailleurs une série de titres d'albums en mode triptyque ronflant histoire de bien marquer le coup), qui semble prendre un malin plaisir à proposer une sorte d'"anti-true black metal" : production hyper brillante, claviers symphoniques virevoltants, mélodies hyper accrocheuses, on conserve certes du chant extrême (mais souvent sous forme de choeurs ajoutant encore à la puissance dégagée par l'ensemble) et une batterie hyper brutale, mais le but est avant tout d'en foutre plein la gueule. Pas surprenant que Dimmu ait souvent été classé aux côtés d'un Cradle of Filth dans la catégorie des groupes pratiquant un black hyper accessible. Sauf que là où Cradle propose du grand guignol parfois horripilant, Dimmu Borgir se rapproche plus des derniers albums d'un Septicflesh en arrivant à conserver un esprit sombre (malgré les claviers parfois un brin kitsch, il faut quand même l'admettre). Très peu de pistes faibles dans ce disque (allez, Entrance avec son espèce de carillon est assez spéciale) et un enchaînement de tueries impressionnant (les deux premières pistes, Mourning palace et Spellbound, sont absolument énormes). C'est vraiment le type de metal que j'adore (ceux qui ont du mal avec le symphonique grandiloquent risquent par contre de détester), mais quand même, quel choc par rapport à leur album précédent !
  
  
• Dimmu Borgir - Spiritual Black Dimensions (1999) ★ ★ ★
  
  Pas de raison de changer une formule gagnante : après un Enthrone Darkness Triumphant dantesque, Dimmu Borgir persiste dans le titre en mode triptyque pédant, mais surtout niveau musical, en proposant à nouveau un black symphonique bien grandiloquent, avec grand renfort de claviers. On a d'ailleurs l'impression que ces derniers sont de plus en plus dominants, laissant souvent aux guitares le rôle de faire-valoir chargées de créer un simple fond musical. Peut-être est-ce un peu trop, ou peut-être tout simplement le groupe n'arrive-t-il pas à proposer un disque de la même intensité que le précédent, je trouve en tout cas qu'il y a un assez net recul. Pas de pistes aussi marquantes et percutantes que les deux qui ouvraient l'album précédent, on a un peu l'impression que le groupe se contente de créer de belles atmosphères à coups de claviers (l'intro mystérieuse de The promised future aeons, par exemple, assez réussie), de broder une mélodie efficace par-dessus, puis de laisser faire les choses avec certes un professionnalisme indéniable mais sans éclat de génie particulier. On notera tout de même l'introduction encore discrète de chant clair (pas seulement sur les choeurs, bien présents toutefois sur The Insight and the catharsis, on a aussi quelques rares interventions solistes) qui confirment que le groupe cherche de plus en plus à produire une musique accessible au plus grand nombre. Mais si c'est pour produire quelque chose de moins fort c'est un peu dommage. Le disque précédent était une tuerie, celui-ci est simplement très correct.
  
  
• Dimmu Borgir - Puritanical Euphoric Misanthropia (2001) ★ ★ ★ ★
  
  Si on ne devait juger les albums de metal qu'à leur titre ou leur pochette, celui-ci ne serait certainement pas très haut classé dans l'échelle du bon goût. Bizarre d'ailleurs pour un groupe qui par ailleurs semble vouloir produire une musique plutôt commerciale et grand public (enfin, tout est relatif bien entendu, c'est pas franchement de la pop non plus). Mais cette contradiction apparente est finalement assez en phase avec l'évolution musicale du groupe, qui sur ce disque ne semble pas trop réussir à choisir entre quelque chose de plus doux que sur ses propositions précédentes (de plus en plus d'intrusions de chant clair, utilisation de vrais instruments à cordes, la lente intro Fear and wonder qui sonne très "bande originale de film" est d'ailleurs fort réussie), et au contraire une radicalisation nettement audible dans le choix d'une production beaucoup plus acérée (je préférais le clinquant des deux disques précédents) et des compositions qui donnent souvent dans le brutal (le nouveau batteur n'y est pas pour rien, son jeu étant pour le moins viril). Le côté sombre l'emporte assez largement, mais même si on frise parfois le passage en force, il y a aussi un regain d'inspiration qui rend cet album certes plus éprouvant à écouter, mais aussi plus mémorable que le précédent. Les pistes où le groupe arrive à trouver un équilibre intéressant entre ses différentes composantes (notamment les cordes) sont les plus intéressantes, notamment Hybrid stigmata et Indoctrination. Et la conclusion orchestrale Perfection or vanity est presque aussi belle que l'introduction.
  
  
• Dimmu Borgir - Death Cult Armageddon (2003) ★ ★ ★ ★ ★
  
  Dans son album précédent, le groupe semblait hésiter entre le clinquant et la noirceur. Sur celui-ci, il a clairement (c'est le cas de le dire) choisi, en revenant à une production Technicolor du meilleur goût et en étoffant son orchestre de quelques cuivres qui donnent un côté terriblement hollywoodien à quelques pistes (les fanfares de Progenies of the great apocalypse fleurent bon leur John Williams). Les fans de black les plus obtus n'apprécieront pas, mais pour ceux comme moi qui aiment le grand spectacle, on est servis, et sacrément bien qui plus est. Dimmu Borgir retrouve une inspiration quasiment constante qu'il n'avait pas eue depuis Enthrone Darkness Triumphant et aligne les tubes irrésistibles : après la belle montée en puissance d'Allegiance, le titre Progenies of the great apocalypse déjà cité est absolument énorme, et ce ne sera pas le seul de l'album, Vredesbyrd et son motif aux claviers, le binôme Cataclysm Children/Eradication instincts defined qui fait à nouveau la part belle à l'orchestre (oui, tout l'intro de la deuxième citée est totalement "cinématographique" à nouveau, mais quand les guitares et le chanteur déboulent, quel pied !), plus de la moitié des chansons du disque sont des réussites monumentales. Alors on pardonnera sans problème un léger abus de samples et bruitages qui n'apportent rien (c'est déjà assez dense comme ça d'un point de vue strictement musical) et deux ou trois titres inévitablement moins marquants (Lepers among us, plus frontale, qui aurait plus eu sa place sur l'un des deux albums précédents), et on se repaît avec délices de ce "black metal" festif qui en met plein la vue. Non, vraiment pas ? Ben moi j'y retourne illico.
  
  
• Dimmu Borgir - In Sorte Diaboli (2007) ★ ★ ★ ½
  
  Après un Death Cult Armageddon épique, il aura fallu quatre ans aux norvégiens de Dimmu Borgir pour proposer un véritable nouvel album (entre temps, ils ont réenregistré Stormblast), un temps inhabituellement long pour eux. Le signe qu'ils ne savaient plus trop quoi nous proposer ? Peut-être, en tout cas les titres emphatiques semblent abandonnés, et le disque dans son ensemble fait preuve d'une certaine sobriété (tout est relatif hein, mais en comparaison avec le précédent on sent la différence). The Serpentine offering ouvre pourtant à nouveau les hostilités sur un gros délire bien spectaculaire avec orchestre très présent, mais ensuite ce dernier se fera franchement discret (sauf évidemment dans l'interlude purement orchestral The Fallen arises, sympa mais pas transcendant), le groupe préférant miser sur des titres assez classiques faisant intervenir avec parcimonie le chant clair (très peu sur cet album), le piano, les choeurs, bref tout ce qu'on trouve habituellement chez Dimmu Borgir. Une certaine retenue, combinée avec quelques pistes construites de façon assez décousue (The Sacrilegious scorn mélange trop de choses en 4 minutes, par exemple), qui rendent le disque nettement moins inoubliable que son prédécesseur. Mais ça reste quand même très solide et maîtrisé, avec quelques belles réussites (The Sinister awakening, The invaluable darkness). Dimmu Borgir reste une valeur sûre du genre.
  
  
• Dimmu Borgir - Abrahadabra (2010) ★ ★ ★ ★ ½
  
  Manifestement, Dimmu Borgir a toujours quelques hésitations sur la direction à faire prendre sa musique, entre show orchestral spectaculaire et retour aux sources du black metal dont il est issu. L'album précédent avait fait un pas en arrière, proposant un disque plus so(m)bre avec une présence relativement sporadique de l'orchestre, celui-ci repart plein gaz dans la direction opposée, convoquant grand orchestre et choeurs pour une sorte de grande kermesse du black metal où les voix gutturales et autres blast beats de batterie semblent vraiment là uniquement pour justifier l'étiquette metal du projet, tant le reste prend de place (on entend beaucoup plus l'orchestre que les guitares, ici on est carrément au niveau des albums les plus orchestraux d'un Nightwish !). Du coup, le fait que le groupe ait perdu son chanteur "clair" (un autre l'a remplacé, mais il a un chant beaucoup moins typé que le précédent) et surtout son claviériste passe à peu près inaperçu. Quant au côté glauque ou inquiétant qu'est censé véhiculer cette musique, malgré quelques rares tentatives dans ce sens (l'intro de Endings and continuations), on repassera, il y a même pas mal de riffs assez bondissants dans le lot (ceux de Born treacherous ou de The demiurge molecule). Et d'ailleurs, on s'en fout complètement, du moins si (comme moi) on adore ce genre d'improbable choucroute, car c'est hyper entraînant, joyeusement divertissant, et surtout car il y a à nouveau quelques titres bien monumentaux dans le lot (l'introductif Wibir avec son chant presque tribal en intro, puis son orchestre quasiment elfmanien, Dimmu Borgir et son refrain des choeurs plus typé John Williams, Ritualist et son orchestre qui déchire tout dans la seconde moitié, je vous l'avais dit, c'est vraiment l'orchestre qui fait tout sur ce disque). On n'est pas tout à fait au niveau des tout meilleurs albums du groupe, mais personnellement, je trouve ça vraiment jouissif et j'en redemande, encore et toujours !
  
  
• Dimmu Borgir - Eonian (2018) ★ ★ ½
  
  La productivité de Dimmu Borgir s'était déjà légèrement émoussée depuis quelque temps, mais là, c'est carrément un trou de huit ans depuis l'album précédent. Le signe d'un manque d'inspiration ? Peut-être, en tout cas il y a encore eu du changement au niveau du line-up, de plus en plus instable autour du noyau dur présent dans le groupe depuis les débuts. On note notamment le retour d'un claviériste, pas du tout anodin dans la mesure où il nous gratifie de sons rétro assez "spatiaux" qui sont d'un goût assez discutable et se mêlent très moyennement au style du groupe. Ledit style a toutefois encore évolué, l'orchestre est moins présent que sur l'opus précédent (mais les choeurs le sont par contre encore plus !), et surtout le spectre des influences s'est déplacé vers des choses franchement inattendues (les éléments tribaux dans Council of wolves and snakes sont à la limite du ridicule, et l'écoute de Interdimensional summit remet une fois de plus sur la table la question de l'étiquette black metal encore collée au groupe, tant le titre est dansant et positif). Bref, la grande kermesse des norvégiens est pas loin de tourner au grand n'importe quoi, mais la deuxième moitié de l'album resserre un peu les vis (Lightbringer propose enfin un riff qui accroche vraiment) et montre que le groupe sait encore composer de la musique qui s'écoute tellement agréablement qu'on pardonnera les sorties de route passagères (même si Archaic correspondance est à nouveau flingué par des claviers insupportables). L'album reste quand même le plus bancal du groupe depuis qu'ils se sont mis au symphonique sur Enthrone Darkness Triumphant 20 ans auparavant. Si la barre n'est pas vite redressée, on risque de tomber dans le mauvais au prochain essai.
  
  
  
  
• Dream Theater : When dream and day unite (1989) ★
  
  Il fallait bien que je m'y attaque un jour, je me lance donc dans la discographie de Dream Theater en commençant comme il se doit par leur premier album un peu éclipsé par le suivant. Il faut bien avouer qu'il n'a pas franchement de quoi séduire, la pochette est hideuse, mais le son est hélas à peine meilleur : batterie en plastique, claviers ultra datés et chanteur franchement pénible (ce n'est pas encore James LaBrie qui officie ici, il n'arrivera que pour le disque suivant), ça fait quand même beaucoup pour pouvoir apprécier sereinement le fond instrumental derrière tout ça. On est même par moment franchement en plein nanar musical, notamment sur les intros au clavier qui sonnent tellement cheap qu'elles donnent irrésistiblement envie de pouffer de rire (essayez celle de Status seeker, on croirait écouter le générique d'un dessin animé oublié des années 80, le pire étant qu'ensuite ça enchaîne sur un chant pop ultra moche qui n'est même pas plus sauvable). Reste, sur le fond, une technique instrumentale certaine et des passages intéressants, mais au service de compositions que j'ai personnellement bien du mal à suivre : accroches mélodiques vraiment pas emballantes, et surtout des ruptures de ton permanentes qui me laissent perplexe. Ok, c'est un peu le principe du prog, mais quand on a une intro de deux minutes qui enchaîne sans la moindre transition sur une chanson qui n'a strictement rien à voir, j'ai un peu de mal à comprendre le concept. Bref, ce n'est clairement pas cet album-là qui me réconciliera avec ce groupe pour lequel jusqu'ici toutes mes tentatives se sont soldées par des échecs. Mais je ne désespère pas, je vais au moins continuer un peu.
  
  
• Dream Theater - Images and words (1992) ★ ★
  
  Par rapport au premier album du groupe, aucune discussion possible, il y a une nette progression au niveau du son d'ensemble (malgré quelques "défauts" dont je reparlerai plus bas) et du vocaliste (même si ça reste assez déplaisant quand Labrie tire sur les aigus, dans Another day notamment). Pour le reste, voilà un album que j'ai bien du mal à cerner dans sa globalité, tant il propose des choses différentes et assez peu conciliables. En gros :
  - trois chansons (Pull me under, Take the time et Under a glass moon) elles-mêmes fort différentes mais qui proposent des choses à la fois bien construites et avec un réel élément mélodique convaincant, s'il n'y avait que celles-là le disque serait une franche réussite. En particulier, Pull me under mérite son statut de tube du groupe, malgré sa fin brutale complètement aberrante, et Take the time est entraînante avec ses ambiances étonnantes (on se croirait chez Michael Jackson par moments !).
  - trois autres titres (Another day, Surrounded et le court Wait for sleep) qui jouent la carte de la mièvrerie pop FM, avec nappes de synthé (et même un saxophone paumé sur la fin de Another day), on a la douloureuse impression de s'être sévèrement planté de disque (le reste de l'album est rarement très metal, mais là on est vraiment sur une autre planète), à jeter à la poubelle immédiatement.
  - deux longues pistes "progressives" (Metropolis et Learning to live) qui retombent dans les travers du premier album du groupe : de bonnes idées, mais une construction trop fragmentée et surtout des interventions de claviers tellement grotesques qu'on ne peut pas s'en remettre. C'est particulier gratiné sur Metropolis où, après un début très réussi, la première apparition du synthé peu après 1'30 flingue complètement l'ambiance. Ce sera encore pire à 5'50 où on a droit à un machin qui ne soutiendrait pas la comparaison avec la SNES sur laquelle je jouais aux jeux video à l'époque de la sortie du disque. Sérieusement, ils ont fait exprès de mettre des sons qui s'insèrent aussi ridiculement mal dans le reste de l'instrumentarium ? C'est juste pas possible d'écouter ça sans rigoler (et pourtant je ne suis pas plus allergique aux synthés datés que ça, encore faut-il que ça colle à l'environnement, pour comparer l'incomparable, les synthés kitsch des premiers albums de Nightwish ne me dérangent pas du tout).
  Bilan, un album qui aurait pu être bon si on l'avait limité aux quelques titres où le groupe ne se vautre pas dans le pire mauvais goût, ça n'est pas vraiment suffisant. Dans la mesure où il semble assez unanimement être considéré comme un des incontournables du groupe, je suis de moins en moins sûr de poursuivre longtemps l'aventure Dream Theater.
  
  
• Dream Theater - Awake (1994) ★ ½
  
  Troisième album du groupe, l'ambiance est très différente du précédent, mais on ne peut pas dire que le déclic se soit vraiment produit chez moi pour autant. Déjà, ça démarre très bizarrement avec ce 6:00 agressif qui a presque des relents de RATM, j'ai détesté à la première écoute mais c'est en fait assez intéressant, plus en tout cas que les quelques ballades placées en cours d'album et qui sont une fois de plus bien insipides (The Silent man, c'est franchement mauvais). Il faut dire aussi que je ne suis vraiment pas convaincu par la performance du chanteur sur ce disque, qui pousse toujours de façon artificielle, que ce soit quand il est censé chanter agressivement (il n'a pas la voix pour de toute façon), ou au contraire quand il prend une sorte de pose inspirée pour les chansons plus calmes (Lifting shadows of a dream), c'est fort pénible. Niveau instrumental, pas de doute, ça assure (et pour le coup les compositions à tiroirs incompréhensibles ont été évitées malgré quelques développements instrumentaux techniques sans intérêt), mais ça me laisse tout simplement froid la plupart du temps, ça s'écoute sans plus... Les seuls titres qui me font réellement dresser l'oreille sont The mirror (incroyable, le synthé vintage fonctionne très bien sur celle-ci, d'ailleurs de façon globale le synthé est très supportable sur cet album), et surtout la piste conclusive Space-dye vest sublime malgré un piano pas très beau (m'enfin ça remplace quand même avantageusement le clavier) et des maniérismes évitables (bruitages et autres passages parlés). Mais bon, presque 70 minutes de musique peu emballante avant d'en arriver là, est-ce que ça en valait vraiment la peine ? Sauf coup de coeur inattendu, je ne ferai pas de compte-rendu détaillé des albums suivants du groupe.
  
  
  
  
• Emperor - In the nightside eclipse (1994) ☆
  
  Voilà une musique qui joue manifestement beaucoup sur l'ambiance à la fois oppressante et grandiose qu'elle essaye d'instaurer, à grands coups de fonds choraux et autres utilisations de synthétiseurs. Pourquoi pas, mais le disque a un énorme défaut : le son est tout pourri, on entend la plupart du temps une espèce de bouillasse indistincte qui noie complètement les détails, c'est quelque peu gênant. Ajoutez à ça les glapissements répétitifs et fatiguants du chanteur et une batterie en mode mitraillage sans âme quasiment tout le temps, et on obtient un album essentiellement pénible à écouter. Assez frustrant dans la mesure où, pour ce qu'on en entend, ça n'a pas l'air totalement mauvais sur le fond (même si très très répétitif quand même). J'essaierai de jeter une oreille à leurs autres albums mais n'en parlerai probablement pas ici, sauf en cas de découverte majeure inespérée (ND Roupoil : j'ai bel et bien écouté les deux autres albums officiels du groupe suite à cette critique, et définitivement ce n'est pas de la musique pour moi).
  
  
  
  
• Ensiferum - Ensiferum (2001) ★ ★ ★ ½
  
  Histoire de se reposer un peu les oreilles après une dose de metal technique ou extrême, un peu de viking metal ne peut pas faire de mal. Mais attention, du viking metal versant facile d'accès, avec beaucoup de mélodies faciles très souvent inspirés d'un folklore médiévalisant qui n'a sûrement pas grand chose de viking mais passons (on est plutôt quelque part du côté dansant de gigues plus ou moins irlandaises), des choeurs clairs joyeux comme il faut, une batterie en mode cavalcade à peu près permanente et un côté speed épique assez prononcé, et bien sûr une voix black pour accompagner le tout. Euh, y a pas eu erreur de casting là ? Ah ben non, en fait, on a vraiment un chant complètement à côté de la plaque, mais bon, vu ce que donne le chanteur principal quand il s'essaye au chant clair (sur Abandoned notamment), on va volontiers garder la version extrême, après tout ça donne un certain cachet à un groupe qui se vautrerait sinon furieusement dans la caricature. Mais en même temps, quand c'est bien fait et entraînant, et qu'on aime ce genre de choses comme moi, que demander de plus ? Bon, l'introduction en mode console 8-bit laisse craindre le pire, mais Hero in a dream est un bijou de speed folklo, Guardians of fate étale au grand jour son mauvais goût (ces choeurs, mon dieu !) de façon complètement irrésistible, la mélodie de Little dreamer reste en tête, les passages en guitare acoustique sonnent bien, bref on finit par se rendre compte que, dans un genre assez peu défendable, c'est quand même un bien bon album !
  
  
• Ensiferum - Iron (2004) ★
  
  Après un premier album d'une fraîcheur épatante, Ensiferum allait-il réussir à transformer l'essai ? Hélas non, là où leur disque éponyme semblait réussir tout ce qu'il tentait ou presque, celui-ci aligne les titres au mieux maladroits, au pire franchement ratés. La construction des titres n'est plus aussi limpide et part même parfois dans le n'importe quoi (Tales of revenge), la chant est toujours mauvais quand il est clair (sur Lost of despair, dommage car c'est une chanson où il est au coeur du concept) mais commence à également à forcer de façon assez moche sur le versant black (Sword chant), les influences deviennent de plus en plus difficiles à décrypter (ce ne sont plus des gigues irlandaises qu'on entend dans l'intro Ferrum Aeternum, mais bien une espèce d'improbable BO de western spaghetti oublié), et surtout les mélodies sont beaucoup plus quelconques, et ça ne pardonne pas dans ce genre de musique (la chanson titre qui lorgne vers un style à la Rhapsody, si ce n'est pas accrocheur, ça devient vite usant). En fait, les meilleurs moments sont peut-être l'interlude instrumental Mourning et les dernières pistes du CD, qui retrouve un peu d'allant avec Lai lai hei (malgré une intro bien longuette) et se conclut plutôt joliment avec une ballade chantée par une invitée (en chant clair, peut-être qu'ils devraient penser à virer leur chanteur extrême finalement, histoire d'avoir quelque chose qui colle définitivement mieux à leur musique). Bon, la note est sévère, c'est pas nul non plus, mais il faut bien admettre que c'est le genre de disque qui n'a absolument rien pour se démarquer du lot.
  
  
• Ensiferum - Victory songs (2007) ★ ★ ★
  
  Après un deuxième album décevant, Ensiferum a plus ou moins écouté mes conseils puisque le chanteur a été remplacé par un autre... dans le même style en moins bien (le chant est toujours typé extrême, mais avec un son vomitif particulièrement peu agréable). Bon, raté de ce point de vue (et c'est quand même un gros point noir), mais le disque est malgré tout nettement meilleur que son prédécesseur. En effet, l'inspiration est de retour au niveau des compositions, avec sans surprise un mélange de choeurs "vikings", de mélodies faciles à retenir, de cavalcades soutenues par la batterie, d'héroïsme bon marché (après une intro "mise dans l'ambiance" assez réussie, Blood is the price of glory démarre très bien le disque), de danses plus ou moins folkloriques (mention spéciale à l'addictive One More magic potion) et d'intros aux flûtiaux quasi systématiques. Et justement, si l'album n'arrive pas à dépasser le stade de la sympathique réussite, c'est bien parce que ça sent quand même très fort le procédé un peu facile répété chanson après chanson (avec tout de même la belle exception de Wanderer, sorte de ballade lente en voix claire bienvenue) et qu'on est en droit de se demander comment le groupe va réussir à évoluer dans la mesure où sa musique se mord déjà bien la queue après seulement trois albums (ça vaut d'ailleurs aussi pour les pochettes, quasi identiques d'un album à l'autre).
  
  
• Ensiferum - From afar (2009) ★ ★ ★ ★
  
  Je me demandais dans ma critique de leur album précédent ce qu'Ensiferum allait bien pouvoir inventer pour renouveler un peu sa musique. La réponse était en fait assez facile à deviner (et déjà partiellement incluse dans certaines tentatives des albums précédents), il suffit d'accentuer les inspirations "westerniennes" (on a carrément droit à des citations de Morricone ou presque dans Stone cold metal, assez jubilatoire mélange de "folk viking metal" et donc de musique de western (y a même un piano de saloon à un moment), c'est n'importe quoi mais moi je prends), et d'ajouter quelques touches orchestrales par-ci par-là pour augmenter fortement le côté spectaculaire de la chose et en mettre plein la vue, quitte à ce que ce soit un peu poudre aux yeux. On y perd forcément sur certains aspects (les pistes plus introspectives comme le Wanderer de l'album précédent n'ont plus trop leur place), mais il faut quand même bien admettre que c'est rudement bien fichu. L'intro mélancolique, la chanson à boire Twilight tavern, c'est pas spécialement recherché, mais tant que les mélodies fonctionnent, y a pas grand chose à redire. On sera un peu plus circonspect sur les deux longues pistes (Heathen throne et sa suite qui conclut l'album) qui s'essoufflent un peu sur la durée (plus de 10 minutes à chaque fois) et ont pour le coup un côté BO de film un peu trop marqué (on pousse un peu trop sur le côté grandiose, sur la fin de la première piste notamment). Mais personnellement, c'est vraiment le genre de musique que j'adore, alors je veux bien que les finlandais se calent sur ce style pour quelques albums de plus.
  
  
• Ensiferum - Unsung Heroes (2012) ★ ★
  
  L'album précédent d'Ensiferum avait semblé indiquer une volonté de la part du groupe de se diriger vers quelque chose de nettement plus spectaculaire, notamment avec l'introduction de touches orchestrales. C'est encore autre chose pour ce nouveau disque : l'orchestre est toujours là, mais relativement discret, et on revient à une influence folklorique très nette, et surtout on a droit à un gros ralentissement général du tempo pour proposer un album à l'atmosphère globalement mélancolique, à peine entrecoupée de quelques pistes speed qui semblent là uniquement pour contenter les fans de bourrinages épiques (Retribution shall be mine notamment). Les mélodies sont belles, mais gare tout de même à ne pas tomber dans la niaiserie, ce qui s'approche dangereusement quand on a droit à du chant masculin en voix claire (faut dire que la justesse n'est pas la qualité première du chanteur). Ah oui, je ne l'ai pas précisé, mais on a droit ici à une soprano qui partage les vocaux avec le chanteur usuel, pourquoi pas mais ça a quand même tendance à pousser encore plus Celestial bond vers un côté "ballade irlandaise un peu mielleuse" qui n'a plus rien à voir avec du metal. On la retrouvera aussi dans la piste finale Passion proof power, gros machin de 17 minutes qui mélange absolument tout et n'importe quoi sans aucune cohérence (et parfois aussi sans inspiration), on trouve déjà ça trop long quand on atteint la moitié mais le pire est à venir avec des passages vraiment pitoyables sur la fin (bruits de fermes, dialogues en allemand !?). Dommage car le début était plutôt prometteur, mais globalement le groupe, dont le potentiel reste très intéressant, n'a pas su tirer le meilleur de cet album trop inégal (les très beaux passages chorals à la fin de Burning leaves, ça pour le coup ç'aurait été à creuser un peu plus).
  
  
• Ensiferum - One man army (2015) ★ ★
  
  Après un Unsung heroes plutôt calme et introspectif, retour à quelque chose de beaucoup plus directement épique (et à un orchestre nettement plus présent), dans la lignée de From Afar. Dans la lignée certes, mais beaucoup moins maîtrisé et franchement inégal une fois de plus. Les pistes rapides tournent vraiment au bourrinage caricatural (avec plein de choeurs histoire d'ajouter au côté épique), comme sur Axe of judgement qui ouvre le disque (après la sympathique intro orchestrale de rigueur) de façon vraiment trop frontale, ou encore la chanson titre et sa batterie qui finit par franchement taper sur les nerfs. On a à nouveau l'impression que les influences se situent désormais beaucoup plus clairement du côté de la BO de film un peu trop burné (même s'il y a toujours un fond de western un peu rigolo caché derrière). Quelques réussites indéniables tout de même, notamment un Cry for the earth pourtant pas très subtil mais qui utilise les choeurs a cappella de façon vraiment convaincante (de toute façon, je l'ai déjà dit, Ensiferum devrait creuser beaucoup plus du côté des choeurs, y a clairement des choses sympa à faire avec). Par contre, l'intervention féminine en chant clair au milieu, bof. Et puis quand même, à côté des classiques du groupe, le disque est aussi bien plein de trucs assez improbables, distrayants à défaut d'être réussis : un mélange speed metal/dance improbable dans Two of spades (c'est assez hilarant, mais objectivement vraiment pas bon), un machin chanté en finnois (du moins j'imagine) qui sonne pourtant comme un générique d'anime (Neito Pohjolan) et plein de bonus plus ou moins sympa, dont une reprise de l'excellent générique de Rawhide (original signé Dimitri Tiomkin). Globalement, il faut bien l'admettre, c'est quand même à nouveau un album très moyen, même si on passe de bons moments à son écoute.
  
  
• Ensiferum - Two Paths (2017) ★ ½
  
  Ensiferum est vraiment un groupe frustrant : à chaque nouveau disque, on aimerait aimer sans réserve la musique sympathique qu'ils nous proposent, et apprécier les belles mélodies (il y en a encore beaucoup dans celui-ci) sans avoir à émettre des réserves sur la réalisation. Mais voila, leurs choix artistiques sont régulièrement suffisamment mauvais pour gâcher au moins une partie du plaisir. Déjà, il y a un problème récurrent au niveau des chanteurs. À leurs débuts, je me plaignais du choix d'un chant guttural par forcément en adéquation avec la composante folk de leur musique (mais plus avec le côté héroïque également très présent), désormais il y a pas moins de trois chanteurs différents... et aucun n'est vraiment convaincant ! Le chant guttural est souvent forcé et moche (sur Way of the warrior, dommage car le riff est assez irrésistible), le chant clair masculin est carrément horrible (timbre laid, justesse approximative, par exemple sur l'affreux machin pop Don't you say), et le chant féminin manque de personnalité. Mais le principal défaut de la chanteuse, c'est surtout qu'elle joue de l'accordéon, et que l'introduction de cet instrument transforme hélas régulièrement la musique du groupe en gentille ambiance kermesse de village... Mais malgré tout ça, il y a quelques titres speed avec grosse présence orchestrale qui valent largement le coup (For those about to fight for metal, malgré son titre ridicule) et un excellent God is dead, dont on est toutefois bien obligé de constater qu'il repompe allégrement la reprise de Rawhide proposée par le groupe dans son album précédent. Au final, encore un album qui aurait mérité un nettement meilleur traitement.
  
  
• Ensiferum - Thalassic (2020) ★ ★ ★ ★
  
  Dernier opus en date des finlandais, cet album propose, comme on pouvait s'y attendre au vu du titre, des ambiances globalement bien marines (comprenez par-là que qu'il y a des bruits de vagues en fond la moitié du temps et que la chanson de poivrots habituelle a été remplacée par une chanson de matelots, faut pas non plus espérer trop de subtilité). Mais surtout, les errements des albums précédents ont enfin été corrigés, plus d'accordéon ni de chant clair faux, on a un groupe qui tient la route, et accessoirement un retour à des orchestrations bien tape-à-l'oeil, ce qui n'est évidemment pas pour me déplaire. C'est parfois un peu trop (Rum, women, victory, ça tourne vraiment à la caricature de folk-speed sans cervelle), surtout quand les chanteurs en rajoutent (le chant clair aigu sur la fin de One with the sea fait un peu mal aux oreilles et vient ternir un titre pourtant très réussi). Mais la plupart du temps, ça fonctionne (Andromeda), voire c'est carrément irrésistible (The Defence of the sampo et son choeur sur le refrain, j'adore). Même la piste finale Cold Northland qui en fait des tonnes dans la surenchère symphonique (avec une belle intro au piano sur fond de vagues...) conclut de façon efficace ce qui est peut-être bien le meilleur album du groupe. À n'écouter tout de même que si on apprécie le genre.
  
  
  
  
• Enslaved - Vikingligr veldi (1994) ★ ★ ★ ½
  
  Enslaved fait partie de ces nombreux groupes ayant émergé en Norvège au début des années 90 dans le cercle qui a vu la création du black metal. On est donc partis pour une bonne dose de blast-beat furieux et de chant bien guttural à peine audible tellement la production est dégueulasse ? En fait, oui et non. Oui, les guitares sont bien saturées, mais non, il n'y a pas de volonté ici de rendre la musique la plus inaudible possible, c'est même étrangement propre en termes de son. Oui, le chant est teinté black (côté coassement de la force) mais en même temps ça chante tellement peu que c'est presque accessoire. La musique du groupe se concentre en effet sur l'exploitation très creusée (seulement 5 pistes dont quatre dépassent les 10 minutes) de riffs presque mélodiques répétés jusqu'à créer une atmosphère prenante, et en n'hésitant pas à mettre en avant des claviers a priori relativement incongrus dans ce style de musique. Et franchement, ça marche pas mal du tout ! La piste introductive Lifandi Lif Undir Hamri (faudrait que je bosse mon norvégien pour savoir ce que ça peut bien signifier) est vraiment belle, et la conclusion Norvegr (qui exploite beaucoup les claviers sur la fin) est également très réussie. Entre deux, tout de même une ou deux pistes nettement plus brutales et moins intéressantes, mais l'ensemble forme un album tout à fait appréciable.
  
  
• Enslaved - Frost (1994) ★ ½
  
  La pochette annonce la couleur, on va se cailler à l'écoute du deuxième album d'Enslaved. D'ailleurs, l'intro (sobrement intitulée Frost) confirme cette impression, avec ces effets intéressants sur les sonorités de claviers. Hélas, après cette intro plutôt attirante, Loke est une sorte de douche froide : moi qui avais été agréablement surpris par la propreté du son de leur premier album, je suis bien obligé d'avouer que là, c'est tout simplement très moche (guitares denses, propos assez inintelligible, et rires démoniaques en fin de chanson ridicules). Ce n'est toutefois pas vraiment représentatif de l'ensemble de l'album, qui propose la plupart du temps un black assez "standard" (Jotunblod ou Wotan, ça m'intéresse peu, les claviers et les éléments mélodiques sont moins présents que sur Vikingligr Vedi), mais aussi quelques expérimentations inattendues qui font quand même que l'album n'est pas totalement raté. La très curieuse Yggdrasil notamment, qui démarre comme une espèce de ballade folk avec guimbarde et chant clair, et termine en mode transe électrique, st indiscutablement recherchée et réussie. Ce n'est pas assez pour vraiment me donner envie d'y revenir.
  
  
• Enslaved - Eld (1997) ★ ★ ★
  
  Cette fois-ci, la pochette est très claire : c'est à une épopée viking que nous convie Enslaved pour son troisième album. Et ça commence très fort avec la plage de 16 minutes 793 (Slaget om Lindisfarne) évoquant l'un des premiers raids vikings en Angleterre. Longue introduction atmosphérique avec claviers presque symphoniques, chant clair quasiment incantatoire, chant guttural utilisé avec parcimonie (on a droit à de longs passages purement instrumentaux), c'est à la fois très bien construit et vraiment bien fichu, sur cette piste, le niveau est encore monté par rapport au premier disque du groupe (et l'intermède violent de Frost semble presque oublié). Le reste de l'album, ce sont six chansons nettement plus courtes (même si la durée atteint souvent 7 ou 8 minutes), et plus conformes à ce qu'on pourrait attendre, un black avec batterie monumentale et guitares bien saturées, mais qui ne laisse pas tomber le côté mélodique qui semble cher au groupe, ni d'ailleurs le chant clair qui est encore exploité de temps à autre sous forme de choeurs qui ajoutent un peu à l'atmosphère épique du tout. Je dois l'avouer, tout ça m'intéresse nettement moins, même si Hordalendingen et Kvasirs blod sont pas mal du tout (de façon générale, de toute façon, ce n'est jamais gratuitement brutal, il y a toujours des ruptures de ton ou de rythme qui enrichissent le propos). J'aurais préféré un album entier dans l'esprit de la grandiose piste initiale. Mais rien que pour ce titre, justement, l'album mérite d'être écouté.
  
  
• Enslaved - Blodhemn (1998) ★ ★
  
  Vous avez demandé du viking ? Enslaved vous en ressert une bonne tranche. Mais si le Eld qui précédait cet album s'ouvrait sur une magistrale piste de 16 minutes aux ambiances très variées avant de se complaire dans un black assez standard qui m'avait assez rapidement lassé, ce nouvel opus fait dans le brutal en permanence, donc est forcément mal parti pour me plaire. Batterie épileptique, titres systématiquement rapides, ça pourrait même devenir franchement saoûlant si quelques éléments caractéristiques du groupe ne maintenaient pas un minimum d'intérêt : les claviers en fond qui se permettent même quelques incursions franchement étranges dans le discours (sur Ansuz astral notamment), mais surtout l'utilisation du chant clair et des choeurs "vikings" pour contrebalancer le déferlement de violence et provoquer des ruptures de tons bienvenues. À ce titre, I lenker til Ragnarok ou la chanson titre réussissent indéniablement à instaurer une ambiance intriguante. Bref, même si on est dans le domaine du "pas de la musique pour moi", ça reste nettement plus audible que du Emperor par exemple...
  
  
• Enslaved - Mardraum-Beyond the Within (2000) ★ ★ ½
  
  Enslaved avait déjà montré dans ses premiers albums sa capacité à proposer par moments une musique nettement plus recherchée que le black brutal qui constitue son fonds musical. Mais avec ce cinquième opus, on franchit encore un palier supplémentaire, notamment dans le titre Storre enn tid qui ouvre l'album et qui tire un peu dans toutes les directions : intro acoustique dépressive, mélange de choeurs clairs et de chant guttural, courts passages dissonants assez expérimentaux, l'ensemble est un peu décousu mais a franchement de la gueule (la première percée du choeur par exemple est superbe), on n'est pas très loin de ce que propose un Opeth dans ses premiers albums (c'est la même période après tout). La piste Entrance-Espace joue dans la même cour et est même à mon sens encore plus réussie (un peu plus ramassée et donc plus cohérente). Et puis, hélas, le reste du disque retombe dans un black nettement plus brutal mais surtout assez peu inspiré (Aeges draum passe encore avec là aussi quelques passages expérimentaux, mais à partir de Det endelege riket ça perd pour moi tout intérêt, on est nettement en-dessous de ce que proposait le groupe dans ce style dans les albums antérieurs). J'avoue ne pas bien comprendre la cohérence du projet d'ensemble et ne suis donc qu'à moitié satisfait à l'écoute de ce disque (mais bon, quelque part, une moitié de disque excellente et une moitié pourrie, c'est mieux qu'un disque uniformément moyen).
  
  
• Enslaved - Monumension (2001) ★
  
  Si Mardraum contenait encore une majorité de pistes black, cette fois, la métamorphose du groupe est complète. Certes il reste des relents de metal extrême sur la forme (le chant alterne entre guttural, écorché et clair, et pas seulement dans les choeurs pour ce dernier, et le son des guitares reste assez sale), mais sur le fond, le groupe subit désormais une influence manifeste et inattendue venant tout droit du rock planant des années 70 (quand on écoute Hollow inside et son chant clair ultra réverbéré sur fond d'orgue synthétique, on a même du mal à croire qu'il s'agit bien du même groupe que sur les premiers albums). L'orgue est d'ailleurs très présent tout au long de l'album, ce qui produit un effet assez déroutant. En fait, tout l'album est déroutant, tant on est au croisement de deux univers difficilement compatibles. Ca pourrait certainement être intéressant, et c'est en tout cas indiscutablement original, mais j'avoue avoir bien du mal à ne pas me perdre et, tout simplement, m'ennuyer à l'écoute de ce drôle d'objet musical.
  
  
• Enslaved - Below the lights (2003) ★ ★ ★
  
  Le virage pris par Enslaved engage le groupe de plus en plus loin du black originel (on a encore un peu de chant extrême, mais finalement assez peu dans la mesure où quasiment toutes les pistes sont largement dominées par les passages purement instrumentaux, seul Ridicule swarm, après son intro bizarrement atmosphérique, revient à quelque chose d'assez brutal). Ici, on a droit à des pistes longues et très contrastées, constituées d'épisodes d'ailleurs pas toujours très bien enchaînés, en tout cas ça a un côté prog très prononcé. Et en plus de ça on a comme dans le disque précédent des allusions au rock planant qui passent toutefois mieux cette fois-ci (bon, quand même, l'intro de Queen of night est très improbable). Même si l'ensemble manque encore de cohérence à mon goût, il y a tout de même un net progrès par rapport à Monumension, et même quelques très belles pistes : As Fire swept clean the earth qui ouvre l'album est tout simplement beau (encore une fois, j'entends des choses bien proches d'Opeth là-dedans), et The Crossing propose une ambiance très travaillée (très très peu de chant sur celle-ci). Le reste est plus inégal, mais donne tout de même un disque intéressant, qui s'écoute avec plaisir.
  
  
• Enslaved - Isa (2004) ★ ★ ★ ½
  
  Bien dans la lignée du précédent, peut-être encore plus homogène (l'ambiance est globalement assez dépressive tout du long), mélange de chant extrême et clair, claviers, choeurs, on retrouve en effet les mêmes ingrédients, et d'ailleurs ça s'écoute tout aussi bien, même si j'avoue une fois de plus me lasser un peu en cours de route et ne toujours pas être totalement transporté. Mes pistes préférées : Lunar force (encore un album qui commence bien) et Bounded by allegiance (belle opposition entre choeurs très sereins et les instruments qui martèlent des motifs répétés de façon incessante). Globalement, c'est quand même sympa à écouter, je le mettrais même un poil au-dessus du précédent.
  
  
• Enslaved - Ruun (2006) ★ ★ ★ ½
  
  Ce disque aura été atteint du syndrome du "j'arrive pas à taper ma chronique". Comme ça m'arrive parfois quand j'ai un peu trop de boulot à faire en même temps (vivent les corrections de concours), j'ai lancé à plusieurs reprises le CD avec la ferme intention d'écouter attentivement et de prendre quelques notes pour donner mon avis, mais à chaque fois j'ai laissé tomber, me contenant d'écouter la musique "en fond". Mais du coup, je finis par bien le connaitre, cet album ! C'est peut-être pour ça qu'il me convainc encore un peu plus que ses prédécesseurs immédiats. Les ingrédients sont les mêmes, mais avec des claviers nettement en retrait (on a bien un côté assez psychédélique tout de même sur la chanson-titre), et un côté très apaisé qui donne presque envie de dire au chanteur d'arrêter les vocaux black, qui ne collent plus guère à l'ambiance globale assez mélancolique. Mais peu importe, c'est à un beau (mais assez court) voyage que nous convie le groupe, et si ça manque de sommet vraiment marquant, l'homogénéité de l'ensemble fait qu'on passe un très beau moment une fois rentré dans l'ambiance particulière de ce disque.
  
  
• Enslaved - Vertebrae (2008) ★
  
  Après une série d'albums convaincants, Enslaved redescend d'un bon cran avec ce disque qui commence à sentir fort la routine. Le black metal est définitivement oublié depuis un moment certes (la voix coassante ne semblant être conservée que par principe) mais ce n'est pas une raison pour imposer piste après piste la même atmosphère planante, les mêmes choeurs diaphanes contrastant avec le chant extrême, et surtout la même absence de véritable riff qui s'incruste un tant soit peu dans notre cerveau. J'ai en fait très envie de faire un mauvais jeu de mots en disant que, malgré son titre, je trouve cet album curieusement invertébré : jamais un vrai point d'accroche, cette fois-ci je reste à quai et j'ai la fâcheuse impression que le groupe pourrait continuer à jouer la même musique pendant des heures sans que je ne perçoive de réelle évolution. Bon, finalement les disques du groupe que je n'ai vraiment pas aimé restent peu nombreux, celui-là en fera partie.
  
  
• Enslaved - Axioma Ethica Odini (2010) ★ ★
  
  Bonne nouvelle, pour ce onzième album, Enslaved semble décidé à revenir à quelque chose de nettement moins vaporeux que sur le précédent, c'est plus musclé et les synthés 70's se font même carrément discrets (bon, ça revient un peu sur la fin du disque quand même, le début de Night sight notamment surprend tant il fait tâche par rapport à ce qui a précédé). Sinon, on a droit aux ingrédients habituels du groupe, mais avec des refrains en chant clair qui lorgnent carrément vers la pop (c'est flagrant sur le titre inaugural Ethica Odini), ça ne s'intègre pas franchement bien au reste à mon sens (notamment sur Singular, qui est pourtant la meilleure chanson du disque). De façon générale d'ailleurs, l'album me semble assez décousu (un titre comme Waruun, j'ai toutes les peines du monde à comprendre où ça veut en venir). Malgré quelques bons moments (nettement plus que sur le précédent), je ne suis pas follement emballé, et me contenterai donc d'achever la discographie du groupe en écoutant les quatre albums qui me restent d'une oreille plus distraite, sans compte-rendu.
  
  
  
  
• Faith no more - We care a lot (1985) ★ ★ ★ ★
  
  Encore une fois, je débute l'exploration de la disco d'un groupe avec un album qui n'en est même pas vraiment un, puisque les musiciens eux-même l'ont à moitié renié et en ont repris le premier titre éponyme dans leur "vrai" premier album à suivre, Introduce yourself. De fait, on est par ailleurs plus ici dans le délire entre copains qui font joujou avec grattes et synthés que dans quelque chose de très sérieux, les parties vocales en particulier étant pitoyables (le chanteur principal est une espèce de mixture improbable entre un crooner et le chanteur d'Indochine, mais avec une notion de justesse extrêmement rudimentaire, et quand il y a des choeurs, c'est pas du tout en place en plus d'être largement faux). Quant à la musique elle-même, on ne peut guère parler de metal tant les synthés occupent une place importante et tant ça lorgne vers, euh, un peu et n'importe quoi en fait, mais majoritairement une espèce de pop vaguement disco). Autant dire que ma notation est complètement disproportionnée, mais je n'y peux rien, malgré les défauts plus qu'évidents, je trouve ça assez jouissif, ces gars-là mélangent vraiment tout et n'importe quoi sans se préoccuper de l'étiquette qu'on pourra bien leur coller, ils se font plaisir et c'est très communicatif. Des titres comme We care a lot et son refrain simpliste scandé, Arabian disco (rien que le titre...) ou le foutraque Why do you bother (attention ils essayent de chanter ensemble sur celui-là, ça fait assez mal, et la fin avec un effet grotesque de ralentissement des synthés suivis d'une espèce de péroraison orchestrale qui part en eau de boudin, c'est absolument fabuleux !), je dois être un peu maso, mais j'en redemande !
  
  
• Faith no more - Introduce yourself (1987) ★ ★ ★
  
  Voici donc le premier véritable album du groupe, et curieusement, je le trouve moins convaincant que leur effort précédent. En fait, on a un truc qui est un peu intermédiaire entre le délire foutraque et la volonté de faire quelque chose de plus sérieux, et on récupère un peu les défauts des deux approches : manque de précision de l'ensemble (le chanteur n'a pas encore été remplacé, il s'en sort mieux ici mais ça reste approximatif, notamment sur l'intro de The crab song), et en même temps la perte de la spontanéité qui rendait We care a lot si immédiatement séduisant. De fait, le début du disque est assez inégal, avec des titres comme Anne's song qui forcent le trait sur le côté "différent" (voire carrément parodique par moments), qui alternent avec de vraies bonnes idées (la vignette rigolote qui donne son titre à l'album, ou le passage rappé de Chinese arithmetic). On retrouve une carburation plus régulière ensuite, avec une utilisation à nouveau prédominante des synthés et une dernière piste assez déjantée. Un album de transition pas totalement convaincant mais souvent intéressant quand même.
  
  
• Faith No More - The real thing (1989) ★ ★ ★ ½
  
  Voilà un album particulièrement raccord avec quelques-unes de mes autres écoutes récentes (ND Roupoil : jétais en train d'écluser la discographie de Black Sabbath et de RATM au moment de taper cette critique). D'abord parce que le groupe y reprend le War pigs de Black Sabbath (très bonne piste, mais bon, peut-on rater une telle chanson ?), mais aussi parce que, quelques années avant l'explosion de RATM, l'album fait la part belle à un chant très clairement influencé par le rap sur une majorité de pistes. Très bonne nouvelle, le groupe a changé de chanteur et le nouveau venu (en plus de chanter juste) a tout ce qu'il faut pour assurer sans problème à la fois côté rap et côté pop, avec en plus une personnalité indéniable. Si je ne suis pas entièrement emballé par le disque, c'est parce qu'il est à nouveau trop inégal, entre les sommets vraiment excellents que sont Epic (couplets rappés et refrain avec synthés en mode orchestral, ils nous ont un peu refait le coup de We care a lot mais en encore plus jouissif) et l'instrumental barré Woodpecker from Mars, et d'autres pistes qui naviguent entre le sympathique (Zombie eaters et son début en mode romance acoustique dont on se demande vraiment s'il n'est pas complètement parodique, la chanson titre qui traîne quand même en longueur), et le remplissage peu marquant (Falling to pieces, Underwater love). Quand même, en me refaisant la liste des pistes de l'album, quelle variété, jusqu'à la chanson finale jazzy accompagnée au piano, on est vraiment très très loin du metal formaté !
  
  
• Faith No More - Angel Dust (1992) ★ ★ ★ ★ ★
  
  Non, n'insistez pas, je ne serai pas objectif concernant cet album, que je connais depuis quelques décennies (je serai bien incapable de dire qui me l'avait fait écouter, mais c'était une bonne idée puisqu'il s'agit de l'un des rares disques "non classiques" qui traînent dans mes CD-thèques à la maison ; bizarrement, ça ne m'avait jamais poussé à écouter les autres albums du groupe !). Je ne l'avais d'ailleurs pas écouté depuis un certain temps, mais c'est toujours excellent ! Assez déjanté et inclassable comme il se doit avec Faith No More, mais là, tout ce qu'ils tentent réussit, et Mike Patton passe d'un style à un autre sans effort apparent, c'est bluffant. On a ainsi droit à de courts passages d'orgue façon vieux film d'horreur, à un Malpractice qui sonne industriel avec des violons grinçants en fond, à des pistes presque "publicitaires" tant la musique y est décontractée (RV ou A small victory), à des passages rappés (sur Everything's ruined), mais aussi à du plus musclé (Caffeine) ou sombre (Smaller and smaller), le tout sans faute de goût (non, non, Be aggressive et son chorus ridicule n'est pas une faute de goût, c'est une des pistes les plus géniales du disque !), et, encore plus surprenant, sans qu'on ait l'impression que l'album ne tienne pas debout. Ah si, quand même, niveau faute de goût, le reprise sirupeuse du Easy de Lionel Ritchie qui a été ajoutée en fin d'album est à fuir absolument. Et dire que c'est ça qui a fait vendre le disque alors qu'on a à l'autre bout un Land of sunshine que personnellement je peux écouter dix fois de suite sans me lasser...
  
  
• Faith No More - King for a day, fool for a lifetime (1994) ★ ★ ½
  
  Le principal défaut de cet album, c'est tout bêtement de succéder à la réussite exceptionnelle qu'était Angel dust. On ne peut pas s'empêcher de se dire que c'est un peu la même chose, mais en (beaucoup) moins bien. De fait, les ingrédients n'ont pas vraiment changé : un fond metal (dans l'assez bon The Gentle art of making enemies par exemple) largement agrémenté de digressions qui partent dans tous les sens (le côté funfy/jazzy de Star A.D. avec sa trompette, l'ambiance bossa de Caralho voador, et d'autres choses moins bien identifiées). Le problème, patent dès le début de l'album, c'est que l'inspiration s'est sensiblement tarie, et que le côté hétéroclite de la chose s'en ressent nettement. D'ailleurs, comme pour compenser les faiblesses musicales, Patton, plus caméléon que jamais, en fait vraiment des tonnes niveau chant, quitte à tomber parfois dans le n'importe quoi, les hurlements de Cuckoo for caca (quel titre !) ou les bizarreries de Ugly in the morning me font presque préférer les titres où il repasse en mode crooner (plutôt en fin d'album). L'ensemble reste très écoutable, mais plus comme on écouterait une radio alignant des titres de styles différents que comme un album vraiment riche et consistant.
  
  
• Faith No More - Album of the year (1997) ★ ½
  
  On sentait bien déjà sur l'album précédent que Faith No More avait eu du mal à enchaîner après Angel Dust, mais c'est encore plus manifeste sur cet album franchement plat qui ne peut que décevoir de la part du groupe. Malgré la durée assez réduite, c'est presque déjà trop long, les titres s'enchaînent avec toujours une variété appréciable, mais bien peu accrochent vraiment l'oreille (citons quand même le rigolo Mouth to mouth avec sa rengaine orientalisante au synthé, ou l'efficace mais bien court Home sick home) et certains tombent même dans le vraiment sans intérêt (la dernière piste Pristina par exemple). S'il n'y avait pas Mike Patton pour animer un peu tout ça, il ne resterait pas grand chose à se mettre sous la dent. Une constatation d'ailleurs probablement partagée en partie par le groupe, qui a décidé après cet album de se séparer pour une longue période.
  
  
• Faith No More - Sol invictus (2015) ★ ★ ★ ½
  
  Il est loin d'être rare, surtout dans la sphère metal, qu'un groupe, après plusieurs changements de line-up, revienne faire un album dans une formation identique à celle qu'il avait eue dix ou quinze ans avant. Mais refaire un album, sans changement de formation, après 18 ans sans rien (le groupe ayant simplement cessé d'exister pendant une grande partie de cette période), ça doit être un petit record que détient là Faith No More. Du coup, la question de l'intérêt de cette résurrection se pose forcément, surtout au vu du niveau franchement pas enthousiasmant des derrières sorties du groupe dans les années 90. Première bonne nouvelle, le style n'a pas du tout changé, c'est à peine si on se rend compte que le temps a passé, et Patton chante toujours tout et n'importe quoi avec la même aisance. Mais surtout, eh bien l'album est loin d'être mauvais ! Varié comme il se doit, des refrains efficaces, quelques incursions vers des domaines encore inexplorés (le côté "western désabusé" de Cone of shame, le piano très présent dès la première chanson titre), des progressions dynamiques assez impressionnantes (sur Rise of the fall notamment), ça fonctionne vraiment pas mal. Petite déception quand même : c'est assez court (à peine 40 minutes) et à part peut-être Superhero, il y a peu de titres qui envoient vraiment. Mais bon, pour un retour, c'est franchement encourageant !
  
  
  
  
• Gojira : Terra incognita (2000) ★ ★ ★ ★
  
  Ce qui est bien vu ma méconnaissance assez totale des nombreuses ramifications et autre sous-genres du metal (note : cette critique est une des premières que j'ai tapées, ça a forcément un peu évolué depuis), c'est que quand je découvre un nouveau groupe, je n'ai à peu près aucune idée de ce qui va me tomber dans les oreilles. Je me demandais la première fois que j'ai entendu chanter Joe Duplantier (collaboration avec Apocalyptica) si c'était représentatif de ce qu'il fait avec son groupe, j'ai maintenant un début de réponse : Gojira c'est effectivement du bourrin, avec des riffs bien bien lourds et chant guttural de rigueur la plupart du temps. Mais, et c'est tant mieux, c'est aussi contrebalancé par l'apport rythmique de la batterie, et quelques plages plus atmosphériques (les pistes plus courtes qui servent d'intro à certains titres) bienvenues pour respirer un coup (même si j'avoue toujours me demander si les cris en fond dans 1990 quadrillions de tonnes ne sont pas franchement insupportables). En tout cas, les titres les plus marquants (Clone, Space time) sont vraiment d'une puissance dévastatrice, ça nettoie les oreilles ! Mes petits reproches tout de même : l'ensemble reste assez monolithique, et le type de voix utilisé n'a vraiment aucun intérêt à mon goût (mais ça je risque de le retrouver chez pas mal de groupes). Un très bon premier album en tout cas.
  
  
• Gojira - The Link (2003) ★ ★ ★ ★
  
  Pas d'évolution très notable sur ce deuxième album, le groupe reprend les mêmes recettes avec la même efficacité, même s'il y a peut-être moins de titres vraiment énormes que dans leur premier opus. C'est toutefois compensé à mon sens par la présence en dernière piste d'un très bon instrumental qui joue déjà un peu plus la carte du mélodique. Ca reste en tout cas très bon.
  
  
• Gojira - From Mars to Sirius (2005) ★ ★ ★ ★ ½
  
  Un peu plus de variété peut-être dans ce troisième album, mais ça reste quand même dans l'ensemble bien lourd, comme en atteste l'enchaînement des trois premiers titres qui ne laissent que peu de répit à l'auditeur. On pourrait presque même reprocher à Gojira de tourner un poil en rond, le riff qui ouvre Ocean planet, avec ses espèces de glissandi de guitare vers l'aigu, ayant comme un air de déjà entendu. Mais en même temps, la chanson est tellement énorme qu'on ne peut que s'incliner. Je suis moins fan de From the sky avec sa batterie en mode mitraillette, mais ensuite, tout est vraiment excellent, de la parenthèse Unicorn à l'intro inattendue de Global warming (là pour le coup, on s'éloigne effectivement sensiblement du metal bourrin), en passant par la superbe Flying whales (et son intro plus mélodique qu'à l'habitude), sans parler bien sûr du dyptique qui donne son nom à l'album. Si je devais mettre un léger bémol, ce serait une certaine répétitivité dans certaines pistes, qui pourrait peut-être disparaître avec un travail encore un peu plus poussé sur l'aspect mélodique. Mais bon, c'est vraiment un excellent album, encore un cran au-dessus des deux premiers à mon avis.
  
  
• Gojira - The Way of all flesh (2008) ★ ★ ★ ★ ½
  
  Le tournant du groupe vers une musique un peu plus variée me semble plus manifeste dans cet album que dans le précédent. Rien que l'intro du premier titre Ouroboros, avec des guitares qu'on pourrait presque retrouver chez Muse (bon, ok, j'exagère sûrement, mais je manque de références, mais ça sonne plus électro que metal brutal quoi) change d'atmosphère, et ce n'est pas un mal d'ailleurs car la chanson est excellente. On retrouve plus loin des pistes nettement plus bourrines, avec du mitraillage de batterie parfois très bien exploité (dans Toxic garbage island), parfois moins (All the tears), et aussi l'incontournable intro instrumentale "atmosphérique" dans Silver chord. Une ou deux pistes moins inspirées (j'aime moyennement Yama's messengers), mais toute la fin de l'album est à nouveau assez exceptionnelle, avec entre autre un Wolf down the earth qui s'essaye vraiment à quelque chose de plus mélodique et qui est à mon sens aussi réussi que les incontournables The art of dying ou la piste éponyme qui l'entourent. Bref, malgré de légers coups de moins bien, encore de l'excellent.
  
  
• Gojira - L'enfant sauvage (2012) ★ ★ ★ ½
  
  Peut-être une petite lassitude de ma part, mais j'ai trouvé ce cinquième album moins convaincant que les précédents. Ca commence pourtant très bien avec notamment la piste éponyme où la musique du groupe est simplement belle (pas le premier adjectif que j'aurais utilisé pour décrire même les pistes les plus réussies de leurs premiers albums). Mais ensuite, je trouve que ça commence à tourner en rond, surtout dans les pistes les plus brutales où le discours peine à se renouveler. Les meilleures surprises viennent plutôt des titres un peu plus mélodiques/électro (j'aime bien Born in winter par exemple). Entendons-nous bien, ça reste de bonne facture dans l'ensemble, mais un peu plus inégal que d'habitude peut-être.
  
  
• Gojira - Magma (2016) ★ ★ ★ ½
  
  Un album dans la droite ligne du précédent, on s'éloigne de plus en plus de la brutalité frontale des débuts (peu de pistes avec voix gutturale, on croise de plus en plus de "choeurs atmosphériques" à la place), pourquoi pas, mais tout n'est pas réussi (la chanson qui donne son titre à l'album me laisse assez perplexe, dans ce nouveau genre j'aime nettement plus Low lands par exemple) et à nouveau les quelques pistes bourrines sont en-dessous de ce que faisait le groupe dans ses premiers albums (The Cell par exemple, c'est moyen ; Silvera est très sympa mais sent à nouveau le recyclage de riff pour l'intro). Tout cela reste largement plus qu'acceptable (de toute façon, aucun mauvais album sur ceux produits par Gojira à ce jour), mais ma préférence va clairement plus à From Mars to Sirius et The Way of all flesh.
  
  
• Gojira : Fortitude (2021) ★ ★ ★ ★
  
  Les Landais les plus célèbres de la planète metal sont de retour et, après un ou deux albums qui m'avaient (un peu) moins convaincu, c'est à nouveau du très bon. Le groupe semble ménager la chèvre et le chou en proposant quelques titres bien lourds faisant des allusions presque directes à leur "premier style" (les motifs rapides de Born for one thing ou les glissandos de guitare sur Newfound), mais aussi des échappées vers des contrées nettement moins habituelles pour eux. C'est d'ailleurs dans ces dernières que se trouve pour moi le meilleur de l'album, l'atmosphère de transe de Amazonia avec sa guimbarde pas loin d'être énervante et surtout la mélodie hypnotique de la chanson titre reprise dans le superbe The Chant. Dans un style plus balisé, j'aime aussi beaucoup Sphinx. Le reste de l'album ne démérite pas, mais reste plus prévisible, ça sonne parfois un peu comme du déjà entendu.
  
  
  
  
• Haken - Aquarius (2010) ★ ★ ★ ★ ★
  
  Voilà un disque que j'aurai écouté un certain nombre de fois avant d'en parler ici, mais ces écoutes répétées auront été salutaires dans la mesure où ma première impression aurait plutôt été "Mais qu'est-ce que c'est que cette musique de cirque ? C'est tout sauf du metal". De fait, après avoir écouté l'album en entier, je reste assez perplexe sur ce qu'est censée regrouper l'étiquette "metal progressif". Progressif, oui, je vois bien (les titres qui durent 10 à 20 minutes avec de nombreux changements de ton, les longs passages instrumentaux très travaillés), mais metal ? On entend globalement autant les claviers que les guitares, qui saturent fort rarement, et le chant est axé pop la plupart du temps (à quelques incursions notables près de voix gutturales, j'avoue que l'intrusion de l'orgue puis de la voix au beau milieu de Streams est assez fascinante). À part un titre comme Drowning in the flood qui est plus énergique, je n'aurais en tout cas naturellement pas du tout classé ça comme du metal, progressif ou pas.
  Bon, après tout, peu importe, l'essentiel est que ce soit de la bonne musique. Et je dois avouer qu'après cette mauvaise première impression, je me suis laissé peu à peu envoûter. Dès la fin de la première écoute complète, j'avais envie d'y revenir, et maintenant je suis vraiment conquis. Les inserts a priori étranges de musique de cirque (mais oui !) ou les allusions orientalisantes (les percussions de Sun) ne sont jamais gratuites, tout ça est remarquablement agencé et tout bonnement très prenant. J'aime particulièrement The Point of no return, Aquarium et Celestial elixir, mais chaque chanson a au moins un moment marquant (le passage instrumental génial à la fin de Eternal rain par exemple, qui sauve à lui tout seul une chanson qui serait peut-être sinon plus quelconque que les autres).
  Quelques petits bémols pour aller chercher la petite bête : dommage que les deux pistes extrêmes (la première et la dernière, par ailleurs excellentes) utilisent un peu trop les mêmes ficelles (le début des deux chansons est vraiment très similaire), et surtout je suis assez moyennement convaincu par le chant globalement très pop (la voix n'a par ailleurs pas tellement de relief en elle-même), mais au pire, puisque j'ai la réédition de 2017 sous la main, je peux tout écouter en version purement instrumentale (ce que j'ai d'ailleurs déjà fait pour l'intégralité des pistes !). Rien que pour le fait de m'avoir à ce point fait adhérer à une musique a priori "pas trop pour moi", ça mérite la note maximale.
  
  
• Haken - Visions (2011) ★ ★ ★ ★ ★
  
  Un deuxième album dans la droite ligne du premier, formidablement lancé par l'introduction instrumentale (on aurait presque envie de dire "orchestrale") Premonition, qui présente en quelque sorte les thèmes musicaux du voyage auquel nous sommes conviés tout au long de l'album, et annonce une approche peut-être plus centrée sur la mélodie qu'Aquarius, mais qui ne dédaigne pas pour autant les sorties de pistes inattendues (les musiques de cirque ont été mises de côté, on a droit cette fois à des bidouilles de synthé façon jeu vidéo vintage dans Insomnia ou à un break jazzy dans Visions) mais toujours aussi bien intégrées dans la progression d'ensemble. C'est de toute façon toujours aussi magistralement construit, par exemple dans l'enchaînement The mind's eye - Portals - Shapeshifter qui démarre avec une rengaine presque pop, oblique vers un instrumental chiadé et termine carrément en apothéose avec la conclusion monumentale de Shapeshifter. Comme si tout ça ne suffisait pas, après un Deathless plus atmosphérique qui fait la part belle aux claviers (mais sans aucune baisse d'intensité ni de qualité), on a droit à une dernière piste qui développe toutes les influences du groupe sur plus de 20 minutes, avec des trouvailles permanentes toutes plus inoubliables les unes que les autres (j'aime particulièrement le passage un peu après 15'). Bref, sur le cul je suis, et cet album va rejoindre le précédent dans la catégorie "incontournables".
  
  
• Haken - The mountain (2013) ★ ★ ★ ★ ★
  
  Jamais deux sans trois ? Eh bien oui, troisième album pour Haken, troisième tuerie. Il est quand même fascinant de constater à quel point ces gars arrivent à conserver une vraie personnalité tout en mêlant des tas d'influences diverses (une chanson comme Atlas stone, c'est totalement "hakenesque"), et à se renouveler d'un album à l'autre sans perdre en qualité ni s'éparpiller. Cette fois-ci l'accent est mis sur le travail de la voix, ou plutôt des voix : choeurs discrets en fond de l'introduction assez majestueuse (c'est le thème de l'album qui veut ça aussi, en fin d'album Somebody se termine carrément en apothéose orchestrale), jeux d'échos à plusieurs voix sur Cockroach king, et carrément de la polyphonie a cappella pour Because it's there. J'avoue d'ailleurs ne pas aimer outre mesure cette dernière piste, en partie justement parce que le chant choral ne fait pas partie des choses qui me passionnent (et même en fin de chanson, l'accompagnement assez minimaliste avec ces espèces de bruitages scratchisants ne me convainc pas). Autre déception pour moi sur cet album, le court intermède As death embraces, espèce de romance avec piano qui me semble très dispensable. Mais tout le reste est une fois de plus absolument monstrueux, hyper inspiré mélodiquement, super bien construit, les titres frôlent ou dépassent les 10 minutes (pas de monstre à 20 minutes cette fois-ci par contre) mais on a l'impression que ça en a fait à peine deux tellement c'est bon. Je pourrais presque tout citer parmi les morceaux incontournables : Falling back to earth assez sauvage (là, ça ressemble plus à du metal !), la superbe Somebody et son apogée déjà citée ou les motifs orientalisants de Pareidolia, mais le top du top pour moi, c'est vraiment le Cockroach king (titre peu engageant pourtant) : l'entrée des voix est géniale, le motif principal entêtant, c'est hyper varié, l'intérêt ne retombe jamais, je peux me la mettre en boucle deux heures sans me lasser.
  
  
• Haken - Affinity (2016) ★ ★ ★ ★
  
  Après une intro parsemée de bip-bips façon film de SF un peu vintage, le doute n'est plus permis quelques minutes plus tard quand démarre la chanson 1985 (au titre certes assez peu mystérieux !), c'est à une plongée dans le passé que nous convie cette fois Haken, avec boules à facettes (bon, ça, on ne les entend pas, mais on peut les imaginer) et sons de synthé qui sentent bon le disco. Le risque de tomber dans le cliché kitshouille ? À vrai dire, oui ... et c'est tant mieux ! En effet, ce 1985 a un côté régressif assumé hyper réjouissant, et il emporte une fois de plus le morceau par sa construction impeccable. On pense donc être bons pour un nouveau chef-d'oeuvre, surtout quand débute superbement la chanson la plus longue de l'album, The architect, avec son gros quart d'heure de musique. Et puis, bah, je ne sais pas, mais le long développement instrumental me semble moins imaginatif et fluide que d'habitude, l'irruption soudaine du chant guttural pas très bien placée, bref pour la première fois peut-être avec Haken, je me demande si la longueur du morceau est bien justifiée, même s'il comporte de très beaux moments. La fin de l'album va un peu confirmer cette relative baisse d'inspiration, avec des titres sympathiques mais qui n'apportent pas la touche de génie habituelle (Earthrise un peu trop pop, Bound by gravity globalement assez planplan). Entendons-nous bien, ça reste un très bon album, avec une première moitié encore assez exceptionnelle, mais, en comparaison avec les sommets précédents, plus inégal et donc forcément un peu frustrant. Je vais quand même me remettre 1985 une ou deux fois.
  
  
• Haken - Vector (2018) ★ ★ ★ ★ ½
  
  Grosse surprise en découvrant ce cinquième album du groupe, il ne dure "que" 45 minutes (soit quand même quasiment une demi-heure de moins que leurs premiers opus). Un signe du ralentissement de l'inspiration déjà perceptible dans la fin d'Affinity ? Pas vraiment en fait, plutôt une volonté manifeste de se recentrer sur les fondamentaux du groupe et de proposer un album sans fioritures (une seule piste de plus de 10 minutes, un nombre restreint de chansons), qui se confine d'ailleurs presque entièrement dans une atmosphère assez musclée. Exit ou presque les synthés au premier plan (à part la première minute introductive de Veil), et seule Host tente vraiment une sortie de piste avec sa trompette aux accents oniriques (pas ma chanson préférée de l'album d'ailleurs). Pour le reste, après une intro aux accents industriels redoutablement efficace (comme d'habitude), on se balade en terrain connu, trop connu peut-être dans un Good doctor qui n'est pas loin du recyclage, mais les titres suivants (Puzzle box, Veil et l'instrumental Nil by mouth) montrent que le groupe n'a rien perdu de sa capacité à créer des mélodies enivrantes et des structures léchées où il n'y a rien à jeter. La dernière piste A cell divides conclut en beauté l'album avec sa mélodie vraiment entêtante, encore une très très belle réussite globale même si c'est bien sûr un peu moins ambitieux que les trois premiers albums du groupe.
  
  
• Haken - Virus (2020) ★ ★ ★ ★ ★
  
  Dernier album d'Haken en date, et ça annonce la couleur dès le début, c'est du Haken tout muscles dehors auquel on a droit. Autant vous dire que c'est parfait pour moi, d'ailleurs j'adore ce Prosthetic initial que j'ai du écouter quelques douzaines de fois en quelques jours : riff initial énorme, mélodie qui contraste et qui reste bien en tête, changements de direction permanents et toujours réussis, c'est tout bonnement énorme. Le reste de l'album ne démérite d'ailleurs pas le moins du monde, avec des titres plus "classiques" comme Invasion ou Carousel, et un déchaînement total dans la suite Messiah complex qui ne laisse que peu de répit pendant un gros quart d'heure de musique découpé en cinq morceaux. Pas sûr d'avoir tout compris aux auto-références du groupe (on entend des bouts de Cockroach King), mais peu importe, ça envoie sévère. On est presque tout surpris que le disque s'achève aussi vite ensuite (après une conclusion Only stars qui est le seul titre apaisé), mais on a quand même eu droit à nos 50 minutes de musique de très haut niveau. Si Haken conserve cette option plus metal en réussissant à ne pas perdre sa capacité à créer des mélodies mémorables, franchement, j'en redemande volontiers. Dans tous cas, puisque j'arrive au bout de leur discographie, voilà un groupe que je ne regrette certes pas d'avoir découvert, et donc je réécouterai les disques à intervalles (très) réguliers.
  
  
• Haken - Fauna (2023) ★ ★ ★
  
  Ah, un nouvel album de la part des génies anglais d'Haken, chouette ! Quelle sera cette fois-ci l'orientation de leur musique, eux qui réussissent toujours à donner une touche personnelle à chacun de leurs albums ? Eh bien, à part la thématique animalière mise en avant par la pochette, pas grand chose en fait, il s'agit probablement du disque le plus éparpillé du groupe, mais aussi assez clairement celui où il cherche le plus à produire une musique accessible (par ailleurs, le côté très musclé de Vector/Virus est complètement laissé de côté). Peu de titres à rallonge, des accompagnements épurés (Islands of the clouds), et même quelques titres quasiment pop (le bizarre The Alphabet of me, et le bien trop calibré Lovebite), c'est franchement décevant de la part d'Haken. Alors certes, on reconnaît quand même le style inimitable du groupe dans Taurus ou Beneath the white rainbow (avec ces rythmes très hachés), mais sans les envolées géniales qui donnaient le grand frisson sur les albums précédents. Il faut en fait attendre l'avant-dernière piste, Elephants never forget, pour retrouver un Haken vraiment ambitieux et pleinement satisfaisant. Sans être un mauvais album (ça reste évidemment d'une maîtrise bluffante), ce Haken soft est pour moi, d'assez loin, le plus oubliable disque de leur discographie exceptionnelle.
  
  
  
  
• Helloween - Walls of Jericho (1985) ★ ★ ★ ½
  
  Je dois bien l'avouer : avant de commencer cette série de chroniques, je n'avais écouté Helloween alors même que le groupe est considéré comme un des pionniers d'un genre que j'adore, celui du power metal. Erreur manifeste de ma part, désormais réparée, et franchement je ne regrette pas, malgré les défauts évidents de ces deux premières tentatives. Ah oui, précisons tout de suite que le disque aujourd'hui vendu comme le premier album du groupe allemand est en fait une concaténation du "vrai" premier album (la deuxième moitié du disque) et d'un EP sorti quelques mois avant. Assez curieusement d'ailleurs, l'EP est peut-être encore meilleur que la suite. Bien sûr, il faut supporter la justesse très approximative et les départs dans l'aigu pas franchement maîtrisés de Kai Hansen (qui abandonnera très vite le poste de chanteur), mais pour le reste on a déjà les éléments qui feront le bonheur du genre (ça va presque tout le temps vite, c'est très mélodique avec des refrains souvent chantés en choeur et bien basiques, et surtout il y a ce côté épique qui doit porter les chansons), mais avec une assise "heavy metal classique" (l'influence de Maiden notamment est même très frappante sur certains titres) qui évite les débordements (ça ne sonne pas encore carton-pâte comme ça pourra être le cas pour des groupes de générations ultérieures, il faut dire aussi qu'on est encore loin de la volonté de créer une musique "symphonique" ici, pas de claviers à l'horizon à une exception notable près). Bref, même si c'est un peu brouillon et pas enregistré de façon optimale, c'est souvent assez irrésistible (Victim of fate, ou Ride the sky, c'est vraiment très bon), même si certaines pistes ratent franchement leur effet (Reptile et son refrain raté ou Guardians qui sonne presque générique de dessin animé japonais des années 80). On a souvent l'impression que ça ne se prend pas très au sérieux (l'intro de Starlight, ou même ce Walls of Jericho avec sa chanson enfantine reprise aux trompettes synthétiques...), et tant mieux, c'est rafraîchissant au possible à défaut d'être vraiment un album majeur (honnêtement je ne le conseillerais pas à ceux qui ne sont pas déjà emballés par le genre).
  
  
• Helloween - Keeper of the seven keys, Part I (1987) ★ ★ ★ ★ ★
  
  Après avoir initialement hésité à les regrouper dans une même critique, j'ai finalement décidé de séparer les deux volets de la saga culte des débuts d'Helloween car mon jugement à leur sujet n'est pas franchement homogène (oui, je spoile, c'est mal). Après tout, même si c'était contre la volonté des musiciens, ils sont bien sortis séparément à l'époque, donc soyons cohérents. Concernant le premier disque du groupe, j'avais dit qu'il annonçait pas mal de choses "tout en restant solidement ancré dans sa base heavy metal classique". Soyons clairs, là on fonce tête baissée dans tous les excès qui resteront indissociables du genre de metal qu'Helloween a contribué à créer, à tel point qu'on a l'assez curieuse impression d'entendre parfois une sorte de parodie de choses qui ont été faites des années après ! Le chanteur a changé (tant mieux) mais on garde un chant (sur)aigu qui peut vite fatiguer, les refrains du choeur sont d'une nunucherie pop assez terrifiante (sur I'm alive et A little time), les bruitages insérés par endroits sont risibles (le break de Future world, c'est énorme !), et on a même droit à une ballade braillée à plein poumons dans le suraigu par Kiske qui a de quoi faire fuir. Et malgré tout ça, cet album est absolument jouissif, si on aime le genre, c'est épique, emballant, la chanson (presque) finale Halloween et ses 13 minutes passe comme une lettre à la poste (ce cri qui introduit le refrain !), et arrivé à la fin, on court remettre le disque dans le lecteur pour profiter une nouvelle fois des monumentaux deux premiers titres. Oh, puis allez, de tout le reste aussi, ce serait dommage de s'arrêter en si bon chemin. De mauvais goût, complètement caricatural, hyper daté, et pourtant complètement indispensable.
  
  
• Helloween - Keeper of the seven keys, Part II (1988) ★ ★ ½
  
  Un an après, voici donc la deuxième moitié des 7 clés (ça en fait trois et demie ?) qui débarque. Difficile de passer après l'album précédent, mais le groupe ne prend pas de gros risques en gardant une formule très similaire : un titre de 13 minutes en quasi conclusion, quelques pistes bien speed et épiques, une ballade au milieu, les ingrédients sont les mêmes et pourtant l'impression est différente. D'abord on a une légère déception en se rendant compte qu'on a effectivement droit au même type de musique, en un peu moins inspiré (niveau morceaux rapides, Eagles fly free joue bien son rôle de tube mais sans attendre le côté "classique immédiat" d'un I'm alive, et March of time ne réussit pas vraiment à atteindre le grandiose souhaité ; quant à la ballade, We got the right tombe encore plus dans la caricature se reposant uniquement sur la voix de Kiske). Pire, il y a des chansons assez poussives dans le lot (You always walk alone) et surtout le côté "délire pas sérieux" déjà constaté à quelques reprises sur les albums précédents passe carrément au devant de la scène lors de l'enchaînement de la ridicule Rise and fall (les bruits d'animaux de la ferme, c'est vraiment too much, pardon "zu viel") et d'un Dr. Stein qui me laisse grandement perplexe (intro inquiétante suivie d'une chanson sautillante et guillerette qui prend la tête au sens propre, c'est pour le moins inattendu sur ce thème). On ne sait plus trop où on est, mais heureusement le disque est sauvé par la chanson-titre, beaucoup plus calme que le Halloween concluant l'album précédent, mais absolument superbe (l'intro, le refrain, tout est parfait ici). Concluant ? Ah non pardon, ils ont cru bon d'ajouter ensuite une dernière chanson qui retombe dans la mièvrerie fort dispensable. Honnêtement, sans la chanson-titre, cet album tomberait vraiment dans la catégorie "navet musical", Helloween s'en sort de peu pour cette fois.
  
  
• Helloween - Pink bubbles go ape (1991) ★
  
  En trois albums, le groupe allemand s'est fait une place de choix au panthéon du metal, que pouvait-il lui arriver pour l'empêcher de continuer à surfer sur le succès ? Tout simplement, perdre Kai Hansen une deuxième fois. La première fois, ils avaient perdu le chanteur, loin d'être un drame. Mais la deuxième fois, c'est le guitariste compositeur qui s'est fait la malle, et avec lui toute la tendance "fantasy épique" du groupe s'est barrée aussi. Du coup, changement de direction artistique aussi radical qu'incompréhensible, matérialisés par un titre et une pochette pour le moins abscons. Malheureusement, niveau musique, c'est à peine plus cohérent, et surtout trop souvent peu inspiré. Helloween n'était déjà pas au top de la modernité niveau son pour un groupe de metal (mais étant le précurseur d'un nouveau genre, on pouvait difficilement les taxer de conformisme), là on fait encore un gros pas en arrière avec des titres qui sonnent plus rock des années 80 (voire avant) que metal début 90 (Back on the streets ou le très laid I'm doing fine, crazy man). Bon, pourquoi pas, mais il y a quand même dans le lot pas mal de choses qui virent à la pop FM dont on se serait bien passés (la batterie de Goin'Home, c'est complètement horripilant, The Chance se vautre dans la facilité). Au milieu de tout ça, quand même deux ou trois chansons qui jouent encore la carte du tempo enlevé, sans approcher les classiques précédents du groupe (Kids of the century ouvre correctement l'album, Someone's crying est vraiment moyenne), et un drôle d'ovni qui part dans tous les sens mais a la mérite d'essayer (Mankind et ses choeurs quand même bien nunuches). Finalement, ce que je préfère c'est peut-être la basique mais fun Heavy metal hamsters, en serais-je venu à regretter les délires "happy" des albums précédents ?
  
  
• Helloween - Chameleon (1993) ☆
  
  Si Pink bubbles go ape avait de quoi surprendre et décevoir, ce Chameleon affiche la (ou plutôt les) couleurs sur la pochette, on ne va pas revenir en arrière mais plutôt enfoncer le clou avec un disque qui part encore plus dans des directions variées et assez peu cohérentes, laissant le speed metal, et même le metal tout court, assez loin derrière lui. Pourtant, le First time qui ouvre l'album est assez dans l'esprit des premiers albums du groupe. Mais ce ne sera qu'une illusion, ensuite on a droit en vrac à des guitares acoustiques (I don't wanna cry no more, je n'ai pas une culture musicale assez étendue pour dire à quoi ça peut ressembler, mais pas du tout à du Helloween, ni même à du metal ou simplement du hard rock), du piano (et effets "mandolinesques" assez ridicules, sur le très crémeux et spécial Windmill), beaucoup de touches orchestrales (Music ou I Believe auraient pu être intéressantes, si elles ne s'étalaient pas sur près de 10 minutes en ayant bien trop peu à dire), et surtout des fanfares de cuivres qui donnent franchement l'impression d'entendre un big band qui s'est adjoint les services d'un groupe de rock pour enrichir sa palette et pas le contraire (Crazy cat, ça a le mérite d'être rigolo, mais bon, ce n'est pas vraiment ce qu'on est venus écouter, et dans ce genre-là, quantité de groupes plus spécialisés ont fait largement mieux). Mais surtout, le gros problème, c'est qu'en plus de manquer cruellement d'homogénéité, le disque peine à convaincre tout simplement car pratiquement aucune piste n'est marquante. On atteint au mieux le passable (Giants mérite d'être sauvée malgré la fin trop grandiloquente, Step out of hell retrouve un côté plus rock sympa), au pire le franchement mauvais (In The night). Même avec toute la bonne volonté du monde, difficile d'être emballé par cet album, ni même d'avoir envie de le réécouter. Ah si quand même, pour son dernier album avec le groupe, Kiske a l'air de plutôt s'amuser...
  
  
• Helloween - Master of the rings (1994) ★ ★
  
  L'heure du grand ménage a sonné pour Helloween (il était temps vu l'album précédent) : changement de batteur, changement de chanteur et retour à un style beaucoup plus orienté metal et surtout beaucoup plus lisible. L'introduction symphonique néoclassicisante est de trop, mais Sole survivor rassure, le groupe est à nouveau capable de produire des titres musclés, rapides et convaincants. Seule question, le choix d'Andi Deris pour succéder à Michael Kiske est-il le bon ? Voix moins aiguë (évidemment) mais surtout plus éraillée, on a d'abord le sentiment que ça ne colle pas. Et puis finalement, même si ça change forcément l'atmosphère générale (sur les titres les plus joyeux, ça reste un peu problématique), le nouveau venu fait plutôt correctement le job. Malgré tout, et même si le disque s'écoute agréablement, on reste loin du chef-d'oeuvre, surtout en comparaison avec ce qu'Helloween a pu faire auparavant (la comparaison est inévitable). Exit les titres sophistiqués dont la durée dépasse les 10 minutes, exit les hymnes speed à l'impact irrésistible, on a droit dans l'ensemble à des chansons correctes, bien interprétées, mais sans grand plus (Where the rain grows et son côté épique, la ballade In the middle of a heartbit), et quand même à un ventre mou assez net avec des tentatives de varier un peu le discours qui tombent à plat (Perfect gentleman est assez bizarre, et avec The Game is on et ses bruitages de vieux jeux video, on retombe hélas dans le comique pas totalement volontaire). En fait, il faut être honnête, même si le nom est resté le même, ce n'est plus le même groupe qu'avant, et celui-ci est tout simplement moins intéressant (en première écoute, à peu près tous les albums de la période Deris m'ont laissé cette impression "pas si mal, mais peut clairement mieux faire", je ne suis pas sûr de m'attarder sur tous, dans la mesure où il y en a quand même une longue série !).
  
  
• Helloween - The time of the oath (1996) ★ ★ ½
  
  Deuxième album du groupe avec Andi Deris, et la nouvelle formation semble déjà bien en place. Niveau style un vrai retour à un metal axé speed semble acté, ce qui est plutôt une bonne nouvelle. D'ailleurs le disque débute avec un We Burn un peu brouillon mais surtout très court et rapide, avec refrain basique qui tente le coup de la séduction immédiate, c'est plutôt pas mal. Malheureusement, à force justement de jouer la carte de l'immédiateté, le groupe finit trop souvent par tomber dans la facilité, avec une overdose de mélodisme (si c'est moi qui dit ça...) dans Power ou A Million to one, voire même du sirop dégoulinant dans les ballades Forever and one et If I knew (ceci dit, à ma grande surprise, Deris passe très correctement dans ces chansons que je n'aurais pas du tout imaginé taillées pour lui). J'aurais nettement préféré plus de tentatives épiques, même si on peut quand même noter le retour d'un titre long (Mission Motherland et ses neuf minutes), hélas très inégal (le refrain mielleux ne colle pas du tout à l'ambiance lourde de l'intro, et le passage plus ou moins planant vers la fin me laisse perplexe), et si la chanson-titre qui conclut l'album tente aussi des choses intéressantes (même si j'entends plus le Led Zep de Kashmir que du Helloween là-dedans). Finalement, je me rends compte que peu de titres me semble réellement convaincants (peut-être que je mettrais Steel tormentor en haut de ma liste), alors même que l'écoute continue de l'album passe quand même très bien. Je reste donc mi-figue mi-raisin, un peu comme pour l'album précédent, même si celui-ci me semble un peu meilleur.
  
  
• Helloween - Better than raw (1998) ★ ★ ★ ½
  
  Après deux albums pas franchement mauvais mais sans grand relief, je n'attendais plus grand chose de la part d'Helloween période Kiske que des disques plaisants mais sans plus. Bonne surprise inattendue donc, je trouve que celui-ci dépasse assez nettement ce niveau-là, réussissant à convaincre sans se prendre la tête et retrouvant une certaine efficacité perdue depuis quelques albums par les citrouilles. Peut-être ai-je été influencé par la pochette (d'assez mauvais goût mais que du coup je trouve forcément très réussie !), qui résume finalement assez bien l'esprit festif gentillet globalement à l'oeuvre. Pourtant, après une intro symphonique (au clavier, hein, faut pas rêver non plus) assez étendue dont je me garderai de donner le titre complet, le premier vrai titre, Push, est inhabituellement agressif pour le groupe. Disons-le tout net, Deris qui s'essaye au suraigu ça foire complètement, mais pour le reste ça surprend, et c'est plutôt pas mal. Le reste sera toutefois plus léger, parfois même trop (les bruitages électro et l'ambiance pop de Hey Lord, bof bof, par contre le délire en latin de Laudate dominum est absolument excellent), mais les titres classiquement speed sont vraiment bons (I can, qui retrouve le côté directement entêtant des premiers succès du groupe, ou Midnight sun qui achève le disque). Quelques tentatives de se renouveler également (l'etonnant Time), un titre de huit minutes presque intéressant de bout en bout (Revelation), on n'est pas revenu au niveau chef-c'oeuvre, mais franchement, dans l'ensemble, c'est plus que pas mal du tout.
  
  
• Helloween - The Dark ride (2000) ★ ★ ★ ½
  
  Ayant volontairement sauté le disque de reprises Metal Jukebox (il faut cependant écouter Hocus Pocus pour constater que les allemands sont capables d'aller très loin dans le délire...), j'entame les années 2000 à la suite d'Helloween avec une proposition qui annonce d'entrée (pochette et titre) une couleur beaucoup plus sombre qu'à l'habitude. En réalité, le groupe n'a pas non plus embauché de musiciens norvégiens, Andi Deris ne s'est pas converti au growl monstrueux, ça reste un album d'Helloween tout à fait normal et globalement assez joyeux. C'est d'ailleurs frappant dès la première chanson, Mr. Torture, qui exhibe un refrain bien entraînant en contradiction à peu près totale avec le thème de la chanson (on n'est pas si loin d'un Dr Stein de ce point de vue). Peu importe d'ailleurs, ça fonctionne très bien ! Allez, pour être honnête, on notera quand même un ou deux riffs vraiment plus lourds qu'à l'habitude (sur I Live for your pain par exemple) et des guitares accordées un peu plus bas (Escalation 666 a une couleur plus sombre, on ne peut pas le nier). Mais ce qui fait vraiment l'intérêt du disque, ce sont des refrains qui font mouche quasiment à chaque fois, sauvant d'ailleurs une ou deux chansons à l'accompagnement un poil paresseux (The Departed, We damn the night). On a aussi droit à un If I could fly au piano envahissant (je n'arrive pas à me convaincre que ce machin n'est pas de mauvais goût, mais personnellement j'aime), et surtout une conclusion sur un titre plus long qui tente une nouvelle fois de renouer avec les grands classiques épiques du groupe... en réussissant à moitié (c'est tout à fait correct, mais loin d'un Keeper of the seven keys (la chanson)). Un peu à l'image de l'album : très bien, mais rien d'exceptionnel non plus.
  
  
• Helloween - Rabbit don't come easy (2003) ★ ★ ½
  
  Après deux albums réussis, Michael Weikath, plus ou moins leader du groupe depuis un certain temps, a décidé qu'Helloween faisait fausse route et viré deux des musiciens qui avaient permis au groupe de remonter la pente après son trou noir du début des années 90. Voila quelqu'un qui a le sens de l'à propos. Quand en plus on constate que le premier album du nouveau line-up présente une pochette pour le moins étrange et un titre qui va avec, de douloureux souvenirs remontent à la surface... Mais en fait non, ce lapin n'est pas aussi raté que le singe ou le caméléon qui l'ont précédé. C'est même du Helloween pur jus, speed la plupart du temps (Just a little sign, Hell was made in heaven, deux titres qui fonctionnent bien), "happy" régulièrement (The tune, franchement énervant à force de jouer le côté gnangnan), et même sombre à l'occasion (Back against the wall, réussite qui prouve quand même que Weikath n'a pas complètement fermé la porte au style entrevu dans The Dark ride). Tout ça se laisse tranquillement écouter, mais sans jamais sauter au plafond, et même parfois avec une certaine perplexité (les couplets reggeaeisants de Nothing to say). Au fond, un album qui revient à ce qu'Helloween a régulièrement produit depuis l'arrivée de Deris, du "pas mal mais peut mieux faire", en retrait tout de même par rapport aux deux disques précédents.
  
  
• Helloween - Keeper of the seven keys - The legacy (2005) ★ ★ ★ ½
  
  Franchement, donner une suite (enfin non pardon, rendre un hommage, rien à voir avec une suite !) à leurs disques cultes près de 20 ans après, et bien entendu avec un groupe qui n'a plus grand rapport avec le line-up de l'époque, ça sentait très fort la mauvaise idée (ou plus simplement le besoin de faire du buzz et un peu de fric par la même occasion). Mais le groupe assume crânement en proposant un double CD (bon, un double dont la durée totale n'atteint pas les 80 minutes, ceci dit) dont chaque volet est introduit par une piste qui dépasse allègrement les 10 minutes. Et même si on se sent un peu le cul entre deux chaises au début, entre hommage forcé aux équivalents plus vraiment au goût du jour des premiers Keeper et tentation de singer les groupes qui ont pris le devant de la scène depuis (l'intro parlée et le caractère épique me font penser à un Rhapsody certes beaucoup moins clinquant, mais il a probablement des tas d'autres groupes qui ont produit des choses similaires entre temps), force est de constater que The King for a 1000 years tient fort bien la route, une sorte de grand spectacle bon enfant (touches orchestrales, choeurs, on a la totale) qui donne simplement le sourire et la banane, du bon Helloween quoi. En comparaison, Occasion avenue qui entame le second CD me semble nettement moins maîtrisée (on a les mêmes éléments, mais avec un côté nettement plus heavy que speed héroïque, et surtout ça part un peu dans tous les sens, malgré l'hommage rigolo aux classiques du groupe pour introduire la chanson). De façon générale d'ailleurs, le deuxième disque ne propose rien de mémorable (allez, la conclusive My life for one more day est assez réussie), les titres sont agréables mais pas marquants, alors que le premier disque est vraiment très bien (j'adore la trop courte Mrs God, et les plus classiques titres speed Pleasure drone et Silent rain fonctionnent bien). Avec un ensemble plus équilibré (ou bêtement un seul CD en fait...), on atteignait facilement les quatre étoiles. Comme quoi les citrouilles en ont encore sous le pied.
  
  
• Helloween - Gambling with the devil (2007) ★ ★ ★ ★
  
  Au premier abord, je dois être honnête, j'ai vraiment peu apprécié ce nouvel album des citrouilles, la faute principalement à une tentative à mon avis malvenue de faire évoluer les sonorités du groupe vers quelque chose de beaucoup plus électronique que précédemment. Quelques sons "orchestraux" par-ci par-là pourquoi pas, mais les voix trafiquées de façon aussi voyante, non, vraiment pas (sur As Long as I fall, y en a vraiment un qui aurait du se calmer sur le vocodeur). Mais malgré ça, je suis emporté une fois de plus par un bon nombre de titres qui envoient généreusement et qui font mouche au niveau des refrains : Kill it (malgré la voix, en plus des traficotages, Deris part trop dans un aigu qui ne lui convient pas), Paint a new world, l'excellente The Bells of the 7 hells ou la bien chargée Dreambound. Mine de rien, une part non négligeable de l'album qui tire vraiment bien son épingle du jeu. Le reste est un peu plus quelconque, avec notamment quelques titres qui lorgnent vraiment trop vers une pop sucrée un peu facile (ça marche toutefois très bien sur Fallen to pieces et son refrain irrésistible, moins sur Final fortune), et un passage obligé par la case "happy metal" avec un Can do it qui n'est pas la réussite la plus éclatante du groupe dans ce genre. Mais l'ensemble est vraiment plus qu'agréable à écouter, Helloween prouve une fois de plus sa capacité à faire du solide malgré les années qui passent et les quelques changements de personnel subis. Allez tiens, pour les récompenser de leur ténacité, on monte à quatre étoiles pour cette fois (même si je considère cet album à peu près au même niveau que le précédent).
  
  
• Helloween - 7 sinners (2010) ★ ★ ★
  
  Une décennie de plus qui s'ouvre, et les citrouilles sont toujours là, plus en forme que jamais (ou presque). Cette nouvelle proposition cherche assez manifestement à surfer sur le succès de la précédente : on retrouve quelques traces de sonorités électroniques (moins que sur Gambling with the devil toutefois) mais le plus marquant est la volonté délibérée de rendre le son assez lourd et dense, pas franchement l'habitude de la maison et surtout un virage assez surprenant quand on sait que le dernier remaniement du groupe avait fait suite à un The Dark ride jugé trop sombre (ben franchement, il est plutôt gentillet en comparaison de celui-là, le sieur Weikath aura eu le temps de retourner sa veste en quelques années). Quoi qu'il en soit, un Long live the king très heavy fonctionne à mon goût fort bien, et un titre assez basiquement bourrin comme Are you metal est aussi efficace. Mais on a quand même droit à un certain nombre de titres speed mélodiques dans la plus pure tradition du groupe (le bon duo de fin de disque If a mountain could talk / The Sage, the fool, the sinner, mais aussi la très "prise de tête" World of fantasy) et bien sûr à la ballade de rigueur, ici The smile of the sun. Cette dernière est d'ailleurs la transition rêvée pour évoquer les défauts du disque, qui tombe parfois franchement dans la facilité : cette ballade donc (aucune saveur), mais aussi la "suite" de Perfect gentleman (intitulée Who is M. Madman) qui tire son principal intérêt de ce qu'elle reprend sans vergogne de la chanson originale, et quelques facilités d'écriture par-ci par-là, notamment des modulations franchement téléphonées (eh les gars on est pas chez Goldman, la modulation au demi-ton supérieur pour relancer la chanson en fin de course, ça se voit !). À noter aussi une incongruité dont je n'arrive pas à déterminer si c'est juste grotesque ou rafraîchissant : le solo de flûte "Jethro Tullesque" au beau milieu de Raise the noise. Encore un disque très agréable, mais un cran en-dessous de ses prédécesseurs immédiats, attention à ne pas trop tomber dans la facilité quand même.
  
  
• Helloween - Straight out of hell (2013) ★ ★ ★ ½
  
  Le temps passe et Helloween continue à sortir un disque tous les deux ou trois ans. Encore mieux, la qualité reste au rendez-vous sur celui-ci. Un peu moins de modernité dans le son (les traficotages électroniques sont concentrés sur la ballade Hold me in your arms, loin d'être le meilleur moment de l'album d'ailleurs), le groupe semble plutôt se replier sur ce qu'il sait faire de mieux, du speed accrocheur et très mélodique, avec refrains chantés en choeur qui vous restent bien dans la tête (comme sur le très bon Burning sun par exemple). Le disque commence avec Nabataea, une véritable tuerie (une petite touche orientale, et surtout un titre bien épique, sûrement le meilleur composé par le groupe depuis un certain temps), et enchaîne fort jusqu'à la fameuse ballade déjà citée (Waiting for the thunder, avec son intro au piano, n'est pas d'une originalité folle, mais fonctionne très bien aussi). Et puis, il faut bien l'avouer, la deuxième moitié du disque ne retrouve jamais le niveau totalement convaincant, entre un hommage à We will rock you déroutant (Wanna be god, pas désagréable mais légèrement hors propos) et des titres poussifs ou téléphonés (Asshole par exemple). Une dissymétrie qui me pousse à poser une question qui est déjà souvent revenue dans mes chroniques : était-il vraiment nécessaire de faire un disque de plus de 70 (un ou deux petits bonus compris) si l'inspiration s'essouffle avant d'avoir atteint les trois quarts d'heures ? La première moitié était pas loin de l'excellence, le tout ne sera que très solide.
  
  
• Helloween - My God-given right (2015) ★ ★ ½
  
  Trente ans de carrière, quinzième album studio, il y avait de quoi marquer le coup pour Helloween non ? Il faut bien l'admettre, le résultat est un peu décevant de ce point de vue, même pas vraiment à la hauteur du Keeper Legacy sorti dix ans plus tôt et qui avait le grand mérite de tenter (et même de réussir sur le premier disque) de faire revivre les plus glorieux moments du groupe. Cette fois-ci, les citrouilles semblent avoir décidé de ne surtout prendre aucun risque, se contentant de faire (plutôt bien quand même) ce qu'ils ont toujours su faire, à savoir du speed mélodique aux refrains fédérateurs, avec quelques touches de sons électroniques comme ils nous y ont habitué depuis quelques albums. L'entrée en matière Heroes, bien musclée, est plutôt réussie même si bien courte (on est loin du Nabataea qui ouvrait leur précédent album), mais ensuite, on a droit à quelques titres sentant le réchauffé (et même à un flagrant cas d'auto-repompage sur If God loves rock'n roll), des lignes de chant pas très inspirées, et encore une fois une fin d'album un peu à la peine (dommage, You, still of war qui est l'une des très rares compos à dépasser nettement les cinq minutes, ne convainc pas vraiment en conclusion du disque). Heureusement, les allemands sont toujours capables d'insérer un ou deux titres vraiment entraînants (Lost in America), voire à la limite du comique (Russian roulé, dont on aurait aimé que l'utilisation de choeurs graves "à la russe" ne soit pas aussi courte), pour relancer la machine. Mais les moments vraiment marquants sont trop rares, on se contentera donc d'une moyenne en mode "peut mieux faire", ce qui n'avait pas été le cas depuis un certain nombre d'albums.
  
  
• Helloween - Helloween (2021) ★ ★ ★
  
  Les ruptures et autres reformations de groupes sont fréquents dans l'univers du metal, mais Helloween a quand même réussi à faire très fort en proposant une nouvelle formation qui voit le retour des mythiques Kai Hansen et Michael Kiske (qui avaient quand même quitté le navire une trentaine d'années auparavant !) tout en conservant l'intégralité du line-up de la décennie précédente. Du coup, on se retrouve avec un mega-groupe avec pas moins de trois chanteurs (oui, oui, Hansen chante aussi, certes moins que les deux autres) et trois guitaristes. Forcément, la question se pose : les compositions arriveront-elles à laisser de la place à tout ce beau monde sans que ça ne devienne lourd ou artificiel ? Peut-être faudra-t-il alléger un peu et alterner les chanteurs ? Eh ben non, le groupe a décidé de jouer carrément la surenchère, avec des refrains doublés en permanence (quitte à tomber dans l'outrance à la fin de Down in the dumps), des choeurs et des claviers orchestraux par-dessus, on est souvent dans la grandiloquence un peu gratuite (l'intro de Out for the glory ou celle de Cyanide). Je vais être franc, au premier abord, ce côté choucroute ne m'a vraiment pas plu. Et puis après quelques écoutes supplémentaires, on retrouve quand même les qualités indéniables du groupe, avec des refrains hyper efficaces (Indestructible et les interventions de Hansen, Fear of the fallen en mode plus épique), des pistes plus classiquement heavy (Mass pollution, Cyanide), et même, ce que tout le monde attendait forcément, une composition de plus de 10 minutes signée Kai Hansen (qui tire toutefois en longueur avec des passages instrumentaux un peu forcés, on est assez loin des meilleurs chefs-d'oeuvre du groupe). On oublie par contre un peu l'élément "happy metal" dans l'ADN du groupe depuis plusieurs décennies (seule la bondissante Best time joue sur ce registre). Finalement, la note est surtout pour le plaisir de retrouver les membres historiques du groupe (et puis bon, ça en fout quand même plein les oreilles), point de vue musical, on est dans la moyenne correcte des derniers albums d'Helloween, sans réel plus.
  
  
  
  
• Iced earth - Iced earth (1990) ★ ½
  
  Groupe testé sur les conseils de bons amis, dont je n'avais jamais entendu parler auparavant (faut bien faire des expériences aussi). Le nom du groupe et le look des pochettes pouvait laisser imaginer un metal "nordico-épique", pas du tout, au moins dans ce premier album (il y a eu énormément de changements dans le groupe, notamment niveau chant et batterie, pour la dizaine d'albums ultérieurs), c'est du thrash bien balisé qui marche très clairement dans les pas de Metallica (un peu trop même) ... mais en beaucoup moins emballant : chanteur franchement mauvais, batterie essentiellement inexistante, en gros il n'y a que les guitares pour assurer (malgré quelques solos qui ne savent pas trop où ils vont), c'est un peu léger. Dommage car les compositions, à défaut d'être originales, sont assez sympa. Curieux quand même de voir l'évolution du groupe, qui semble avoir bifurqué assez rapidement niveau style.
  
  
• Iced Earth - Night of the stormrider (1991) ★ ★ ★
  
  Déjà, preuve d'un certain bon sens chez le leader du groupe, on a changé de chanteur et de percussionniste depuis le premier album. On est par ailleurs beaucoup plus clairement dans le trip épique que j'imaginais à la vue des pochettes : une histoire de stormrider (comme l'indique le nom de l'album) qui va tataner du vilain, soulignée par une intro symphonique assez hilarante décalquée sur le O Fortuna de Orff, des bouts de choeurs insérés à certains moments et on a même droit au son de la pluie. Ces ajouts d'un goût discutable rebuteront peut-être ceux d'entre nous qui tolèrent moins bien le kitsch que moi, personnellement j'aime assez. Pour le reste, on est en nets progrès, les chansons sont assez maîtrisées, du classique bien fichu qui fonctionne. Quelques bémols tout de même : certains enchaînements mélodiques ou harmoniques assez space, une pseudo-balade très dispensable (Reaching the end) et, bien entendu, le nouveau chanteur qui n'est certes pas pire que le précédent, mais dont les piaillements réguliers laissent percer une certaine attirance pour le chant "à la Mustaine", ce qui en soit est assez inquiétant. Parmi les meilleures pistes à mon sens : Stormrider ou Pure Evil. La longue dernière piste Travel in Stygian est plutôt réussie même si inégale.
  
  
• Iced Earth - Burnt offerings (1995) ★ ★ ★ ★
  
  Retour du groupe après une pause de quelques années et ... avec un nouveau chanteur (qui réussira à tenir quelques années, bel exploit) ! Encore une fois, surprise, l'atmosphère de l'album est très différente de celle du précédent (et du premier aussi), on a toujours un metal assez classique, mais clairement plus sombre, avec des riffs lourds et même l'utilisation de voix parlées dans l'introduction de certains titres pour renforcer le côté pesant. C'est d'autant plus dommage du coup d'avoir pris un chanteur à la voix très claire qui ne colle pas tellement (mais bon, ne nous plaignons pas, il y a du progrès quand même de ce point de vue là), et qui rend rapidement mièvres les passages où le tempo redescend (le début de Last December en particulier). Bizarrement, l'avant-dernière piste, The Pierced spirit, passage calme avec accompagnement de piano et guitare acoustique, n'est pourtant pas si mauvaise que ça. Mais là où je groupe brille, c'est quand il se contente d'aligner riff sur riff, comme dans Brainwashed ou Creator failure. Surtout, il ose terminer le CD par une plage de 16 minutes, Dante's inferno, qui tient la route tout le long, chapeau ! Un très bon album qui mérite sa place aux côtés des classiques du genre.
  
  
• Iced Earth - Dark saga (1996) ★
  
  Les gars de Iced Earth sont même tellement inconstants qu'il est franchement difficile de croire que cet album a été fait par les mêmes gusses que ceux qui ont pondu la dernière piste du précédent : ici, l'ambition est dramatiquement revue à la baisse puisque le disque aligne les chansons de "pop metal" (honnêtement, vocalement, c'est vraiment de la mauvaise pop) basiques, avec certes des guitares qui font encore un peu de bruit mais surtout une volonté manifeste d'aller vers le commercial sans âme (à écouter I died for you ou la dernière piste A question of heaven avec ses inénarrables choeurs féminins, on a vraiment envie de fuir en courant). Dans son genre, ce n'est pas si mal fait, mais en ce qui me concerne, ce n'est pas ce que je suis venu entendre...
  
  
• Iced Earth - Something wicked this way come (1998) ★ ★
  
  Après avoir changé de style à peu près systématiquement dans leur quatre premiers albums, je ne sais plus trop à quoi m'attendre en m'apprêtant à écouter le disque suivant de Iced Earth. Eh bien, ils ont en quelque sorte encore réussi à me surprendre : désormais, c'est au sein d'un même album qu'on a droit à des changements de style permanents ! En effet, on alterne ici de façon assez systématique les pistes heavy, classiques mais très efficaces malgré le chant toujours criard (en gros, toutes les pistes impaires sauf la 11) et les espèces de bluettes commerciales avec tout le groupe qui chante en choeur (toutes les pistes paires sauf la 12, dans ce genre un titre comme Watching over me est quand même assez terrifiant). Le tout est couronné par une dernière chanson qui semble tenter de renouveler avec une certaine ambition : près de 10 minutes, une intro au piano assez dispensable, et une conclusion avec choeurs pseudo grégoriens sur fond d'accompagnement orientalisant puis a cappella, pas sûr que tout ça soit vraiment maîtrisé mais au moins ça renouvelle l'intérêt de l'écoute. Un album beaucoup trop inégal donc, mais si on se contente d'écouter les pistes impaires c'est loin d'être mauvais...
  
  
• Iced Earth - Horror show (2001) ★ ★ ★ ★
  
  Pour ce sixième album, le concept est de revisiter les principales figures de la littérature et du cinéma fantastique. Pourquoi pas, l'essentiel étant d'arriver à en tirer quelque chose de cohérent. Et là, je trouve que c'est nettement plus le cas que dans l'album précédent. Un ou deux égarements (Jack ou la dispensable ballade Ghost of freedom qui est d'ailleurs la seule piste hors-thème du CD), mais surtout une inspiration mélodique vraiment intéressante, et beaucoup de bons titres, de l'inaugural Wolf qui envoie du bois à un surprenant Phantom opera ghost faisant intervenir une voix féminine (et un peu de synthé sur la fin) de façon efficace, en passant par un Frankenstein bien massif et réjouissant. Mais le meilleur, c'est peut-être Damien avec son introduction chorale vraiment réussie. Tout ça est encore un peu inégal, mais dans l'ensemble un très bon album.
  
  
• Iced Earth - The Glorious burden (2003) ★ ★ ★ ½
  
  Tiens, pour ce septième album, le groupe a changé de chanteur (ça faisait longtemps). Le nouveau est plus passe-partout que les précédents, ce qui à mon avis n'est pas un mal, même s'il a une tendance à se rater quand ça monte dans l'aigu. Quoi qu'il en soit, album ambitieux avec presque une heure 20 de musique, dont une espèce de suite de plus d'une demi-heure consacrée à la bataille de Gettysburg (suite qui constituait le deuxième disque du double album à l'origine). Ah oui, je n'ai pas précisé, le thème cette fois-ci c'est en gros "grands moments historiques". Voilà qui est original, et peut-être un poil casse-gueule : quand le disque commence par une reprise de l'hymne américain, puis enchaine sur ou trois titres très grandiloquents et larmoyants, comme le sirupeux When the eagle cries (qui évoque le 11 septembre), honnêtement, on n'a pas très envie de continuer. Eh bien on aurait tort, car la suite recèle de bonnes surprises, comme un Attila assez réjouissant, un Waterloo plutôt maîtrisé, et surtout, surtout, The devil to pay (première partie de la trilogie finale) qui, bien qu'étant clairement en mode "allez on balance tout ce qu'on peut" (orchestre symphonique, beaucoup de choeurs, comme dans tout l'album d'ailleurs, et même une canonnade à un moment), est absolument excellent, peut-être tout bonnement le meilleur titre du groupe dans tout ce que j'ai écouté jusqu'ici. Les deux derniers épisodes sont moins emballants (au bout d'un moment ils en mettent vraiment trop dans le grandiose, ça en devient un peu lourd). Bref, même si c'est (encore) un album très inégal, il faut au moins tester la deuxième moitié (si on n'a pas trop peur du kitsch du moins).
  
  
• Iced Earth - Framing armageddon (2007) ★ ½
  
  Après quelques années d'interruption, le groupe revient avec un projet ambitieux : deux albums complets contant une histoire d'aliens se vengeant des humains qui était déjà à l'origine des derniers morceaux de l'album Something wicked this way come. Bon, je n'avais pas tellement aimé ce dernier, mais pourquoi pas, ça donne une unité bienvenue à l'ensemble et amène assez naturellement le groupe vers quelque chose de plus épique (énormément de choeurs sur cet album) et en même temps varié qui n'est pas pour me déplaire. Le problème, c'est tout bonnement que tout ça est assez mal fait. Déjà les aliens de l'histoire ne viennent clairement pas de Mars mais plutôt du Moyen-Orient, vu l'utilisation de gimmicks arabisants dans pas mal de pistes (l'ouverture du disque est une mélopée de violoncelles sur fond de tamtam, l'un des moments les plus réussis de l'album). C'est original mais ça donne un résultat discutable, par exemple dans l'intermède Invasion où ça se mélange assez moyennement aux bruitages de lasers... Le reste du temps, on oscille entre des morceaux lents peu inspirés (le central The clouding, on n'est plus dans le domaine du metal, mais plutôt du côté des mauvais titres de Scorpions... en pire), et des morceaux plus rapides qui font absolument systématiquement appel à des choeurs grandiloquents (la fin de A charge to keep, ouille !) malgré tout assez bien exploités, mais surtout qui mettent à peu près systématiquement la batterie en mode mitraillage sans l'ombre d'une variation, et là pour le coup c'est totalement insupportable. Dommage, l'ambiance générale est intriguante, mais la musique pas franchement à la hauteur.
  
  
• Iced Earth - The Crucible of man (2008) ★ ★ ½
  
  Suite (et fin) du dyptique consacré aux martiens, avec un album logiquement dans la lignée du précédent, mais qui va quand même moins chercher les effets bizarres (plus de bruitages de lasers notamment) et se recentre globalement sur des chansons d'un classicisme plutôt bienvenu. Plus vraiment de trace d'orientalisme non plus, sauf dans l'assez immonde A gift or a curse et dans la piste finale qui reprend la mélopée de violoncelles ouvrant l'album précédent. Toujours beaucoup de choeurs un peu grandiloquents mais ça ne marche pas si mal (un titre comme I walk alone est réussi), une vague tentation "gothique" par moments (la piste initiale), mais aussi le retour du chanteur précédent du groupe que j'avoue ne pas tellement apprécier. Ca manque par ailleurs de titres vraiment marquants, mais l'ensemble s'écoute plutôt agréablement...
  
  
• Iced Earth : Dystopia (2011) ★ ★ ★ ½
  
  Tiens, ça faisait longtemps, un nouveau chanteur pour le groupe pour cet album ! Mine de rien, le groupe atteint là son dixième album studio, et, encore mieux, c'est un bon cru. Rien que du très classique, on ne se disperse pas, le chanteur est bon, l'utilisation des choeurs efficace, et les riffs sympathiques même si ça ressemble parfois beaucoup aux précédents albums du groupe, que demander de plus ? Eh bien peut-être, une fois de plus, de ne plus s'éterniser sur des ballades pseudo-pop qui ne sont vraiment pas à la hauteur du reste (Anguish of youth passe encore la rampe, End of innocence beaucoup moins), et surtout de ne plus commettre de faute de goût comme l'introduction triomphaliste complètement ratée de la dernière piste Tragedy or triumph (dommage, c'est la plus longue du CD et passé la première minute, elle tient la route...). Un bon album dans l'ensemble tout de même.
  
  
• Iced Earth - Plagues of Babylon (2014) ★ ★ ★ ½
  
  Avant-dernier album à ce jour de mes amis d'Iced Earth, qui semblent avoir retrouvé un nouveau souffle avec l'arrivée du dernier chanteur en date : après un Dystopia pas totalement abouti mais intéressant, ce nouveau disque commence par un titre (celui qui donne son nom à l'album) à la fois ambitieux (près de 8 minutes, dont une bonne minute d'intro recherchée, utilisation de passages parlés et de choeurs) et très réussi mélodiquement, mais qui va surtout puiser dans une inspiration "épique sombre" qui convient vraiment bien au groupe et que celui-ci n'avait plus vraiment exploitée depuis trop longtemps (on tient le successeur de Night ot the stormrider, plus de 20 ans après ?). Vraiment emballé par ce début, et plus généralement par le premier tiers de l'album, jusqu'à un Among the living dead très sympa avec son ambiance "film d'horreur retro" (celui-ci c'est sur Horror show qu'il aurait eu sa place !). Et puis ... eh ben il faut bien admettre que ça a beaucoup de mal à tenir la route sur la distance, la fin du disque aligne les compositions anecdotiques à la limite du remplissage, avec recours aux ballades quand on ne sait plus trop quoi faire (dont la bizarrement zozotante Spirit of times), et ce au point de conclure l'album sur une piste de 20 secondes de rigolade entre les membres du groupe qui laisse perplexe. Dans la mesure où le disque dure une bonne heure, n'aurait-il pas été préférable d'élaguer un peu ? Un album entier de la tenue des quatre premières pistes, franchement, c'était une tuerie...
  
  
• Iced Earth - Incorruptible (2017) ★ ★ ★
  
  Tournée d'adieu pour Iced Earth ? Si les événements récents (emprisonnement du chanteur et leader de toujours) laissent penser qu'il s'agit bel et bien de leur dernier album, il s'agira d'une sortie sans faire de vagues, mais pas indigne non plus. Un disque très très classique en fait, un peu trop même, rien de raté mais peu de pistes mémorables également (même la piste finale, ambitieuse avec ses 9'30 au compteur et son intro mélancolique sur fond de cornemuses, tourne un peu à vide une fois vraiment démarrée, ça manque de subtilité). Pourtant, c'est assez varié, le groupe tente même un instrumental intéressant (Ghost dance, une espèce d'hommage aux indiens, peut-être le sommet de l'album) et n'a pas perdu en termes de technique. En fait, je n'ai pas grand chose de particulier à reprocher à cet album, mais c'est globalement trop passe-partout pour vraiment s'imposer.
  
  
  
  
• In Flames - Lunar Strain (1994) ★ ★
  
  Retour à un genre assez calibré pour moi avec les débuts d'un des groupes suédois majeurs de death mélodique (ce qui constitue quasiment un pléonasme tant le genre est attaché à ce pays !). Pour ce premier album, eh bien, on a des défauts assez caractéristiques d'un premier album : manque de cohérence (la plupart des pistes donnent effectivement dans le death mélodique à guitares grésillantes et riffs mélodiques assez inspirés, mais on a plusieurs fois droit à une irruption pas franchement convaincantes de passages folk, et le chant féminin sur Everlost pt.2 semble hors de propos), chant en décalage complet avec l'habillage instrumental (pour ce premier disque, ils ont emprunté le chanteur à un autre groupe, il ne participera pas aux albums ultérieurs), timidité dans le développements des compositions (le tempo s'accélère enfin sur les deux derniers titres, mais ils sont trop courts pour vraiment emballer complètement). Il y a malgré tout de bonnes choses dans ce disque (Behind space, vraiment pas mal), mais c'est encore assez inabouti.
  
  
• In Flames - The Jester race (1996) ★ ★ ★ ½
  
  En écoutant ce deuxième album du groupe suédois, on comprend fort bien pourquoi il est considéré comme le vrai point de départ de sa discographie, et même comme un des disques fondateurs du death mélodique "à la suédoise". Oubliés les errements et hésitations de Lunar Strain, cette fois-ci ils savent vraiment où ils veulent aller : le chanteur a changé mais ça n'a qu'une importance relative, le chant extrême étant mixé assez étouffé et dominé par les guitares très mélodiques qui se taillent ici la part du lion (avec tout de même quelques touches de claviers par moments). Les petites touches folk sont désormais complètement intégrées à l'ensemble, et on entend surtout des riffs heavy très mélodiques qui s'enchaînent de façon probablement un peu trop monotone au fil des pistes (ça ressemble toujours un peu à la même chose). Peut-être un côté un peu trop appliqué aussi, ça manque de folie. D'ailleurs, à la première écoute, j'avais trouvé ça franchement décevant, mais à la réécoute c'est quand même vraiment bien ficelé, et souvent simplement beau (les guitares acoustiques sur Moonshield, le riff inspiré de Lord Hypnos, l'énergie de Dead god in me pour conclure l'album). Manque quand même cette petite étincelle supplémentaire pour faire décoller les choses à un niveau supérieur, on se contentera pour l'instant d'un bon album efficace.
  
  
• In Flames : Whoracle (1997) ★ ★ ½
  
  Après avoir trouvé sa voie avec The Jester Race, In Flames ne semble pas décidé à en dévier, et revient donc avec un troisième album extrêmement proche dans l'esprit du second. Mêmes titres aux guitares mélodiques prédominantes avec une voix death planquée au fond du mix histoire de dire que quand même on est censé faire du metal extrême, même utilisation de guitares acoustiques sur certaines intros (celle réussie de Gyroscope, celle immonde de Jester script transfigured avec son chant "susurré malsain" hideux), mêmes instrumentaux disséminés sur le disque pour rompre un peu la monotonie. On notera quand même un effort pour rendre les riffs un peu plus accrocheurs... du moins sur les deux premiers titres, mais toujours rien qui décolle vraiment au-dessus du joli (Jotun par exemple est sympa, mais avec une tonalité presque trop optimiste pour moi), et quelques ratés (Worlds within the margin). Bref, ça tourne un peu en rond, et si l'album précédent m'avait conquis après quelques écoutes, celui-ci confirme que je commence déjà à me lasser un peu de la musique des suédois (même s'il reste largement écoutable). Dans la mesure où leurs premiers disques sont censés représenter l'apogée de leur carrière, je crains un peu la suite !
  
  
• In Flames - Colony (1999) ★ ★ ★ ½
  
  Je n'en suis qu'au quatrième album de la longue discographie d'In Flames (qui en contient quand même 14 à ce jour, mais je ne suis pas du tout certain d'aller jusqu'au bout), et les mots commencent déjà à me manquer pour décrire ce que j'entends, tant ça reste homogène à l'intérieur de chaque disque, mais aussi d'un disque au suivant. On commence toutefois sur celui-ci à comprendre l'évolution globale du groupe (et à anticiper pourquoi les disques postérieurs à 2000 sont assez unanimement considérés comme moins recommandables que les précédents), qui se dirige de plus en plus manifestement vers la séduction immédiate, un côté easy listening prêt à toucher à un peu tout pour faire passer la pilule auprès d'un public large (même si le chant reste très majoritairement typé death sur ce disque). C'est d'ailleurs la plupart du temps assez convaincant, et même parfois irrésistible (le survitaminé Embody the invisible qui ouvre l'album est vraiment un tube), parfois nettement plus douteux (le chant clair et les guirlandes de piano de Ordinary story, les traces de chant "slipknotien" de Scorn), mais l'ensemble est largement sauvé par une inspiration mélodique au rendez-vous (le petit instrumental Pallar anders visa est très bien). Simplement, le death mélo déjà beaucoup plus mélo que death du groupe est en train de glisser petit à petit vers une sorte de death pop n'ayant plus vraiment de sens (pas étonnant que le chant clair se soit de plus en plus imposé sur les disques ultérieurs du groupe, en fait). Sans être très profond, ce Colony est en tout cas probablement le plus agréable à écouter par les disques du groupes que j'ai déjà parcourus.
  
  
• In Flames - Clayman (2000) ★
  
  Enregistré au tournant du millénaire, ce cinquième disque du groupe est souvent considéré comme étant le dernier de la première période du groupe, celle centrée sur le death mélodique, avant qu'il ne vire à un gloubi-boulga commercial teinté d'électro et de chant clair qui le fera irrémédiablement détester par une partie de ceux qui l'avaient adulé jusque-là. En ce qui me concerne, ça ne risque guère de m'arriver puisque mon sentiment concernant le groupe était déjà assez mitigé, et le devient encore beaucoup plus dès cet album (j'ai un peu écouté la suite, et mon parcours de leur discographie s'arrêtera en effet bientôt), tant les mauvais penchants du groupe prennent déjà le dessus. Quasiment plus de riffs mélodiques vitaminés comme il y en avait à la pelle sur les albums précédents (seule Swim joue encore cette carte-là), mais à la place un acharnement à détruire des chansons correctes (car le fond reste plus qu'acceptable) en y insérant des bruitages ineptes (sur Satellites and astronauts typiquement) et surtout des passages en voix claire quasi systématiques alors que leur chanteur est manifestement très mauvais pour ça. Bon, il était pas spécialement bon non plus pour le chant extrême, mais ça passait complètement inaperçu, alors que là, les efforts pour produire un chant qui se veut inspiré sont juste pitoyables (sur Square nothing ou Suburban me), sans compter les effets bizarres régulièrement ajoutés par-dessus. Bref, à vouloir plaire à tout le monde, In Flames a fini par faire de la bouse. C'est dommage, mais vu qu'ils continuent à sortir des albums qui ont du succès encore aujourd'hui, ils n'en ont probablement pas grand chose à foutre.
  
  
• In Flames - Reroute to remain (2002) ★ ½
  
  Peut-on vraiment en vouloir à un groupe de se fondre dans l'air du temps pour gagner un peu plus de pognon ? Une question qui aura été au coeur des débats de générations de metalleux concernant un bon paquet de groupes, mais qui est particulièrement pertinente à propos de ce sixième albums d'In Flames. Si l'évolution était déjà inquiétante sur leur disque précédent, elle est désormais complète, on a droit sur absolument toutes les pistes à au moins un passage irritant tentant de singer la mode de ce début des années 2000 : sons électroniques (dès la chanson-titre qui ouvre l'album, et encore plus sur Cloud connected), choeurs en chant clair façon pop sur tous les refrains, chant clair "inspiré" également de la part du chanteur principal (et là c'est vraiment le désastre, ce gars ne sait pas chanter sans prendre une pose geignarde totalement insupportable, ça plombe par exemple définitivement System), quand ce ne sont pas d'ineptes traficotages électroniques sur la voix (sur Transparent). Pire que tout, même le chant death est devenu très mauvais, avec une influence Spliknot (ou assimilé) délétère (Minus, entre autres). Et tout ça est fort frustrant, car sur le fond, l'album est à mon sens nettement meilleur que le précédent (d'où la note moins mauvaise), on retrouve de belles mélodies (sur Trigger ou Cloud connected) et le côté plus électro que d'habitude aurait pu passer s'il avait été mieux exploité. En réponse à la question initiale, c'est donc un non assez franc, pas le droit de massacrer de la potentiellement belle musique ainsi ! Mais le groupe ne l'entendra pas de cette oreille, et tous ses albums ultérieurs seront dans ce style, ce qui va me faire arrêter ici l'exploration de leur discographie.
  
  
  
  
• Iron Maiden - Iron Maiden (1980) ★ ★ ★ ★ ★
  
  Pour une fois, un groupe dont je connais la musique depuis un certain temps (j'ai du écouter il y déjà bien longtemps presque tous les albums du groupe jusqu'à Fear of the dark), et qui font pour moi partie des classiques indémodables. Bien sûr, le poids des années se ressent, avec ces chansons encore plus rock que vraiment metal, les guitares volontiers geignardes et surtout la batterie en plastique (pour le coup, un vrai point faible), mais même si on est (forcément) influencé par ce qu'a pu produire le groupe ensuite, je crois honnêtement que, si on devait juger tous les groupes de metal uniquement sur la première chanson publiée, le Prowler de Maiden lui assurerait une place parmi les plus grands. Toute la première moitié de l'album est excellente, avec notamment un Phantom of the opera qui cherche à sortir des sentiers battus, un léger coup de moins bien sur la fin (c'est surtout la partie chantée de Strange world qui me plait moins, je trouve qu'elle ne colle pas bien au reste), mais qui ne suffit pas à réfréner mon enthousiasme (au pire, vu qu'on était encore à l'époque où les disques faisaient entre 30 et 40 minutes, on se remet les premières chansons). Et puis, détail supplémentaire, j'adore les pochettes des premiers Maiden !
  
  
• Iron Maiden - Killers (1981) ★ ★ ★ ★ ★
  
  Un tout aussi grand classique que le précédent, sur le même format ou presque, qui aligne les moments forts quasiment sans interruption (l'intro héroïque Ides of March, l'excellente chanson titre, le break instrumental de Another life, l'instrumental tout court Gengis Khan avec sa vague tentation d'exotisme qu'on retrouvera de temps à autre dans les albums du groupe). Bon, en fait, je pourrais presque citer tous les titres, y a pas grand chose à jeter (si je devais à nouveau trouver une chanson qui me plait un peu moins, ce serait peut-être Prodigal son que je trouve un poil plus lisse que le reste). Ce qui est fascinant, c'est à quel point ça semble simple de faire du bon metal quand on écoute tous ces classiques.
  
  
• Iron Maiden - The Number of the beast (1982) ★ ★ ★ ★ ★
  
  Avec l'arrivée de Dickinson, on a vraiment le son "maidenien" inimitable : voix plus aigue, lignes vocales plus étendues (le début de la chanson titre, typiquement), le groupe gagne en complexité ce qu'il perd peut-être en efficacité directe. Dans tous les cas, l'intégration du nouveau chanteur est impressionnante (dès le titre d'ouverture, Invaders, on est entré sans la moindre phase d'adaptation dans cette nouvelle ère), et l'alignement de tubes tout autant : Children of the damned, The prisoner, 22 Acacia avenue et Number of the beast sont toutes des réussites exceptionnelles. Petit coup de moins bien à nouveau en fin d'album (le refrain choral de Run of the hills est assez peu inspiré, et Gangland qui suit ne vaut pas mieux) mais ce sont les deux titres les plus courts, et Hallowed be thy name conclut en beauté un nouvel album absolument incontournable. Mais si on suit l'espèce de numérologie présente dans certains titres d'album ultérieurs, ce "six six six" n'aurait-il pas eu sa place un peu plus tard dans la liste ?
  
  
• Iron Maiden - Piece of mind (1983) ★ ★ ★
  
  Je l'avoue, parmi les albums des années 80 du groupe, qui sont en général uniformément considérés comme des classiques, il y en a un avec lequel j'ai toujours un peu de mal, c'est celui-ci. Pourtant, ça commence très fort avec un excellent Where eagles dare introduit par un motif de batterie spectaculaire (le nouveau batteur du groupe aura eu droit à une sacrée entrée !), mais ensuite, le creux que je ressentais souvent en fin d'album dans les disques précédents, là je le retrouve un peu partout. Emploi presque systématique des choeurs pour des refrains pas franchement recherchés (celui de Flight of Icarus, franchement...), des ostinatos rythmiques qui servent quasiment d'unique structure sur plusieurs chansons, voire même des modulations assez artificielles (dans Die with your boots on ou l'intro de To tame a land), l'évidence qui ressortait d'une grande partie des chansons jusque-là a pour moi momentanément disparu. Reste un album solide et agréable à écouter, mais loin pour moi des deux mastodontes qui l'entourent dans la discographie maidenienne.
  
  
• Iron Maiden - Powerslave (1984) ★ ★ ★ ★ ★
  
  Comme l'appréciation de la musique passe avant tout par le ressenti, je serais objectivement bien incapable de dire pourquoi certains des défauts que je trouvais à Piece of time, le précédent album du groupe, ne me gênent pas du tout ici (pourtant, par exemple, la tendance à abuser des choeurs sur les refrains est aussi présente ici). À nouveau, tout me semble cette fois d'une fluidité remarquable, et pour une fois, même pas vraiment de baisse de tension en cours d'album. Ca commence très fort avec Aces high et surtout 2 Minutes to midnight, on a droit à un instrumental sympa (c'est rare chez Maiden, faut en profiter), aucune des chansons qui suit ne démérite et après une chanson-titre déjà exceptionnelle, on achève en apothéose avec un dantesque Rime of the ancient marriner de 13 minutes, qui est tout simplement l'une de mes chansons préférées du groupe. Un chef-d'oeuvre.
  
  
• Iron Maiden - Somewhere in time (1986) ★ ★ ★ ★
  
  Avec sa pochette futuriste et l'introduction de synthétiseurs, cet album semble vouloir inaugurer une nouvelle époque pour le groupe, ou du moins renouveler sensiblement ses sources d'inspiration. En pratique, les claviers restent discrets, et on alterne en fait entre quelques pistes qui collent effectivement à cette nouvelle image (l'excellent Somewhere in time inaugural, ou un Stranger in a strange land que j'aime beaucoup aussi) et une majorité d'autres qui recyclent beaucoup plus clairement des recettes déjà éprouvées (le refrain de Wasted years, Loneliness of the long distance runner, qui fonctionnent par ailleurs très bien), parfois un poil poussivement (Heaven can wait, Déjà vu), avant d'achever le tout sur un morceau "classiquement épique" (Alexander the great) pas déshonorant du tout mais qui fait quand même pâle figure à côté de la dernière piste de l'album précédent. Un ensemble qui fonctionne bien mais qui me semble quand même bien en retrait par rapport à Powerslave.
  
  
• Iron Maiden - Seventh son of a seventh son (1988) ★ ★ ★ ★ ★
  
  Le classique incontournable en ce qui me concerne, je crois bien que c'est le premier album du groupe que j'ai découvert, et je l'ai adoré immédiatement. Je n'essaierai d'ailleurs même pas d'en faire un semblant de critique objective, il n'y a de toute façon pas une chanson sur celui-là qui ne me convainque pas.
  
  
• Iron Maiden - No prayer for the dying (1990) ★ ★
  
  Bon alors, ce huitième album mérite-t-il vraiment sa (mauvaise) réputation ? Ce qui est manifeste dès le départ, c'est qu'il y a un changement de direction et même un retour en arrière assumé de la part du groupe : aucune chanson longue (seule le dernier titre dépasse les 5 minutes), plus de sons synthétiques, le but affiché est de se recentrer sur l'efficacité des premiers albums (et même plutôt des tout premiers, avant l'arrivée de Dickinson au chant). Pourquoi pas, mais le gros problème, c'est que ce retour en arrière s'accompagne de fait d'une grosse régression en terme de qualité des compositions. Dès la première piste, le bât blesse : jusqu'ici Maiden avait toujours démarré ses albums avec un tube énergique qui lançait parfaitement la machine, là malgré un riff initial tout ce qu'il y a de plus maidenesque, Tailgunner s'enlise en cours de route, faute à un refrain choral vraiment peu subtil. Et en fait, aucune des dix chansons de l'album ne réussira à s'élever au-dessus d'un niveau correct sans plus (Holy smoke, Run silent run deep par exemple sont des titres tout à fait acceptables), avec même de vrais ratés qui font tâche (les choeurs du refrain de The assassin, ouille), et un titre final sympathique mais tellement anecdotique par rapport aux conclusions épiques auxquelles Maiden nous avait habitués. Un peu l'impression en fait d'un album entier constitué de ces "titres de remplissage" qu'on trouvait parfois dans la deuxième moitié des albums précédents. Objectivement pas si mauvais que ça, mais pour un groupe de ce calibre, forcément très décevant.
  
  
• Iron Maiden - Fear of the dark (1992) ★ ★ ★ ★
  
  Après un album assez uniformément décevant, en voilà un qui a au moins le mérite de relancer la machine, avec des chansons plus variées et même certains titres qui s'éloignent franchement de ce que propose habituellement le groupe, pas toujours pour le meilleur il faut bien l'avouer (notamment dans les chansons lentes, Afraid to shoot strangers ne commence à ressembler à du Maiden qu'au bout de 4 minutes mais les ponctuations de batterie de la première partie c'est vraiment pas terrible ; quant à Wasting love, c'est carrément une balade mièvre sans intérêt), mais parfois avec de bonnes surprises (The apparition et son riff qui évoque le Kashmir de Led Zep). Surtout, les chansons plus "classiques" du disque sont quand même d'une qualité nettement supérieure à celles du précédent, avec un bon Be quick or be dead introductif, ou les efficaces From here to eternity ou Childhood's end. On regrettera tout de même un refrain choral foireux sur Chains of misery, une ou deux chansons de trop (Week-end warrior, c'était vraiment pas la peine de la laisser), et un Bruce Dickinson qui, pour le dernier album de sa première pige chez Maiden, force parfois son talent jusqu'à l'auto-caricature (Judas be my guide typiquement).
  Pourquoi alors une note aussi indulgente après avoir cité autant de défauts ? Eh bien, simplement parce que, si une chanson peut rattraper tout un album, celui-ci en est un bon exemple, et la chanson-titre qui clotûre Fear of the dark est pour moi l'un des incontournables du groupe (la ligne mélodique qui débute le premier couplet, c'est tellement Maiden !). Tant pis si le reste est (très) inégal.
  
  
• Iron Maiden : The X factor (1995) ★ ★
  
  À propos du précédent album du groupe, j'avais répondu par l'affirmative à la question "Une chanson qui tue peut-elle sauver un album ?". Cette fois-ci c'est à la question plus épineuse "Un chanteur qui pue peut-il flinguer un album ?" que je vais devoir m'attacher puisque j'arrive à la fameuse "période Bailey" où le chanteur charismatique du groupe Bruce Dickinson s'est fait remplacer par le très décrié Blaze Bailey. Bon, je n'ai rien contre ce dernier a priori, mais soyons clairs tout de suite, c'est effectivement un choix assez incompréhensible. Si chercher un remplaçant dans le même style "lyrique" que Bailey était clairement une mauvaise idée, il aurait toutefois fallu trouver un nouveau chanteur avec une grosse personnalité, quitte à tirer un peu le groupe dans une direction différente. C'est tout le contraire qui a été fait : Bailey manque d'aigus, de puissance et surtout énormément de charisme, on a peine à imaginer qu'il n'y ait pas eu beaucoup plus intéressant à recruter parmi les chanteurs de l'époque (à vrai dire, il parait assez étonnant que Bailey ait pu se faire une place dans un groupe pro, alors le retrouver chez Maiden...). Qui plus est, la chanson la plus épique de l'album est située en première piste, c'est forcément la moins adaptée pour Bailey et ça irrite l'auditeur immédiatement (j'ai écouté ce même Sign of the cross chanté en live par Dickinson à Rio, il n'y a pas photo).
  Bon, assez parlé du chanteur, que vaut au moins la musique de ce dixième album ? Eh bien, dans l'ensemble pas mal mais inégale et avec quelques défauts, un peu comme dans Fear of the dark. Ici, la chanson qui aurait du tout exploser sur son passage est la première : malgré le fond de chants grégoriens qui fait vraiment gadget, le titre est ambitieux et maîtrisé, de l'excellent Maiden. Un bon début pas totalement confirmé ensuite : beaucoup de tempos lents qui certes conviennent mieux au chanteur mais s'enlisent en cours de route, une tendance de plus en plus affirmée à répéter ad nauseam les refrains, et surtout un album qui n'en finit pas, avec des derniers titres vraiment dispensables. Pourquoi donc avoir poussé jusqu'à 70 minutes de musique s'il n'y avait pas vraiment de quoi les remplir correctement ?
  
  
• Iron Maiden : Virtual XI (1998) ★ ½
  
  Deuxième et dernier album du groupe avec Bailey au chant, et il s'agit probablement de l'album le plus unanimement descendu par les fans. Pourtant, de bonnes nouvelles pour commencer : la pochette est nettement plus réussie que la précédente (et ça, quand même, c'est important !), et le disque démarre avec un Futurreal énergique et convaincant. De façon générale, la voix de Bailey me semble mieux mise à contribution ici, avec même de vrais bons moments (il assure bien dans Lightning strikes twice par exemple) même s'il y en a aussi de mauvais (il en fait vraiment trop dans When two worlds collide). Dernier point positif, l'album revient à un format "classique" pour du Maiden avec seulement huit chansons et une durée globale d'un peu plus de 50 minutes. Hélas, il faut bien avouer qu'il y a peu de titres à retenir musicalement parlant. À part le Futurreal déjà signalé et un Clansman qui tient la route dans le genre long titre épique (même si Maiden a déjà fait mieux dans le genre), le reste est au mieux correct mais beaucoup trop répétitif (combien de fois entend-on le refrain de The Angel and the gambler sur les 10 minutes, dont cinq sont en trop, que dure la chanson ?), au pire carrément raté (toute la fin de l'album après The Clansman est plus que poussive). Finalement, la réputation de l'album est assez méritée, vraiment trop peu de bonnes choses à retenir.
  
  
• Iron Maiden - Brave new world (2000) ★ ★ ★
  
  L'an 2000 est pour le groupe une période de changement, qui semble de toute façon annoncée par le titre de ce nouvel album. Bon, en fait de changement, c'est plutôt un gros retour en arrière puisque le groupe récupère, outre Bruce Dickison au chant, Adrian Smith à la guitare, autre pilier de la période faste du groupe. Même au niveau musical, on commence en terrain très très connu, puisque le Wicker man qui ouvre le disque est une sorte de caricature du style maidenien, jusque dans les "Wohohoho" du choeur. Mais bon, on est tellement contents de retrouver l'identité du groupe qu'on ne s'en plaindra pas. Encore mieux, le titre qui suit, Ghost of the navigator, est carrément excellent, au niveau des classiques du groupe, tout ce qu'on peut lui reprocher étant justement de ne pas chercher du tout le moindre renouvellement. Avec la chanson-titre, le niveau redescend d'un coup, le refrain étant vraiment trop pauvre (les paroles, sérieusement...) et répété. En fait, on a déjà passé le meilleur de l'album, même si quelques autres titres sont tout à fait corrects (les neuf minutes de The nomad et son inspiration orientalisante notamment), on a trop souvent des refrains sans grand intérêt (sur Blood brothers par exemple) et les quelques touches de synthé sont assez malvenues, sans compter que l'album est à nouveau probablement trop long. Bref, pour être honnête, ce n'est pas totalement l'album du renouveau pour le groupe, mais retrouver "le son Maiden" presque intact et (au moins) deux ou trois chansons à la hauteur suffit déjà à être partiellement heureux.
  
  
• Iron Maiden - Dance of death (2003) ★ ★ ★ ★
  
  Si l'on devait juger les albums d'Iron Maiden uniquement à leur pochette, ce treizième opus serait sûrement à reléguer très loin en bas de la liste. Mais fort heureusement, il est beaucoup plus intéressant musicalement que graphiquement. Lancé par deux titres courts et d'humeur assez résolument optimiste (le Wildest dreams d'ouverture, avec son "one-two one-two-three-four" initial, semble même nous convier à une séance régressive de "rock à papa"), l'album est à la fois varié, intéressant presque du début à la fin malgré une longueur qui dépasse à nouveau allègrement les 60 minutes, et comporte quelques excellentes chansons, comme No more lies ou le très orchestral Paschendale. C'est de toute façon la caractéristique la plus notable du disque par rapport aux précédents opus de Maiden, les violons synthétiques sont extrêmement présents, et pas seulement en simple fond cosmétique comme dans Brave new world. Même si ça donne un côté kitsch, je les trouve très bien employés dans le Paschendale déjà signalé (ça rajoute vraiment à l'ampleur du morceau), mais nettement nettement moins dans la dernière piste, un Journeyman dégoulinant qui frise franchement la grave faute de goût. Dommage, car il s'agit en fait de la seule piste franchement ratée du disque (bon ok, Age of innocence qui la précède est pas un chef-d'oeuvre non plus, et la piste titre Dance of death ne méritait probablement pas cet éclairage). Pour le reste, on a vraiment un bon album, qui, comme son introduction pouvait le laissait espérer, donne beaucoup de plaisir sans trop se prendre la tête !
  
  
• Iron Maiden - A Matter of life and death (2006) ★ ★ ★ ★ ½
  
  Un album totalement dans la lignée du précédent, sans surprise mais hyper efficace. Le groupe a tout de même réussi un sacré retour après sa période creuse des années 90, et je trouve même ici qu'on retrouve le côté fascinant de l'alignement de chansons toutes hyper efficaces sans qu'on ressente l'effort de composition derrière. Bon, on est pas tout à fait au niveau des albums mythiques des années 80, notamment car il manque une ou deux chansons qui se détacheraient vraiment du lot, mais il y a par ailleurs bien peu de déchet dans les dix titres proposés ici (qui sont tous relativement développés, la durée totale de l'album dépassant cette fois-ci les 70 minutes !). Du tout bon.
  
  
• Iron Maiden - The Final frontier (2010) ★ ★ ★
  
  Déjà le quinzième album du groupe, et on ne peut pas dire que l'inspiration se tarisse, puisque l'album est encore plus long que le précédent. Quoique, niveau inspiration, pas sûr que celui-ci soit le plus mémorable du lot. Pas non plus le plus désastreux certes, mais on reprend en gros les recettes des deux précédents (très peu de prise de risques, des titres très calibrés Maiden) avec un métier qui ne fait certes aucun doute mais aussi des longueurs par moments. Pourtant, le disque commence de façon assez imprévue avec l'introduction futuriste de la première piste (un peu gadget mais personnellement j'aime beaucoup) qui débouche ceci dit sur un titre assez caractéristique de l'album : pas mal mais rien de transcendant (et encore une fois un refrain trop répété). La première moitié de l'album tient quand même très bien la route, mais ensuite on se perd dans une série de chansons très développées qui semblent trop souvent courir après les grands succès du groupe sans vraiment les rattraper (des intros avec nappes de synthés en veux-tu en voilà, de l'épique qui s'essouffle, des thèmes déjà abordés plusieurs fois dans de précédents albums, mais surtout des développements instrumentaux qui n'apportent pas grand chose sauf une durée oscillant entre les 7 et les 11 minutes). On sent même parfois que ça force un peu (Dickinson gueule pas mal sur The Talisman par exemple). Maintenant que j'ai bien noirci le tableau, je peux quand même conclure en précisant que l'ensemble reste très agréable à écouter, si on n'avait pas déjà entendu ça en mieux de la part de Maiden, ce serait un excellent album.
  
  
• Iron Maiden - Book of souls (2015) ★ ★ ★ ★
  
  Eh bien, nous y voilà, au dernier album (à ce jour...) d'un groupe qui, qu'on l'aime ou pas, est un pilier indiscutable du metal depuis plus de 40 ans. Et ils ont mis les bouchées doubles, puisqu'à force d'inflation, ça ne tient même plus sur un seul CD ! Mais si la volonté de pondre un album grandiose est assez manifeste (rien que l'intro solennelle de Eternity should fail avec cette trompette, ça en jette pas mal), elle est finalement assez bien assumée. Oui, bien sûr, il y a du refrain répétitif, des choeurs un peu puérils (les wohohoho dans The red and the black), une utilisation franchement abusive d'effets d'échos sur les voix (à croire qu'ils ont découvert le gadget récemment et ne peuvent pas s'empêcher d'en mettre un peu partout) et même quelques pistes de remplissage dont on se serait volontiers passé pour que l'album revienne à une durée plus standard (When the river runs deep ou The man of sorrows). Mais la majorité du temps, c'est quand même très bon (peut-être que l'effet pshychologique "dernier album" joue aussi dans cette impression). Une chanson comme The great unknown est super efficace, mais ce sont surtout les pistes longues et ambitieuses qui tiennent la route, à commencer par la chanson-titre qui, sans rien révolutionner, conclut superbement le premier disque. Pour la conclusion du deuxième, il y avait de quoi craindre le gros dérapage : une chanson de 18 minutes qui débute avec un solo de piano kitschouille bientôt accompagné de violoncelle, à première écoute, ça semble vraiment trop loin du style Maiden et trop caricatural pour passer la rampe, et puis en fait on s'y fait et il y a même de très beaux moments dans cette chanson (bon, qui reste quand même un peu longue pour son contenu à mon goût). Comme pour l'album dans son ensemble finalement, ce n'est clairement pas le sommet du groupe, mais c'est quand même diablement attachant.
  
  
• Iron Maiden - Senjutsu (2021) ★ ★
  
  Nouvelle livraison de la part du groupe le plus célèbre de la sphère metal, et comme pour le précédent, c'est du volumineux, avec un double CD et un peu plus d'une heure vingt de musique. Je vais être très honnête : à la première écoute, j'ai trouvé l'album complètement raté. Je suis un petit peu revenu depuis de cette première impression très négative : il reste quand même dans tout ça un savoir-faire indéniable, tant au niveau de la composition que de l'interprétation, et la patte Maiden reste bien présente et audible. On atteint même dans quelques titres le très satisfaisant : la chanson-titre introduit de façon efficace le double album (c'est peut-être d'ailleurs la seule à tenir vaguement la promesse d'une inspiration japonisante), et parmi les titres à rallonge qui clôturent le disque, The Parchment est une réussite même si on a l'impression d'avoir déjà fait cent fois le tour de ce genre d'atmosphères et de thèmes avec Maiden. Justement, les défauts, tout de même, restent nombreux : le son globalement indigne d'un groupe aussi reconnu en 2021 (sur le single Stratego, c'est carrément désastreux, comment ont-ils pu laisser passer ça ?), l'impression persistante que Maiden se repose vraiment sur des recettes éprouvées (le Empire of the clouds conclusif de Book of souls était une prise de risque autrement plus manifeste que toutes les pistes de Senjutsu réunies), et surtout un manque de conviction qui fait que les titres s'éternisent sans accrocher suffisamment pour justifier leur durée (forcément, y a plein de solos, faut bien faire bosser les trois guitaristes, mais même s'ils ne sont pas infâmes, on est à peine au-dessus du remplissage la plupart du temps). Encore une fois, pourquoi remplir 80 minutes si ça ne tient pas la route musicalement (dans un format beaucoup plus ramassé, Days of a future past fonctionne assez bien par exemple) ? Bref, un album qui s'écoute très bien, mais mineur au vu de la gigantesque discographie du groupe.
  
  
  
  
• Judas Priest - Rocka rolla (1974) ★ ★
  
  C'est à un des plus gros poids lourds du metal que je m'attaque avec cet album, sorti à une époquen où le genre était encore balbutiant. À tel point d'ailleurs que ce premier essai, outre sa pochette et son titre assez ridicules, a le gros défaut... de ne pas être du tout un disque de metal, mais bien du rock tout ce qu'il y a de plus standard, avec un certain groove plutôt appréciable sur quelques pistes (One for the road, Never satisfied), mais aussi des choses plus expérimentales d'un intérêt très limité (Deep freeze) et un Run of the mill où on a l'occasion d'entendre pour la première fois Rob Halford monter dans les aigus, mais c'est pas franchement beau (le même Halford surprend plus en mode quasiment crooner sur Dying to meet you). Globalement, ce n'est pas désagréable mais ça n'a quand même qu'un intérêt très limité tant ça manque d'originalité et de personnalité. Si on compare aux débuts de Black Sabbath quelques années plus tôt (groupe qui est censé avoir fortement influencé Judas Priest), on est quelques catégories en-dessous.
  
  
• Judas Priest - Sad wings of destiny (1975) ★ ★ ★ ½
  
  Après un premier disque oubliable, je ne suis pas encore entièrement séduit par ce deuxième album de Judas Priest, même si les écoutes répétées me l'ont quand même fait pas mal réévaluer (oui, oui, j'étais initialement parti pour une note plus sévère). Soyons honnêtes, même s'il s'agit encore d'un album beaucoup plus rock que metal, il y a quand même pas mal de pistes très intéressantes : un prélude assez grandiloquent avec piano et "orchestre" qui lance bien les choses (enfin, si on n'a pas une version de l'album où il se retrouve en plein milieu...), suivi d'un Tyrant vraiment réussi (le duo vocal à un moment fonctionne vraiment super bien), et puis bien sûr le morceau de bravoure Victim of changes qui serait excellent... si Halford ne se lançait pas sur la fin dans des piaillements suraigus complètement délirants et à la limite du supportable. Ce n'est hélas pas la seule piste où ce genre de gag vient tout gâcher, Dream deciever (espèce de ballade mélancolique à l'atmosphère très prenante) peut difficilement être écoutée jusqu'au bout à cause d'un passage en voix de tête risible (non, désolé, je ne comprends vraiment pas, du chant aigu "normal" très bien, mais là c'est pas possible). Et puis on se serait quand même extrêmement bien passé de l'espèce de parodie de Queen que constitue Epitaph. Bon, je suis méchant mais pour le reste c'est quand même vraiment pas mal hein.
  
  
• Judas Priest - Sin after sin (1977) ★ ★ ★
  
  Troisième étape dans ma découverte de la discographie de Judas Priest, je continue à trouver ça très sympa, mais pour moi ça ne monte pas au-dessus (c'est même un peu moins bon à mon sens que l'album précédent). Déjà, c'est à nouveau trop rock et pas assez metal pour moi (le titre d'ouverture Sinner, par exemple, même pour l'époque ça renverse pas les tables, encore une fois ça n'a vraiment rien de comparable avec ce que produit Black Sabbath un peu avant à mon sens), et puis il y a quand même un ventre mou de chansons assez quelconques en milieu d'album (de Last rose of summer à Raw deal, rien n'est franchement mauvais mais ça s'oublie aussi tôt). Le reste est bien, voire très bien : Dissident agressor est le seul titre qui dépote un peu plus, Starbreaker fonctionne très bien sans chercher midi à quatorze heures, mais le meilleur dans cet album c'est pour moi Diamonds and rust, c'est-à-dire une reprise (ceci dit, j'ai été écouter l'original de Joan Baez que je ne connaissais évidemment pas, et ça n'a quand même pas grand chose à voir !). Sans être franchement déçu, j'attends toujours un titre du groupe qui me donne vraiment envie de l'écouter en boucle.
  
  
• Judas Priest - Stained class (1977) ★ ★ ★
  
  Toujours la même chose en ce qui concerne Juas Priest pour moi, c'est sympa mais pas inoubliable. Pourtant, la pochette laissait imaginer un album beaucoup plus metal que les précédents, c'est vaguement le cas (la première piste Exciter bien speed, ou encore Saints in hell) mais toujours sur un modèle de riff très répété certes efficace mais qui lasse un peu à la longue. Je préfère en fait la chanson titre, vraiment sympathique, et (encore une fois) la reprise Better by you, better than me qui reste bien en tête. Le disque se termine bien avec la ballade Beyond the realms of death (mais j'ai lu un peu partout que c'était le Stairway to heaven du groupe, je trouve la référence écrasante) et un Heroes end qui ne se prend pas la tête mais qui est bien réjouissant dans un style hard rock plus classique. Le reste est correct mais vite oublié, c'est encore une fois un bon album mais vraiment rien de plus pour moi. Je crois que je vais arriver à cours d'inspiration pour les disques suivants si ça continue comme ça.
  
  
• Judas Priest - Killing machine (1978) ★ ★ ★ ½
  
  Grosse année 1978 pour Judas Priest, puisque cet album déboule à peine quelques mois après Stained class. Pas vraiment de baisse d'inspiration pour autant, on a même droit à quelques titres qui figurent pour moi parmi les meilleurs que j'ai écoutés du groupe pour l'instant : l'introductif Delivering the goods, hyper efficace, et surtout Hell bent for leather qui, en plus de fixer le fameux look cuir du groupe, possède un refrain irrésistible (le motif de guitare est excellent). On a aussi droit (comme d'habitude !) à une reprise réussie avec The green manalishi. Mais hélas, un album de Judas Priest ne semble pas pouvoir être convaincant de bout en bout, et celui-ci aussi a droit à ses pistes plus quelconques et datées (Rock forever, Evil fantasies), et même à du franchement douteux (le refrain de Evening star, le retour de la caricature de Queen avec Take on the world). Inégal donc, même si les hauts sont suffisamment hauts pour en faire l'un de mes disques préférés du groupe jusqu'à présent.
  
  
• Judas Priest - British steel (1980) ★ ★ ★ ½
  
  Je continue finalement mon parcours tranquille de la discographie de Judas Priest, et je change enfin de décennie. Après le fameux live Unleashed in the East, le groupe revient avec la volonté manifeste de faire efficace : neuf titres tous assez calibrés (on n'atteint jamais les cinq minutes), et une certaine simplicité dans la construction des chansons, jusqu'à devenir presque caricatural (Breaking the law, 2 minutes 30 qui reposent sur quasiment rien, et pourtant c'est très efficace !). Et ça marche de fait assez bien, Rapid fire, Grinder ou même The Rage (malgré son intro surprenante à la basse) sont des titres qui ne vont pas chercher midi à quatorze heures et qui se dégustent avec plaisir. À côté de ça, comme d'habitude, on a toutefois des tentatives nettement moins réussies, le refrain choral de Living after midnight ou l'enième tentative de faire un tube queenesque United sont assez ratés. Surtout, même si l'album reste globalement très bon, je ne peux toujours pas crier au chef-d'oeuvre, tant j'ai l'impression que par rapport aux groupes vraiment novateurs de la même période (le premier album de Maiden date de cette même année 1980...), Judas Priest se contente de faire un boulot correct mais qui n'a rien d'exceptionnel.
  
  
• Judas Priest - Point of entry (1981) ★ ★ ½
  
  Pour ce début de nouvelle décennie, le groupe continue encore à aligner les disques avec une régularité impressionnante, mais celui-ci a nettement plus mauvaise presse que ses prédécesseurs (et successeurs, d'ailleurs) immédiats (et pas seulement à cause de la pochette). Je ne suis qu'à moitié d'accord. Sur le fond, ça reste pour moi un album de Judas Priest assez cohérent avec ce qu'ils font depuis un certain temps, des titres bien calibrés et globalement plus rock que franchement métal, avec quand même une ou deux pistes qui envoient un peu plus. Bon, ok, sur celui-ci, c'est vrai que ça manque quand même de chansons vraiment efficaces, il y a bien Heading out to the highway et son excellent riff qui ouvrent parfaitement l'album, mais ensuite rien de très impressionnant (Desert plains et son motif presque hypnotique est réussie mais on est dans un autre genre). Et par contre, on a comme toujours un ou deux titres vraiment douteux qui semblent s'être égarés (les bruitages de Solar angels, le refrain de You say yes qui vient gâcher l'excellente intro). Le tout s'écoute encore agréablement, mais sans plus, on s'éloigne encore un peu du concept d'album mémorable (que selon moi le groupe n'a de toute façon encore jamais produit).
  
  
• Judas Priest - Screaming for vengeance (1982) ★ ★ ★ ★
  
  Après un Point of entry, le groupe reprend du poil de la bête. Là, pour la première fois de toute la discographie du Priest, on a vraiment un très grand moment, avec l'entrée en matière exceptionnelle que constitue le très court The Hellion (intro instrumentale qui réussit l'exploit d'être grandiose sans donner dans le pompeux) enchaîné avec un Electric eye ravageur malgré les voix assez robotiques dont je ne suis pas fan (m'enfin, en termes d'effets bizarres, Fever est nettement pire). Alors, ça y est, on le tient, le chef-d'oeuvre ? Eh ben non, pas encore, car le groupe semble définitivement incapable de faire un album entier homogène et réussi de bout en bout. On a donc une qualité assez décroissante au long de la première moitié du disque (Riding on the wind est très bonne, la plus rustique Bloodstone fonctionne encore malgré une répétitivité certaine, mais ensuite c'est vraiment moins bon), mais heureusement, quelques bonnes surprises nous attendent en fin de course, avec un You've got another thing coming où Judas Priest réussit (enfin !) à créer un tube "queenesque" immédiatement séduisant, et le Devil's child final qui sent bon son AC/DC (ce qui personnellement ne me dérange pas). Magré un gros ventre mou, c'est quand même un excellent album.
  
  
• Judas Priest - Defenders of the faith (1984) ★ ★ ★ ★
  
  Approchant de la moitié de la discographie de Judas Priest, je n'ai toujours pas trouvé d'album justifiant totalement à mon goût leur place au sommet du panthéon du metal, mais eux sont manifestement tout à fait convaincus de leur talent et n'hésitent pas à se déclarer ici en tant que défenseurs de la foi métallique. Cela prend la forme d'un diptyque qui clôt l'album en mode "faisons lever les foules dans les stades" (Heavy duty/Defenders of the faith), on est vraiment à la limite du ridicule, mais c'est finalement assez cohérent avec d'autres tentatives antérieures du groupe de créer des hymnes fédérateurs. Et le reste de l'album ? Pas de tuerie absolue comme l'intro du précédent, mais quasiment que du (très) bon (seule la ballade Night comes down me semble assez quelconque), une entrée en matière efficace avec Freewheel burning, des refrains qui fonctionnent (Love bites, Eat me alive) et même un The Sentinel épique qui lorgne presque du côté de Maiden. Bref, encore une fois, sans être une révélation absolue, ça reste très solide.
  
  
• Judas Priest - Turbo (1986) ☆
  
  Ah, les années 80, le bon vieux son des synthés en plastique et la musique "easy listening" qui cache juste un manque total d'inspiration sous quelques kilos de paillettes ! Bon, ok, c'était à la mode à l'époque, et même Maiden a mis des synthés dans son Somewhere in time la même année. Mais Judas Priest ne se contente pas du tout de saupoudrer un peu de sons futuristes dans ce Turbo, non non non, sous prétexte de racoler le marché américain (pour lequel ils devaient donc avoir sacrément peu de respect, soit dit en passant !), ils se vautrent allègrement dans les pires clichés de cette musique facile : guitares synthé qui bzouibzouitent à longueur d'album (l'intro de Out in the cold, c'est vraiment pas possible), batterie en mode pilotage automatique surmixée pour claquer de façon complètement artificielle, et surtout des compositions qui ne sauvent même pas le disque, avec des refrains chantés en choeur sucrés au possible (Private property, Rock you all around the world). Aucun titre qui ne soit pas à jeter dans cette tentative honteuse (apparemment, Turbo lover est tout de même considéré par beaucoup comme un classique du groupe, pourtant il combine tous les défauts cités ci-dessus...), surtout de la part d'un groupe qui s'était déclaré Defenders of the faith deux ans plus tôt !
  
  
• Judas Priest - Ram it down (1988) ★ ★
  
  Initialement, l'horrible Turbo devait être un double album (la vache, déjà qu'un simple était de trop...). Du coup, ce Ram it down sorti deux ans après contient des bouts prévus pour aller dans le disque précédent, est-ce un signe du fait qu'on va encore devoir faire preuve d'un certain masochisme pour aller jusqu'au bout de l'écoute ? Non, heureusement, si on retrouve quelques caractéristiques sonores (niveau batterie notamment), le ton est beaucoup plus musclé, et donc intéressant. D'ailleurs, la chanson titre qui ouvre l'album est une bonne surprise, ça va vite et c'est efficace. Je suis ensuite un peu perturbé par des réminiscences thématiques (bon, pour Heavy metal, c'est parce que j'ai triché, j'ai déjà écouté Painkiller, et le motif de All guns blazing est quand même plus que reconnaissable ; quant à Love zone, j'y entends Antisocial et ça crée un décalage pour le moins curieux), mais il y a globalement du bon sur une moitié du disque (Come and get it, c'est très bien !). Et puis... bah ça s'effondre un peu, Blood red skies retrouve des sonorités insupportables (ça a un petit côté Final Countdown par moments, mais sans le côté jouissif du titre d'Europe), puis on a droit à une reprise incompréhensible de Johnny B. Goode (j'adore l'original, mais là ça ne ressemble à rien) et on conclut avec un Monsters of rock inhabituellement lent et lourd pour du Judas Priest mais qui remonte un peu le niveau. Avec quelques ratés et pas franchement de vrai tube, on a un album très mineur dans la discographie du groupe.
  
  
• Judas Priest - Painkiller (1990) ★ ★ ★ ★ ½
  
  La versatilité de Judas Priest est quand même extraordinaire. Après s'être vautrés dans un heavy disco-FM immonde pour Turbo, voilà que, seulement deux albums plus tard, ils sortent l'album le plus brutal (et de loin !) de leur discographie, comme s'ils s'étaient soudain rendus compte que, quitte à essayer de coller à la mode, il y avait aussi un truc appelé thrash metal qui s'était bien développé ces dernières années et que peut-être ce serait cool de s'y mettre aussi. Mais le pire, c'est qu'ils font ça extrêmement bien : le nouveau batteur est manifestement dans son élément (cette intro sur le titre éponyme !) même si c'est loin d'être subtil, les guitares s'en donnent à coeur joie avec une avalanche de riffs acérés et de solos efficaces. En fait, le seul auquel cette nouvelle ambiance très musclée ne convient pas, c'est Halford qui force dans l'aigu en permanence jusqu'à devenir franchement pénible (c'est lui qui coûte à l'album la note parfaite). Pour le reste, même si c'est un brin monolithique (les cavalcades de Hell patrol, Leather rebel ou Metal meltdown, toutes réussies qu'elles soient, sont un peu sur le meme modèle), quelle efficacité ! On notera quand même une tentative sur la deuxième moitié de disque de créer des atmosphères inquiétantes un peu plus vintage qui collent peut-être plus à l'image traditionnelle du groupe (l'excellent Night crawler, et surtout la surprenante A touch of evil avec la résurgence des synthés). Mais en ce qui me concerne, c'était presque inutile, du bourrin aussi bien fichu et prenant que Painkiller ou All guns blazing, j'en redemande !
  
  
• Judas Priest - Jugulator (1997) ★ ½
  
  Après un Painkiller pourtant excellent, il aura fallu attendre sept longues années avant de voir une nouvelle proposition de la part de Judas Priest. La faute, bien entendu, à la rupture avec son chanteur emblématique Rob Halford. Mais alors, maintenant qu'ils ont trouvé un remplaçant en la personne de l'inconnu Tim Owens, que faut-il attendre de leur musique ? Eh bien, si Painkiller était inhabituellement violent pour le groupe, ça restait encore bien léger par rapport à ce que propose ce Jugulator. Rythmique ultra lourde, guitares hyper graves et saturées, on reconnait à peine le groupe, on a plus l'impression d'être en train de découvrir un épigone du premier Sepultura, voire pire (Judas Priest a tourné à l'époque avec Pantera, après tout...). Au niveau des bons points, Owens s'en sort très très bien (capable d'aller dans l'aigu façon Halford mais loin de se limiter à ça) et quelques introductions qui mettent dans l'ambiance (bien sombre, on l'aura compris). Côté mauvais, un abus de bruitages ineptes (sur Decapitate, ça frise le mauvais goût), un son beaucoup trop chargé (guitares saturées donc, mais aussi batterie ultra bourrine) et une musique qui ressasse en permanence le même type de structures (riff répétitifs et peu mélodiques), ça finit assez rapidement par fatiguer. En fait, on a en face de soi un album assez lambda de thrash bien bourrin, genre qui ne jamais passionné outre mesure. Judas Priest nous a habitués à mieux que ça.
  
  
• Judas Priest - Demolition (2001) ★ ½
  
  Les années 90 auront vraiment été années de vaches maigres en ce qui concerne Judas Priest, puisqu'il faut attendre 2001 pour voir débarquer le deuxième (et dernier) album du groupe avec Tim Owens au chant. Si Jugulator était assommant de bourrinitude, ce Demolition, malgré son titre (et sa pochette franchement cheap) l'est moins. Certes, on garde un son assez désagréablement lourd et saturé, mais c'est beaucoup plus varié et mélodique que l'opus précédent. Là où le bât blesse, c'est que c'est en fait trop varié, ça part dans différentes directions contradictoires, c'est très long, et on a bien du mal à comprendre le but de l'ensemble. Un peu de synthés datés (sur l'horrible ballade Close to you ou sur Lost and found), des effets au mieux discutables, au pire douloureux (la voix robotisée du refrain de Cyberface, on tombe vraiment très bas), beaucoup d'intros plus ou moins bruitistes sans intérêt, d'autres qui lorgnent assez clairement du côté de Metallica (Hell is home ou In Between, on a aussi une sensation de déjà entendue pénible sur les lignes de chant de Subterfuge, qui est par ailleurs un bon titre), mais aussi un One on one aux forts relents de Rammstein (c'est à la fois inattendu et assez raté), et le Metal messiah qui conclut l'album est une atroce bouse avec couplets rappés qui confirme vraiment que Judas Priest a mis de tout et de n'importe quoi dans ce disque. Ce n'est pas toujours mauvais (Feed on me par exemple), mais il aurait au moins fallu faire un peu de tri dans tout ça...
  
  
• Judas Priest - Angel of retribution (2005) ★ ★ ½
  
  C'est l'album du grand retour pour Judas Priest. Grand retour de Rob Halford au chant, bien entendu (mine de rien, même s'il n'y a eu que deux albums publiés pendant la période Owens, 15 ans se sont écoulés depuis Painkiller). Mais aussi le retour à un style beaucoup moins agressif et moderne pour le groupe, qui semble vouloir renouer avec la tradition de ses albums des années 80 plutôt que de faire une suite à Painkiller (ou aux deux bouses qui l'ont suivi). C'est à la fois rassurant et en même temps un peu décevant, à l'image d'un album tout à fait honnête mais qui ne transporte jamais complètement. Le début est pourtant pas mal, Judas rising profitant d'un son assez massif et d'une énergie communicative, et Deal with the devil ayant un refrain qui fonctionne bien. Mais petit à petit, on se met en mode service minimum et les titres "corrects sans plus" s'alignent (la ballade Angel, la cavalcade Hellrider qui veut remettre du rythme dans l'ensemble mais n'y parvient pas totalement). On se dit même par moments qu'il serait temps de passer à autre chose (les cris d'Halford à la fin de Demonizer ne passent pas), ce qui sera d'ailleurs plus ou moins le cas avec la très longue Lochness conclusive, qui a le mérite de tenter vraiment autre chose, tout en nous laissant un peu sur notre faim. Pas un mauvais album, mais on pouvait espérer mieux pour les retrouvailles du groupe avec son chanteur mythique.
  
  
• Judas Priest - Nostradamus (2008) ★ ★ ★ ★ ★
  
  S'il y a une chose qu'on ne peut pas reprocher à Judas Priest, c'est de rester trop longtemps campé sur ses acquis. Le groupe avait déjà opéré plusieurs changements de direction aussi abrupts que surprenants, mais celui de Nostradamus est probablement le plus invraisemblable de tous : après 35 ans de carrière et alors qu'ils viennent de récupérer leur chanteur emblématique pour un album qui pour le coup regardait clairement en arrière, voilà qu'ils reviennent avec dans leur poche un double disque consacré donc à Nostradamus, sorte de rock rock opera où les chansons sont entrecoupées de nombreux titres de transition atmosphériques, avec grand renfort de claviers symphoniques (par moments, on a l'impression que le Michel de Notre-Dame, en plus de prédire des conneries, avait inventé le voyage dans le temps et fait un petit tour à bord de l'Enterprise). Sur le papier, ça ressemble franchement à une très mauvaise idée, le groupe ne semblant pas du tout le plus indiqué pour ce genre de projet (ils m'ont jusqu'ici rarement convaincu quand ils essayaient de dépasser le stade de la chanson à la structure basique, simple mais percutante). Et de fait, l'album a été très controversé chez les adeptes du Priest classiquement heavy. Eh bien moi je trouve que c'est tout simplement leur plus grand réussite... Certes on reconnaît à peine le groupe, mais l'ambiance (globalement sombre) est vraiment hyper prenante, Halford évite les piaillements aigus et chante sobrement mais de façon réellement habitée, et les titres mémorables s'enchaînent (Prophecy, War, l'enchaînement de Sands of time et de Pestilence and plague avec son refrain en italien, les plus épiques Conquest ou Nostradamus, la très belle Alone). En fait, je pourrais citer quasiment toutes les "vraies" chansons de l'album, qui ne tombe dans la mièvrerie qu'à une ou deux reprises (la ballade Lost love est vraiment mauvaise, le plus gros point noir, et l'enchaînement Hope/New beginnings sur le CD2 est aussi d'un goût fort discutable). Mais ces petites erreurs de parcours ne suffiront pas à réfréner mon enthousiasme, je suis vraiment fan de cet improbable machin !
  
  
• Judas Priest - Redeemer of souls (2014) ★ ★
  
  Le temps passe et les albums de Judas Priest se font de plus en plus rares (douze entre 1974 et 1990, seulement cinq entre 1990 et 2014). On a même pu croire le groupe définitivement mort après Nostradamus (qui aurait été un magnifique adieu !) : tournée présentée comme étant la dernière, départ de l'un des membres fondateurs (le guitariste K.K. Downing), ça sentait vraiment la fin, et puis en fait non, un nouvel album est enfin arrivé, six ans après le précédent. Point de projet ambitieux cette fois-ci, on revient, comme dans Angel of retribution, à un heavy des familles tout à fait classique et prudent. D'ailleurs, on a vraiment le petit frère de l'album cité, mais en moins bon, notamment à cause d'un son très brouillon qui rend même quelques pistes quasi inaudibles (Metalizer, c'est de la bouillie sonore), et à quelques éléments pourtant caractéristiques du groupe mais qui ne passent plus (les aigus d'Halford sur Halls of Valhalla ou sur Battle cry sont plus douloureux qu'autre chose, la ballade Beginning of the end est vraiment médiocre, même si c'est un chef-d'oeuvre comparé au Never forget qui conclut le CD bonus pour les courageux qui ont opté pour la version complète de presque une heure et demie de l'album). On se console quand même avec des compositions dans l'ensemble correctes (Redeemer of souls et son côté épique presque maidenien, la rigolote March of the damned, ou le groovy Crossfire), mais l'ensemble manque tout simplement trop de conviction pour être plus qu'un album acceptable mais très oubliable dans la discographie du groupe.
  
  
• Judas Priest - Firepower (2018) ★ ★ ★ ½
  
  Judas Priest perd ses membres historiques un à un (c'est désormais Glen Tipton atteint par Parkinson qui laisse sa place) mais continue à produire un album de temps à autre. Ce dernier en date semble annoncer via sa pochette un retour à l'époque de Defenders of the faith, mais c'est vite contredit par ce qui nous est envoyé dans les oreilles : au moins niveau son, on a droit à quelque chose de nettement plus moderne et puissant que le moyen Redeemer of souls précédent, ça envoie vraiment, et la piste éponyme inaugurale est vraiment excellente. D'ailleurs, tout le disque s'écoute vraiment tout seul, même si on pourra reprocher au groupe de se laisser un peu porter par cette excellente production et de ne pas toujours se fouler niveau compositions : refrains en choeur à gogo (qui tombent parfois dans l'énervant, comme sur Children of the sun), influences qui vont de Metallica (Lone Wolf) à Maiden (Traitor's gate), sans jamais atteindre de sommet inoubliable (à part la première piste, ça manque de titres vraiment marquants, même si j'aime beaucoup Necromancer ou Rising from ruins) mais sans non plus souffrir du phénomène du ventre mou, ce qui est en soi un bel exploit pour un disque proposant pas moins de 14 chansons. En fait, le groupe nous propose simplement un tour d'horizon du heavy metal avec la belle assurance des vétérans qu'ils sont désormais devenus, mais qui sont loin de proposer de la mauvaise musique.
  
  
  
  
• Kayo Dot - Choirs of the eye (2003) ☆
  
  Album écouté sur les conseils d'un camarade fan de metal assez expérimental, je dois bien avouer que je n'ai pas du tout aimé. Déjà, je suis très surpris de l'étiquette metal collée à ce disque (bon, ok, "metal d'avant-garde" apparemment) tant il s'agit de musique qui n'a strictement rien à voir avec du metal : en gros de la musique contemporaine avec des influences jazz jouées sur une grande variété d'instruments (cuivres notamment !), avec des guitares qui sont en mode acoustique les trois quarts du temps. Le seul moment vraiment metal est à la fin de The Manifold curiosity, avec guitares saturée et chant rauque ... sous-mixé et complètement inaudible en fond (mais ça fait apparemment partie du concept puisqu'il y a plusieurs moments où on se demande s'il y a vraiment quelqu'un en train de chanter ou pas). Le reste du temps, une musique d'une prétention abominable (et que je t'envoie un accord planant et trois notes de guitare parcimonieusement étalées dessus pendant 30 secondes, on imagine rien qu'à l'écoute les musiciens jouer ça avec la pose inspirée de rigueur), des pistes ultra-longues mais vides de contenu, et une volonté insupportable de rendre le chant le plus abscons possible (parfois le texte est juste dit, c'est toujours mieux que le chant désincarné en voix de tête de The Wayfarer qui donne envie de baffer le chanteur), il y a une telle volonté là-dedans de faire de la musique intelligente que ça en devient totalement détestable. Mais je suis quand même tout à fait content qu'on m'ait fait découvrir ça (il faut bien tenter de toute façon pour savoir quoi en penser !), je n'imaginais même pas que ce genre de musique existe à vrai dire !
  
  
  
  
• King Diamond - Conspiracy (1989) ★ ★ ★ ½
  
  J'ai finalement bien fait de persévérer un peu avec King Diamond malgré mon allergie initiale pour son chant si particulier. Après deux albums avec Mercyful Fate, il a lancé un projet solo (et alternera d'ailleurs un bon moment entre les deux après la reformation de son premier groupe dans les années 90) qui va lui permettre d'évoluer sensiblement musicalement : on passe petit à petit d'un style heavy à tendance sombre à quelque chose de beaucoup plus clairement gothique et théâtral (la plupart de ses albums solo sont des concepts albums centrés sur une histoire qui fleure bon le film d'horreur un peu désuet), avec adjonction progressive de claviers (sur cet album ils ne sont encore qu'assez rarement sur le devant de la scène) et utilisation différente de la terrible voix aiguë du King. Les changements permanents et abrupts de registre ont été oubliés (ouf, ça devient supportable pour moi après quelques albums encore trop piaillants), désormais le suraigu est plus souvent utilisé sur les refrains ou de façon très mélodique pour accentuer l'ambiance de certains passages, et ça passe mieux (même si ça reste un point noir du disque, sur Sleepless nights ou The Wedding dream notamment). C'est en tout cas suffisant pour que je puisse enfin m'attarder sur le fond instrumental, et là il faut bien le dire, c'est bon, et même souvent très bon, guitares incisives (malgré une production pas terrible), mélodies efficaces, ambiances recherchées, il y a plusieurs titres vraiment excellents dans le lot : les neuf minutes d'At the graves (et son intro au clavier), A visit from the dead (probablement mon préféré du disque) et bien sûr l'instrumental final Cremation qui réussit à bien intégrer sa citation du motif principal du Mars de Holst (y en a combien, des groupes de metal qui ont repris Mars ?). Bref, un vrai bon disque qui serait un classique immédiat si le chant n'était pas encore repoussoir par moments (mais je crains que King Diamond ne se soit jamais vraiment totalement assagi de ce point de vue, faudra bien que je fasse avec pour la suite !).
  
  
• King Diamond - The Eye (1990) ★ ★ ★ ★
  
  Pour ce nouvel album concept, King Diamond s'empare d'une histoire de nonnes possédées s'adonnant à des cérémonies sataniques et lubriques orchestrées par un confesseur lui-même manifestement sévèrement atteint (histoire vraie très proche de celle des Diables de Loudun de Penderecki, mais l'illustration musicale n'est pas vraiment dans le même style). Un sujet en or pour lui, bien entendu, qui s'en donne par exemple à coeur joie en rejouant à lui tout seul une scène de procès où il interprète tour à tour tous les personnages. S'il en fait probablement un peu trop, il faut quand même bien reconnaître que le style musical pratiqué par son groupe s'adapte à merveille au récit, les passages atmosphériques sont parfaits (le vraiment inquiétant Two little girls, l'emploi intelligent des claviers, notamment la ritournelle au clavecin qui démarre Behind these walls), ça reste mélodiquement très solide, et les titres excellents s'enchaînent presque sans discontinuer (l'instrumental Insanity est en-dessous du reste, mais il met encore mieux en valeur l'énorme 1642 Imprisonment qui lui succède et reprend son thème). Franchement, j'en viendrais presque à oublier la voix du King (elle colle parfaitement au thème, sans que ça la rende spécialement agréable pour autant !). Un très bon album, encore un peu au-dessus du précédent à mon sens.
  
  
• King Diamond - The Spider's Lullabye (1995) ★ ★ ★ ½
  
  Alors que son projet solo semblait avoir pris son rythme de croisière à la fin des années 80, les quelques années qui vont suivre montreront un King Diamond hésitant sur l'évolution à donner à sa musique : dissolution du projet solo en question pour reformer Mercyful Fate (deux albums sortiront, mais je préfère définitivement la facette King Diamond à Mercyful Fate), puis reformation du projet, et finalement alternance entre les deux, avec parfois une influence manifeste de l'un sur l'autre. Justement, pour ce premier disque après cinq ans d'absence sous ce nom, King Diamond semble ne pas vouloir prendre trop de risques et scinde son disque en deux : une première moitié constituée de titres heavy (presque speed par moments) sans grand rapport entre eux, où Diamond essaye de donner de la personnalité en abusant de sa voix aiguë, ce qui bien entendu a plutôt pour effet de gâcher un peu les choses (Moonlight notamment), même si ça reste très correct. Mais il faut attendre l'espèce de suite constituée des quatre derniers morceaux (où on retrouve une sorte de mini-album concept centré sur les araignées qui ont donné son titre à l'album) pour retrouver le côté atmosphérique et les ambiances géniales propres au groupe, et là, malgré le début de la chanson titre (où Diamond chante aigu et faux de façon insupportable), c'est du très très bon, notamment les 8 minutes de Room 17 avec son clavecin, et l'étonnante To the morgue finale (qui parait presque joyeuse malgré le thème). Ouf, Diamond n'a pas perdu son savoir-faire, et comme les albums suivants vont revenir à du véritable album-concept, ça promet de bien belles choses.
  
  
• King Diamond - The Graveyard (1996) ★ ★ ★ ★ ★
  
  Avec ce nouvel album, King Diamond renoue avec le principe d'un album concept entièrement dédié à une histoire gentiment horrifique (on nage dans les clichés du genre, à l'image d'ailleurs de la première piste gothique à souhait du disque), où il interprète bien entendu à lui tout seul tous les personnages (ceci dit, c'est surtout le personnage central qui chante sur une grosse majorité des pistes). Niveau accompagnement, on alterne comme d'habitude entre de bons titres heavy très mélodiques (Black hill sanitarium, I'm not a stranger), tous solides à défauts d'être géniaux, et titres plus atmosphériques avec claviers très en avant qui dominent notamment la fin de l'album. Et là, la barre est mise très haute, Diamond est à fond dans son histoire et livre une prestation hallucinante (les 'Die' concluant I am !!), qu'on pourra certes juger légèrement exagérée, mais qui personnellement me fait plonger complètement dans l'ambiance exceptionnelle du disque (les très tristes Sleep tight little baby et Daddy, mais surtout Heads on the wall et l'extraordinaire Digging graves avec son motif obsédant et sa marche inexorable sont pour moi les sommets de l'album). De façon assez irrationnelle (les recettes restent les mêmes que d'habitude), je suis vraiment séduit sans réserve par ce disque-là, au point même que je ne puisse pas l'imaginer mieux servi par une autre voix que celle de King Diamond (quand on sait l'allergie initiale que j'ai eu pour son chant, c'est quand même assez fort). Il va d'ailleurs rejoindre illico ma liste de classiques à réécouter régulièrement.
  
  
• King Diamond - Voodoo (1998) ★ ★ ★ ½
  
  Après un The Graveyard particulièrement réussi, King Diamond nous embarque pour un voyage en Louisiane sur fond de malédictions vaudou (vous ne l'auriez pas deviné) mais tente de rester dans la lignée de son album précédent : une histoire plus ou moins horrifique qu'on est pas vraiment obligé de prendre la peine de suivre en détail, beaucoup de titres heavy narratifs où Diamond fait le spectacle sans trop abuser de son chant aigu, des claviers atmosphériques un peu partout, et des mélodies qui restent dans la tête par dizaines. Mais, sans surprise vu le coup de coeur que j'avais eu la dernière fois, je trouve ce disque-là en tous points moins bon que sans prédécesseur, tout en restant largement recommandable : un peu trop de titres "simplement heavy" (d'ailleurs plus bourrins que d'habitude) qui finissent presque par lasser (et c'est dommage, quand Diamond joue plus sur l'ambiance, le niveau remonte immédiatement, comme sur le très bon Life after death), une chanson titre où les percussions ethniques s'intègrent relativement mal, mais surtout très peu de passages qui jouent la carte du "triste/inquiétant". On passe quand même un très bon moment, mais rien d'inoubliable cette fois-ci.
  
  
• King Diamond - House of God (2000) ★ ★ ½
  
  Si Mercyful Fate est mort avant d'avoir atteint l'an 2000, le projet solo de King Diamond, lui, continuera pendant encore quelques années à aligner des disques dans lesquels, il faut bien l'avouer, la prise de risque frise le néant absolu et l'inspiration commence aussi à manquer quelque peu. Pas l'ombre d'une surprise donc, il s'agit encore ici d'un album concept centré sur une histoire contée par un King Diamond qui s'évertue toujours à créer de l'ambiance avec ses changements de registre. Même s'il en fait un peu trop par moments (Catacomb par exemple est un peu pénible), on ne peut pas dire que ce soit superflu car l'accompagnement instrumental est un peu en mode routine sur cet album. Rien d'affreux non plus, ça reste du bon heavy bien mélodique, mais on a quand même un peu trop souvent l'impression d'avoir déjà entendu des choses extrêmement ressemblantes sur les disques précédents du groupe. Par ailleurs, les claviers qui donnaient une partie du sel à sa musique semblent ici avoir un peu été oubliés, c'est dommage. Restent une majorité de titres efficaces malgré tout (Follow the wolf, Just a shadow), mais aussi cette impression d'avoir fait plaisir à un vieux copain en écoutant sa dernière oeuvre tout en sachant très bien qu'elle est assez mineure par rapport à ce qu'il a produit auparavant.
  
  
• King Diamond - Abigail II - The Revenge (2002) ★ ★ ★ ½
  
  Curiosité pour moi aujourd'hui, je chronique un disque qui est la suite d'un autre... que je n'ai pas chroniqué auparavant puisqu'il fait partie de la période où je ne supportais pas encore les piaillements de l'ami King Diamond (il faudra quand même que je redonne une chance à ces premiers disques). Peu importe d'ailleurs, cet album pourrait tout aussi bien (quitte à changer un peu l'histoire racontée) être la suite de n'importe quel autre disque commis par le King, tant il y recycle une nouvelle fois des thèmes et procédés déjà utilisés cent fois les années précédentes. Absolument rien de nouveau sous le soleil donc, mais du mieux par rapport à House of God : au lieu de se contenter d'écouter avec une oreille bienveillante un disque qui tournait un peu en rond, on est à nouveau pris par les talents de conteur de Diamond, et surtout par quelques titres heavy vraiment bien troussés : The Storm malgré ses bruits d'orages téléphonés, Broken Glass (superbe ambiance sur celle-ci) ou The Wheelchair. Quelques tentatives timides aussi pour renouveler légèrement, avec des sonorités orientales par moments (plus anecdotiques qu'autre chose) et un More than pain très étrange. Bon, en fait, c'est aussi bien quand on reste dans la routine habituelle, tant que c'est bien réalisé, et c'est globalement le cas ici.
  
  
• King Diamond - The Puppet master (2003) ★ ★ ★
  
  Ecouter un des derniers albums de King Diamond (ça fait une quinzaine d'année qu'il n'a plus rien sorti de nouveau), c'est un peu comme s'installer devant sa télé pour revoir un épisode d'une vieille série légèrement démodée qu'on a adoré étant jeune : le scénario ne sera guère surprenant, la musique non plus, mais on se laissera prendre quand même et on passera un bon moment. Ce disque-ci n'échappe pas à cette sorte de routine, même s'il tente de nous surprendre en ajoutant pour la première fois des voix féminines (c'est en fait assez anecdotique, Diamond propose à lui tout seul un échantillon vocal suffisamment varié pour ne pas avoir besoin de ça, mais c'est cohérent avec l'histoire racontée, et le duo de So sad est tout de même sympa). Pour le reste, la recette n'a pas changé, beaucoup de heavy mélodique dans l'ensemble inspiré (Blue eyes, Blood to walk), quelques titres plus atmosphériques avec claviers (Emerencia) même si ces derniers sont relativement discrets sur l'ensemble de l'album, tout ça est assez inattaquable même si on a toujours l'impression d'avoir déjà entendu les trois quarts des morceaux dans les disques précédents. C'est pour cela, mais aussi parce que la fin d'album pêche un peu plus (Darkness, Living dead) que je mets une note un peu plus basse qu'à la majorité des disques précédents de King Diamond. Mais le néophyte qui débuterait sa découverte de la discographie du groupe par cet album ne serait sûrement pas déçu.
  
  
• King Diamond - Give me your soul... please (2007) ★ ★ ½
  
  Vous en reprendrez bien un dernier pour la route ? Sorti quelques années après le précédent, ce disque est le dernier à ce jour publié par King Diamond, et il propose à nouveau une sorte de tour d'horizon de procédés déjà vus et revus dans les albums précédents du groupe (au point que les lignes vocales semblent souvent recopiées telles quelles). Même si cette paresse finit par devenir problématique à la longue, force est de constater que ça marche encore une fois relativement bien, avec même quelques titres vraiment réussis, comme The girl in the bloody dress (même si cette conclusion brutale laisse perplexe) ou Mirror mirror. Mais on a aussi droit à d'autres chansons moins convaincantes, comme ce Cold as ice peu convaincant mélodiquement. L'ensemble reste agréable à écouter, sans plus (surtout en comparaison avec les meilleurs disques des années précédentes), Diamond a probablement eu raison d'en rester là (freiné par des problèmes de santé), sans prendre le risque de décliner complètement.
  
  
  
  
• Korn - Korn (1994) ★ ★
  
  En 1994, le metal ne va pas très fort, et un groupe obscur va sans le savoir lancer avec son premier album une révolution en créant un nouveau genre rapidement connu sous le nom de "nu metal". Cet acte fondateur vaudra au groupe d'être absolument rejeté par une partie des metalleux (il faut dire que le nu metal en question est le genre auquel se raccrocheront tout un paquet de groupes peu recommandables comme Slipknot et consorts), et d'être adulé par une frange non négligeable de la jeunesse des 90's (ils vont rapidement devenir les superstars du genre). Bon, qu'en est-il musicalement parlant, pour un auditeur comme moi que l'étiquette collée au groupe ferait a priori plutôt fuir ? Déjà, pour ceux qui craindraient que ce ne soit trop pop, Korn (ok, je sors), pas du tout, c'est une musique aux marqueurs forts qu'on peut même qualifier d'assez expérimentale : motifs très minimalistes assénés par des guitares très graves et grasses qui ne font objectivement pas grand chose de plus que poser une ambiance, beaucoup de bruitages et autres bidouillages qui vont de l'intéressant au franchement pénible (sur Ball Tongue ou Clown par exemple, c'est plus agaçant qu'autre chose), quelque chose d'au fond assez abstrait qui se base finalement beaucoup sur les performances vocales du leader Jonathan Davis (qui utilise à peu près tous les registres imaginables en en faisant régulièrement beaucoup trop, le summum étant le Daddy qui conclut le disque), clairement habité par les textes là aussi assez minimalistes mais pour le moins brutaux qu'il nous propose (la pochette le laisse imaginer, on n'est pas vraiment là pour rigoler, les ambiances sont presque systématiquement sinistres). Il y a dans cette tentative de transcription musicale d'un (gros) malaise quelque chose qui peut expliquer le succès du groupe (et de fait, c'est vraiment assez différent de ce qui existait à l'époque, avec aussi quelques influences "musiques urbaines" qui prendront encore plus d'importance dans la suite de la carrière du groupe), même si je ne suis personnellement pas vraiment séduit (ok ce n'est pas le but, disons plutôt que je ne suis pas assez marqué par ce que j'entends), du fait d'un contenu musical trop léger et surtout inégal (si Blind ou Faget fonctionnent bien à mon sens, la moitié des chansons ne me donne pas vraiment envie de les réécouter). À écouter quand même, au moins comme une curiosité révélatrice de son époque.
  
  
• Korn - Life is peachy (1995) ★
  
  Le premier disque de Korn, bien qu'inabouti, était intriguant, on pouvait donc s'attendre à un deuxième essai vraiment intéressant. Sauf que, si on en croit une bonne majorité des fans du groupe, l'éponyme inaugural serait le meilleur album de toute la discographie du groupe. Il est hélas bien possible qu'ils aient raison au vu de cette deuxième tentative, où on passe d'intriguant à énervant. Les ingrédients, pourtant, sont les mêmes que sur leur premier disque, avec ces guitares minimalistes, ces bidouillages électroniques toujours plus omniprésents, et un chanteur en totale roue libre (dès l'intro Twist où il éructe de façon démente, on sent même qu'il va en faire beaucoup trop). Mais là où Korn réussissait à instaurer des ambiances glauques et perturbantes qui faisaient tout le sel de l'album, ce Life is peachy laisse complètement de côté l'illustration d'un malaise générationnel, devenant au mieux insignifiant, comme sur le tube simili-pop A.D.I.D.A.S. (non, non, ça ne parle pas d'équipements sportifs, c'est beaucoup plus trivial que ça...), et au pire pénible (les effets de No Place to hide, pourtant l'une des pistes les plus intéressantes du lot). Comme si le groupe, tout étonné d'être propulsé comme leader d'un nouveau type de metal, essayait d'asseoir le plus vite possible sa popularité en niant complètement la personnalité de sa musique et en cherchant à tout prix à la rendre accessible (on peut imaginer que la reprise rap Wicked plantée au beau milieu du disque, et qui est pour moi à zapper obligatoirement si on ne veut pas enlever encore deux étoiles à la note déjà pas élevée de l'album, est censée y contribuer). Le pire, c'est que cette tentative a de fait été couronnée de succès à l'époque...
  
  
• Korn - Follow the leader (1998) ☆
  
  Eh oui, en à peine deux albums pourtant pas franchement mémorables, Korn est devenu un leader, et entend manifestement le rester vu le titre choisi pour cette troisième offrande. Et pour cela, tous les moyens sont bons : encore plus de rap (pas moins de trois titres complets, rien que ça suffit pour moi à rendre le disque pénible), des tonnes de samples et autres bidouillages électroniques (on attend parfois une bonne minute qu'une guitare daigne pointer le bout de son nez sur certains titres), chant qui part dans tous les sens, et, comme dans leur disque précédent, une tendance forte à la facilité pour aguicher le client (sur Got the life typiquement, qui pourrait être écoutable s'il n'était pas plombé par un chant insupportable). Bref, même si ce n'est pas nul (le It's on introductif renoue même avec une sorte d'urgence glauque intéressante, Dead bodies everywhere réussit aussi à créer quelque chose), c'est tellement truffé de détails irritants qu'on finit bel et bien par avoir envie de jeter l'album à la poubelle (façon de parler en ce qui me concerne puisque je n'écoute évidemment pas une version physique). Comme d'habitude, j'écouterai le reste de la discographie du groupe, au moins d'une oreille, mais mes critiques sur Korn s'arrêteront là.
  
  
  
  
• Kreator - Endless pain (1985) ★ ★ ★
  
  Il y a des branches du metal qui ont un fort ancrage géographique : par exemple, le black metal fera immédiatement penser aux amateurs à de froides contrées nordiques (typiquement norvégiennes). Pour le thrash, sans contexte, on est au coeur de l'Amérique. Et pourtant, il existe un cousin moins connu du genre notamment pratiqué par le fameux Big Four, le thrash allemand. Et Kreator en est un de ses fers de lance. En 1985, un trio d'ados teutons déboule donc en ayant vaguement assimilé les bases du genre, mais surtout en n'en conservant sciemment que les aspects les plus bourrins et extrêmes : ça va quasiment tout le temps super vite, souvent à la limite de ce que leur technique leur permet (et même un peu au-delà, les solos notamment ne ressemblent à rien), le chant n'est pas loin d'anticiper les sous-genres plus extrêmes qui ne vont pas tarder à fleurir à côté du thrash, et le batteur en fait des tonnes en permanence (la version manifestement remasterisée que j'ai entendue l'affuble par ailleurs d'une curieuse réverbération, mais le son global est très correct, surtout comparé aux horreurs que sont les pistes de démo proposées en complément d'album !). C'est beaucoup trop simpliste et répétitif pour ne pas lasser rapidement (pourtant l'album n'est pas long), mais au moins sur quelques pistes, c'est un défouloir assez réjouissant (la chanson titre, Tormentor ou Cry war qui tente d'alterner des moments un peu plus posés), une sorte de Slayer des débuts... mais en pire !
  
  
• Kreator - Pleasure to kill (1986) ★
  
  J'avais qualifié le premier album de Kreator de sympathique défouloir qui pourrait faire passer Slayer pour des gentils. Mais ça c'était avant d'écouter ce deuxième opus, sorti la même année que le célèbre Reign in blood du groupe américain sus-nommé, et qui a largement de quoi concurrencer sa réputation d'extrême violence. C'est simple, on reprend les mêmes éléments que dans le premier disque, à savoir une vitesse d'exécution folle et un batteur déchaîné (que ses camarades suivent comme ils peuvent, à savoir assez mal la plupart du temps), on ne se fatigue même plus à chanter, et et on assène le tout sans temps dans un déferlement de brutalité que le titre et la pochette pouvaient laisser entrevoir, mais que la piste inaugurale Choir of the damned semblait démentir (c'est une belle intro calme et bien mélodique !). Bon, ok, l'album est culte pour son ultra violence, il le mérite, mais est-ce de la bonne musique ? Eh bien pas du tout, le "chant" est totalement rédhibitoire, c'est hyper répétitif et globalement peu inspiré, à une ou deux exceptions près (Under the guillotine est un titre sympa). On touche ici les limites d'un jusqu'au-boutisme forcené...
  
  
• Kreator - Terrible certainty (1987) ★ ★ ½
  
  Après un Pleasure to kill qui avait vraiment poussé bien trop loin le curseur de la violence gratuite, Kreator revient pour ce troisième album à quelque chose de plus mesuré (enfin, tout est relatif quand même, on conserve quelques éléments fondamentaux, comme les solos bordéliques ou le son très cru et saturé, et certains titres comme One of us jouent encore la carte du tempo effréné), et surtout de mieux construit. L'énergie est évidemment toujours là, le chant est nettement plus acceptable que sur le disque précédent (même si ça reste très basique), et les riffs carrés mais efficaces, avec une volonté de remettre un peu de mélodie au premier plan, font mouche, on passe donc un bon moment si on arriver à passer outre la production très datée. Gros problème quand même, j'aurais presque pu dire "Le riff fait mouche" plutôt que "Les riffs font mouche" tant certaines pistes semblent basées sur le même motif (entre Blind faith et Storming with menace qui lui succède, difficile de voir une différence, et on retrouve un riff bien similaire un peu plus tard sur Behind the mirror), ça fait quand même un peu tâche pour un album court. Le groupe semble pourtant capable de plus de variété (la belle intro calme de Behind the mirror, le riff nettement plus pesant de la chanson titre), mais en est encore à faire ses gammes, à la recherche d'un équilibre pas encore totalement présent.
  
  
• Kreator - Extreme aggression (1989) ★ ★ ★
  
  Il n'y a pas à dire, les titres des albums de Kreator sont toujours d'une remarquable subtilité. Mais celui-ci est en fait assez mensonger, tant ce quatrième disque du groupe ressemble à une sorte de nouveau départ pour eux, s'éloignant encore plus nettement que sur le précédent des excès de leurs débuts pour proposer un thrash beaucoup plus "classique", plus technique et construit et misant moins systématiquement sur la vitesse. On a même l'impression, à vrai dire, que le groupe répète ici ses gammes pour montrer justement qu'il est capable d'autre chose que de pousser à fond le curseur de la violence. On pourrait de fait croire à un premier album, avec ses accélération soigneusement amenées et un poil téléphonées (sur Some pain will last notamment, dont la première partie inquiétante est toutefois extrêmement intéressante), et ses musiciens qui s'appliquent à produire des riffs volontiers alambiqués, mais encore assez accrocheurs pour provoquer une certaine jubilation, sur la chanson titre notamment. Tout cela est un peu scolaire mais très prometteur, on verra si le groupe persiste et progresse dans ce nouveau style.
  
  
• Kreator - Coma of souls (1990) ★ ★ ★ ½
  
  Kreator est un groupe qui apprend vite : alors que Extreme Aggression, leur album précédent, représentait une tentative un peu trop scolaire de se réorienter vers un thrash plus mainstream, carré et technique, les voilà déjà de retour avec un disque qui montre qu'ils ont parfaitement assimilé ce changement de style. Titres rapides sans excès, solos parfaitement alignés, nombreux breaks et changements de tempo (l'alternance entre lourdeur et rapidité sur Agents of brutality par exemple fonctionne très bien), il n'y a pas grand chose qui dépasse, tout ça est parfaitement maîtrisé, et le disque sonne comme un classique du genre. Et pourtant, je me mets à regretter un peu la folie de leurs débuts, non pas qu'on s'ennuie, mais les quelques moments où le groupe sort de zone de confort, notamment le break final fantasque de Terror Zone, montre qu'il aurait pu transformer l'album en véritable pépite en y ajoutant le petit supplément d'âme qui lui manque parfois. Tel quel, ça reste un bon disque, solide et efficace.
  
  
• Kreator - Renewal (1992) ☆
  
  Alors que le groupe allemand semblait avoir trouvé son rythme de croisière avec le thrash plus posé de ses deux albums précédents, voilà qu'il décide au début des années 90 de prendre ses auditeurs par surprise avec un sixième disque dont le titre et la pochette absconse ne laissent qu'en partie imaginer le contenu : oui, il y a du (re)nouveau, mais la direction prise a de quoi faire grincer des dents. Atmosphère sombre et froide, musique austère et chant que je ne peux qualifier autrement que de volontairement moche (à lui seul, il détruit notamment la piste inaugurale Winter martyrium, mais c'est plus que rude sur quasiment tous les titres), expérimentations incompréhensibles (la batterie en plastoque déconnectée du reste des instruments, l'intermède bruitiste Realitätskontrolle), il faut vraiment s'accrocher pour percevoir des bribes de choses intéressantes dans ce machin (Karmic Wheel serait probablement le titre que je sauverais le plus volontiers du marasme). Personnellement, je n'y arrive pas, malgré quelques titres plus classiquement énergiques en fin de disque.
  
  
• Kreator - Cause for conflict (1995) ★ ★
  
  Après un Renewal particulièrement osé et assez mal reçu par son public habituel, Kreator s'est fait tirer les oreilles par sa maison de disques, en mode "bon, les gars, on arrête les conneries, vous êtes un groupe de thrash bourrin, alors vous allez nous faire du thrash bourrin". Et le groupe de s'exécuter avec ce disque particulièrement rentre-dedans et monolithique (ça va quasiment tout le temps très vite, avec même un ou deux titres ultra courts qui débordent largement des frontières du thrash, Dogmatic en tête), au son bien massif (mais assez typique des productions des années 90), et à l'inspiration assez pauvre. Les riffs se ressemblent, sont rarement renversants, et une sorte de routine pas totalement désagréable (les gugusses assurent quand même) mais tout de même bien décevante s'installe. Les quelques tentatives d'innovation (essentiellement limitées aux courtes intros) ne font pas vraiment mouche, et les cris d'animaux qui ponctuent la dernière piste de l'album sont complètement grotesques. En fait, on a vraiment l'impression que le groupe a juste assuré un service minimum pour se relancer. Un album pas totalement mauvais, mais très mineur dans sa discographie.
  
  
• Kreator - Outcast (1997) ★ ★ ★ ★
  
  En comparant ce disque aux deux qui l'ont précédé dans la discographie de Kreator, on pourrait croire que le groupe était vraiment perdu dans les années 90, ne sachant pas dans quelle direction faire évoluer sa musique. En fait, il confirme juste que Cause for conflict était une sorte de disque de commande, et que les allemands sont prêts à repartir vers d'autres contrées, assez éloignées de leur thrash initial : tempos souvent très retenus, ambiances très dépressives, et quelques touches indus (voire même des traficotages de voix franchement dispensables), on n'est pas là pour rigoler, mais la musique proposée est nettement plus accessible que celle de Renewal quelques années plus tôt (c'est même franchement mélodique pour du Kreator, et les titres sont courts et très calibrés). Mais elle est surtout nettement meilleure ! On touche même à l'excellent par moments (notamment le début du disque, l'enchaînement de Leave this world behind et de l'hyper efficace Phobia tape dans le mille), et à l'exception des sonorités électroniques datées, pas grand chose à reprocher à ce disque qui est tout simplement mon préféré du groupe à ce jour.
  
  
• Kreator - Endorama (1999) ★ ★
  
  Le Kreator des années 90 est vraiment un groupe insaisissable. Alors qu'il avait réussi avec Outcast un album vraiment convaincant par son approche froide et ses sonorités limites industrielles pourtant bien éloignées de son thrash metal initial, voilà qu'il pousse encore dans une autre direction avec le suivant. On retrouve clairement cette fois une volonté de simplifier la musique et de la rendre plus accessible (riffs très simples et répétés, le Golden age qui ouvre le disque n'est pas loin de faire penser aux premiers albums de Rammstein, qui sont après tout contemporains), mais en oubliant totalement les ambiances glauques et en poussant carrément vers une sorte de hard-rock teinté d'électronique et... d'une sorte d'influence "gothique pleurnichard" au niveau du chant, qui est complètement à côté de la plaque sur une écrasante majorité des pistes (des chansons potentiellement sympathiques comme Chosen few ou Pandemonuim sont gâchées par le chant). Ajoutez à ça des morceaux qui semblent vraiment perdus sur un disque de Kreator (le piano et les touches orchestrales de Everlasting flame), et on se demande bien ce qui est passé par la tête des allemands. Le fond musical, quoique simpliste, n'est pas mauvais, mais on ne peut pas quand même pas dire que l'album convainque...
  
  
• Kreator - Violent revolution (2001) ★ ★ ★ ★
  
  Après avoir exploré des territoires variés au cours des années 90, il semblerait bien que Kreator ait envie de se recentrer sur quelque chose de plus clairement thrash : retour sur la pochette de la peu sympathique trombine déjà présente sur Coma of souls, présence de titres comme Reconquering the throne ou Violent revolution, les indices ne sont pas vraiment discrets. Et de fait, alors que les ténors du thrash sont aux abonnés absents (les sorties du Big Four aux alentours de 2001, ça fait assez peur à voir), et quelques années avant que d'autres groupes "de seconde zone" ne lui emboîtent le pas (notamment Overkill), le groupe allemand propose un revival thrash tonitruant, avec production moderne et une forte touche mélodique qui distingue tout de même bien ce nouveau Kreator de celui des tous premiers albums des années 80 (le côté quasiment easy listening de certains des albums des années 90 n'a pas été complètement jeté aux oubliettes). Et on ne va pas le cacher, c'est une grosse réussite ! Plusieurs titres bien dévastateurs (les deux déjà cités, mais aussi Ghetto war ou Slave machinery), des breaks bien sentis qui viennent compenser la simplicité des motifs mélodiques, c'est très soigné et vraiment super efficace. Quelques titres font un peu office de remplissage (notamment sur la fin de l'album), mais l'ensemble est vraiment extrêmement solide. Une belle preuve que le thrash est loin d'être mort avec le changement de millénaire.
  
  
• Kreator - Enemy of god (2005) ★ ★ ★ ½
  
  Après un retour au thrash remarqué (et de fait remarquable) avec Violent revolution, Kreator se décide enfin à garder le même style deux albums de suite, comme le confirme la pochette quasi-identique à la précédente. On peut même dire qu'ils enfoncent le clou : le disque démarre tambour battant avec une chanson-titre rouleau compresseur assez impressionnante, et propose une première moitié de galette assez monolithique dans la brutalité (double grosse caisse à fond sur le bien nommé Impossible brutality). Il faut attendre Dystopia pour avoir un titre un peu plus aéré, et Voices of the dead pour une intro lente et un titre globalement plus complexe qui fait du bien. L'ensemble restera tout de même jusqu'au bout très calibré, avec des titres qui dépassent rarement les 5 minutes, mais nombreux (douze, là où une petite dizaine de chansons plus développées aurait à mon sens été préférable). Après, on ne peut pas nier que, comme dans leur album précédent, c'est redoutablement bien fichu (la production est dantesque) et efficace, mais l'effet de surprise n'y est plus et ça manque un poil de variété. Un très bon album de thrash moderne malgré tout.
  
  
• Kreator - Hordes of chaos (2009) ★ ★ ★ ½
  
  J'avais dit que la première moitié de l'album précédent de Kreator était un peu trop monolithique, je n'aurais pas du... Celui-ci pousse encore nettement plus loin le curseur du côté bourrin, avec qui plus est une production plus brute que dans les deux précédents. À peine 40 minutes de musique pour neuf pistes (plus une intro instrumentale avant la dernière), très peu de moments de respiration, à part la curieuse introduction d'Amok run, seul moment du disque où un Mille Petrozza (par ailleurs habité jusqu'au passage en force) chante au lieu de hurler. Bref, même si le groupe fait l'effort d'alterner passages mélodiques et rythmiques marteau-pilon (de façon d'ailleurs un peu trop systématique), ça fonce dans le tas, souvent de façon très convaincante (le refrain "everyone against everyone" de la chanson titre fais indiscutablement son petit effet, l'accélération démentielle de Amok run aussi), parfois trop décousu (le Demon prince final notamment) ou vraiment trop forcé. L'ensemble est quand même très efficace, avec le petit bémol qu'on a souvent l'impression d'avoir déjà entendu quelques dizaines de fois les motifs et rythmiques sur lesquels sont bâties les chansons.
  
  
• Kreator - Phantom antichrist (2012) ★ ★ ★ ★ ½
  
  Début des années 2010, le revival du thrash bat son plein, et les vieilles gloires du genre s'engouffrent dans la brèche à grands coups d'albums agressifs mais portés par une production moderne (Overkill avec son Ironbound, Testament et son Dark roots of earth). Kreator, qui a anticipé le mouvement depuis une dizaine d'années, décide en 2012 de frapper un grand coup en montrant qu'ils sont les maîtres du thrash mélodique (il y a pourtant une sacrée concurrence, notamment avec les deux albums cités ci-dessus). On oublie le son plus brut de leur précédent opus et on revient à quelque chose de franchement clinquant (ceux qui aiment leur thrash un peu sale s'enfuiront en courant) mais d'une puissance folle, et on alterne entre titres vraiment violents (le chant death de Civilization collapse) et d'autres très mélodiques (l'excellent Your heaven, my hell notamment). Le tout introduit par une chanson titre qui met tout le monde d'accord en deux minutes tant elle est imparable (là même ceux qui aiment le thrash sale devraient rendre les armes tellement c'est une tuerie). Quelques titres sont moins énormes (le choral United in hate ou le speed Victory will come) mais dans l'ensemble, rien à redire, les allemands ont parfaitement réussi leur coup, leur album rejoint ceux des camarades en tant que classique incontournable du thrash récent.
  
  
• Kreator - Gods of violence (2017) ★ ★ ★ ★
  
  Après nous avoir collé une baffe monumentale avec Phantom Antichrist, Kreator a pris son temps avant de lui proposer un successeur. Il faut dire que le risque était grand de décevoir, ou de trop en faire en surenchérissant encore dans le mélange désormais bien ficelé de riffs mammouthesques et de mélodies presque easy listening. Et de fait, c'est un peu ce qui se produit avec ce disque. Pourtant, les premières pistes laissent espérer un nouveau miracle : l'intro symphonique est clairement "too much" mais incroyablement efficace, et enchaînée sur un World war now qui, sans atteindre les sommets de Phantom antichrist (la chanson) est une ouverture tonitruante au refrain imparable. Mieux, le riffing génial de Satan is real hausse encore le niveau ! Et puis, petit à petit, apparaissent les défauts qui font finalement de ce disque un petit frère un poil moins convaincant de Phantom Antichrist : batterie envahissante sur les passages les plus bourrins (sur Totalitarian terror notamment), un peu de facilité dans les choeurs de la chanson titre, quelques titres anecdotiques en fin de disque, et une tentative d'introduire du chant clair sur Death becomes my light pas vraiment satisfaisante (ce titre conclusif s'étire de toute façon inutilement et conclut l'album sur une note un peu amère). De petites imperfections qui n'empêchent pas ce Gods of violence d'être un excellent album, mais que voulez-vous, quand on a été habitués à du très haut niveau (la disco de Kreator depuis le début des années 2000 est tout de même assez époustouflante), on finit par devenir exigeant.
  
  
• Kreator - Hate über alles (2022) ★ ★
  
  Bon, il fallait s'y attendre, à force de reconduire avec bien peu de variations le même thrash mélodique depuis le tournant de Violent revolution, Kreator allait finir par faire l'album de trop. Ce Hate über alles (un titre d'une subtilité assez typique du groupe) y ressemble pas mal : production nettement moins convaincante que sur les albums précédents (le son est trop dense), recettes usées jusqu'à la corde (la chanson-titre précédée d'une intro symphonique n'est pas mauvaise en soi, mais ressemble trop à d'autres... sans le côté "baffe dans la tronche" habituellement réussi par les allemands), innovations pour le moins douteuses (mais qu'est-ce que c'est que cette chanteuse qui débarque sans crier gare sur Midnight sun ?), ça fait un peu trop de points négatifs. Restent un savoir-faire indéniable et quelques titres vraiment réussis (Demonic future par exemple), mais on est quelques bonnes coudées en-dessous des cinq disques précédents. Probablement le moment de se renouveler un peu pour Kreator, mais le groupe en est-il encore capable ? L'avenir nous le dira peut-être.
  
  
  
  
• Lamb of God - New American Gospel (2000) ★ ★ ★ ½
  
  Au tournant du millénaire, un énième groupe américain se présente pour tenter de raviver une fois de plus la flamme du thrash, dans les traces plus ou moins claires d'un Pantera. Pour ce premier essai, on a donc droit à du bien bourrin, avec une rythmique ultra lourde mais qui a un certain cachet notamment du à un son de batterie très brut qui donne du relief à l'ensemble (faut aimer quand même, c'est assez spécial). Niveau purement musical, c'est assez minimaliste, des motifs basiques étant souvent beaucoup répétés et les vrais riffs mélodiques assez rares. C'est un peu dommage dans la mesure où justement les pistes lentes et hypnotiques qui jouent un peu plus la carte de la mélodie (The black dahlia, Pariah) sont de loin les plus réussies, j'irais d'ailleurs même jusqu'à dire que je les trouve personnellement excellentes. Les pistes plus rapides sont globalement moins percutantes (sauf la rigolote piste bonus Nippon, à l'ambiance étonnante) mais ne déméritent pas totalement non plus (c'est quand même un peu trop homogène). Mais le plus gros point d'interrogation c'est la prestation du chanteur, qui braille des choses inintelligibles en fond (apparemment, il chante vraiment des "paroles" qui n'ont aucun sens sur certains titres, à cause d'un manque de temps lors de l'enregistrement de l'album !), on pourrait carrément l'effacer qu'on n'y perdrait pas ! Mais malgré quelques bémols, c'est un premier album dont l'ambiance m'a vraiment convaincu, à suivre.
  
  
• Lamb of God - As the palaces burn (2003) ★ ★ ★ ½
  
  Pour son deuxième album, Lamb of God affine la recette entrevue dans son premier essai : les rythmiques implacables martelées sans répit sont toujours de la partie, mais sans le côté lent et hypnotique qui était présent sur une partie des titres de New American gospel. Ici, ça va vite, et même souvent très vite, on ne s'attarde pas (les titres tournent autour de 3 ou 4 minutes, seul le Vigil final dépasse cinq minutes, mais c'est du à sa partie introductive calme). C'est carré, presque trop (on aimerait de temps en temps que ça respire un peu plus), mais on ne peut pas nier que ça donne un résultat implacable qui est souvent assez impressionnant (Ruin, 11th hour). Je crois que je préfère quand même à titre personnel leur premier album (on a un peu perdu en feeling ce qu'on a gagné en maîtrise), mais celui-ci est une réussite assez indiscutable.
  
  
• Lamb of God - Ashes of the wake (2004) ★ ★
  
  Ce troisième album est celui de la consécration pour Lamb of God, avec une reconnaissance de la part des fans qui perdure encore aujourd'hui puisqu'il est souvent cité comme le sommet de la discographie du groupe. Après un certain nombre d'écoutes (avec la rentrée, je traîne pour taper mes critiques !), je comprends pourquoi, mais je reste relativement déçu. On a clairement ici une sorte d'aboutissement dont As the palaces burn était le brouillon, mais sans le côté urgent de ce dernier. Là c'est vraiment hyper carré et maîtrisé, dans un tempo toujours retenu, et avec une volonté manifeste de refuser la facilité au niveau des riffs, qui les fait malheureusement dériver régulièrement vers une sorte de technicité stérile, limite prog mais sans les constructions savantes qui en feraient l'intérêt. Et puis ça manque cruellement de renouvellement par rapport à leurs premiers disques (les triolets sur The faded line, par exemple), sauf peut-être l'insertion de passages parlés probablement censés augmenter l'immersion dans une ambiance froide et oppressante. De fait, ce disque est froid, probablement trop pour moi, même si je ne peux pas nier que, pris un par un, la plupart des morceaux sont réussis.
  
  
• Lamb of God - Sacrament (2006) ★ ★ ★ ★ ½
  
  Alors que leur précédent album (et soi disant classique) Ashes of the wake m'avait déçu, celui-ci me réconcilie avec Lamb of God. C'est celui-ci qui devrait être considéré comme leur classique ! C'est hyper maîtrisé (comme d'habitude) mais surtout entraînant en permanence, la mélodie n'est pas sacrifiée, l'ensemble est d'une efficacité impressionnante. On commence très fort avec un Walk with me in hell qui emporte tout sur son passage, mais je crois que je préfère encore le Again we rise qui lui succède (certes les "Rise" beuglés en choeur sont d'une subtilité toute relative, mais qu'est-ce que ça fonctionne bien quand même !). Les titres du milieu de disque sont un peu moins monstrueux, mais on retrouve sur la fin de quoi ne pas rester sur une note affadie, avec un Requiem qui combine les qualités déjà décrites (urgence, belle utilisation des choeurs), et un Beating on death's door final qui joue la carte de la vélocité sans perdre en efficacité. Vraiment, sans rien révolutionner de son style une fois de plus, le groupe réussit là un quasi sans faute.
  
  
• Lamb of God - Wrath (2009) ★ ★ ★
  
  Après un petit mois passé à écouter autre chose que du métal, reprise en douceur et en force de mes petites chroniques. En douceur car avec Lamb of God on a toujours un peu l'impression d'écouter une sorte de digest (très bien fichu) de beaucoup de choses à la mode à l'époque de la sortie du disque. Mais en force quand même, car le groupe joue volontiers ici la carte du brutal (In your words, ou encore pire le très défouloir Contractor, rigolo même si relativement limité), ou du speed qui cherche à tout défoncer. C'est comme toujours exécuté de main de maître, tournant même par moments à la démonstration technique un peu vide (Set to fail), en tout cas on ne peut pas nier que ça s'écoute très plaisamment. Je me serais quand même bien passé des sonorités de batterie souvent "plastoque pas beau", et la comparaison avec son prédécesseur fait de ce Wrath un bon album, mais qui ressemble à un album de transition pour le groupe (à supposer qu'ils veulent faire évoluer un jour leur style, ce qui n'a rien d'évident).
  
  
• Lamb of God - Résolution (2011) ★ ★ ½
  
  Je me demandais, à propos de leur album précédent, si une évolution pouvait être à l'ordre du jour pour Lamb of God. La réponse au vu de celui-ci est nette, c'est un non franc et massif. Le groupe assène ici son credo habituel en mode passage en force : guitares puissances (et batterie assez laide), touche technique toujours présente avec un riffing volontiers alambiqué (The Undertow), et surtout un chant gueulé vraiment trop uniforme qui contribue à la lassitude qui envahit assez rapidement l'auditeur (faut dire que le disque contient pas moins de 14 pistes, c'est beaucoup). On ne peut pourtant pas nier une nouvelle fois la maîtrise technique évidente, et une certaine efficacité quand on prend certains titres séparément (Desolation, Invictus), c'est l'ensemble qui est un peu indigeste (sans tomber dans le mauvais, n'exagérons rien). D'ailleurs, un signe qui ne trompe pas, c'est que les quelques tentatives de changement paraissent très inspirées en contraste avec le reste de l'album : quelques touches de guitare sèche, les étonnants choeurs clairs de Insurrection, et surtout la conclusion King me qui dénote carrément avec son côté symphonique inattendu pour le groupe. Là, on se dit vraiment que le changement de cap serait une bonne façon pour Lamb of God de proposer quelque chose de beaucoup plus frais. Mais, sincèrement, on n'y croit pas trop.
  
  
• Lamb of God - VII : Sturm und Drang (2015) ★ ★ ★ ★
  
  Pour son septième album studio, Lamb of God décide à la surprise générale d'enregistrer des reprises de symphonies de Haydn. Ah non, ce n'est pas pour ça qu'ils ont intitulé leur disque Sturm und Drang ? Peu importe à vrai dire la raison profonde de ce choix, il illustre en tout cas un renouveau très palpable de l'inspiration et de l'envie de proposer des choses accrocheuses après deux albums en demi-teinte. Il faut dire que la période qui a précédé la parution de cet album a été pour le moins difficile pour le chanteur du groupe, qui a fait un petit tour par la case prison après le décès d'un fan lors d'un concert (accident pour lequel il a fini par être disculpé). Sans surprise, la musique de ce nouvel opus est influencée par ces évènements, avec une urgence inquiète qui explose dès le titre d'ouverture, l'excellent Still echoes, et qui culminera dans un 512 assez impressionnant de maîtrise. En fait, c'est toute la première moitié du disque qui voit le groupe retrouver son meilleur niveau, comme quoi finalement le fait d'avoir des choses à dire, même sans vraiment renouveler le style, suffit à élever le niveau de la musique produite. Ca ne tient pas totalement sur la durée du disque (la pseudo-ballade Overlord est inutile, les quelques passages en chant clair disséminés ça et là ont pour seul mérite de surprendre), mais on a encore droit à quelques titres bien sentis, notamment Engage the fear où la maîtrise technique (toujours présente chez Lamb of God de toute façon) ne prend pas le pas sur l'inspiration mélodique. Tout ça est largement suffisant pour produire un disque hautement recommandable, l'un des meilleurs de ses auteurs.
  
  
• Lamb of God - Lamb of God (2020) ★ ★ ★ ½
  
  Après un Sturm und drang vraiment réussi, Lamb of God a de nouveau connue une période troublée marquée par le départ d'un de ses membres, une première depuis la création du groupe (en gros 20 ans de lineup intact, c'est une constance rare pour un groupe de métal). Les mauvaises langues diront que c'est peut-être un mal pour un bien, une occasion d'enfin changer un tout petit peu leur recette. Eh bien pas du tout, comme le choix du titre éponyme pouvait le laisser penser, Lamb of God revient asséner avec force un credo déjà entendu quesiment à l'identique sur tous ses albums précédents : le son est immédiatement reconnaissable, le chant n'a pas bougé (quelques rares incursions dans le domaine du chant clair qui semblent tout aussi anecdotiques que sur le disque d'avant), les riffs assez techniques sont toujours déclinés avec une maîtrise assez redoutable même si l'ensemble manque très clairement de renouvellement (et puis bon, on sent un peu le service minimum, 10 titres pour moins de trois quarts d'heure de musique, on invite un ou deux potes, donc le chanteur de Testament, pour remplir la deuxième moitié de disque, et hop ça passera tout seul). En même temps, on ne peut pas nier qu'il s'agit à nouveau d'un album réussi, qui s'écoute tout seul (Momento mori ou Reality bath, c'est du bon Lamb of God, indiscutablement).
  
  
• Lamb of God - Omens (2022) ★ ★ ★
  
  Après avoir traversé une période trouble, Lamb of God a repris son rythme de croisière, cet album sortant deux ans après le précédent. Une sorte de routine pour un groupe qui a remarquablement peu évolué depuis sa création. De fait, ce neuvième album présente bien peu de surprises par rapport aux précédents, on reconnaît rapidement le style du groupe et la plupart des titres auraient pu figurer sans aucun problème sur à peu n'importe lequel des albums de la discographie du groupe, la seule exception notable étant le September song conclusif et ses touches orchestrales inattendues (des claviers discrets, puis carrément des violons synthétiques, ça a le mérite de renouveler un peu le discours). En même temps, "pas de surprise" signifie aussi "pas de mauvaise surprise" : le groupe maîtrise toujours son sujet et, sans faire de vagues (façon de parler, ça reste très rentre-dedans, mais aucun titre ne se démarque vraiment du lot), aligne sa dizaine de chansons qui s'écoutent agréablement (encore une fois, on la joue un peu service minimum avec un album de trois quarts d'heure). Tout à fait correct donc, et en même temps d'une inutilité totale puisque le groupe a déjà fait pareil... en mieux.
  
  
  
  
• Liquid Tension Experiment - Liquid Tension Experiment (1998) ★ ★ ½
  
  C'est avec une certaine appréhension que j'ai abordé mon écoute attentive de LTE (j'avais déjà écouté distraitement leur troisième et dernier album en date à sa sortie), pour deux raisons : le line-up est très proche de celui de Dream Theater (au moins à une certaine période), groupe avec lequel ma relation reste très compliquée ; et le côté "improvisations lorgnant vers le jazz" avait de quoi me faire fuir. C'est dire à quel point j'ai été scotché par le Paradigm shift qui ouvre l'album : oui c'est hyper virtuose, oui ça s'écoute un peu jouer sur les solos vers la fin, mais ça n'oublie jamais de faire de la musique, et qu'est-ce que c'est bon ! Si tout l'album avait été de cet acabit, j'hurlais au chef-d'oeuvre, mais c'est malheureusement loin d'être le cas. On navigue ensuite entre recherche de sonorités intéressantes (le très liquide Osmosis, pas mal), le franchement platounet (j'ai encore une fois du mal avec les claviers, surtout quand c'est du piano à la limite du dégoulinant, la première moitié de Freedom of speech et tout State of grace, c'est vraiment à la limite du chiant), le comique qui n'atteint pas son but (la fin de Universal mind, je trouve ça juste complètement foiré) et le truc impressionnant mais vraiment trop ambitieux (Three minutes warning, c'est loin d'être mauvais, y a même plein de bons moments, mais quasiment une demi-heure, faut quand même s'accrocher !). Bref, si techniquement il n'y a évidemment rien à redire, musicalement, je suis trop souvent loin d'y trouver mon compte. M'enfin, quand même, un album qui alignerait des pistes de la force de Paradigm shift, ce serait sacrément fort ! Rien que pour ça, je ne peux pas me résoudre à être franchement négatif à propos de ce premier album.
  
  
• Liquid Tension Experiment - Liquid Tension Experiment 2 (1999) ★ ★ ½
  
  On prend les mêmes et on recommence : un an après le premier volet, le quatuor de virtuoses se remet en scène et propose un deuxième disque qui ressemble fort à un faux jumeau du premier. Une première piste trépidante (Acid rain, encore un titre complètement impressionnant qui suffit à lui tout seul à assurer une note acceptable à l'album), puis des choses beaucoup plus atmosphériques et jazzy, pour ne pas dire nunuches par moments (les quelques apparitions de synthé type piano bar m'insupportent, ce qui rend par exemple Biaxident très dispensable à mon goût malgré de bons passages), des pistes plus ou moins improvisées (Chewbacca a un titre attirant et de bons moment, mais sur la fin ça s'éternise vraiment alors que ça n'a plus rien à dire) et des tentatives dont on ne sait pas trop si c'est de l'humour ou non (l'accordéon de Another dimension...). On échappe cette fois-ci à la plage d'une demi-heure pour conclure le disque (même si à mon sens When the water breaks est déjà bien trop long pour ce qu'il propose, sans compter la conclusion ridicule), mais ça n'empêche pas que je reste à nouveau sur ma faim du point de vue du contenu strictement musical. En fait, je pourrais presque faire un copier-coller de ce que j'avais dit pour le premier : après une première piste qui laisse espérer un chef-d'oeuvre, le reste n'a rien de déshonorant mais me passe entre les oreilles sans réellement m'accrocher.
  
  
• Liquid Tension Experiment - Liquid Tension Experiment 3 (2021) ★ ★ ★
  
  Entre leurs deux premiers albums, les quatre membres de LTE avaient à peine laissé passer un an, et sans surprise, le deuxième opus était dans la droite ligne du premier. Entre les deux suivants, pas moins de 22 ans se sont écoulés et... le troisième est toujours dans la même droite ligne que les deux premiers ! À croire que le temps ne fait pas effet sur nos virtuoses, qui nous refont le coup de la piste inaugurale monstrueusement rapide (en même temps, en l'appelant Hypersonic on aurait été déçus du contraire), même si probablement moins énorme que les intros de leurs deux premiers disques, nous gratifient d'une version personnelle de Rhapsody in blue (c'est assez impressionnant mais bon, ça reste une reprise, qui me semble légèrement vaine) et remplissent un double CD de quasiment deux heures de musique. Il faut dire aussi qu'ils ont fait cette fois-ci le choix intelligent de bien séparer les choses : des pistes écrites, de durée globalement raisonnable pour le premier CD, et des bouts de cessions d'improvisation interminables sur le deuxième CD. Vous l'aurez compris, je m'attarderai uniquement sur le premier disque, auquel j'ai attribué une note légèrement supérieure aux deux premiers LTE car je le trouve mieux calibré : des ambiances variées, peu de pistes vraiment ratées, on passe globalement un bon moment, le clavier "disneyien" sur fond de rock à papa de Beating the odds passe curieusement bien la rampe, Key to the imagination (seule piste à dépasser les 10 minutes avec le Gershwin) est vraiment bien construit et intéressant de bout en bout. Malgré tout, encore une fois une impression de déception après la première piste tonitruante, et je me serais tout de même fort bien passé de l'espèce de solo de contrebasse électrique de Chris and Kevin's amazing odyssey et surtout de l'adagio larmoyant piano-guitare Shades of hope qui est absolument terrifiant. Mais le bilan reste très honorable. Seront-ils capables de faire aussi bien quand deux décennies de plus auront passé ?
  
  
  
  
• Lunar Aurora - Weltengänger (1996) ★ ★ ★
  
  Les terres sombres du black metal allemand n'étaient a priori pas destinées à m'accueillir à bras ouverts. Sans grande surprise, le premier contact avec cette musique assez peu hospitalière a été difficile : batterie en mode mitraillette continue (y a vraiment pas une seconde sur tout le disque où ça se calme, je me dis que ça doit être absolument épuisant d'être batteur dans ce genre de groupe...), son de guitares hyper dense et grésillant (même si ça reste écoutable), chanteur qui croasse de façon lugubre, la tentation était forte de mettre ce disque dans la pile "bouses inaudibles à la Emperor". Eh bien, je dois maintenant l'avouer, j'aurais eu tort de ne pas insister un peu, car il y a un élément en plus de tout ça qui change tout, ce sont les claviers. Alors qu'on aurait pu s'attendre pour accompagner le reste à de simples nappes d'accords sinistres, pas du tout, c'est là que se trouve la touche mélodique non négligeable du groupe, qui se mêle de façon surprenante au fond black (parmi les bribes mélodiques , on a des passages limite folklorisants ou primesautiers, c'est vraiment inattendu et sympa) et lui donne un rendu finalement très intéressant. Sur Grabgesänge et Conqueror of the ember moon, on atteint même une réelle beauté musicale. Bon, ça ne marche pas tout le temps non plus, ce qui rend quand même certaines pistes fatigantes (Rebirth of an ancient empire), et l'écoute d'un seul bloc des trois quarts d'heure que dure le disque est un poil éprouvante tant c'est monolithique, mais franchement, c'est à tenter.
  
  
• Lunar Aurora - Seelenfeuer (1998) ★ ★
  
  Pas de changement de cap par rapport au premier album, mais de subtils ajustements tout de même : un son un peu plus étouffé et sale (un point négatif pour moi, mais quand on écoute la piste bonus Auf einer Wanderung présente sur la version deezer du disque, on se dit que ça aurait pu être encore très largement pire), mais surtout une volonté de laisser quelques instants de respiration dans cette musique généralement oppressante. On a ainsi droit à une intro pseudo-orchestrale inquiétante et assez sympa, à quelques passages de guitare sèche (l'excellent break de Mein Schattenbruder, l'intro de Der Geist der Grausamen), et à quelques interruptions de clavier pendant lesquelles la batterie arrête de mitrailler. Mais en même temps, ces mini-breaks sont plus frustrants qu'autre chose dans la mesure où ils sont la plupart du temps coupés après à peine quelques notes par un déferlement de sauvagerie, comme si le groupe n'assumait pas totalement de proposer des plages plus calmes. Franchement dommage, car du coup on a l'impression que le groupe se cherche un peu sur cet album, qui convainc moins que le précédent. Tout de même, la première "vraie" piste Schattenbruder est à nouveau très réussie, et il y a beaucoup de choses intéressantes dans la très longue Kerker aus Zeit (un bon quart d'heure).
  
  
• Lunar Aurora - Of Stargates and bloodstained celestial spheres (1999) ★ ★ ★ ½
  
  L'intro Kampfork de ce troisième album donne immédiatement le ton : espèce de délire bruitiste aux sonorités spatiales, il annonce l'ajout à la musique déjà assez chargée du groupe d'une composante "fumette d'outre-espace" qui ne risque pas vraiment de la rendre plus accessible ! Ca donne parfois franchement n'importe quoi, notamment dans les quelques intermèdes instrumentaux qui parsèment le disque (Moorleiche, avec ses espèces de samples de cris d'oiseaux, c'est vraiment fascinant !), mais, un peu comme dans leur premier album, les allemands arrivent régulièrement à transcender ce mélange improbable pour en tirer des ambiances franchement prenantes (Blutbaum, Der Leidensweg, ou le quasiment épique Drachenfeuer). Les claviers ont repris une place plus importante, la batterie est beaucoup plus variée qu'auparavant (il y a eu un changement de batteur, très bénéfique de mon point de vue), et même si les guitares continuent à se contenter de créer une espèce de brouillard hyper saturé, c'est quand même globalement moins frénétique, probablement pour laisser la place aux nombreuses expérimentations sonores du disque (les voix souvent très trafiquées, jusqu'à l'espèce de geignement halluciné en fond sur Gebirgsmystizismus, ça va quand même assez loin). Encore un album trop inégal pour prétendre au statut de chef-d'oeuvre, mais quand même, c'est sacrément original et souvent inspiré.
  
  
• Lunar Aurora - Ars Moriendi (2001) ★ ★
  
  Après un troisième album vraiment très original, on était en droit d'attendre avec une grande curiosité la suite des évènements pour Lunar Aurora. Autant l'avouer tout de suite, c'est un peu décevant. Après une intro sympatique au clavier qui sonne bon le film d'horreur désuet, on retrouve plutôt le côté brutal du deuxième album du groupe que les délires du troisième. Claviers trop souvent en retrait, grosse densité du son, ça reste assez bien fichu, mais bon, ils ont déjà fait la même chose en mieux (un titre comme Kältetod est vraiment décevant). Heureusement, on retrouve un peu plus de couleurs et de mélodies dans la deuxième moitié de l'album, nettement meilleure (à partir de Beholder in sorrow). La batterie mitraille moins dans Flammen der Sehnsucht, et le derniers tiers de Aasfresser et de Geist der Nebelsphären, avec les claviers qui retrouvent le devant de la scène, arrivent à créer ces ambiances oniriques fascinantes qui font tout l'intérêt du groupe. La piste finale, curiosité bruitiste avec quelques notes de clarinette, intrigue, mais c'est un peu tard. Dommage, le disque dans son ensemble laisse une impression de régression, sans être franchement raté, l'absence de prise de risques par rapport aux opus précédents déçoit forcément.
  
  
• Lunar Aurora - Elixir of sorrow (2004) ★ ★ ★ ½
  
  Après un quatrième album un peu en retrait, Lunar Aurora retrouve de l'inspiration et nous invite une fois de plus à un voyage halluciné vers des contrées qu'on n'est jamais totalement sûr de vraiment vouloir visiter. L'introduction donne le ton, beaucoup de bruits étranges (même des grognements !) pour créer une ambiance résolument flippante, parfait pour se mettre en condition. D'ailleurs, d'autres intermèdes parsèmeront le disque, à l'intérêt parfois discutable (Gesteir, c'est vraiment juste du bruit, la piste conclusive Irrlichter aussi). L'un d'entre eux sort nettement du lot, l'inattendu A wandering winterdream avec ses mélodies de piano ! Après tout, pourquoi pas, sur un album à l'ambiance gothique assumée. Le reste du temps, Lunar Aurora fait du Lunar Aurora, guitares denses et claviers en folie de rigueur (ils ont une place vraiment prépondérante sur ce disque, globalement assez mélodique), ça tourne parfois au n'importe quoi (Kerkerseele) mais quand ça fonctionne, c'est vraiment prenant (Augenblick, Hier uned jetzt). encore une fois, sans que ce soit à mon sens un chef-d'oeuvre incontournable (car inégal et par moments vraiment trop space), c'est franchement réussi dans son genre.
  
  
• Lunar Aurora - Zyklus (2004) ★
  
  Pour ce sixième album, les allemands franchissent un pas en proposant une sorte d'album concept consacré aux quatre périodes de la journée (le disque est constitué de seulement quatre pistes sobrement intitulées en allemand "Le matin", "Le jour", "Le soir" et "La nuit") mais aussi, plus allégoriquement, les quatre âges de la vie humaine. Bon, pourquoi pas, ils ont déjà prouvé par le passé être capables de produire de la musique inspirée en créant des atmosphères improbables, ça peut être intéressant. Pourtant, je ne sais pas si j'étais mal luné (ah ah), mais cet album est le premier du groupe à vraiment m'ennuyer au plus haut point. Chacune des quatre pistes débute par environ deux minutes de bruitages clichés (le chant des oiseaux pour le matin, les insectes au soleil pour le jour...), puis enchaîne sur une musique typique de ce que propose le groupe depuis ses débuts, mais version peu de mélodie et claviers discrets, il faut vraiment accrocher à l'ambiance pour ne pas s'endormir (et ça n'a donc pas été mon cas). Seules les dernières minutes de Die Nacht (à partir de 10 minutes en gros, au moment du break apaisé) réussissent enfin à créer quelque chose d'assez fascinant, mais il est vraiment trop tard. Un album raté à mon goût.
  
  
• Lunar Aurora - Mond (2005) ★ ★ ★ ★
  
  Les plus attentifs d'entre vous auront peut-être remarqué qu'il s'agit là du troisième album sorti par le groupe en moins de deux ans (les deux précédents dataient de 2004). En fait, ils n'ont pas été soudain pris d'une frénésie créatrice sans précédent, mais ont simplement gardé sous le coude quelques années une partie de leur production faute de trouver un distributeur qui leur convienne. Comme quoi, quand on donne dans les sous-branches un peu exotiques du metal, se faire entendre est déjà une belle performance. En tout cas, après un Zyklus expérimental qui m'avait laissé sur le bord de la route, Lunar Aurora revient à un format plus standard (les titres restent en nombre limité et assez longs tout de même), et surtout une musique nettement plus rapide (pas de longue plage complètement atmosphérique ici, ça avance tout le temps), directe, mélodique, en un mot accessible. Surtout, nouveauté assez notable, les guitares quittent leur registre habituel de "on fait un fond bien saturé et puis voilà" pour contribuer à la mélodie, ce qui est fort appréciable et laisse accessoirement de la place pour que les claviers proposent des choses plus inattendues (les appels de cuivres du début de Rastlos, c'est assez excellent !). Le groupe retrouve également un côté presque optimiste par moments (la piste finale Grimm démarre de façon presque bondissante) qu'on avait un peu perdu de vue depuis leur tout premier album, et c'est vraiment une bonne chose. Peu de choses à jeter dans cet album de toute façon, à part un Welk un peu bouche-trou, les autres pistes sont toutes réussies et prenantes, Aufgewacht et Heimkehr en tête. À mon sens le meilleur album du groupe à ce jour.
  
  
• Lunar Aurora - Andacht (2007) ★ ★ ★ ★ ½
  
  En 2007, alors qu'il semble à son pic de créativité, et qu'il a désormais son propre label pour diffuser sa musique sans difficultés, Lunar Aurora prend l'étonnante décision de tout arrêter, non sans avoir gratifié ses fans d'un dernier disque (il y en aura en fait un autre plusieurs années plus tard). Décision assez rare mais au fond courageuse dans le petit milieu du metal (d'habitude, les groupes ne disparaissent pas vraiment, on a juste droit à une recomposition hasardeuse avec de nouveaux membres), qui rend d'autant plus précieux cet album testament. Le groupe se conforme ici à des structures classiques de leur part (intro bruitiste relativement longue sur chaque titre, avec des sonorités bien sinistres pour ne pas dire carrément glauques, il y a même des samples assez dégueu qui interviennent au milieu des morceaux par moments), avec comme principale nouveauté l'insertion de quelques bribes de chant grégorien en fond. L'effet parait initialement assez raté mais en fait ça ajoute encore au côté étrange et malsain qui fait nettement plus qu'émaner de cette oeuvre (c'est pas le genre de promenade dans les bois à laquelle on aurait vraiment envie d'être convié). Mais de ce marasme se détache une musique à la fois simple (les longues pistes sont souvent basées sur deux ou trois motifs basiques et très répétés), très mélodique, mais surtout et tout simplement magnifique. Glück qui ouvre le bal et Dunkler Mann (avec une sorte de refrain bien identifiable, chose rare chez Lunar Aurora) sont deux joyaux noirs étincelants, Findling impressionne avec sa montée en puissance, d'un début assez désenchanté jusqu'à une conclusion frénétique. Les allemands maîtrisent vraiment parfaitement leurs ambiances, et auraient mérité la note maximale sans un gros bémol à mon goût : la piste finale, subtilement intitulée Das Ende, semble vouloir tenter une conclusion grandiloquente mais se plante complètement avec son chant criard très pénible, c'est vraiment triste de finir comme ça alors que le reste du disque est un sans faute (à mon sens, une fin apaisée aurait été nettement plus adaptée). Malgré tout un album à découvrir absolument.
  
  
• Lunar Aurora - Hoagascht (2012) ★ ★ ★
  
  Cinq ans ont passé, et Lunar Aurora décide de se reformer ... le temps d'un unique album, avant de disparaître à nouveau. Pourtant, pour ce disque, les deux membres les plus importants du groupe ne s'étaient entourés de personne et avaient géré toute la musique à eux seuls. Du coup, changement de son assez net pour le "groupe", avec une batterie très parcimonieuse qui n'a plus rien à voir avec les blast beats furieux des premiers albums (à vrai dire, la batterie ne serait pas là que ça s'entendrait à peine sur certains titres), et des claviers en mode planant qui prennent beaucoup de place (mais proposent peu d'envolées mélodiques). Bref, on s'éloigne vraiment du black initial pour se rapprocher d'une musique très atmosphérique, contemplative, qui prend souvent son temps (ça s'anime un peu plus vers la fin de l'album, avec Habergoass et Wedaleichtn). Pas vraiment la facette de Lunar Aurora que je préfère, ça manque pour moi d'accroche mélodique, mais certaines pistes sont quand même très belles (celle qui ouvre le disque, Im Gartn, où les guitares mettent 2'30 à pointer le bout de leur nez, et celle qui le ferme, Reng), et créent un sentiment curieux d'inéluctabilité. Moins accessible que les deux qui le précèdent, ce dernier album reste quand même une réussite.
  
  
  
  
• Machine Head - Burn my eyes (1994) ★ ★ ½
  
  Je dois bien l'avouer, je n'avais à peu près jamais entendu parler de Machine Head avant de le mettre sur ma liste de groupes de metal à découvrir. Pourtant, ce premier album semble régulièrement cité comme un des piliers du thrash américain "deuxième génération" né au début des années 90 sous l'impulsion de Pantera. Et de fait, il y a du Pantera dans ce que propose cet album, que ce soit dans le très gros son bien monolithique (c'est rarement très rapide, mais extrêmement pesant en permanence), comme dans la manie d'insérer des notes aiguës inattendues dans les riffs qui me fait irrésistiblement penser à Cemetary gates. Quoi qu'il en soit, voici un premier album assez inattaquable et de fait dévastateur, c'est techniquement très au point, ça déménage, c'est bien construit... et ça me laisse de marbre les trois quarts du temps. Le titre d'ouverture Davidian est pourtant très bon (même si j'aime assez moyennement le chant, une constante tout au long de l'album d'ailleurs, ça tourne trop souvent à la scansion limite rappée pour moi). Mais ensuite, sur chaque titre, j'ai beau me dire que l'intro est soignée, que je n'ai vraiment rien à reprocher, je ne suis pas transporté : aucune chanson que j'aie envie de réécouter en boucle, aucun moment qui me fasse décoller de mon siège. En fait, je retrouve mes problèmes récurrents avec les albums de thrash trop "tête dans le guidon", c'est très bien mais je crois que ce n'est simplement pas vraiment fait pour moi.
  
  
• Machine Head - The More things change (1997) ★ ★ ★
  
  N'ayant guère été emballé par le premier album du groupe, je tentais donc ce deuxième avec une certaine méfiance. Premier aperçu avec le très brutal Ten ton hammer, on peut au moins créditer le groupe d'une qualité : ils savent ouvrir leurs albums avec des titres bien frappants (à tous les sens du terme), même si celui-ci pâtit un peu pour moi de son chant presque rappé sur les couplets (mais les oppositions chant scandé dans les couplets/refrain très clair semble être un leitmotiv sur ce disque). Comme dans l'album précédent, des riffs parsemés de notes aiguës aux guitares, un son très dense, les trois premières pistes me laissent sur mon appréhension, ça ressemble beaucoup à Burn my eyes. Et puis arrive Down to none, plus lourd, plus lent, plus atmosphérique, globalement plus intéressant (pour moi du moins). Et le reste de l'album va alterner entre titres rouleaux compresseur (Blistering et ses bruits de roulette de dentiste en intro !) et chansons plus sombres et mélodiques (le réussi Violate, le plus discutable Blood of the zodiac), Machine Head se la joue un peu plus varié et moins bourrin, et c'est une évolution qui ne peut qu'être bénéfique pour le groupe. Sans être encore enchanté, je trouve déjà plus encourageant (et ça reste quand même, soyons honnêtes, globalement très bien fichu).
  
  
• Machine Head - The Burning red (1999) ☆
  
  J'avais décelé dans le deuxième album du groupe une évolution qui ne pouvait qu'être intéressante. Eh bien, je m'était lourdement trompé. Il faut dire que ce troisième disque part vraiment dans une direction assez éloignée des deux précédents : même si le son reste bien lourd, on reconnaît peu la patte du groupe, qui a troqué son metal légèrement bourrin pour des motifs basiques répétés à longueur de chanson au niveau des guitares, et surtout pour un chant qui ne se contente plus de s'approcher du rap, mais se vautre allègrement dans la déclamation hip-hopisante insupportable (pour moi, ça va de soi, nul doute que ça peut plaire à ceux qui s'intéressent à ce genre de musique). Sur des titres comme Desire to fire ou From this day, c'est carrément rédhibitoire. Mais bon, si le fond instrumental était bon, ça pourrait encore sauver l'affaire, mais en plus d'être simpliste (la chanson titre conclusive, ça s'étale bien trop pour quelque chose d'aussi minimaliste), il est souvent pénible sans raison (les bruitages de Nothing left ou toute la fin de Five, c'est censé apporter quelque chose ?). Que peut-on alors sauver ? Une ou deux ambiances réussies (Exhale the vile, malgré une intro insupportable, ou I Defy qui n'est gâchée que par le chant). C'est très loin d'être suffisant.
  
  
• Machine Head - Supercharger (2001) ☆
  
  Je ne m'étendrai pas très longtemps sur cet album dans la droite ligne du précédent... en encore plus fatiguant et donc pénible. Après une intro aux bruitages futuristes sans intérêt, on embraye sur un Bulldozer qui donne déjà envie de fuir (chant rappé, riff mal amené), puis sur un White-Knuckle blackout qui ressemble carrément à une blague tellement c'est caricatural (la fin avec ses "fuck you" toutes les secondes, comment dire...). Il y aura quand même quelques spasmes de vraie musique par moments dans la suite (Only the names à l'atmosphère intéressante malgré l'abus de bruitages parasites, le début de Black generation), histoire de montrer que le groupe est quand même capable de faire de bonnes choses quand il le veut, mais ça ne dure même pas l'espace d'une chanson, et quand il faut se farcir au milieu une bouse du genre American High, difficile de vraiment se motiver. D'ailleurs, la chanson titre qui conclut le disque donne direct envie de se coucher tellement elle est épuisante (chant braillé ou scandé, il faut choisir ? Non, non, les deux à la fois, c'est encore mieux... ou pas). Le groupe a remonté la pente ensuite ? C'était difficile de tomber plus bas...
  
  
• Machine Head - Through the ashes of empire (2003) ★ ★ ★ ½
  
  Après deux albums franchement indigestes, nouveau changement de cap pour Machine Head. On n'abandonne pas complètement le chant scandé mais il se fait quand même nettement moins présent (ouf) pour laisser la plupart du temps la place à un chant simplement énervé (avec tout de même de belles alternances avec du chant bien clair, dans Seasons wither par exemple). Surtout, instrumentalement, on retrouve un fond beaucoup plus travaillé et bien rentre-dedans, même si le groupe se permet quelques belles échappées "hors-style" (l'intro acoustique de Descend the shades of night). De façon générale, c'est beaucoup plus varié que les quatre albums précédents, ce qui pour moi ne peut qu'être gage de plus grand intérêt. On atteint d'ailleurs l'excellence par moments, notamment l'inaugural Imperium (ce passage instrumental avant la conclusion, superbe !) ou un Days turn blue to gray au motif obsédant. Quelques autres pistes très efficaces à défaut de révolutionner le genre (Left unfinished, In the presence of my enemies), il y a largement de quoi faire un très bon album. Pas plus cependant, car on trouve aussi des pistes où le chant devient pénible (Vim), voire où la musique est carrément peu inspirée (Wipe the tears). Mais bon, globalement, c'est un retour aux affaires franchement inespéré de la part du groupe puisque ça dépasse pour moi leurs deux premiers disques.
  
  
• Machine Head - The Blackening (2007) ★ ★ ★ ★
  
  Le cinquième album de Machine Head était prometteur, le sixième sera celui de la confirmation. Dans la droite lignée du précédent dont il reprend même sans vergogne certaines structures (le titre initial, Clenching the fists of dissent, est calqué sur celui qui introduisait Through the ashes of empires avec notamment cette lente intro acoustique avant le déferlement de violence), il arrive toutefois à le surpasser en faisant preuve d'une réelle ambition qui fait plaisir (quatre chansons durent plus ou moins 10 minutes, c'est long pour ce style de metal) et en arrivant à gommer les chutes de tension qui affaiblissaient un peu l'effort précédent. On retrouve des éléments caractéristiques du groupe (les notes aiguës sur le très bon Halo) mais aussi des choses assez nouvelles (beaucoup d'utilisation de chant très clair, sur les refrains notamment, des motifs assez obsédants comme sur Aesthetics of hate). Il n'y a pas à dire, c'est de la belle ouvrage. Que me manque-t-il pour être vraiment totalement emballé ? Un chant un peu moins primaire (quand on n'a pas droit aux interludes en chant clair, c'est quand même bien bourrin), et un titre qui provoque vraiment l'étincelle qui donne envie de le repasser en boucle (aucun morceau faible sur ce disque, mais pas vraiment non plus de tuerie ultime). Mais je chipote, c'est quand même vraiment recommandable.
  
  
• Machine Head - Unto the locust (2011) ★ ★
  
  Jusqu'ici, Machine Head avait proposé un changement de discours assez net tous les deux disques. Fallait-il donc s'attendre, quatre ans après un The Blackening très réussi, à de nouvelles surprises ? Pas franchement, même si l'introduction a capella de I am hell (curieusement sous-titré Sonata in C#) a de quoi intriguer. Elle est toutefois assez réussie et débouche très naturellement sur un riff assez magistral qui laisse penser qu'on tient déjà la tuerie qui manquait à l'album précédent pour en faire un incontournable absolu. Hélas, on déchante un peu sur la durée (seulement sept titres sur l'album, tous aux alentours des 7 minutes, on reste dans la volonté de proposer des choses assez fouillées), avec un chant qui vire à nouveau au pénible mais surtout des développements instrumentaux où les guitaristes se font sûrement plaisir mais qui ne convainquent pas vraiment. C'est en fait une image assez fidèle de ce que propose le disque : des intros souvent réussies qui donnent envie d'écouter la suite (les gamins sur Who we are, c'est rigolo, cette chanson est d'ailleurs à mon avis la meilleure de l'album), puis une relative déception due à un manque global de percussion et à la répétition de passages techniques sans grand intérêt. Assez frustrant au fond, car tout ça semble réellement travaillé (et reste écoutable, hein, n'exagérons rien) mais la machine tourne un peu à vide.
  
  
• Machine Head - Bloodstones and diamonds (2014) ★ ★ ★
  
  Après un Unto the locust qui m'avait déçu, pouvait-on espérer un nouveau soubresaut de la part d'un groupe qui a déjà connu des hauts et des bas dans le passé ? Plus de 70 minutes de musique, en tout cas, ce n'est pas l'inspiration qui a fait défaut. Ce n'est peut-être pas la meilleure nouvelle qui soit, dans la mesure où plusieurs pistes tiennent du remplissage sans grand intérêt, notamment au niveau des passages solos où les guitares semblent parfois réciter leurs gammes (la fin de Ghosts will haunt my bones, par exemple, ou Eyes of the dead). Autre souci, le chant est souvent forcé, que ce soit dans le côté hurlé (mais on a l'habitude) ou au contraire quand un chant clair "inspiré" est censé prendre le relais, ça devient vite maniéré et agaçant (sur Game over notamment). Dommage car par ailleurs il y a vraiment de bonnes choses, dans un style classique pour le groupe (Night of long knives et son refrain efficace), mais aussi dans un registre moins attendu, avec notamment l'introduction d'orchestrations plutôt bien vues (à commencer par le titre qui ouvre le disque, Now we die, dont l'intro laisse vraiment douter du fait qu'on ait pas eu un bug de deezer !). Tout cela ne suffirait pas vraiment à dépasser le moyenne, mais voila, au beau milieu de ce disque inégal, déboule sans crier gare une merveille complètement improbable pour un groupe comme Machine Head, Sail into the black et ses choeurs a cappella d'outre tombe, ce piano intriguant, cette note grave martelée par les guitares, franchement c'est du grand art. Après avoir écouté ça, une question me taraude : pourquoi le groupe n'a-t-il pas été capable (ni sur cet album si sur un autre, à mon humble avis) de produire une musique aussi mémorable sur la durée d'un disque ? Allez, même juste un demi-disque ? C'est un brin frustrant...
  
  
• Machine Head - Catharsis (2018) ★ ½
  
  La musique du groupe commençait déjà sérieusement à tourner en rond dans les deux albums précédents, mais c'est encore nettement plus manifeste ici. Harmoniques de guitares, opposition entre des choeurs en chant clair et des couplés énervés et/ou scandés (Betond the pale, Screaming at the sun, Grind you down), lignes vocales peu inspirées que le chanteur tente de surcompenser en en faisant des tonnes (sur Kaleidoscope), c'est à la fois très prévisible et assez saoulant même si ça reste exécuté avec une certaine efficacité. Mais surtout, quitte à ne pas avoir grand chose de nouveau à dire, il aurait fallu avoir la présence d'esprit de ne pas allonger inutilement le disque. Or là, c'est à pas moins de 15 titres et 75 minutes de musique que nous convie Machine Head, beaucoup trop vu le contenu proposé. Il y a pourtant quelques bonnes choses vers la fin de l'album (si on a tenu jusque là !), notamment un Heavy lies the crown assez orchestral et bien construit, et le Psychotic qui suit, premier titre à vraiment retrouver l'énergie dévastatrice qui est une des marques de fabrique du groupe. Et puis le tout se conclut avec un très étrange Eulogy où on ne comprend pas bien la raison d'être de cette voix extrêmement trafiquée. Ce n'est pas le pire album de la carrière de Machine Head (faut dire qu'il y a de la concurrence), mais c'est quand même globalement bien décevant.
  
  
• Machine Head - Of Kingdom and Crown (2022) ★ ★
  
  Nouvel album de Machine Head, mais aussi un nouveau line-up avec changement de la moitié des postes. Un détail qui n'a pas énormément d'importance dans la mesure où le groupe a toujours été avant tout le bébé de Robb Flynn, et a de toute façon sorti des disques assez peu semblables tout au long de sa discographie. Le précédent ne m'avait pas emballé, celui-ci me laisse assez perplexe. Il s'agit d'une sorte de concept-album dont je n'ai pas vraiment creusé le scénario, qui doit en tout cas certainement justifier les O barrés nordiques présents sur tous les titres de pistes (et celui de l'album, j'ai donc triché) et les trois interludes bruitistes sans l'ombre d'un intérêt parsemant le disque. Mais mon problème vient du reste, où j'ai bien du mal à cerner l'objectif musical : on alterne des titres hyper frontaux (certes une habitude du groupe) pas franchement passionnants (Choke on the ashes of your hate ou Bloodshot, c'est vraiment trop bourrin) et des passages qui sonnent carrément soupe FM (Unhallowed, Arrows in words from the sky) avec également quelques tentatives pour le coup bienvenues d'insérer des morceaux de chant clair et de choeurs (même si ça me fait à chaque fois penser à Sail into the black, chef-d'oeuvre du groupe à côté duquel la comparaison ne peut que faire très mal). Mais tout n'est quand même pas à jeter dans cet album, loin de là, l'ambitieux premier titre Slaughter the martyr est très bien construit, quelques autres titres sont réussis (j'aime assez Kill thy enemies par exemple), et techniquement c'est assez impressionnant, le groupe assure quand même sacrément (bon, je n'aime toujours pas énormément le chant agressif de Flynn, mais il n'a rien perdu niveau voix). Dommage que ce ne soit pas au service de compositions plus inspirées.
  
  
  
  
• Mass Hysteria - Le bien-être et la paix (1997) ★ ★ ★
  
  Depuis que j'ai commencé mes chroniques metal, j'ai passé en revue un certain nombres de groupes anglais ou américains, quelques paquets de formations venant du Nord de l'Europe, mais bien peu oeuvrant dans l'Hexagone (en fait, à part Gojira, rien de français, me semble-t-il). Il faut dire aussi que le metal franchouillard n'a pas vraiment fourni des masses de groupes mémorables dans le genre. À propos de masses, c'est donc à Mass Hysteria que je m'attaque aujourd'hui. Il ne faut pas attendre bien longtemps sur ce premier album pour se rendre compte que les influences du groupe sont particulièrement variées : guitares bien acérées qui virent même parfois au metal brutal (sur la bien nommée Hard corps notamment), beaucoup de sons et samples électroniques qui lorgnent assez régulièrement du côté de la techno ou assimilé (L'effet papillon, ou le très bon Respect to the dance floor), mais aussi une influence metal industriel manifeste, et côté vocal on est carrément du côté du hip-hop. On pourrait craindre que ce mélange ne tourne au gloubi-boulga indigeste, mais en fait les différents éléments sont très bien intégrés (surtout tout ce qui est électro) et défendus avec une belle énergie par les musiciens, ce qui donne de très bonnes choses par moments (l'effet glissando sur le riff de Shine, le très efficace Donnez-vous la peine). Le (gros) problème, c'est quand même le chant qui est pour moi complètement inintéressant (et ce n'est pas un effet pervers du chant en français, une rareté dans le metal, puisque les rares fois où ça chante en anglais c'est exactement pareil) et plombe un peu le tout. Mais ce disque reste dans l'ensemble une belle surprise, avec un vrai style assez accrocheur.
  
  
• Mass Hysteria - Contraddiction (1999) ★ ★ ½
  
  Pour ce deuxième album, Mass Hysteria reste tout à fait dans le même esprit "on mélange tout et n'importe quoi" que le premier, ajoutant même une composante tribale (et même vaguement orientalisante par moments) à tout le reste (résultat mitigé de ce côté-là, sur Aimable à souhait, je me serais très bien passé du passage avec percus exotiques, mais Le plus juste effet avec son intro tribale fonctionne bien). Légère évolution niveau chant également, un peu moins de scansion et plus de "lyrisme", surtout au niveau des refrains. Pas certain qu'on y gagne malgré le mal que je pensais du chant sur le premier album, les paroles ressortent plus et ce n'est pas forcément positif (allez, les allusions mathématiques de P4 m'ont bien fait marrer même si elles n'ont aucun sens, mais par exemple sur Finistère amer ça fait assez mal). Reste le bon mélange de riff bourrins (mais moins que sur Le bien-être et la paix) et de musique électro, qui porte le début de l'album (la chanson-titre est excellente) avant de s'essouffler assez sérieusement sur la deuxième moitié, malgré les tentatives de varier les atmosphères (Furia, dans un style relativement proche, est vraiment trop basique pour rivaliser avec Respect to the dance floor, et la piste finale hispanisante n'a absolument rien à foutre là). Bref, malgré la bonne volonté, un peu de mal à tenir la distance pour le groupe.
  
  
• Mass Hysteria - De cercle en cercle (2001) ☆
  
  Après deux albums au style très éclectique mais quand même centré sur un mélange techno-metal-chant scandé particulièrement énergique, gros changement de cap pour Mass Hysteria. C'est manifeste dès le début de la première chanson Remède, on part beaucoup plus vers de l'easy listening nettement moins métallisé (quant à l'influence techno, à part dans Coup2Mass, elle a carrément disparu), avec claviers souvent envahissants et chant "lyrique" (comprendre "chant pop pas terrible") en permanence. Bon, pourquoi pas, mais bon, quitte à entendre du sous-Calogero (j'exagère à peine par moments), autant aller écouter l'original (contre lequel je n'ai d'ailleurs rien). On a quand même encore quelques riffs musclés (au début de La puissance, Millenium appauvri) mais qui se mélangent assez mal à ce chant vraiment gnangnan, et les quelques expérimentations sont vraiment ratées (La Aventura humana est assez douloureuse à écouter, le featuring rap sur Immixtion, en plus d'être mauvais, n'a aucune raison de se retrouver là, et les pistes purement instrumentales sont terriblement creuses, sur Temps mort on attend une bonne minute que la chanson démarre et en fait ça n'est jamais le cas mais ça en dure quatre). En fait, on passe surtout son temps à se demander où le groupe a bien voulu en venir avec cet album, et la seule réponse qu'on trouve c'est qu'ils se sont assez largement plantés...
  
  
• Mass Hysteria - Une somme de détails (2007) ★ ★ ★
  
  Ayant volontairement sauté l'album éponyme de 2005 qui insistait dans la veine rock FM ouverte par le précédent (mais en plus cohérent, pour ceux qui aiment le style, ça se laisse gentiment écouter), je retrouve Mass Hysteria quelques années plus tard, au moment où le groupe revient à son style initial, avec des guitares à nouveau très présentes et parfois bien lourdes (même si les bidouillages électro ont toujours une présence importante). Eh ben ça fait du bien ! Toutes les pistes ou presque sont sur le même format : petits samples électroniques pour créer une ambiance, riffs musclés aux guitares, chant à nouveau scandé sur les couplet (mais avec des refrains plus mélodiques en général), la prise de risque est très faible (c'est d'ailleurs le principal reproche qu'on peut faire à ce disque, on ressent une certaine monotonie à force d'exploiter systématiquement la même recette, pas d'échappées vers des mélanges encore plus improbables cette fois-ci) mais c'est quasiment tout le temps bien fichu (Babylone et Echec sont moins convaincantes, et comme d'habitude, le featuring de la dernière piste n'a aucun intérêt), avec même des titres vraiment sympathiques comme Nous sommes bien (j'adore les petites interventions des gamins), Regarde le monde ou la chanson titre (malgré une fin abrupte qui laisse penser que le groupe ne savait plus quoi faire de sa chanson, c'est dommage). Sympathique, c'est d'ailleurs un qualificatif adapté à l'album dans son ensemble : pas un chef-d'oeuvre, mais vraiment un disque qu'on prend plaisir à écouter.
  
  
• Mass Hysteria - Failles (2009) ★ ★ ★ ½
  
  Avec ce sixième album, Mass Hysteria enfonce le clou en assénant encore plus de gros son que dans le précédent. On sent même la volonté de partir dans une direction moins "positive" que leurs premiers albums, la pochette et l'introduction assez anxiogène de la première piste donnent d'ailleurs le ton de ce point de vue. Ce World of fire est en tout cas une excellente entame, avec son chant et ses paroles qui peuvent presque faire penser à Trust (mais sur un fond de guitares plus massif, évidemment). L'enchaînement avec un Plus qu'aucune mer qui retrouve quant à lui un côté industriel plus rammsteinien et sacrément efficace permet d'espérer un album vraiment monumental. Ce ne sera pas tout à fait le cas, le reste du disque revenant à des formules déjà explorées par le groupe (présence de bidouillages électro), et tombant souvent dans le simple "correct sans plus" (L'archipel des pensées ou Le magnétisme des sentiments) sans devenir toutefois vraiment décevant. Le niveau remonte sur la fin, avec une belle doublette Rien n'être plus (pas sûr de bien comprendre ce titre mais peu importe, la chanson est vraiment très bien) / Come on qui achève en beauté ce qui sera pour moi le meilleur album de la discographie provisoire du groupe (mais il reste encore trois disques pour monter un peu plus haut !).
  
  
• Mass Hysteria - L'armée des ombres (2012) ★ ★ ★ ★
  
  "Il y a un temps pour tout, mais jamais pour la guerre", ces paroles d'actualité (NdRoupoil : chronique écrite au lendemain de l'invasion de l'Ukraine) sont celles du premier titre de ce nouvel album de Mass Hysteria, où le groupe enfonce le clou dans la direction plus sombre prise depuis trois albums. La pochette annonce une nouvelle fois le ton, et l'ambiance est souvent tendue ou angoissée, le côté "festif nawak" des tout premiers albums est désormais assez loin et je dois dire que je préfère vraiment ce Mass Hysteria là. Encore une fois, le début d'album est énorme, les sonorités industrielles et autres bruitages superbement utilisés pour créer une ambiance froide qui colle parfaitement aux paroles revendicatives bien énervées de Mouss. La doublette initiale Positif à bloc / L'Homme s'entête est vraiment excellente, mais d'autres pistes méritent aussi d'être citées, comme Même si j'explose avec sa très belle utilisation du piano (le genre de détails qui augmentent encore la qualité de ce disque et qu'on aimerait entendre plus souvent de la part du groupe) et son excellent break, ou un Serum barbare plus classique mais diablement efficace. Quelques pistes tout de même où ça pêche un peu au niveau des lignes vocales (Commedia dell'inferno, Raison close) mais l'ensemble, assez court, est sacrément percutant. Le groupe continue son ascension vers les sommets, jusqu'où ira-t-il ?
  
  
• Mass Hysteria - Matière noire (2015) ★ ★ ★ ★ ★
  
  Après une montée en puissance remarquable sur les trois albums précédent celui-ci, ne restait plus qu'une question à se poser à propos de Mass Hysteria : étaient-ils capables de franchir la dernière marche et de nous proposer un disque réellement marquant, qui puisse s'inscrire durablement dans l'histoire du metal ? Eh bien, pour moi, avec ce Matière Noire à la pochette recherchée, la réponse est largement oui. L'ambiance est sombre, très sombre, mais entre deux pistes défouloir (ça démarre très fort avec un Chiens de la casse très énervé, mais en fait, on restera dans du lourd assez dépressif tout le long, à la seule exception d'un Plus que du metal hommage aux joies du live, un poil forcé d'ailleurs même s'il fournit une respiration bienvenue en fin de disque), Mass Hysteria réussit à nous placer des percées de beauté lumineuse qui hissent le disque à des sommets nettement plus impressionnants que tout ce qu'ils avaient produit jusque là (le refrain de L'Enfer des dieux, l'atmosphère splendide de la conclusive Mère d'Iroise, c'est vraiment superbe). Comme en plus ils ont écouté mes conseils et qu'ils multiplient les détails inattendus dans la gestion de la part samples/électronique de leur musique (un peu de violons sur Chiens de la casse, un harmonica sur Vae Soli, les nappes de synthé de Tout est poison, on a même droit à quelques notes chantées par un choeur classique sur la géniale Vector equilibrium), il y a vraiment bien peu à jeter dans cet album (allez, quelques pistes plus "quelconques" dans le lot, comme cette chanson titre presque décevante par rapport aux joyaux qu'elle côtoie, mais vraiment rien de raté), qui constitue une référence de très haut niveau pour le groupe et même probablement plus généralement pour le metal français. Pour le coup, ils auront du mal à faire mieux.
  
  
• Mass Hysteria : Maniac (2018) ★ ★ ★
  
  Dernier album du groupe à ce jour, ce Maniac a la lourde tâche de succéder à un Matière Noire qui avait placé la barre très haut. Impossible de ne pas jouer le jeu de la comparaison, et elle est logiquement douloureuse pour le petit dernier, qui ne retrouve pas les instants de magie irrééls du précédent et fatigue même parfois à force de jouer la surenchère dans le côté brutal et sombre (Partager nos ombres a une atmosphère intéressante mais que la batterie est fatigante, Chaman acide bien revendicatif et efficace mais ça manque de respirations). Si on essaye d'être un peu plus objectif, on se rend compte malgré tout que le disque ne tombe pas non plus dans la médiocrité, loin de là : on n'a pas le temps de s'ennuyer (il est sensiblement plus court que le précédent), aucune piste n'est à jeter, et le groupe réussit quand même par moments à trouver de nouvelles idées qui fonctionnent (les choeurs et le côté épique de Se brûler sûrement, et surtout la très intéressante piste finale, quasiment sans paroles avec juste sa citation de Pulp fiction dont je ne sais pas trop ce qu'elle fait là, en tout cas ça donne envie d'y revenir). En gros, après un petit chef-d'oeuvre, on est simplement redescendu au niveau d'un album solide, correct mais sans génie.
  
  
  
  
• Mastodon : Remission (2011) ★ ★ ★ ★
  
  Je ne savais pas spécialement à quoi m'attendre en tentant ce premier album, mais le titre de la première piste donne déjà une idée : Crusher destroyer, ça va être du bourrin. Eh bien en fait, pas tant que ça, ou plutôt pas seulement. Certes, il y a une composante "metal bien burné" un peu à la Pantera qui est indéniablement présente, mais qui est tempérée par une volonté de faire à la fois du technique (la batterie a une très grosse présence sur beaucoup de titres, le gars envoie du lourd) et du mélodique qui rendent beaucoup de pistes très intéressantes, surtout parmi les plus longues (Trainwreck ou l'instrumental Elephant man qui clôture l'album, c'est vraiment très bon). Dommage quand même que le son assez brut renforce encore le côté très dense des compositions plus courtes (notamment les quatre titres qui ouvrent le disque), c'est limite fouillis par moments et personnellement je trouve ça nettement mieux quand ça respire un peu plus (Ol'e nessie fait du bien de ce point de vue là avec son intro calme). Autre bémol, le chant essentiellement sans intérêt, mais bon, ce n'est pas trop grave dans la mesure où d'une part ça ne chante pas énormément, et même quand ça chante c'est assez noyé dans le reste. Encore inégal donc, mais pour un premier album c'est quand même vraiment très intéressant, j'ai envie de découvrir la suite.
  
  
• Mastodon : Leviathan (2004) ★ ★ ★ ★
  
  Pour ce deuxième album, le groupe a corrigé certains des "défauts" que je ressentais dans le premier : son un peu moins brut, chant moins uniformément crié, et surtout un très bon équilibre trouvé entre les différentes inspirations du groupe (on pourrait même dire que le côté mélodique domine maintenant pas mal de titres, ce qui me convient très bien). Comme en plus il y a une cohérence manifeste dans cet album et de très bons morceaux (Blood and thunder démarre le disque sur les chapeaux de roue, Iron tusk est tout aussi excellent), que demander de plus ? Eh bien, on va dire que je suis difficile, mais je trouve dommage que le groupe se soit recentré sur une collection de titres courts et donc forcément moins creusés que les plus longues plages de leur premier album. Une seule plage (très) longue (13'30) en fin d'album, mais hélas ce Hearts alive manque un peu de substance pour justifier sa durée. Globalement, la fin de disque me semble un peu moins inspirée, l'instrumental final étant nettement plus anecdotique que le Elephant man auquel il semble pourtant faire référence via son titre (John Merrick). Bref, pas déçu parce que ça reste un très bon disque, mais peut-être pas aussi exceptionnel qu'il n'aurait pu l'être.
  
  
• Mastodon : Blood Mountain (2006) ★ ★ ½
  
  J'ai attendu plusieurs écoutes de cet album avant d'en parler, et à vrai dire, même après ces écoutes supplémentaires, je ne sais toujours pas trop quoi en penser. Au premier abord, c'est vraiment une assez mauvaise surprise : le groupe semblait avoir trouvé un bon équilibre dans Leviathan, et là, changement de cap, il semble tout à fait volontairement éliminer de sa musique tout ce qui pourrait la rendre immédiatement séduisante. Plus de riffs brutaux, plus de mélodies accrocheuses, une certaine uniformité d'atmosphère et des développements techniques peu attrayants à base d'arpèges et de gammes, c'est franchement austère et ma première réaction a été "c'est vraiment raté". Et puis, curieusement, j'ai quand même eu envie de réessayer (et plus qu'une fois !), et j'ai commencé à y trouver de l'intérêt : les mélodies ne sont pas si absentes que ça, et les titres sont quand même construits quand on fait l'effort de se plonger dedans. De là à dire que j'aime vraiment l'album, il y a un pas que je ne franchirai pas malgré tout (il y a même des pistes, comme le curieux Pendulous skin final ou l'instrumental Bladecatcher avec ses bruitages assez pénibles, que je peux confirmer ne pas apprécier), d'où une note "moyenne" qui ne reflète à vrai dire pas grand chose. Sûrement un disque à continuer à approfondir...
  
  
• Mastodon - Crack the skye (2012) ★ ★ ★ ★
  
  Un détail extramusical toujours sympa avec Mastodon, c'est que les pochettes sont très réussies. Niveau musique, on est plus ou moins dans la continuité de l'album précédent, avec un metal ambitieux et pas facile d'accès et même des tendances "prog" de plus en plus marquées (deux pistes qui dépassent les 10 minutes). Mais dans le même temps, le disque est quand même beaucoup moins austère que le précédent, car plus varié et surtout plus maîtrisé, avec de vrais moments fascinants où l'ambiance vous prend littéralement à la gorge (le début de la première piste Oblivion, la très belle Ghost of Karelia et surtout l'une des deux pistes les plus développées, The Czar, magnifiquement construite et magnifique tout court, pour moi le sommet de l'album). Bon, à côté, il reste des chansons dans lesquelles j'ai plus de mal à rentrer (la chanson titre, Divinations, ou même le Last baron conclusif et ses treize minutes, hyper riche et fouillé mais qui part dans tellement de directions qu'on finit par s'y perdre un peu). Notons en passant que le chant qui était assez brutal dans le premier disque du groupe a peu à peu laissé place à une majorité de chant (très) clair, avec même des accents limite pop sur ce disque-ci, c'est assez surprenant. En tout cas un album à nouveau passionnant à défaut d'être tout le temps emballant, et je pense de plus en plus que Mastodon est un groupe auquel il faudra revenir quelques fois avant d'en avoir fait le tour.
  
  
• Mastodon - The Hunter (2011) ★ ★ ★ ½
  
  Le moins qu'on puisse dire, c'est que ce groupe a le don d'être imprévisible. Alors que Crack the skye lorgnait très clairement du côté du prog avec ses deux titres dépassant les dix minutes et ses structures bien touffues et alambiquées, voilà que l'album suivant est une suite de morceaux courts (13 titres, 53 minutes) qui lorgnent carrément du côté de la vignette pop ! Pour le coup, l'aspect mélodique est très clairement de retour, avec chant très clair de rigueur presque tout le temps (seul Spectrelight est un curieux aparté de métal bourrin qui aurait plus eu sa place sur le premier album du groupe). Je dois dire que ça me plaît pas mal (un petit bonbon comme Stargasm, c'est vraiment sympa, j'aime aussi beaucoup la chanson titre, l'une des rares pistes de cet album globalement "positif" qui ait une atmosphère plus mélancolique), même si parfois ça part quand même un peu trop dans le délire sans intérêt (les bruitages et rires de l'intro de Creature lives, bon, c'est assez superflu, même si ensuite la chanson est réussie). On peut quand même légitimement se demander ce qui a bien pu justifier ce nouveau virage chez un groupe qui semblait quand même jusqu'ici avoir une ambition un peu plus élevée que celle de produire un (bon) album de rock commercial (parce qu'honnêtement, c'est un peu ça qu'on a ici).
  
  
• Mastodon - Once more 'round the sun (2014) ★ ★
  
  Avant-dernier album en date du groupe, qui reste plutôt dans la lignée du précédent (beaucoup de pistes courtes), mais avec un penchant pop moins prononcé et une variété d'atmosphères plus nette. Plutôt un point positif a priori, sauf que justement ça a sévèrement tendance à s'embourber dès que ça veut vraiment devenir sérieux (je trouve par exemple la piste finale Diamond in the witch house atrocement poussive). Dommage, car je trouve le triptyque initial assez réjouissant : Tread lightly super efficace avec un retour à une certaine lourdeur, The Motherload qui tourne au contraire totalement du côté léger, beau contraste avec la chanson précédente, et High road basiquement bourrin, un peu gras et répétitif mais c'est ça qui est bon. Bref, on était parti pour un album très agréable à écouter sans prise de tête (comme le précédent, mais en plus varié), mais je ne trouve malheureusement pas grand chose à quoi m'accrocher ensuite. Je devais plus être d'humeur (m'enfin, je l'ai quand même tenté plusieurs fois...).
  
  
• Mastodon - Emperor of sand (2017) ★ ½
  
  Si le groupe avait multiplié les changements de direction inattendus en début de carrière, ils semblent (hélas) s'être stabilisés dans l'espèce de pop-rock métallisée (avec quand même de vrais morceaux de metal bien lourd dedans par moments) depuis The Hunter. Le problème c'est que, si ce dernier avait encore un certain pouvoir de fascination, on tombe vraiment avec cet empereur qui n'apporte pas vraiment de sable dans ses chaussures (on pourrait attendre des influences vaguement orientales, mais à part l'intro de Scorpion breath, titre plutôt sympa par ailleurs, pas grand chose qui justifie ce titre) dans de la musique sans âme qui aligne les titres certes plutôt agréables à écouter d'une oreille distraite, mais vraiment pas marquants. Le Sultan's curse qui ouvre l'album était pourtant prometteur, mais ensuite, entre les chansons vraiment trop pop comme le Show yourself qui suit, les solos de guitare beaucoup trop basiques ou les bruitages électroniques peu inspirés, on regrette vraiment le Mastodon première manière qui avait une sacrée personnalité. Là, malgré les tentatives un peu trop évidentes d'opposer chant clair et guttural sur certains titres, je décroche assez vite.
  
  
• Mastodon - Hushed and grim (2021) ★ ★ ★ ½
  
  Après des débuts fracassants sur la scène metal, puis un virage tout aussi saisissant vers le progressif quelques albums plus tard (le passionnant Crack the skye), Mastodon s'était enlisé depuis quelque temps dans une espèce de pop metal de moins en moins intéressant. Malgré tout, un nouvel album du groupe est un évènement, surtout quand il s'agit d'un double totalisant quinze pistes et près d'une heure et demie de musique. Le signe d'une ambition retrouvée ? Oui, clairement, on peut mettre de côté les vignettes pop, les titres sont longs, denses, et l'ambiance n'est pas à la fête (comme le titre et la pochette le laissent entendre), l'album étant en partie inspiré par la disparition du producteur de longue date du groupe. Et, très honnêtement, au moins le temps de deux titres, on croit tenir un album monstrueux. Pain with an anchor est une intro hyper accrocheuse, avec batterie tentaculaire et guitares presque spatiales, suivie avec The Crux d'un coup de poing dans la tronche tout aussi efficace, rendu encore plus spectaculaire par un break planant complètement inattendu. Si tout avait été de ce niveau, on aurait eu sous la min un grand chef-d'oeuvre, mais ce n'est pas franchement le cas : rien de mauvais, des ambiances variées et toujours intéressantes (presque enjouée dans Peace and tranquillity, limite urbaine dans Pushing the tides, plus roots dans The Beast), mais il faut bien admettre que ça s'étire quand même pas mal et que quinze chansons d'un coup c'était peut-être beaucoup. Malgré tout, pour qui se sent motivé pour un long voyage introspectif, ça mérite le détour.
  
  
  
  
• Mayhem - De Mysteriis Dom Sathanas (1994) ★ ★
  
  Je ne pouvais décemment pas effectuer un tour d'horizon de la scène black norvégienne sans évoquer le plus culte de ses groupes. Certes, culte pour des raisons souvent extra-musicales, mais le simple fait que cet album soit le seul enregistré par (une partie des) membres fondateurs, et que l'enregistrement lui-même ait été fortement compliqué par la soudaine indisponibilité pour longue durée (emprisonnement après avoir trucidé un collègue) ou même définitive (suicide, trucidage par le collègue) d'une proportion non négligeable des musiciens du groupe lui donne forcément un statut à part. Toutefois, les délais subis lors de l'enregistrement auront au moins deux effets néfastes pour le disque. Déjà, il sortira un certain temps après d'autres albums de la scène black (notamment le A Blaze in the Northern Sky de Darkthrone démoli par votre serviteur sur cette même page, qui lui est antérieur de deux ans) qu'il est censé avoir contribué à créer, et qui pousseront encore nettement plus loin le style dans ses retranchements, ce qui écorne forcément son statut d'album fondateur. Mais surtout, il a fallu recruter des musiciens pour terminer l'album, et le groupe a subi l'invasion d'Attila Csihar pour gérer le chant. Le gros problème, c'est que le compère hongrois n'a pas du tout la même vision de cette musique que ses camarades norvégiens. Là où les instrumentistes s'appliquent très sérieusement à créer une atmosphère glauque (et y parviennent d'ailleurs plutôt bien, ici le son est moche mais c'est écoutable et ça contribue même aux bons moments de l'album, avec notamment des descentes de toms qui sonnent lugubres comme il faut), lui joue la carte du grand-guignol en faisant dans la parodie outrancière en permanence. Grognements grotesques, pseudo-chant lyrique qui ne ressemble à rien, c'est un peu comme si Clavier en mode Jacquouille débarquait dans un film historique sérieux, ça ne colle pas du tout (franchement, il faut l'écouter dans la chanson-titre qui conclut l'album, c'est vraiment du grand n'importe quoi !). Et c'est dommage, car côté instruments, même si ça reste très primaire (des riffs répétés jusqu'à plus soif, zéro développement vaguement technique), il y a vraiment quelque chose au niveau de l'ambiance (sur Freezing moon ou Pagan fears notamment). Un album qui mérite quand même d'être écouté, au moins à titre de curiosité.
  
  
• Mayhem - A Grand Declaration of War (2000) ★ ½
  
  Au tournant du millénaire, voilà que Mayhem refait son apparition, avec un lineup forcément renouvelé, mais quand même constitué de musiciens ayant déjà une histoire avec le groupe. Fort heureusement, Attila Csihar n'en fait pas partie. Pas sûr ceci dit que celui qui le remplace chante beaucoup mieux mais (ça tombe bien), il chante en fait très peu sur l'album. Un peu de cris, beaucoup de passages scandés ou simplement parlés, voix robotiques trafiquées, et même un peu de rap, ça expérimente beaucoup niveau vocal. D'ailleurs, du côté des instruments non plus, on ne retrouve pas la moindre trace du "premier Mayhem" fondateur du black norvégien. On a une production relativement standard, avec une batterie bien mise en avant (bonne idée d'ailleurs, car ça assure bien à ce niveau), mais surtout une musique qui oscille entre metal très martial (le titre de l'album n'est pas mensonger) comme sur la chanson titre qui ouvre le disque, et des choses nettement plus expérimentales et franchement peu convaincantes (les sonorités électro de A Bloodsworth and a colder sun ou les délires de l'interminable Completion in science of agony). Tout ça donne un album peu cohérent qui laisse franchement perplexe malgré quelques excellentes pistes (j'aime beaucoup To Daimonon). Surtout, on se pose franchement la question : pourquoi avoir sorti ça sous le nom de Mayhem alors que ça n'a pas le moindre rapport avec les antécédents du groupe ? Est-ce un nom suffisamment mythique pour simplement permettre de gagner plus de pognon ? En tout cas les fans de black ont du être sacrément déçus...
  
  
• Mayhem - Chimera (2004) ★ ★ ★ ★
  
  Après un album expérimental finalement décevant, Mayhem revient avec un nouveau disque nettement plus cohérent et centré sur ce qu'on attend d'eux : huit pistes pour à peine trois quarts d'heure de musique, et une concentration d'atmosphères lourdes et mortifères assaisonnées de nombreux blastbeats, y a pas de doute, on est revenu à quelque chose de beaucoup plus clairement black (le seul détail qui change c'est que la production est soignée, je ne m'en plaindrai pas). Accessoirement, ça chante "normalement" sur ce disque. Encore mieux, alors que je ne suis pourtant pas vraiment fan de ce style, j'ai trouvé la plupart des compositions fort convaincantes, il y a certes un côté un peu fatiguant à la longue, mais un titre comme My Death réussit vraiment à imposer son côté glaçant et, encore plus fort, Slaughter of dreams m'a définitivement convaincu que le blastbeat bien employé pouvait être très efficace. Globalement, l'album monte en puissance, Impious leper lord et la chanson titre conclusive étant aussi d'une efficacité redoutable. Ce n'est pas le type de metal que j'écouterais tous les jours, mais dans son genre, c'est vraiment une excellente surprise.
  
  
• Mayhem - Ordo ad chao (2007) ★ ★ ½
  
  Si le précédent album de Mayhem avait vu la résurgence d'une grosse composante black metal, celui-ci va encore nettement plus loin, en revenant à une production bien sale quoiqu'encore audible (le son des toms de batterie !), mais aussi en rembauchant le terrible Attila Csihar au chant ! Argh, vite, fuyons ! Ou pas en fait, car pour le coup, son style inimitable essentiellement fait de grognements convient bien à l'épure (si on peut dire) à laquelle nous convie le groupe : de longues plages lentes et très répétitives, une atmosphère uniformément glauque, c'est à une sorte de messe noire angoissante que nous assistons, au point même que l'invention musicale passe franchement à l'arrière-plan. À écouter comme un disque standard, ça mérite sûrement une note proche du zéro (on est vraiment proche du foutage de gueule sur les parties de guitare), mais à se mettre dans les oreilles dans le noir, après avoir légèrement abusé de substances illicites, l'effet peut être saisissant. Bon, je n'ai pas vraiment testé l'écoute dans ces conditions là, mais il y a quand même un côté lancinant et hypnotique loin d'être désagréable dans cette "musique". Quelque part, on est beaucoup plus proche ici d'expériences bizarres de musique contemporaine que de musique "commerciale". Je ne me suis pas mouillé au niveau de la note mais c'est plutôt un "j'adore ou je déteste selon mon humeur du moment".
  
  
• Mayhem - Esoteric warfare (2014) ★ ½
  
  Cinquième album après vingt bonnes années de carrière (et le premier depuis 2007), on ne peut pas dire que Mayhem risque la surchauffe. En l'occurrence, il y a (encore) du changement au niveau du lineup, puisque c'est le guitariste et unique compositeur des trois précédents disques qui s'est fait la malle. Curieusement, alors que les trois albums en question étaient très différents les uns des autres, cette nouvelle tentative composée donc par un nouveau venu est quant à elle la suite directe du disque précédent du groupe, au point même que le titre introductif Watchers est quasiment un auto-plagiat. Mais il y a quand même ensuite une volonté de varier un peu, notamment en ajoutant quelques sonorités plus modernes. Curieusement, ça ne fonctionne pas vraiment comme prévu, car le disque perd en intensité ce qu'il gagne en variété, et finit quand même, après quelques titres intéressants (le premier est le meilleur, en fait) par tourner terriblement en rond dans une deuxième moitié où les blastbeats fatiguants se succèdent sans qu'on y décerne grand chose d'intéressant. À la fois trop proche du disque précédent mais beaucoup plus plat, c'est un effort insuffisant.
  
  
• Mayhem - Daemon (2019) ★ ★ ★ ½
  
  Sixième album (et dernier en date) pour le groupe qui garde son rythme de croisière "un album tous les cinq ans". On garde quasiment le même lineup que pour le précédent, mais il y a du mieux au niveau des compositions : plutôt que de jouer sur une production sale et des atmosphères lugubres, c'est ici tout en puissance que le côté malsain (qui est toujours bel et bien présent !) est créé. Un peu trop même, j'ai toujours du mal avec les pistes qui jouent uniquement le bourrinage speed sur fond de batterie qui blastbeate en permanence (donc j'aime moyennement Worthless abominations destroyed ou Of Worms and ruins). Mais l'album est largement sauvé par d'autres chansons vraiment réussies au coeur de l'album : Malum avec un Attila d'outre tombe très convaincant, Falsified and hatred et son motif de trois notes repris... aux claviers, et Aeon demonium avec sa très efficace montée en puissance. Un album tout à fait correct et finalement plus classique que les précédentes tentatives du groupe.
  
  
  
  
• Megadeth - Killing is my business ... and business is good ! (1985) ★ ★
  
  Début d'une nouvelle série consacré à un groupe mythique. Assez curieusement, alors que j'ai découvert il y a un certain temps déjà l'intégralité de la discographie de Metallica, je ne connais de Megadeth que le génial Rust in peace. Il est grand temps de réparer cet oubli, et la solidarité inter-rouquins devrait logiquement me pousser à être indulgent... Petit rappel pour ceux qui ont séché les cours d'histoire du metal à l'école primaire : après avoir été viré comme un malpropre de Metallica, Dave Mustaine, autoproclamé meilleur guitariste du monde, est très vénère et veut montrer au monde entier ce dont il est capable. Mais le temps qu'il monte un groupe (une bonne nouvelle pour le metal) et qu'il se décide à y chanter (une nettement moins bonne nouvelle pour le metal), Metallica a déjà sorti deux albums, dont un Ride the lightning qui est déjà une sacrée référence. Soyons clairs, à côté, le premier essai de Megadeth n'a aucune chance de rivaliser. En fait, ce qu'on entend surtout, c'est effectivement que l'ami Dave est bien énervé, mais ce côté metal brut de décoffrage est vraiment mal géré : son moyen (même si la version remastérisée est tout à fait correcte), chant moyen (j'avoue quand même être devenu nettement moins allergique à la voix de Mustaine avec le temps), et un côté très très brouillon dans les développements (les solos surtout, celui de Chosen ones est franchement bordélique) qui rend parfois les chansons compliquées à suivre (Rattlehead ça va à 100 à l'heure, mais on ne sait pas trop où...). Même constat sur Mechanix, qui va certes plus vite que le Four Horsemen de Metallica (pour ceux qui ne suivent toujours pas au fond, c'est à peu de choses près la même chanson), mais qui fonctionne finalement moins bien. Dommage, car sur le fond les compos sont intéressantes, la chanson titre par exemple fonctionne bien. Bon, on va dire que ça reste prometteur pour la suite, mais vraiment pas assez abouti pour l'instant.
  
  
• Megadeth - Peace sells... but who's buying ? (1986) ★ ★ ★ ★
  
  À peine un an après un premier essai perfectible, la bande à Mustaine est de retour, et le moins qu'on puisse est qu'il ont fait de sacrés progrès ! C'est même incroyable à quel point cet album parait pro par rapport au précédent (et ce n'est pas du à la remasterisation pour le coup, qui à mon avis a plutôt tendance à desservir certaines pistes en mettant les voix trop en arrière alors que la version originale est très bien) : bon, Mustaine chante jours pareil bien entendu, mais le son est nettement plus maîtrisé, et surtout le bordel énervé a laissé place à un thrash certes toujours agressif, mais d'une rigueur et d'une efficacité assez redoutables. À tel point d'ailleurs que j'en viendrais presque à regretter par moments que ça ne parte pas un peu plus en vrille, on n'est pas loin d'une certaine froideur (sur The Conjuring par exemple). Mais on ne peut pas nier que la majorité des titres sont très bons, à commencer par Wake up dead qui montre la voie, et bien sûr la chanson titre avec son intro à la basse qui met immédiatement dans le bain et sa progression jusqu'à un refrain choral un peu planplan mais qui reste en tête. On a également droit à un excellent Good mourning/Black friday qui joue plus la carte de la balade triste (même si on n'a pas un tempo retenu tout le long non plus) et My Last words termine efficacement un album sans gros raté, à part peut-être la reprise rock I ain't superstitious assez anecdotique. Malgré tout, même s'il s'agit indiscutablement d'un (très) bon album, il me manque un petit quelque chose côté émotionnel pour être totalement subjugué.
  
  
• Megadeth - So Far, so good ... so what ! (1988) ★ ★ ★ ½
  
  Manifestement, Dave Mustaine avait une certaine attirance pour les points de suspension aux débuts de son groupe. Quoi qu'il en soit, cet album est nettement moins souvent cité que les deux qui l'entourent parmi les classiques de la discographie du groupe, et ... c'est assez mérité. Non pas que l'album soit mauvais, loin de là, c'est du bon thrash bien maîtrisé (malgré le changement de line-up), la plupart des chansons fonctionnent très bien (l'étonnant instrumental Lungs of hell qui ouvre l'album, In my darkest hour qui joue la carte d'un tempo plus lent et d'une ambiance plus lourde parfaitement assumés par le groupe), quelques autres semblent superflues (encore une reprise inutile, cette fois-ci de Anarchy in the U.K., un Liar dont le refrain ne ressemble à rien), et je retrouve un peu le côté "manque d'émotions" qui m'avait un peu freiné dans le disque précédent. Tout cela reste plus que très correct (je précise que pour cette fois je n'ai écouté que la version remasterisée, apparemment l'original souffre d'un son vraiment pas terrible), mais semble forcément un peu en retrait après la progression fulgurante du groupe entre ses deux premiers albums (et encore plus en comparaison du suivant dans la liste, mais ne brûlons pas les étapes).
  
  
• Megadeth - Rust in peace (1990) ★ ★ ★ ★ ★
  
  Alors même que le line-up du groupe n'arrête pas de changer (encore deux nouveaux par rapport à l'album précédent), Megadeth a réussi avec Rust in peace un exploit assez invraisemblable en proposant un album quasi-parfait de bout en bout, classique absolu qui fait tout simplement partie des meilleurs albums de metal, toutes obédiences confondues. Dès les premières notes de l'énorme Holy Wars, on sent que le groupe a réussi à accrocher ce petit truc en plus qui lui permet de franchir encore un gros palier par rapport à leurs (bons) albums précédents. Peut-être simplement un supplément de mélodie ? En tout cas ici, tout colle, et le disque aligne les titres mémorables avec une régularité époustouflante (seul Dawn Patrol me semble dispensable avec la voix curieusement désincarnée de Mustaine). C'est rapide, technique sans que ça ne devienne jamais insipide (il y pourtant quantité de solos, mais toujours justes), la rythmique est au top (le tout début de Take no prisoners !), instrumentalement c'est vraiment exceptionnel. Bien sûr, il faut quand même se farcir le chant de Mustaine, mais même ça ne suffit pas à tempérer mon enthousiasme. Rien que pour Tornado of souls, de toute façon, la note avoisinerait déjà les cinq étoiles.
  
  
• Megadeth - Countdown to extinction (1992) ★ ★ ★ ½
  
  Me voici donc arrivé à ce premier album post-Rust in peace qui a déçu beaucoup de fans du groupe. Ca se comprend sans peine, surtout pour ceux qui espéraient un disque dans la continuité du précédent, car le groupe a vraiment opéré un changement de direction assez net. La vitesse, la technicité, les solos de dingues et autres breaks inattendus vantés dans le précédent opus ont quasiment disparu ici pour laisser encore plus la place à la mélodie et à des structures très classiques, au point que certains accuseront Megadeth d'avoir voulu faire son Black album. En soi, ça ne me dérange pas (d'ailleurs, j'aime beaucoup le Black album !), à condition que la qualité musicale suive. Ici, c'est majoritairement le cas, même si on reste honnêtement un bon cran en-dessous du chef-d'oeuvre précédent. Il y a encore des titres bien pêchus, comme le direct et efficace Skin o' my teeth qui ouvre l'album, ou Ashes in my mouth qui le conclut, quelques tentatives d'originalité qui fonctionnent bien (l'intro surprenante de Symphony of destruction, et surtout l'excellente Sweating bullets avec son refrain super groovy), mais aussi une ballade oubliable (Foreclosure of a dream), quelques riffs moyens ou trop similaires (la chanson titre, par ailleurs intéressante, et This was my life), et deux ou trois titres peu inspirés (High speed dirt, tout le début de Captive honor). Un peu décevant vu les antécédents du groupe, oui, mais franchement ça tient encore très bien la route.
  
  
• Megadeth - Youthanasia (1994) ★ ★ ★ ½
  
  Ceux qui avaient été déçu par Countdown to extinction ne risquent pas de faire volte-face avec ce nouvel album : le choix du groupe de se diriger vers une musique beaucoup plus mélodique, cadrée, et surtout nettement moins agressive (il a quand même une sacrée différence dans l'esprit avec leur tout premier album !) est complètement confirmé ici, ça ne va pas très vite, les développements techniques sont carrément absents (il reste des solos plutôt sympathiques mais beaucoup plus "standard" qu'auparavant), et, incroyable mais vrai, même ce cher Dave chante de façon plus posée et presque correcte. Après, si on n'a rien contre cette nouvelle orientation (ce qui est plutôt mon cas), on tient encore un album qui tient fort bien la route, avec même d'excellents titres (le Reckoning day initial, l'un des plus énervés d'ailleurs, avec son riff prenant), des riffs qui fonctionnent bien (un peu trop répétés : sur la chanson titre ou Addicted to chaos, c'est dommage, il y avait moyen de faire encore mieux avec les mêmes bases), et des refrains mélodiques qui restent en tête (celui de Family tree notamment). Au rang des pistes évitables, on mettra Elysian fields et la ballade (mais oui, Megadeth se met à faire des ballades) À tout le monde, qui tient fort bien la route mais dont le refrain en français est simplement risible pour un francophone (d'ailleurs, pour réellement rigoler, il faut écouter la démo de cette piste proposée dans certaines éditions, le Dave il avait clairement pas pris français LV1 au collège). Pour le reste, ça s'écoute vraiment tout seul. Un peu trop même, il est vrai que l'ambition n'est plus la même que sur un Rust in peace.
  
  
• Megadeth - Cryptic writings (1997) ★ ½
  
  Après deux albums qui jouaient clairement la carte de l'accessibilité et du "surtout pas trop agressif", Megadeth nous fait le coup de l'album qui fait le choix de ne pas choisir. On reste globalement assez loin du thrash des débuts du groupe (les solos sont carrément gentillets), mais on retrouve quelques titres beaucoup plus rapides qui semblent un peu s'être perdus là (The Disintegrators, She-wolf). En soi, ce serait plutôt une bonne nouvelle... s'ils n'étaient pas si médiocres (je trouve le refrain de She-wolf assez pénible). Pour le reste, donc, du rock à peine heavy qui oscille entre le très correct (la chanson d'ouverture Trust, ou Vortex malgré l'étrange tentative de traficotage de la voix de Mustaine), le sympa mais déjà entendu (A secret place) et le franchement paresseux (Use the man, Sin, ou FFF et sa batterie insipide). Au final, il faut quand même bien avouer qu'il ne reste plus assez de bonnes choses à se mettre sous la dent pour vraiment défendre l'album, contrairement aux précédents qui avaient encore une majorité de temps forts.
  
  
• Megadeth - Risk (1999) ★
  
  Si j'ai avoué plus haut avoir écouté plusieurs albums de Megadeth en version remasterisée, pour celui-ci je tenais à faire une exception en allant chercher l'original. Pourquoi ? Tout simplement car il est assez unanimement conspué par les fans du groupe, entre autres pour les bidouillages électro présents ici et là, et que Dave Mustaine tentera de gommer au maximum en effectuant le nettoyage du disque. Bon alors ok, il y a des chichis assez ridicules (plus sur les traficotages de la voix de Mustaine, notamment sur Ecstasy, que sur les quelques intros où on a de l'électronique qui apparaît, d'ailleurs), mais musicalement, est-ce vraiment si mauvais ? À première vue, pas tant que ça, Insomnia est certes un titre qui n'a plus grand chose à voir avec le metal (les violons...) mais qui a un côté funky plutôt sympathique. À deuxième vue, quand même, y a pas grand chose à sauver, puisqu'il faut attendre le Time : The End final pour retrouver un groupe qui envoie un peu (pas longtemps d'ailleurs tant l'album se finit abruptement). Le reste, c'est vraiment tout et n'importe quoi, de l'ambiance Superbowl du franchement pas très inspiré Crush'em au rock vintage de Seven (plus écoutable), en passant par plusieurs pistes lentes et plus ou moins dépressives qui manquent d'impact (Wanderlust). Et puis bon, il y a aussi les vrais ratages qui n'ont vraiment rien à foutre sur un album de Megadeth : Breadline et I'll be there poussent vraiment trop loin le concept de "Essayons de faire un album plus accessible pour attirer un nouveau public". En résumé, finalement, cet album est pas loin d'être une belle bouse, en effet.
  
  
• Megadeth - The World needs a hero (2001) ☆
  
  Beaucoup de fans du groupe considèrent Risk comme son album à oublier. Certes ce n'était pas bien folichon, mais je ne suis pas d'accord : le suivant est pire. Pourtant, avec un changement de line-up conséquent, l'occasion était belle de repartir sur de meilleures bases et de se décider à revenir au metal agressif que le groupe pratiquait à ses débuts. C'est d'ailleurs l'ambition avouée de Mustaine sur ce disque, mais c'est fait avec un tel manque d'envie et d'inspiration que le soufflé retombe complètement. En fait, c'est assez terrible, on a l'impression d'entendre un groupe de troisième zone qui essaie de se faire sa place dans le monde du metal sans en avoir vraiment les moyens tant les erreurs de débutants sont alignées : riffs moyens et sans consistance répétés sans variations, solos de guitare carrément à chier (franchement, celui de Disconnect, c'est une blague ?), refrains tous plus pitoyables les uns que les autres (les voix traficotées de Moto psycho ont au moins le mérite de faire rire), et un Dave qui est tellement peu motivé qu'il chante encore plus mal que d'habitude (la ballade Promises avec moult cordes pour accompagner est un grand moment de nanaritude vocale). Et je passe la trompette incongrue de Silent scorn et la piste finale incompréhensible, avec la citation de Metallica et l'espèce d'adaptation d'une chanson de Diamond head qui ne va nulle part. Ah si, un dernier point pénible, les beaucoup trop nombreux passages parlés qui n'ont pas d'intérêt (faut croire que Mustaine avait trop la flemme pour vraiment tenter de chanter). La seule bonne piste perdue dans ce marasme, c'est Dread and the fugitive mind avec le seul riff vraiment accrocheur du disque. Pour le reste, on se demande vraiment où sont passées la hargne et la technique du groupe de Mustaine...
  
  
• Megadeth - The system has failed (2004) ★ ★
  
  Après le désastreux The World needs a hero, Dave Mustaine a dissous l'assemblée, pardon son groupe. Quoi, il a réussi à se rendre compte qu'ils ne faisaient plus que de la bouse ? Non, je vous rassure, pas du tout, il s'est juste suffisamment flingué le bras pour ne plus pouvoir jouer de guitare (et bien sûr, impensable que le groupe puisse exister sans lui). Trois ans plus tard, il est de retour, il a reconstruit tout le line-up, et il semble décidé à donner un successeur à Rust in peace (cf ses déclarations de l'époque et la pochette). Bon, soyons clairs, il vaut mieux oublier cette référence écrasante si on veut apprécier un tant soit peu le disque, mais il y a, au moins le temps des trois premières chansons, une vraie volonté de revenir (enfin...) à une musique plus rapide et agressive. On peut même dire que l'intro mammouthesque de Kick the chair y parvient plutôt bien. Du coup, on se prend à rêver de retrouver un très bon album, mais la suite nous fait en partie déchanter. Déjà, on revient globalement à des choses plus sages, du style des albums intermédiaires Countdown to extinction ou Youthanasia (qui restaient ceci tous les deux plus que corrects), et surtout il y a des expérimentations dont la réussite est très variable : l'assez indescriptible The Scorpion fonctionne bien, le hard-rock FM de Tears in a vial un peu moins, le rock vintage de Back in the day vraiment pas, et on touche carrément le fond avec un My Kingdom conclusif complètement raté (on se demande bien ce qu'ils ont cherché à faire dessus tellement ça ne ressemble à rien). Au final, on ne peut pas dire que le bilan soit franchement positif, mais bon, on a quand même un (demi)-album correct, qui laisse encore espérer que Megadeth n'est pas tout à fait mort.
  
  
• Megadeth - United abominations (2007) ★ ★ ½
  
  Après un mieux permettant d'atteindre l'écoutable dans The system has failed, on continue de remonter doucement la pente avec ce nouveau disque qui commence même de façon franchement convaincante : Sleepwalker réussit à allier un refrain réussi à une efficacité dans les riffs qu'on n'avait pas entendu depuis un certain temps, c'est vraiment une bonne entrée en matière. Bon, on n'échappe quand même pas à un solo pas ultra inspiré et des choeurs dispensables sur la fin, mais ce renouveau sera confirmé par un Washington is next ! presque maidenien et un Never walk alone bien pêchu, jusque là on tient même un très bon album ! Bon, hélas, le groupe a une fois de plus du mal à tenir sur la durée, et le reste tient au mieux du remplissage correct (Blessed be the dead), au pire du ratage assez peu compréhensible (Amerikhastan où Dave se contente de parler), sans compter la reprise sans intérêt de À tout le monde avec une invitée qu'on entend à peine. Bref, encore une fois, il faudra se contenter d'un demi-album, mais si on le recollait avec la première moitié du précédent, on aurait vraiment un disque sympa !
  
  
• Megadeth - Endgame (2009) ★ ★ ★
  
  Le groupe de Mustaine continue décidément à remonter la pente tout doucement mais sûrement, proposant enfin après plusieurs albums intéressants mais inégaux un disque qui tient la route sur toute la durée, tout en lorgnant une fois de plus très clairement vers les glorieuses heures thrash du groupe. Le nouveau guitariste recruté pour l'occasion (le lineup change en permanence depuis quelques disques) se voit même confier une quantité de solos plus ou moins techniques, mais bon, faut pas trop en demander non plus, ça tient plus souvent du remplissage sans âme qu'autre chose (pour ce qui est du côté démonstratif, l'intro instrumentale Dialectic chaos fonctionne toutefois très correctement). Non, c'est plutôt du côté des riffs et du tempo allant de la plupart des titres (ça s'énerve même franchement sur un Head crusher qu'on espérait plus vraiment retrouver sur un disque relativement récent de Megadeth) qu'il faut trouver son bonheur, qui dure vraiment jusqu'au bout de la galette (on a un gros doute quand la ballade The hardest part of letting go démarre sur fond de synthés sirupeux, mais la grosse accélération en milieu de chanson fonctionne en fait très bien). Alors bien sûr, ça ne reste "que" bon, il manque un ou deux titres qui donnent vraiment envie d'être écoutés en boucle (This day we fight ou Endgame sont très efficaces, y a rien à redire, mais ça reste un peu trop bien calibré) pour que le disque soit vraiment incontournable, mais ça reste de la bonne musique.
  
  
• Megadeth - Th1rt3en (2011) ★ ★ ★
  
  Le temps passe et, incroyable mais vrai, Megadeth est toujours vivant et continue d'aligner des disques au début d'une nouvelle décénnie. Mais le père Mustaine a trouvé un nouveau jeu (pour doper les ventes ?), celui de faire croire à chaque nouvel album qu'il va s'agir du dernier. Peut-être aussi une façon pour lui ici de faire passer la pilule puisque le disque est en bonne partie constituée de divers morceaux composées quelques années (voire plus) plus tôt, et recollés là pour atteindre péniblement le nombre de 13 chansons, concept assez indigent il faut bien le dire (le titre de l'album...). Bref, l'a priori était franchement négatif. Et pourtant, eh bien, malgré quelques ratés (le Sudden death initial avec ses guitares inutilement techniques, un Black swan qui sent vraiment le remplissage ou un Millenium of the blind vraiment mal chanté (le père Dave est globalement en régression de ce point de vue)), l'album s'écoute tout seul, c'est rarement brutal mais quasiment toujours très bien fichu, avec même de très bons titres (Public enemy n°1, Never dead ou encore la rigolote Deadly nightshade). Même le 13 conclusif avec son tempo assez lent et son atmosphère lourde est bien gérée. Encore un album qui est assez loin des sommets du groupe, mais qui reste franchement correct !
  
  
• Megadeth - Super Collider (2013) ★ ½
  
  Ca fait un bon moment que Dave Mustaine ne semble plus vraiment savoir ce qu'il veut faire de son groupe, tiraillé entre la volonté de refaire du vrai metal agressif "comme au bon vieux temps" et celle de faire de la soupe commerciale pour élargir sa base de fans. Selon les albums, on est plus ou moins clairement d'un côté ou de l'autre. Là, après plusieurs tentatives plus intéressantes, et malgré un Kingmaker initial très sympa (bon, la voix trafiquée, on aurait pu s'en passer, mais c'est pire sur d'autres pistes), on retombe très clairement dans le rock FM gentiment mollasson (une espèce d'AC/DC aseptisé) et interprété avec certes une compétence technique indéniable mais une envie qui laisse à désirer (le développement instrumental de Beginning of sorrow, à peu près le seul de l'album, ne fait vraiment pas rêver). Ca reste la plupart du temps plus qu'écoutable (Built of war avec ses choeurs "western" amusants, Don't turn your back), ça part parfois dans des directions surprenantes (le banjo country de The blackest crow, ou même le "chant" de Dave sur fond dépressif de Dance in the rain), mais surtout, il faut bien l'avouer, c'est oublié aussi vite qu'on ne l'a écouté et ça ne ressemble que bien peu à ce qu'on peut raisonnablement attendre d'un groupe dont le nom est Megadeth.
  
  
• Megadeth - Dystopia (2016) ★ ★ ★ ½
  
  Il n'y a pas que le coup du "c'est notre dernier album" que Mustaine dégaine de temps à autre pour doper ses ventes, il y a aussi le changement de line-up en profondeur pour relancer la machine. Pour ce dernier album en date du groupe, grosse arrivée avec celle de Kiko Loureiro (ex-Angra) en deuxième guitariste. De loin, ça sent la très mauvaise idée, je partais encore une fois avec un a priori pas folichon. Et une fois de plus j'avais tort ! Loureiro a conservé un son très rond et un jeu assez exubérant qui se marient en fait étonnamment bien avec la voix monolithique adoptée par Mustaine pour ce disque (dans le grave en permanence, les piaillements de canard sont loin). Ajoutez à ça une ambiance assez post-apocalyptique (y a qu'à voir la pochette) et on a un vrai renouvellement du son du groupe. Surtout, c'est accompagné d'un net regain de forme niveau compositions (même si, soyons honnêtes, Mustaine a toujours eu un certain talent pour ça), un petit côté orientalisant raffraîchissant sur certains titres (notamment Poisonous shadows), et une succession de bons morceaux sans réel temps faible. L'enchaînement initial The Threat is real/Dystopia est même très bon (ça va vite et il y a, comme dans tout l'album, des solos qui passent plutôt bien). Tout ne sera pas de ce niveau là (la fin, avec l'instrumental Conquer or die assez anecdotique et une reprise pour terminer qui n'a pas grand intérêt, est un peu poussive), mais la plupart des pistes sont vraiment réussies. Manque un ou deux vrais tubes pour retrouver un album digne de la grande époque, mais ça reste une très belle surprise.
  
  
• Megadeth - The sick, the dying... and the dead (2022) ★ ★ ★
  
  Aux adjectifs qui ornent le titre de leur dernier album (titre qui voit d'ailleurs le retour des points de suspension chers à Mustaine aux débuts du groupe, une façon de signaler un retour aux sources ?), les membres de Megadeth auraient peut-être pu ajouter "immortal". En effet, depuis 2016 et le précédent disque du groupe (qui avait déjà été annoncé, comme deux ou trois des précédents, comme le dernier), non seulement le COVID est passé par là, mais Dave Mustaine est passé par la case cancer de la gorge (insérer ici la blague douteuse de votre choix sur le fait qu'au moins, concernant Dave, ça ne risquait pas d'avoir une influence négative sur ses talents musicaux). Mais Dave est toujours là, et c'est une bonne nouvelle, car à 61 ans (ce qui n'est pas si vieux dans l'absolu), il a sûrement encore des choses à raconter, comme semblait en tout cas le prouver un Dystopia réussi il y a six ans. Bien sûr, on n'attend plus du groupe une révélation fondamentale, mais un bon album solidement interprété, ça nous irait très bien. Et ça tombe bien, puisque c'est à nouveau exactement ça qu'on retrouve ici. Il y a forcément eu du changement du côté des camarades qui accompagnent Dave puisque le comparse de toujours Dave Ellefson n'est plus le bienvenu, mais les nouveaux venus assurent très professionnellement, la voix de Mustaine n'a pas vraiment changé (c'est devenu assez monocorde mais franchement ça passe fort bien), et surtout les compositions peu originales mais presque toutes réussies s'enchaînent, et on passe tout simplement un moment agréable à les écouter. Bon, je me serais personnellement passé du featuring ridicule d'Ice-T sur Night stalkers et d'un ou deux titres qui essayent de varier le propos sans qu'on comprenne bien où ça veut en venir (Mission to Mars notamment), mais la chanson-titre ou Sacrifice, tout en restant très classique, c'est indéniablement efficace. Et les reprises en fin de disque forment une sorte de bonus sympathique. Globalement un poil en-dessous de Dystopia à mon sens (dont les premiers titres frappaient plus fort) mais ça reste très correct.
  
  
  
  
• Mercyful Fate - Melissa (1983) ☆
  
  Nouvel essai de ma part pour écouter plus en profondeur le premier disque d'un groupe culte, qui n'a publié que deux disques au début des années 80 (avant de se reformer une décennie plus tard) mais a marqué notamment les précurseurs du black metal (et aussi un certain Metallica), probablement en partie à cause de son imagerie satanique prononcée (même si, soyons honnêtes, ça reste plus grand-guignol qu'autre chose à l'écoute). Musicalement, difficile tout de même de trouver ce qui est proposé dans ce Melissa révolutionnaire quarante ans après sa sortie, et c'est même assez peu passionnant (son moyen, riffs assez efficaces sans être spécialement mémorables, le deuxième album du groupe, Don't break the oath, est nettement plus réussi de ce point de vue, avec notamment un Come to the sabbath excellent). Mais de toute façon, ça n'a qu'une importance mineure pour moi puisque ce disque est définitivement inécoutable de mon point de vue. La faute au "chant" de son leader King Diamond, impossible mélange de voix normale déjà pénible et de suraigus absolument atroces entres lesquels Diamond oscille en permanence, une véritable torture pour les oreilles, j'ai vraiment du faire un effort assez surhumain pour réécouter deux fois le disque intégralement (je dis pourtant régulièrement que j'accorde assez peu d'importance au chant quand j'écoute du metal, mais là je ne peux vraiment pas, la seule fois précédemment où j'avais eu une réaction de rejet aussi totale était pour Dani Filfth, un chanteur qui s'est pas mal inspiré... de King Diamond, y a pas de mystère). Assez curieusement, le même King Diamond me semble beaucoup plus supportable sur les disques de son projet solo (la voix est nettement plus adaptée au style gothique qui y est pratiqué, et il saute quand même nettement moins de façon abrupte entre voix grave et aiguë), c'est donc plutôt de ce côté-là que je vais continuer mon exploration de son univers.
  
  
  
  
• Meshuggah - Contradictions collapse (1991) ★
  
  Si Meshuggah est aujourd'hui un groupe reconnu comme à la pointe de l'innovation en termes de metal technique, on se rend compte en remontant jusqu'à leur assez confidentiel premier album que leurs débuts se sont fait sous grosse influence. On est au début des années 90, le thrash est au bout de ses heures de gloire, et Metallica trône au sommet de la planète metal. Et c'est bien à du Metallica déviant que nous convie le groupe pour ce premier album. Au niveau vocal, la similitude est même plus que frappante, mais c'est plutôt côté instrumental qu'il faut aller chercher l'intérêt de l'album. Là, pour le coup, si on a bien un fond thrash classique (avec un son assez brut pas hyper plaisant), on a vraiment l'impression que le but de Meshuggah était de ne garder que le côté technique un peu rebutant du style (c'est très dense, mélodiquement à peu près nul et pas accrocheur pour deux ronds) et de pousser le curseur encore nettement plus loin, en lui adjoignant des jeux de rythmes syncopés permanents sur la section rythmique, et des bribes de solos souvent surprenants (c'est parfois limité à quelques notes qui partent dans le décor). C'est extrêmement maîtrisé, ça a même un côté fascinant, mais il faut bien avouer qu'on commence à s'emmerder avant la fin de la deuxième piste, et que ça n'évolue jamais (c'est vraiment ultra uniforme, et les pistes durent toutes de l'ordre de six minutes). Les quelques titres un peu plus aérés (Choirs of devastation notamment) ne sont pas inintéressants, mais je n'ai quand même que bien peu accroché sur la durée.
  
  
• Meshuggah - Destroy Erase Improve (1995) ★
  
  Deuxième album du groupe, on s'éloigne de la copie de Metallica niveau vocal (on tend vers une sorte de beuglement presque guttural assez uniforme, heureusement coupé régulièrement par des interventions chorales) mais pour le reste Meshuggah reste fidèle au style mis en place dans son premier opus... Le riffing est toujours très technique, basé essentiellement sur des bribes de rythmes syncopés, et surtout sans l'ombre d'un début d'élément mélodique intéressant. Il y a certes quelques tentatives de breaks donnant un peu plus de variété aux structures, et même un instrumental presque atmosphérique en plein milieu du disque, mais ça suffit à peine à le rendre audible d'une seule traite. Qu'est-ce qu'on se fait chier quand même ! S'il n'y a pas d'évolution rapide dans les albums suivants, je ne vais pas tarder à laisser tomber...
  
  
• Meshuggah - Chaosphere (1998) ☆
  
  Troisième album du groupe, on continue à évoluer niveau vocal (on a en gros droit désormais à une espèce de hurlement très uniforme sans aucun intérêt, sauf sur The Exquisite machinery of torture... où c'est carrément pire avec une sorte de chant parlé vraiment moche), mais pas vraiment du point de vue instrumental, hélas. En même temps, la pochette et le titre du disque sont assez bien vus : c'est en effet assez chaotique (le début de la première piste Concatenation...), et ça prend sévèrement la tête. Toujours des riffs très syncopés pas beaux et qui se ressemblent tous répétés en presque continu sur chacune des pistes, et histoire de faire semblant de donner de l'intérêt à la chose, quelques solos qui ne ressemblent à rien en guise de breaks (ça sonne curieusement un peu jazz par moments sur ces solos). Seule Neurotica apporte un peu plus de variété à l'album, mais c'est largement compensé en sens inverse par le véritable foutage de gueule que constitue la dernière piste Elastic : quelques minutes classiques pour le groupe, puis ça tourne à l'expérimentation débile (des notes graves saturées tenues une minute, passionnant), et enfin au n'importe quoi sur les dernières minutes. Apparemment, renseignements pris, cette fin est constituée des premières pistes du disque mélangées et passées à l'envers. Ah ah, quelle bonne blague ! C'était pour voir si ce serait encore plus moche qu'à l'endroit ? Eh bien, à la surprise générale, oui. Ce naufrage aurait probablement du me convaincre définitivement que Meshuggah n'est pas fait pour moi, mais en fait, même si je vais ignorer quelques-uns des disques suivants, il y en a au moins un qui m'a vraiment plu à la première écoute, dont je vais donc sûrement dire quelques mots.
  
  
• Meshuggah - Catch Thirty Three (2005) ★ ★ ★ ½
  
  Casé à peu près au milieu d'une discographie déjà globalement difficile d'accès, ce disque est considéré comme une sorte de sommet de nébulosité même par les amateurs du groupe. Il est vrai qu'ils ont fait assez fort ici, mais c'est justement ça qui le rend à mon sens nettement plus intéressant que tout ce qu'ils ont produit d'autre : près de 50 minutes de musique enchaînées sans pause (mais pas sans temps mort), évidemment toujours aussi pointue techniquement parlant (au point d'avoir nécessité l'utilisation de sons de batterie pré-enregistrés), ça peut faire peur. Mais si les premières pistes (l'album est quand même découpé en treize tronçons de longueur très variable) ressemblent fort à ce que le groupe avait l'habitude de produire dans ses premiers albums (et dans les suivants aussi, en fait), une rupture se fait sentir à partir de Mind's mirrors. Une fois qu'on a réussi à digérer le risible passage avec voix robotisée, Meshuggah nous convie à une sorte de voyage halluciné avec de longs passages instrumentaux souvent très clairsemés, c'est étrange (franchement, on est ici dans de la musique expérimentale à laquelle le son métallisé ne fournit qu'un support qui en vaut bien un autre), on termine aux frontières du néant, mais, enfin, le groupe ne se contente pas d'étaler vainement sa technique, il nous raconte des choses, et c'est même assez palpitant une fois qu'on est entré dans leur délire. Certainement pas un disque facile à appréhender, mais qui laisse une trace indélébile sur l'auditeur et, même quand on n'est pas sûr de l'avoir vraiment aimé, donne envie de revenir tenter l'aventure.
  
  
  
  
• Metallica - Kill'em all (1983) ★ ★ ★ ★
  
  Entre deux disques de black metal, intéressons-nous donc à un autre groupe particulièrement undergound... Bon, pas la peine de faire semblant, il est impossible, près de quarante ans après sa sortie, de juger ce premier album de Metallica sans tenir compte du phénomène planétaire que deviendra le groupe peu de temps après. Pourtant, sur ce premier effort, Metallica n'est pas encore vraiment Metallica : son assez brut, chant particulièrement hargneux (et pas toujours convaincant) de Hetfield, et quelques morceaux dans le lot qui ne semblent pas vraiment tenir de l'esprit thrash metal (même si le terme n'existe pas encore à l'époque). Jump in the fire et Whiplash notamment sonnent encore 70's, même si je suis très loin de connaître suffisamment le paysage musical de l'époque pour déceler les influences précises. En même temps, même si le disque peut paraître imparfait en comparaison avec les monuments qui vont suivre, il serait plus pertinent de le comparer aux premiers disques sortis à la même époque par Megadeth ou Slayer, qui pour le coup tiennent du bordel total. Pas du tout de ça sur Kill'em all, c'est déjà très construit, maîtrisé, avec des titres souvent assez développés (No remorse, l'excellent Seek and destroy), des riffs qui s'enchaînent parfaitement, des solos rapides mais qui ne tombent pas dans la démonstration, tout est à sa place et les dix titres qui constituent l'album forment déjà une suite presque ininterrompue de classiques instantanés (quand on démarre avec Hit the lights suivi de The Four horsemen, ça pose quand même les choses). Même le curieux solo de basse saturée Pulling teeth trouve une place cohérente en offrant une respiration bienvenue entre deux titres speed et énervés. Bref, tout ça est déjà (très) bon. C'est un peu facile aujourd'hui d'affirmer que Metallica avait déjà conscience qu'ils allaient grimper très vite au sommet, mais en tout cas, ils avaient déjà le talent, et surtout la ferme volonté de l'assumer.
  
  
• Metallica - Ride the lightning (1984) ★ ★ ★ ★ ★
  
  Sorti un an après un premier album qui sentait encore bon l'enthousiasme juvénile, le deuxième disque de Metallica démontre une évolution stupéfiante de rapidité chez le groupe. Là où Kill'em all était relativement facilement identifiable comme un premier jet (déjà très maîtrisé certes), on a ici l'impression d'avoir sauté directement bon nombre d'étapes pour retrouver un groupe au sommet de sa créativité, maîtrisant à la perfection tous les paramètres d'un genre qu'il est pourtant en train de contribuer à créer. Le son est beaucoup plus brillant (et en même temps assez froid), les riffs tous plus mythiques les uns que les autres s'enchaînent avec un naturel confondant, les quelques mesures d'intro parfois ajoutées en début de titre sont systématiquement géniales (les quelques notes acoustiques sur Fight fire with fire, les cloches inoubliables de For whom the bell tolls). Quasiment aucun titre faible sur les huit qui composent l'album (je sais que Trapped under ice et Escape ont moins bonne presse que les autres mais, même s'ils ne se hissent pas à la hauteur des autres monuments, je les aime beaucoup quand même), une première tentative de ballade de la part du groupe qui transcende complètement le genre pour aboutir sur un chef-d'oeuvre absolu (Fade to black, probablement mon titre préféré de l'album), et, cerise sur le gâteau, un instrumental fabuleux pour terminer le disque en apothéose (même si je préfère encore l'Orion de Master of puppets à ce Call of Ktulu). Que dire de plus ? C'est l'album qui m'a grand ouvert les portes du metal il y a quelque temps maintenant, et ça restera probablement à jamais un de mes préférés du genre.
  
  
• Metallica - Master of Puppets (1986) ★ ★ ★ ★ ★
  
  Deux ans après un Ride the lightning phénoménal, Metallica prend le risque de nous proposer un frère jumeau de ce dernier, puisque leur troisième album a une structure quasi-identique au second : huit pistes assez développées, une première plage bien rentre-dedans précédée d'une intro acoustique (l'énorme Battery), la chanson-titre qui arrive juste après, une sorte de ballade en milieu d'album (même si Welcome home a droit à une belle accélération de tempo sur la fin), et un instrumental à la fin. Ah non, gros changement, cette fois-ci l'album se conclura sur un titre rapide qui vient donc juste après l'instrumental de rigueur. Ce qui est impressionnant, c'est que le risque pris de décevoir en ne proposant qu'un clone d'un album difficilement dépassable est payant, Master of Puppets réussissant même l'exploit de faire encore mieux que son prédécesseur sur certains points (titres rapides plus percutants, Orion encore plus sublime que Call of Ktulu) en n'ayant pratiquement aucun moment faible (à l'époque où j'ai découvert ce disque, il y a bien longtemps maintenant, j'avais curieusement eu un peu de mal à rentrer dans la chanson titre, dont je trouvais le riff pas assez direct, mais elle a depuis rejoint pour moi comme pour beaucoup le catalogue des classiques incontournables). J'adore particulièrement Disposable heroes et son refrain. Même si je garde une très légère préférence personnelle pour Ride the Lightning, voici encore un album monstrueux de la part des californiens.
  
  
• Metallica - ...And Justice For All (1988) ★ ★ ½
  
  Depuis que j'ai découvert les premiers classiques de Metallica, ce quatrième album a toujours été celui qui m'a posé problème, et je crains que les choses ne soient pas près de changer. Mon souci principal, et je suis loin d'être le seul à l'avoir, concerne le son très particulier de cet opus. Après deux disques à la production assez éclatante, Metallica a choisi de revenir pour celui-ci à quelque chose de nettement plus brut. Mais pas brut dans le genre un peu crado de Kill'em all, non, un son volontairement asséché, avec cette batterie très présente, comme s'ils avaient voulu mettre mal à l'aise l'auditeur (ce qui est de fait probablement le cas, le groupe étant en train de se remettre plus ou moins difficilement de la mort de Cliff Burton). On pourra argumenter qu'il y a une certaine cohérence avec le contenu assez énervé de l'album, mais y a rien à faire, pour moi ça diminue fortement le plaisir de l'écoute. Et pourtant le disque contient bel et bien quelques morceaux de bravoure qui ont toute leur place parmi les classiques du groupe : Blackened impeccablement construit en ouverture, la chanson-titre et ses nombreuses bifurcations (même si elle ne justifie peut-être pas totalement ses quasiment 10 minutes au compteur), un Harvester of sorrow plus basique mais diablement efficace, ou encore la conclusion Dyers Eve, d'une rapidité et d'une brutalité rarement entendues chez Metallica (mais c'est bon !). Le reste, et notamment les titres plus calmes qui souffrent vraiment trop du problème de production, passe moins bien (To live is to die n'est vraiment pas à la hauteur des instrumentaux précédents malgré une très belle introduction, hommage à Burton ou pas, et même One, souvent cité comme un des sommets du disque, ne me convainc pas vraiment avec son opposition trop facile entre la douceur du début et la violence de la fin). Un bilan mitigé donc, mais surtout un auditeur frustré, car on ne pourra probablement jamais savoir quel effet aurait fait le disque enregistré autrement. Oui, je sais, il y a des Live (mais c'est encore autre chose), et même des bizarreries trouvables en farfouillant sur le web (une version évidemment non officielle avec basse ré-enregistrée par-dessus par un fan), mais le "vrai" disque, lui, restera en partie mal-aimé pour moi.
  
  
• Metallica - Metallica (1991) ★ ★ ★ ★ ★
  
  Plus connu sous le nom de Black Album, le cinquième disque de Metallica va constituer un point de basculement non seulement pour le groupe, mais pour l'ensemble de la galaxie metal en devenant l'un des disques les plus vendus de l'histoire, tous genres musicaux confondus. Pour une partie des fans, il marquera le début de la fin de Metallica, pour d'autres ce sera plutôt la fin du début (je fais donc partie de ceux qui considèrent que c'est leur dernier grand album). Il faut bien dire qu'ils ont fait à l'époque tout ce qu'il fallait pour renforcer un sentiment de trahison légitime des racines thash du groupe : publicité sur tous les fronts, changement de producteur (et même de look, exit les cheveux longs !) pour embaucher une star qui les affublera d'un son particulièrement clinquant, et bien sûr une évolution musicale qui peut choquer quand la dernière proposition du groupe était le Dyers Eve concluant ...And Justice For All. C'est sûr, ce n'est plus la même chose ici : tempi modérés (avec les deux célèbres ballades insérées au coeur de l'album), structures simplifiées, technique nettement revue à la baisse, et le curseur mis au maximum sur le côté mélodique qui ceci dit a toujours fait partie des préoccupations de Metallica, la volonté de créer une musique qui puisse plaire à un public nettement plus large que les seuls fans de thrash acéré est évidente. Et pour autant, je suis incapable de ne pas dire le plus grand bien de ce disque, car il reste à mon sens, dans un genre différent, aussi incontournable qu'un Ride the Lightning ou un Master of Puppets. Les tubes s'enchaînent sans baisse de rythme (contrairement à beaucoup, je ne trouve pas que l'album s'essouffle sur la fin, j'aime énormément My friend of misery par exemple), Enter sandman et Sad but true forment un duo d'ouverture exceptionnel, et les ballades sont superbes (oui, j'aime Nothing else matters et je le clame haut et fort, mais je préfère encore The Unforgiven). Un album outrageusement commercial, ce Black Album ? Oui, totalement. Et c'est assumé. Et c'est excellent.
  
  
• Metallica - Load (1996) ★ ★ ½
  
  Il aura fallu cinq ans à Metallica pour se décider à sortir un successeur au Black Album. Et le moins qu'on puisse dire, c'est que ceux qui avaient été déçus par le virage pris sur ce dernier ne risquent pas de se réconcilier avec le groupe. À défaut d'être un album de thrash, l'éponyme était encore un album de metal. Pour celui-ci c'est beaucoup plus douteux, Metallica proposant un drôle de disque très rock et surtout très roots allant puiser dans le terroir américain des riffs qui swinguent de façon inhabituelle pour eux (sur 2*4 ou Poor twisted me par exemple) et même par moments une ambiance plus folk qu'énervée (la ballade Mama said). De toute façon, pour qui cherche les pistes rapides ou brutales, c'est vite vu, il n'y en a plus du tout. Pour un groupe qui continue à s'appeler Metallica, on peut légitimement considérer qu'il y a tromperie sur la marchandise. Mais si c'est bien fait et musicalement réussi, en ce qui me concerne, je n'y vois pas spécialement d'inconvénient. Sauf que l'album est trop bancal : déjà les lignes vocales d'Hetfield encore trop proches de ce qu'il proposait sur les albums précédents se marient mal à ce nouveau style, créant une sorte de déséquilibre permanent. Mais surtout le disque est mal construit, beaucoup trop long (14 chansons pour quasiment 80 minutes) et inégal, naviguant sans grande cohérence entre de vrais ratages (The House that Jack built et ses effets foireux, le ridicule Hero of the day qui lorgne outrageusement vers la pop, ou encore le pénible Ronnie) et tout de même une majorité de titres qui tiennent la route (car, quoi qu'on en dise, Metallica sait faire de la bonne musique), et même deux longues pistes (Bleeding me et The Outlaw torn) à l'ambiance vraiment prenante qui tirent l'album vers le haut. Album qui n'est donc pas du tout le ratage infâme souvent décrit, mais une sympathique et inégale tentative de faire vraiment autre chose, qu'on aurait envie (même s'il s'agit ici de compositions originales) de ranger à côté du disque de reprises Garage Inc que Metallica enregistrera un peu plus tard.
  
  
• Metallica - Reload (1997) ★
  
  Load, s'il ne manquait pas de qualités, était indiscutablement trop long. Et pourtant, il faut croire que ça ne suffisait pas à Metallica, qui remet le couvert l'année suivante avec une sorte de jumeau de l'album précédent constitué de titres qui n'avaient pas passé le premier tour. De quoi craindre le pire ? Fuel, qui ouvre énergiquement l'album, laisse pourtant la porte ouverte à une bonne surprise (c'est direct et efficace, ça ne se prend pas la tête, bref ça fonctionne). Ce ne sera en fait qu'un feu de paille, tant la suite du disque va rapidement s'enliser, entre titres intéressants mais gâchés par une mauvaise réalisation (sur The Memory remains, quelle idée d'avoir invité Marianne Faithfull à coasser ridiculement...), notamment par un Hetfield qui commence à sérieusement agacer en en faisant des tonnes niveau chant (faut dire qu'une bonne partie des titres sont carrément insipides), tentative minable de surfer sur les anciens succès (The Unforgiven II n'aurait jamais du voir le jour), ballade aux accents celtiques incongrue (Low man's lyric), ou tout simplement chansons fatiguées et fatigantes qu'on n'a pas envie de réécouter (l'interminable Fixxxer en conclusion). Dans le lot, je sauverais bien Better than you et son énergie positive, peut-être Attitude malgré un chant encore assez médiocre, mais le groupe n'avait clairement pas le matériel pour faire un bon album...
  
  
• Metallica - St Anger (2003) ★ ★ ½
  
  Après avoir surpris tout le monde avec Load en 1996, Lars Ulrich l'avait promis, Metallica sortirait désormais des disques beaucoup plus régulièrement pour que les fans "puissent suivre l'évolution artistique du groupe". Résultat des courses, on a eu le droit à de la bouse (Reload) puis à un disque de reprises et un show symphonique plus que dispensable. En fait d'évolution artistique, le groupe semblait surtout enclin à se remplir les poches sans trop se fatiguer. Et c'est finalement après quelques nouvelles années de silence que sortira ce St Anger par ailleurs motivé par une grosse crise au sein du groupe. Ils ont perdu leur bassiste (mais cette fois-ci au moins il a pas fini sous les roues du camion), et comme à chaque fois, ça produit un disque énervé avec options radicales. De ce point de vue d'ailleurs, Metallica a fait fort dans le genre "on va tout faire pour se faire démolir" (ce qui n'a pas manqué, bien entendu) : titre risible, pochette à l'avenant et surtout des options artistiques plus que douteuses, avec une influence "nu metal" bien trop évidente (les guitares sous-accordées, les refrains de la chanson titre ou de Shoot me again), des lignes vocales plus que paresseuses (sur Invisible kid, j'ai l'impression d'entendre Offspring que j'écoutais quand j'étais ado), et, au-dessus de tout ça, Ulrich qui a troqué ses fûts contre la batterie de cuisine de sa tata Georgette. Sans compter bien sûr que les titres s'éternisent tous sans raison (Some kind of monster est vraiment pas mal, mais 8 minutes 30 ça fait beaucoup) pour que le disque atteigne les 75 minutes qui semblent être devenus la norme pour le groupe depuis quelques années. Bref, cet album est complètement indéfendable. Et pourtant je lui voue une sympathie assez irrationnelle, au moins pour la première moitié du disque (ensuite, ça finit quand même par vraiment lasser). J'aime beaucoup Frantic malgré la batterie, j'aime encore plus le motif purement rythmique qui ouvre Dirty window (pour le coup, on aurait presque un côté tribal renforcé par le son si particulier), j'aime bien également les titres plus classiques comme My World ou Sweet amber, bref je passe encore des moments agréables avec ce disque foireux, comme si le groupe n'avait pas réussi à totalement planquer sa capacité naturelle à composer des tubes derrière son sabordage volontaire.
  
  
• Metallica - Death Magnetic (2008) ★ ★ ★
  
  Cette fois, c'est promis, Metallica arrête les conneries et revient au thrash de ses origines. D'ailleurs le groupe fait plus que multiplier les signaux en direction de son noyau dur de fans de la première heure, en mode "regardez, cet album on l'a fait rien que pour vous" : changement de producteur pour revenir à un son plus agressif (peut-être même trop d'ailleurs, ce n'est pas totalement réussi), et surtout une structure repompée sur celle des albums mythiques du groupe, avec 10 titres dont deux ballades stratégiquement placées, un instrumental en avant-dernière position, une dernière piste brutale, bref retour aux classiques rassurants. On ne peut objectivement pas en vouloir aux musiciens pour ce retour en arrière après avoir râlé à chaque fois qu'ils proposaient autre chose mais c'est un peu voyant, et outre l'aspect probablement commercial de la chose, une question délicate reste en suspens : sont-ils encore capable de faire un bon album de thrash 20 ans après ...And Justice For All ? Eh bien oui, mais pas plus. Le disque est probablement ce qu'on pouvait en espérer de mieux et déçoit malgré tout. C'est un copier-coller des albums des années 80, en moins inspiré, et comme Metallica a tout fait pour, on ne peut pas s'empêcher de jouer au jeu des comparaisons : The Day that never comes est correcte mais n'arrive pas à la cheville d'un Fade to black (ou même de Nothing else matters auquel elle ressemble plus), Suicide & Redemption est un instrumental très sympathique mais à des années-lumière d'Orion, on prend vraiment plaisir à entendre Kirk Hammett refaire des solos mais c'est un peu bordélique, Lars Ulrich n'a plus grand chose à raconter à la batterie, bref à tous points de vue "c'était mieux aaaaavant". Et pourtant on ne peut pas dire que le disque soit raté, il comporte même son lot habituel de très bonnes chansons (The End of the line et All nightmare long notamment), et pas vraiment de bouses, beaucoup de passages instrumentaux réussis (avec une influence classique bienvenue par moments), et aussi, hélas, des longueurs évitables (comme c'est maintenant devenu la norme pour Metallica, on atteint les 75 minutes pour seulement 10 pistes). Mais, tout "correct plus" qu'il soit (je ne pouvais décemment pas lui mettre une note pire qu'à St Anger, hein ?), le disque aura probablement remué le couteau dans la plaie des fans plus qu'il ne les aura vraiment réconciliés avec leur groupe fétiche.
  
  
• Lou Reed et Metallica - Lulu (2011) ☆
  
  J'ai hésité avant d'inclure cet album dans mon parcours de la discographie de Metallica : ce n'est pas vraiment du metal (enfin, assez rarement du moins), et surtout ce n'est pas vraiment du Metallica puisque Lou Reed prend une part importante dans cette collaboration. Mais comme il s'agit d'une oeuvre originale enregistrée en studio, ça me paraissait cohérent de le laisser quand même. Sur le papier, le projet a de quoi emballer ou effrayer selon son attirance pour les associations improbables : un sujet pour le moins ambitieux (peu d'auditeurs devaient avoir en tête la version de Berg en écoutant le disque, mais quand même), un rapprochement peu évident entre une icône rock vieillissante et un mastodonte du metal presque aussi vieillissant, et au final un machin qui n'aura convaincu ni les fans de l'un ni ceux des autres. Peut-être fallait-il être à la fois fan de Lou Reed et de Metallica pour vraiment apprécier, mais je ne suis pas sûr qu'il y ait beaucoup de mélomanes dans cette catégorie.
  
  À ce sujet d'ailleurs, quelques précisions me concernant : avant de me lancer dans cette écoute, je ne connaissais Reed que de nom, n'ayant jamais écouté une seconde de sa musique (oui, je sais, ma culture musicale a de gros trous) mais ayant notamment entendu dire beaucoup de bien de son album Berlin, pour me faire une idée, j'ai écouté ce fameux Berlin et... j'ai détesté. Voix insupportable (le gars ne chante d'ailleurs pas vraiment, c'est souvent à moitié parlé) qui ne peut pas être sauvée par des arrangements très minimalistes, c'est vraiment un style que je ne comprends pas du tout (le seul truc qui s'en approche dans ce que je connaissais déjà, ce sont quelques Gainsbourg qu'on m'a fait écouter il y a un certain temps et que j'apprécie tout autant). Du coup, forcément, la composante "Lou Reed" de ce Lulu risquait de mal passer, et de fait ça n'a pas raté. Il "chante" encore plus mal qu'il y a quelques décennies (les rares fois où il essaye vraiment de chanter, c'est moche et faux), et rend à lui tout seul le disque à peu près inécoutable, d'autant plus que c'est vraiment lui le coeur du projet (c'est plus un "Lou Reed accompagné par Metallica" qu'autre chose). L'accompagnement par les métalleux est soit trop minimaliste pour mériter une mention (sur l'extrêmement chiant Little dog par exemple), soit trop répétitif pour ne pas lasser très vite (d'autant plus que ça dure quand même une heure et demie, avec des plages dépassant allègrement les dix minutes). Quelques bons riffs quand même (celui bien mammouth de Frustration), mais bien trop rares et mal exploités pour qu'il y ait vraiment quelque chose à sauver de ce ratage. Bon, si on veut rigoler, on peut quand même aller lire les textes, ça vaut son pesant de cacahouètes. I'm the taaaable !! Comme si le côté poseur de l'ensemble n'était pas suffisamment prononcé...
  
  
• Metallica - Harwired... to self-destruct (2016) ★ ★ ★ ★
  
  Les sorties de Metallica se raréfiant de façon de plus en plus inquiétante (cinq disques lors de leur première décennie d'activité, trois sur la suivante, et, si on oublie Lulu, seulement deux disques de nouveautés depuis 2003), ce dernier album en date avait de quoi provoquer l'évènement à sa sortie, surtout après un Death Magnetic qui amorçait un retour aux sources sympathique. En fait de retour aux sources, la chanson-titre qui ouvre l'album fait encore mieux, c'est du Metallica speed et rentre-dedans comme on ne l'avait pas entendu depuis quelques décennies (le titre fait à peine plus de 3 minutes !), et c'est excellent ! Mais c'est en fait un leurre, puisqu'on ne retrouvera pas de piste très rapide avant la toute dernière, l'excellent Spit out the bone, le reste étant plutôt axé sur du heavy pépère (au niveau du tempo en tout cas) façon Black Album, les ballades en moins et quelques minutes sur chaque chanson en plus. C'est d'ailleurs à nouveau le gros défaut de cette sortie, ça traîne encore trop souvent en longueur et le double-album proposé ne se justifie aucunement (on reste à en gros 75 minutes de musique comme sur les précédents albums du groupe). Et c'est dommage, car niveau musical, c'est vraiment très bon ! Le premier CD est même à un niveau inespéré, avec une majorité d'excellents titres (Atlas, rise ! et surtout l'excellent Moth into flame). Franchement, même s'il n'y a peut-être pas de tube mythique prêt à rivaliser avec les plus grandes chansons du groupe, ça tient largement la comparaison avec l'album de 1991. Le deuxième disque, soyons honnête, est un peu plus poussif et inégal, avec de bons titres (Here comes revenge) mais aussi quelques idées discutables (l'intro "martienne" de Confusion) et du remplissage moyen (ManUNkind notamment). Mais le défouloir Spit out the bone en conclusion suffit à nous réconcilier une fois de plus avec un groupe qui prouve qu'il est encore loin d'avoir perdu la main, finalement.
  
  
• Metallica - 72 seasons (2023) ★ ★
  
  La sortie d'un nouveau disque de Metallica en 2023 (soit 40 ans tout juste après leur premier album) peut-elle encore être considérée comme un évènement ? Médiatiquement oui, la notoriété du groupe et la rareté de ses (nouveaux) enregistrements depuis 20 ans suffisant largement à créer le buzz (et à provoquer des réactions délirantes dans les deux sens de gens qui n'ont même pas pris la peine d'écouter ce qu'ils avaient à proposer). Musicalement, c'est nettement plus discutable, mais faisant partie de ceux qui avaient beaucoup apprécié Hardwired... to self-destruct, j'attendais quand même de bonnes choses de ce nouveau disque. Attentes essentiellement décues, je dois bien l'avouer. Certes le groupe se conforme, comme dans ses deux dernières sorties, à un thrash classique (bon, niveau tempo c'est quand même globalement très tranquille) qui fait plus que lorgner vers les mythiques premiers disques du groupe (les lignes vocales notamment ont régulièrement un gros air de déjà entendu), mais en beaucoup plus délayé et moins inspiré. Encore une fois, 77 minutes de musique (exactement autant que leur double album précédent) pour douze titres, un peu d'élagage n'aurait pas fait de mal (Chasing light par exemple, pas mal mais tellement répétitive). On culmine d'ailleurs à 11 minutes, un record pour Metallica, pour le titre final Inamorata (pas le pire mais rien de transcendant non plus). C'est d'autant plus rageant que le seul titre court de l'album (Lux Aeterna et ses trois minutes) est un des meilleurs. Encore plus gênant, les compositions ne sont jamais ratées, mais jamais emballantes non plus, on atteint le très correct sur la chanson titre ou sur l'étonnante Crown of barbed wire, à l'ambiance particulièrement recherchée, mais on reste la plupart du temps dans du mid-tempo appliqué qui s'écoute bien sans être le moins du monde mémorable. Et pour un groupe de cette trempe, on ne peut évidemment pas s'en contenter.
  
  
  
  
• Morbid Angel - Altars of madness (1989) ★ ★ ★
  
  Fin des années 80, le thrash pourtant pas si vieux est déjà en train de muter sévèrement, et plusieurs groupes posent les fondations de ce qui va rapidement devenir le death puis le black metal. Morbid Angel en fait partie, et ce premier album (précédé d'une sorte de démo qui a été republiée par leur label par la suite) est un classique des débuts du death technique. Ce qui frappe à l'écoute du disque, c'est justement qu'on n'a pas du tout l'impression d'entendre un groupe en train de tâtonner pour créer un nouveau style, mais on est au contraire en présence de musiciens qui semblent maîtriser totalement ce qu'ils font, tant au niveau de la technique (les solos enchaînent les notes dans l'aigu de façon impressionnante) que du son produit (très propre d'ailleurs pour du death de plus de 30 ans d'âge, même le growl du chanteur David Vincent (sérieusement on a vraiment le droit de s'appeler comme ça et de devenir chanteur de metal extrême ?) est très posé et compréhensible). C'est carré, d'une solidité remarquable, avec bien peu de points faibles (Bleed for the devil et ses blasts fatiguants forment le point noir de l'album mais c'est la piste la plus courte). Pourquoi seulement trois étoiles alors ? Bah simplement parce que c'est un genre qui continue de m'attirer modérément (cf mon avis mesuré sur la discographie de Death notamment), ça manque trop d'accroche mélodique et de fantaisie pour que je fasse plus qu'apprécier la démonstration sans sauter au plafond.
  
  
• Morbid Angel - Blessed are the sick (1991) ★ ★
  
  Une bonne chose avec la discographie de Morbid Angel c'est qu'il est facile de s'y repérer puisque l'initiale des titres suit l'ordre alphabétique (un délire qui en vaut bien un autre, ici on est donc à l'album B, le deuxième). Je reprochais au premier album de manquer de fantaisie, on ne peut pas nier que quelques éléments inattendus ont été introduits cette fois-ci, notamment via la présence de pistes "non métalliques" qui fonctionnent plutôt bien (notamment l'inclassable Doomsday celebration et son atmosphère de film d'horreur cheap, mais la guitare acoustique de Desolate ways est sympa aussi, par contre l'intro bruitiste est à jeter à la poubelle). Au niveau des vrais titres par contre, pas d'évolution, c'est toujours bien construit et exécuté mais je les trouve peu passionnantes, et même globalement plus chiants que ceux d'Altars of madness (une fois l'effet nouveauté passé, les solos qui se ressemblent tous et le manque d'intérêt des riffs est vite lassant). En exagérant un peu, je ne me réveille qu'avec The Ancient ones qui pour le coup propose des motifs intéressants, mais c'est la dernière piste de l'album (ah non, y a une drôle de conclusion au piano derrière). L'album lui-même est d'ailleurs assez condensé (à peine 40 minutes), ce qui est préférable puisque, combiné aux interludes divertissants, ça évite de tomber réellement dans l'ennui. Mais je ne prends toujours qu'un plaisir modéré à l'écoute de l'ensemble.
  
  
• Morbid Angel - Covenant (1993) ★ ★ ½
  
  En fait, ça doit être assez facile d'être un groupe de death metal : tous les deux ans, on sort de sa poche une dizaine de riffs aléatoires qu'on développe toujours de la même façon (des guitares bien bien graves et un chanteur pareil, surtout, c'est quand même ça la base), on ajoute des soli techniques un peu n'importe où, on en fait un CD et hop le tour est joué. Je suis évidemment un peu taquin, mais on a vraiment l'impression à écouter ce troisième disque de Morbid Angel d'entendre toujours exactement le même type de morceau (les interludes de l'album précédent ont disparu, un seul instrumental très bizarre à noter), à l'exception d'Angel of disease apparemment adapté d'une chanson plus ancienne. Ce dernier est d'ailleurs l'un des titres les plus réussis du disque, avec Rapture et Lion's den qui proposent des motifs à mon oreille nettement plus inspirés que la moyenne. Le tout s'écoute sans déplaisir, mais bon, on est quand même vraiment loin d'un album mémorable, et si ça continue à être aussi répétitif, je vais pas tarder à lâcher le groupe en cours de discographie.
  
  
• Morbid Angel : Domination (1995) ★ ★ ★
  
  Je continue bon an mal an mon aventure avec Morbid Angel pour l'instant. Ce quatrième album marque une évolution dans la musique du groupe (ouf), qui est plus variée que dans leurs trois propositions précédentes. Les fans de la première heure crient donc logiquement à un début de trahison, mais ils seront contents de voir que la base de la plupart des chansons reste quand même fidèle au style du groupe (le fond de blast de batterie permanent, qu'est-ce que c'est laid). Les innovations, elles, vont du franchement grotesque (les traficotages de voix sur Where the slime live ou Eyes to see, ears to hear) à l'intriguant (le prélude cristallin de Caesar's palace, l'interlude aux claviers Dreaming). On note aussi sur Inquisition un motif qui sent bon son Gojira (rien de surprenant là-dedans puisque le groupe français a souvent cité Morbid Angel dans ses inspirations), mais tout cela ne pèserait pas bien lourd dans la balance s'il n'y avait la dernière piste Hatework, sorte de marche funèbre pour cérémonie occulte avec carillons qui fait d'un coup basculer un album médiocre dans le génie absolu. Rien que pour ça, ce disque vaut nettement mieux pour moi que les trois qui le précèdent.
  
  
• Morbid Angel - Formulas fatal to the flesh (1998) ★ ★
  
  Depuis l'album précédent, Morbid Angel a publié un live (d'où le saut de la lettre E en ce qui me concerne) et surtout changé de chanteur. Le nouveau venu nous gratifie d'un chant guttural bien bourrin, efficace mais avec un charisme nettement moindre que son prédécesseur. Mais bon, c'est assez accessoire. Pour le reste, le groupe ne semble pas totalement savoir sur quel pied danser, proposant sur la plupart des pistes un death toujours aussi standard (même si on retrouve de plus en plus de glissandos qui me font immanquablement penser une fois de plus à Gojira) mais nettement plus direct que sur ses disques précédents (Chambers of dis, par exemple, c'est extrêmement primaire), pas désagréable mais rien de très mémorable, et une bonne dose d'interludes avec claviers plus ou moins bizarres et plus ou moins inspirés (j'aime bien Disturbance in the great slumber). L'album se termine quand même avec pas moins de trois pistes qui n'a pas grand rapport avec la choucroute (Hymnos rituales de guerra et ses percus tribales...). Le seul titre qui fasse preuve d'une réelle ambition avec presque dix minutes au compter, c'est Invocation of the continual one, et c'est vraiment pas mal. Mais ça ne suffit pas vraiment à faire un album.
  
  
• Morbid Angel - Gateways to annihilation (2000) ★ ★ ½
  
  Les albums de Morbid Angel se suivent et mes appréciations se ressemblent. Pourtant, on ne peut pas nier une évolution depuis leurs débuts, manifeste notamment au niveau du tempo moyen des compositions. Il est ici devenu presque lent sur une bonne partie des chansons, qui cultivent avec soin des ambiances lourdes et mortifères, jusqu'à la caricature (He who sleeps). Ambiances amplifiés par les sons insectoïdes (on a d'ailleurs droit à une intro assez spéciale dans le genre), mais aussi sur la fin de l'album par une utilisation fréquente d'une sorte de vibrato pour créer des sons ondoyants assez glauques. Bon, pourquoi pas, mais comme d'habitude, si je trouve l'ensemble tout à fait écoutable (et même un peu mieux pour Ageless, still I am ou Opening of the gates), ça ne pas plus loin. En fait, depuis Domination, j'attends une nouvelle perle à la hauteur de Hatework, mais rien de comparable pour l'instant.
  
  
• Morbid Angel - Heretic (2003) ★
  
  À l'écoute de cet album, on peut légitimement se poser la question suivante, a priori assez incongrue : Morbid Angel en aurait-il marre de sa propre musique ? En effet, après une première partie d'album qui aligne les titres peu inspirés, manquant cruellement d'allant (le plus convaincant est probablement God of our divinity, mais pas de pot, il utilise des éléments mélodiques tellement proches du Opening of the gates de leur album précédent que ça ressemble douloureusement à un auto-plagiat), le groupe se saborde assez joyeusement en alignant une interminable série de pistes complètement à côté de la plaque (apparemment, une partie d'entre elles étaient des sortes de bonus sur le disque d'origine, mais même avec le contenu "officiel" il y en a déjà bien trop) : mélodie mélancolique de violoncelle synthétique (Memories of the past), démonstration de virtuosité du batteur, interludes au clavier ultra cheap et bien trop longs (Place of many deaths), difficile de comprendre exactement ce qu'a voulu faire le groupe en parasitant autant son propos. Déjà que ledit propos était bien maigrelet, ça ne laisse pas grand chose à sauver sur ce disque.
  
  
• Morbid Angel - Illud Divinum Insanus (2011) ★ ★
  
  Huit ans après un Heretic raté, Morbid Angel revient avec un album... risible ! Oui, au sens premier du terme, on se marre de bon coeur en écoutant certaines pistes de cette nouvelle proposition. Pourtant, à l'issue donc d'une longue période d'incertitudes ponctuée d'un remaniement sévère du line-up, le groupe avait retrouvé son chanteur historique David Vincent et aurait logiquement pu jouer la carte du retour aux sources histoire de rassurer les fans. Pas du tout, à la place, ils ont dégainé le "virage inattendu" généralement nettement plus propice à faire fuir lesdits fans (peut-être qu'ils étaient collants, après tout). Et on a donc droit à une bonne moitié de pistes où le death old school n'est qu'un lointain arrière fond, noyé dans les boîtes à rythmes techno (mais oui) ou un esprit nettement plus neo-metal qu'à l'accoutumée. Il y a là-dedans de la bouse vraiment sévère, notamment le délire impensable de la dernière piste ou le sous-Rammstein de douzième zone de Destructos vs. the Earth/Attack (certes, le titre ne laissait guère envisager un chef-d'oeuvre). J'avoue par contre aimer assez le style bête et frontal d'un I Am morbid ou d'un Radikult, même si ça ne conserve presque rien de l'identité habituelle du groupe De toute façon, même sur les titres death (il en reste quand même quelques-uns), il y a une évolution nette vers quelque chose de plus direct et mélodique (avec même quelques choeurs qui font du "Wohoho" par moments), qui là aussi n'est pas pour me déplaire (Blades for Baal, c'est pas mal). Du coup, je préfère le risible au raté, mais malgré une certaine sympathie pour ce canard boiteux, je ne peux pas non plus aller jusqu'à attribuer une vraie bonne note à un disque qui contient des pistes pour lesquels l'adjectif minable constituerait un jugement extrêmement bienveillant.
  
  
• Morbid Angel - Kingdoms disdained (2017) ★ ½
  
  Après avoir été la risée du death metal avec son précédent disque studio, Morbid Angel a décidé de la jouer profil bas, choisissant un live pour la lettre J et attendant six nouvelles années pour proposer du contenu réellement neuf. Et c'est peu dire qu'ils ont embrayé la marche arrière : nouveau changement de chanteur (pour reprendre le précédent !), mais surtout un disque ultra aseptisé, sans le moindre interlude bizarroïde ou la moindre expérimentation inattendue. On a droit à un alignement bien proprounet de onze pistes très semblables, avec rythmique marteau-pilon, son bien gras, à peine quelques solos bordéliques pour faire remplissage, et surtout pas un riff un tant soit peu imaginatif. Bref, du Morbid tout craché mais sans une once de fantaisie, personnellement j'écoute ça d'une oreille distraite en m'ennuyant vaguement, puis je passe à autre chose. Il faudra vraiment qu'ils trouvent une nouvelle accroche s'ils veulent que je me penche sur leurs éventuels futurs méfaits.
  
  
  
  
• Ne Obliviscaris - Portal of I (2011) ★ ★
  
  Nouvelle tentative de ma part dans le metal "différent" avec ce groupe australien qui a sorti trois albums dans les années 2010, très remarqués dans la petite sphère du metal prog extrême. Et les deux qualificatifs progressif et extrême sont encore très réducteurs pour qualifier la musique du groupe, qui est vraiment un cocktail assez invraisemblable de styles et d'influences diverses. Il en est pourtant une qui dépasse d'un tête à l'écoute du début de l'album, celle d'Opeth (les premiers albums du groupe, avec chant guttural), d'ailleurs totalement revendiquée puisqu'on a droit à une citation à la batterie de la monstrueuse coda de Deliverance dans le développement de And Plague flowers the kaleidoscope (oui, les titres des chansons sont carrément abscons), et auquel on pense forcément sur les premières mesures du Tapestry of the starless abstract qui ouvre le disque. Une sorte de black sophistiqué à forte tendance progressive donc (seulement sept pistes pour 71 minutes de musique, des développements instrumentaux et ruptures de tons dans tous les sens, la construction est toujours lisible mais rarement linéaire), mais qui aurait eu la curieuse idée d'ajouter à son instrumentarium un violon et une guitare. La guitare, vous allez me dire que c'est plutôt normal, mais en fait non, puisqu'on a droit très régulièrement à des intermèdes acoustiques influencés par le flamenco si j'en crois mes sources (je n'y connais rien en flamenco, mais de fait on navigue bien loin du metal traditionnel). Bon, comme je le dis souvent dans ce genre de cas, pourquoi pas, mais j'avoue avoir du mal à saisir le but et la cohérence de tout ça, et notamment des nombreuses parties calmes avec duo violon/guitare acoustique qui s'éternisent souvent. Même chose pour le mélange de voix extrême et claire, qui ne me semble pas apporter énormément. Curieusement, les passages qui me plaisent le plus sont les plus extrêmes, malgré la batterie très dense. L'ensemble est clairement très travaillé et toujours intéressant, mais je ne peux pas dire que j'accroche énormément (au premier abord, je trouvais même ça vraiment pas bon, mais je m'y suis fait), je l'écoute plus avec curiosité que réel enthousiasme.
  
  
• Ne Obliviscaris - Citadel (2014) ★
  
  Quoique plus ramassé que le premier (moins de 50 minutes, et seulement trois titres, dont deux découpés en morceaux, en fait un gros bloc central avec une intro et/ou une conclusion indépendantes), ce deuxième album du groupe australien est dans la droite lignée de Portal of I. Dans la mesure où j'étais plutôt resté à côté du premier opus, pas de grosse surprise dans le fait que je sois encore très mitigé sur celui-ci. Il faut dire que la volonté de proposer autre chose via des mélanges surprenants n'est pas loin ici de tourner à la démonstration rhétorique un peu agaçante : le triptyque Painters of the tempest est ainsi constitué d'une introduction qui démarre très joliment avec un beau motif obsédant aux pianos et d'étranges frottements orchestraux, mais qui est vite gâché par l'intrusion d'un violon hyper strident (on se croirait plus dans une oeuvre de musique contemporaine que dans un disque estampillé metal), d'un énorme bloc central de plus de 16 minutes qui part dans tous les sens avec une majorité d'épisodes aux ambiances feutrées, mais surtout bien peu de moments marquants, et une conclusion "guitare sèche + violon en mode flamenco" qui sent le déjà vu. En plus de ne pas être passionnant, tout ça pose définitivement la question de savoir où le groupe veut nous mener. Mais, comme pour nous rappeler sa base metal extrême, il enchaîne avec un Pyrrhic beaucoup plus démonstratif, même si au final assez anecdotique (et on n'échappe pas ici non plus à un passage très expérimental en cours de chanson, assez foiré). Le meilleur du disque, et de loin, provient pour moi du Devour me, Colossus qui le conclut, avec de vrais bons riffs, une basse très audible et fort sympathique et... ah merde, une outro en mode violon grinçant qui gâche tout une nouvelle fois. Bon ben globalement, je n'ai vraiment pas grand chose de positif à dire, et pourtant la sincérité des musiciens ne fait aucun doute, ils sont manifestement très investis dans ce qu'ils proposent (et très compétents par ailleurs). Simplement, ça ne me touche vraiment pas suffisamment.
  
  
• Ne Obliviscaris - Urn (2017) ★
  
  Je n'aurai pas grand chose de nouveau à dire sur ce troisième (et dernier) album du groupe australien, puisqu'on reste dans les mêmes sphères que les deux précédents, et que ça me parle toujours aussi peu bien qu'il s'agisse manifestement d'une musique très réfléchie (ça me fait un peu le même effet qu'à peu près tous les albums de Dream Theater, tiens, bien fichu mais je n'accroche pas). On commence quand même à sentir venir d'assez loin les procédés qui sont toujours un peu les mêmes (notamment les passages avec guitare et violon), mais ce troisième essai a au moins le mérite de proposer un violon moins grinçant que le précédent, et même de réussir quelques moments que je peux raisonnablement qualifier de beaux (l'interlude Ascent of burning moths, le début de la dernière piste As Embers dance in our eyes). Mais comme le reste du temps je m'emmerde franchement, ma note restera au même niveau que pour Citadel. Notons quand même un effort particulier au niveau des titres, And within the void we are breathless, ça se la pète pas qu'un peu quand même non (personnellement, ça m'agace plus qu'autre chose...) ? Allez, au moins, le parcours de cette courte discographie aura été rapide.
  
  
  
  
• Nightwish - Angels fall first (1997) ★ ★
  
  Autant prévenir tout de suite, concernant Nightwish, je risque de ne pas être très objectif, car le groupe a été ma principale porte d'entrée dans le monde du metal dans la mesure où ses premiers albums faisaient partie des musiques les plus diffusées dans la mythique K-Fêt de l'ENS quand j'y était étudiant (ça devait passer presque aussi souvent que Renaud ou les Fatals Picards, c'est dire !). Qui plus est, j'étais une cible idéale pour ce groupe qui fût l'un des premiers à introduire dans le metal un élément très mélodique "classicisant" et surtout une chanteuse "lyrique" (pas besoin ici de détailler pourquoi j'ai mis des guillemets, laissons le metalleux de base continuer à croire qu'à l'opéra tout le monde chante comme Tarja Turunen) qui lancera la mode du metal à chanteuse. Près de 20 ans ont passé, et j'aime toujours autant Nightwish, mais je n'avais jamais écouté leur tout premier album, qui n'en est d'ailleurs pas vraiment un puisqu'il s'agit en fait d'une démo commercialisée à l'arrache. Autant le dire tout de suite, ça s'entend : compositions pas toujours bien construites, grande hétérogénéité, et les moments qui annoncent déjà les succès futurs sont difficiles à juger pour leurs qualités propres dans la mesure où certaines lignes mélodiques semblent avoir carrément été réutilisées plus tard (le refrain de Tutankhamen par exemple). Pourtant, il y a déjà indiscutablement de belles réussites, notamment le Elvenpath introductif (qu'on croirait vraiment déplacé d'un album ultérieur !) ou la chanson-titre, sorte de ballade où la flûte joue un rôle sympathique. Quasiment que des titres lents par contre, et ça se termine sur une espèce de suite en quatre parties aux influences folklorisantes qui a de quoi laisser franchement circonspect (dans la deuxième partie, les claviers kitschouilles font horriblement penser à du Jean-Michel Jarre...). Mais surtout, il y a quand même un énorme défaut à ce premier essai qui suffit à le plomber irrémédiablement : le compositeur Tuomas Holopainen chante sur quelques pistes, et c'est atroce (mou, moche et faux, la totale). Heureusement, ce sera la dernière fois qu'il le fera sur les disques de son groupe...
  
  
• Nightwish - Oceanborn (1998) ★ ★ ★ ★ ★
  
  J'avais prévenu, concernant Nightwish, je ne serai pas très objectif. Ce deuxième album est une sorte d'album doudou pour moi, la note maximale est quasi obligatoire malgré les défauts plus qu'évidents à la réécoute. Mais commençons par les bons points : après un premier disque hésitant, le groupe a effectué des progrès fulgurants en un an, et la recette est désormais parfaitement au point et brillamment exécutée. Synthés virevoltants, tempi allants, mélodies accrocheuses à défaut d'être subtiles, et bien sûr la voix inimitable de Tarja pour emmener le tout, si on aime le genre, c'est irrésistible, et on le sait dès les premiers accords du tubesque Stargazers (rien que pour cette piste, je peux mettre l'album en boucle). Alors bien sûr, on est parfois (même pour moi !) franchement loin dans le mauvais goût, que ce soit dans les influences orientalisantes dispensables, les pistes plus calmes qui tombent dans un mielleux vraiment écoeurant (Swanheart), ou les "hey" franchement ridicules qui ponctuent le sautillant instrumental Moondance, mais c'est pas grave, ça fait partie du show et on en redemande quand même. Même le fait que l'"orchestre" (car il y en a des instruments convoqués, de la harpe au clavecin en passant par les flûtes, au point que les guitares paraissent parfois presque décoratives) soit matérialisé par des claviers qui sonnent franchement kitsch parait naturel et bienvenu dans un album de Nightwish. Un incontournable du genre !
  
  
• Nightwish - Wishmaster (2000) ★ ★ ★ ★ ★
  
  Après l'explosion médiatique du groupe à la sortie d'Oceanborn, l'attente était forcément très forte concernant leur disque suivant. Allaient-ils réussir à se renouveler, ou faire un petit frère forcément moins inspiré à leur album référence ? Eh bien, en fait, ni l'un ni l'autre. Le renouvellement, il est extrêmement minime, Holopainen continuant à composer dans le même style ultra mélodique et alternant épique et mielleux, allant même jusqu'à renforcer encore les points forts de l'album précédent : les quelques pistes où une voix masculine intervenait sur Oceanborn ont ici disparu (on entend juste un gars parler sur The Kinslayer et c'est tout), et les tempi sont quasiment tout le temps trépidants. D'ailleurs, le titre d'ouverture She is my sin est structurellement un copier-coller du Stargazers qui ouvrait le disque précédent. Mais là où c'est très fort, c'est que l'album n'a absolument pas à rougir face à son prédécesseur, réussissant même l'exploit d'être probablement encore plus réussi, enchaînant les tubes irrésistibles quasiment sans interruption (si je devais en sacrifier un, ce serait probablement Dead boy's poem et ses passages parlés), avec des sommets qui en ce qui me concerne fonctionnent toujours aussi bien à la centième écoute (She is my sin, la mélodie inoubliable de Come cover me, l'incontournable chanson titre, les sonorités aquatiques de Deep silent complete ou le clavecin trépidant de Fantasmic). Bien sûr, les claviers sont toujours kitsch (même s'ils laissent plus de place aux guitares que sur l'opus précédent) et la musique proposée peut être qualifiée de simpliste, mais quelle importance quand ça emporte tout sur son passage ?
  
  
• Nightwish - Century child (2002) ★ ½
  
  Après deux monumentales tueries, c'est le début des changements pour Nightwish. Pour l'instant, il ne s'agit "que" du bassiste, mais l'album apporte quand même son lot de nouveautés nettement audibles : un son beaucoup plus agressif et métallique (les guitares sont accordées plus bas, et ça s'entend vraiment, comme si le groupe voulait se défaire du côté très brillant un peu kitsch qui le caractérisait jusque-là), un chant plus posé chez Tarja (les envolées lyriques se font rares), et surtout le retour de la voix masculine, puisque le nouveau bassiste donne de la voix sur plusieurs titres, mais pas très bien hélas (sur le violent Slaying the dreamer, c'est même franchement moche), sauf sur la reprise de The Phantom of the opera où le duo fonctionne vraiment bien. Ce serait déjà une raison suffisante pour moi pour mettre le disque un bon cran en-dessous de ses prédécesseurs, mais ce n'est pas tout : l'inspiration au niveau des compositions en recul, on cherche en vain les tubes irrésistibles de Wishmaster, et même simplement les chansons qui déménagent (le tempo a globalement nettement ralenti). De bons moments quand même avec un début d'album réussi (Bless the child fonctionne bien, End of all hope est le seul titre qui rappelle vraiment le style nightwishien classique), mais aussi de vrais ratages (la ballade Forever yours qui a d'horribles relents de My heart will go on...) et une longue Beauty of the beast conclusive qui s'étale sans que la sauce ne prenne réellement. C'est vraiment trop peu, l'album est souvent considéré comme le vilain petit canard de l'époque Tarja, et il faut bien l'avouer, c'est mérité.
  
  
• Nightwish - Once (2003) ★ ★ ★ ★ ½
  
  Après un album de transition peu convaincant, Nightwish est de retour en pleine possession de ses moyens, et même peut-être un peu plus ! En effet, si on retrouve le son plus métallique des guitares et le chant du bassiste déjà présents sur Century Child (ceci dit, le chant masculin est nettement mieux intégré ici !), on a surtout droit cette fois à un orchestre symphonique tonitruant (il y avait déjà un orchestre sur l'album précédent, mais beaucoup moins présent) pour un feu d'artifice qui sent bon le carton-pâte hollywoodien. Ceux qui sont allergiques à la guimauve s'enfuiront après les premières notes d'un Dark chest of wonders qui met choeurs et orchestre très en avant, tout en retrouvant le tempo rapide et les mélodies irrésistibles qui rendent Nightwish incontournable pour les amateurs. Clairement, j'en suis ! Même l'inattendue piste suivante, Wish I had an angel, avec sa rythmique à la Rammstein et son mélange réussi entre voix masculine et féminine, est une vraie tuerie. Ensuite, le côté musique de film devient franchement assumé, Tuomas Holopainen n'a jamais caché son admiration pour Hans Zimmer et compagnie (heureusement, il compose un peu mieux) mais c'est le premier album où ça s'entend aussi clairement, notamment dans un Ghost love score qui ne dépareillerait pas en BO d'un Pirates des caraïbes. On a aussi droit à un titre "indianisant" sur Creek Mary's blood, à mon goût un peu moins convaincante, et à des mélismes orientalisants ultra clichés sur The Siren (j'avoue que ça j'aime plutôt). Toujours à la frontière extrême du mauvais goût, le groupe réussit à remonter brillamment la pente avec cet album enthousiasmant, même s'il est un peu trop décousu et a un peu trop de moments plus faibles (curieusement, les chansons plus metal comme Dead gardens ou Romanticide sont un peu plates, par contre Planet hell et ses choeurs est absolument monstrueux) pour être tout à fait au niveau des premiers chefs-d'oeuvre du groupe.
  
  
• Nightwish - Dark Passion Play (2007) ★ ★ ★
  
  Après le déchaînement pyrotechnique de Once, gros psychodrame chez Nightwish qui s'est séparé avec fracas de son emblématique chanteuse Tarja Turunen. Faut-il craindre le pire du premier album après cette rupture ? Très honnêtement, au premier abord, la nouvelle chanteuse choisie, Anette Olzon, ne convainc pas franchement : jolie voix certes, mais qui est à mille lieux de la profondeur que Tarja pouvait apporter aux compos du groupe (on l'imagine très mal tenir la route sur un album comme Wishmaster), et qui pousse un peu plus le groupe sur la pente très glissante menant à une sorte de pop-metal à minette qui a essaimé ... suite au succès des premiers albums de Nightwish justement ! Et de fait, on ne peut pas nier que ce disque tombe un peu trop souvent dans la facilité, les singles Amaranth et Eva ou le peu inspiré For the heart I once had sonnent vraiment cheap avec cette chanteuse (pas sûr que c'eût été beaucoup mieux avec une autre ceci dit). Mais rien de catastrophique malgré tout, la grande partie de l'album (bien long, on est à 75 minutes de musique) reprenant avec une certaine efficacité les mêmes recettes que le précédent : orchestre ultra présent, jusqu'à ce qu'on se demande par moments où sont passées les guitares, grande fresque cinématographique (The Poet and the pendulum, en ouverture de l'album, qui frise le mauvais goût sur les passages choeurs+violoncelles bien mielleux, mais est quand même bien entraînant), quelques tentatives pour renouveler le style du groupe (Master passion greed très orientée metal agressif, The Islander ballade acoustique aux accents folkloriques), et une inspiration mélodique qui suffit à faire passer le temps très agréablement (7 days to the wolves fonctionne très bien par exemple). Attention tout de même à ne pas trop abuser des idées douteuses (la fin du Meadows of heaven qui clôt le disque est, euh, spéciale) et à retrouver une qualité plus constante si le groupe ne veut pas tomber dans l'auto-caricature la prochaine fois.
  
  
• Nightwish - Imaginaerum (2011) ★ ★ ★ ½
  
  Quelque part, il fallait s'y attendre : à force de composer une musique qui se rapprochait de plus en plus d'une bando originale de film imaginaire, les finlandais de Nightwish ont franchi le pas et créé en parallèle un album et un film. Si j'ai bien compris, l'album n'est pas exactement la BO du film (dont je n'ai fait que regarder quelques extraits par curiosité, ça n'a pas l'air extraordinaire), mais ça s'en rapproche quand même, on a même droit à un deuxième CD reprenant toutes les pistes en mode instrumental, parfait pour une musique de fond agréable. Au niveau du style, on pouvait s'attendre à retrouver du "Hans Zimmer bis", mais c'est un poil plus compliqué que ça, puisque Tuomas Holopainen, qui est un copieur manifestement très doué, nous pond également du Elfman (l'introduction Taikatalvi et une bonne partie de Scaretale) et du Morricone (sur Turn loose), avec à chaque fois un talent assez bluffant (j'ai vraiment vérifié s'ils n'avaient pas invité Danny Elfman à leur écrire le titre d'ouverture !). On a aussi droit à quelques titres beaucoup plus classiquement nightwishiens avec des refrains un peu faciles mais rudement efficaces (Story time, Ghost river, le très épique Last ride of the day), mais (hélas) également à du moins inspiré qui ne survit que grâce à ses effets orchestraux et se rapproche dangereusement de la mauvaise chanson Disney (The Crow, the owl and the dove), et à des tentatives de renouvellement pas forcément de mon goût (la très jazzy Slow, love, slow). Ah, et puis la récitation de poèmes interminable de Song of myself plombe complètement le titre, heureusement suivi d'une piste-titre qui récapitule le tout à l'orchestre (ça reprend juste les principaux, en soi ça n'a rien de transcendant). Au final, un disque qui s'écoute tout seul, même si on oublierait facilement qu'on est censés être en train d'écouter un album composé pour un groupe de metal, les guitares jouant à peine plus que le rôle d'un instrument de l'orchestre comme un autre. Un bon point quand même, la chanteuse s'intègre très bien dans ce type de musique...
  
  
• Nightwish - Endless forms most beautiful (2016) ★ ★ ½
  
  Quelques années ont passé depuis l'album précédent, et Nightwish a de nouveau bien évolué, avec notamment un nouveau changement de chanteuse (la deuxième n'aura donc duré que deux albums), mais aussi le recrutement en tant que membre permanent d'un joueur de flûtes, ce qui pousse le groupe à se diriger un peu plus vers des titres d'inspiration folklorique qui ne sont pas vraiment parmi les plus inspirés du disque (My Walden, Edema ruh). D'autant plus dommage que la nouvelle venue a un chant nettement puis puissant que la précédente et aurait bien mérité un ou deux titres qui lui permettent d'envoyer un peu plus, là elle est vraiment sous-exploitée dans la mesure où les autres pistes continuent à miser énormément sur les effets orchestraux et les mélodies un peu faciles. Pourtant, le Shudder before the beautiful initial, bien épique, laissait présager autre chose que le recyclage assez paresseux auquel on a droit la majorité du temps. Rien de très mauvais non plus, mais on a vraiment l'impression que Nightwish peine à se renouveler, et que la qualité est quand même sur la pente descendante. Il n'y avait en tout pas vraiment de quoi remplir le CD jusqu'à 78 minutes, en infligeant une piste finale de 24 minutes qui cumule les maladresses : longue intro au piano très répétitive, passages dans une espèce de parlé chanté très spécial, même une citation de Bach complètement incongrue, et surtout les dernières minutes qui achèvent le disque sur un discours édifiant pseudo-écolo franchement lourdingue. Bref, ça reste correct, mais on s'éloigne de plus en plus des bons albums du groupe.
  
  
• Nightwish : Human :||: Nature (2020) ★
  
  Holopainen nous avait fait le coup de la BO de film avec Imaginaerum avant de revenir à un album plus classique, il n'est pas très surprenant qu'il se livre à nouveau à des expériences bizarres et s'éloignant beaucoup du metal sur cette dernière livraison. Ici, on a carrément un double album (ça y est, on a dépassé les 80 minutes de musique) dont la seconde moitié n'est rien d'autre qu'une espèce de longue ode à la nature (oui, l'écologie bon teint prend de plus en plus de place dans les thématiques du groupe) purement symphonique. Eh oui, carrément, plus l'ombre d'une guitare, et à peine quelques "oh oh oh" de la chanteuse, au point qu'on se demande franchement ce que ça fout publié sous l'étiquette Nightwish. Sans surprise pas ailleurs, ce n'est pas une idée géniale : alternance de longs passages contemplatifs sans intérêt et de quelques moments plus animés largement pompés sur Hans Zimmer (pomper un spécialiste du plagiat, c'est un peu douloureux quand même) en moins bien (on n'a pas l'accroche qu'il y avait quand le groupe dans son ensemble faisait du Zimmer avec guitares et chant), ça s'écoute d'une oreille distraite mais n'importe quelle BO de film hollywoodien récent pas trop bâclée est aussi intéressante.
  
  Reste donc à voir ce que donnent les 40 premières minutes plus "normales" de l'album. Eh ben malheureusement c'est pas folichon, on sens un groupe très fatigué (la seule chanson où le bassiste Marco Hietala chante, Endlessness, on a l'impression qu'on l'a forcé tellement c'est poussif, on comprend qu'il se soit depuis mis en retrait), qui au mieux tourne en rond (Pan est sauvable par exemple, et le passage lyrique à la fin de Shoemaker inattendu et bienvenu), au pire pique des idées ailleurs (franchement, le thème de Noise repris de Game of Thrones, et réutilisé en plus à la fin de Harvest, si on veut faire une référence on l'assume au lieu de prétendre que c'est "pas fait exprès"), ou évolue toujours plus vers un côté folk franchement pénible (le joueur de flûte chante aussi, et sur Harvest notamment, on a très fort envie de lui filer des baffes pour qu'il arrête). Bref, ça bouge un peu, mais pas dans le bon sens, et en comparaison avec le reste de la discographie du groupe, je suis obligé d'être bien sévère avec cet album de trop.
  
  
  
  
• On Thorns I Lay - Crystal tears (1999) ★ ★ ½ Aujourd'hui, histoire de s'amuser un peu, plongeons un peu dans la discographie d'un groupe obscur appartenant à la troisième division du metal (bon, j'exagère un peu, si je l'avais mis dans ma liste, c'est quand même que j'en ai lu quelques chaudes recommandations). Je ne produirai qu'une seule critique centrée sur l'album le plus connu du groupe, en partie parce que certains des autres albums sont tout simplement introuvables en écoute en ligne, mais aussi parce qu'une bonne partie de la discographie mérite effectivement assez clairement de tomber dans l'oubli. Il faut dire que ce groupe grec, qui n'a pourtant sorti que neuf albums (et est encore en activité après une grosse période sans disques), a su varier les genres : death mélodique, metal atmosphérique plus ou moins gothique, puis carrément une période résolument pop (là pour le coup ça n'a pas l'ombre d'un intérêt), avant de revenir au point de départ dans les deux derniers albums récents (qui s'écoutent d'ailleurs plutôt bien). Ce Crystal tears est le troisième album du combo, sorti après un Orama rigolo (un album aux sonorités aquatico-planantes sur fond de concept atlante, avec mélange de chant guttural foireux et de chant féminin "sirénien") mais trop limité techniquement. Si vous aimez le metal, le vrai, n'essayez en tout cas même pas de poser une oreille sur cet album-ci, qui est une sorte de caricature absolue de "metal pour midinettes", avec violons et piano, chant féminin angélique (y a aussi un gars qui chante, mais fort rarement, la plupart du temps il se contente de susurrer du texte qu'on imagine très inspiré), les guitares sont là pour ajouter un tout petit poil de piquant aux atmosphères globalement très mielleuses, et il n'y a pas un seul riff charnu de tout l'album. Mais une fois qu'on a accepté le concept (et à condition quand même d'écouter ça au second degré...), ça a un petit charme désuet qui opère par moments, et les éléments mélodiques suffisent à faire passer quelques titres pour de belles chansons (l'éponyme qui ouvre l'album, et l'inénarrable All is silent, avec les "nanana" ridicules de la chanteuse, j'ai beau me dire tout le long qu'on n'a pas le droit de pondre un titre pareil, j'accroche quand même). À déconseiller aux âmes (trop peu) sensibles, mais dans un genre discutable, c'est plutôt une réussite.
  
  
  
  
• Opeth - Orchid (1995) ★ ★ ★
  
  On ne peut pas dire qu'Opeth donne dans l'easy listennig avec ce premier album qui marque fortement un territoire qui n'est pas forcément le plus accueillant a priori : des chansons qui s'étirent presque systématiquement au-delà des 10 minutes, avec énormément de développements instrumentaux complexes, on est très très loin du couplet-refrain bateau. Au premier abord, j'avoue avoir été assez peu séduit, le chant guttural (certes pas hyper présent puisque ça doit chanter à peine la moitié du temps sur toute la durée de l'album) me semblait peu en accord avec les atmosphères créées, les nombreuses ruptures au sein de chaque piste ne sont pas forcément très bien gérées (parfois, on se demande vraiment pourquoi ne pas avoir fait trois titres de quatre minutes plutôt qu'un seul de douze) et certaines influences presque jazz (quelques passages dans Under the weeping moon, la batterie à la fin de The twilight is my robe) m'ont sans surprise déplu. Mais j'ai quand même insisté car la singularité des ambiances mérite qu'on s'attarde un peu plus sur ce disque. Pas mal de guitares acoustiques, des mélodies souvent répétées ad nauseam, il y a un côté hypnotique qui fonctionne finalement assez bien, par exemple dans le premier titre In the mist she was standing qui à la réécoute me semble le plus réussi de l'album. Et puis il y a vraiment quelques très belles idées, la toute fin suspendue de The Apostle in triumph ou même l'étonnant intermède au piano Silhouette avec ses grosses influences classiques. Pour celui qui entrera vraiment dans cette musique, il y a probablement de quoi vraiment être emballé. Ce n'est pas totalement mon cas, probablement faute de séduction mélodique un peu plus immédiate, mais il y quand même de la belle musique dans ce premier essai.
  
  
• Opeth - Morningrise (1996) ★ ★ ★ ★
  
  Après un premier album ambitieux et exigent, Opeth persiste et signe : seulement cinq pistes pour plus d'une heure de musique (les versions plus récentes de l'album proposent, comme pour leur premier opus d'ailleurs, une dernière piste qui est un enregistrement live immonde dont l'intérêt est plus que discutable), on est repartis pour de longues épopées mélancoliques, où les passages instrumentaux et les guitares acoustiques continuent à dominer le paysage, sur un fond de batterie teintée d'influences jazz. Pas de révolution donc, mais une évolution tout de même, avec des transitions mieux maîtrisées et un peu plus de chant clair (je ne m'en plains pas, je continue à penser que le chant guttural se mélange assez mal à la musique du groupe). On n'échappe pas totalement à l'enlisement dans certains développements instrumentaux (dans The Night and silent water notamment), mais il faut bien admettre que c'est la plupart du temps de la très belle musique, notamment dans Advent et Black Rose immortal (cette dernière arrive à gérer sa durée fleuve de 20 minutes sans mollir, un beau tour de force). Ca demande encore un certain investissement pour rentrer dans le truc (les cellules mélodiques sont encore régulièrement répétées une dizaine de fois sans variations, ça peut lasser), mais si le groupe continue dans cette voie, le prochain album pourrait bien être un chef-d'oeuvre !
  
  
• Opeth - My Arms, your hearse (1998) ★ ★ ★ ½
  
  Pour être honnête, à la première écoute, j'ai été franchement déçu par cette nouvelle proposition, qui me semblait perdre une bonne partie du charme des deux premiers albums (ce côté lancinant et presque hypnotique des longs développements instrumentaux, beaucoup moins présents ici) pour se diriger vers quelque chose de plus direct et frontal assez impersonnel. Ce n'est en fait pas vraiment le cas, mais il y a tout de même des éléments factuels qui prouvent une certaine volonté de faire moins alambiqué : titres (un peu) plus courts, beaucoup moins de guitares acoustiques (sauf sur les titres où il n'y a que ça) et des breaks (de choeurs en voix claire typiquement) plus courts. Malgré cela, les chansons sont encore très construites et proposent des ambiances variées, dans lesquelles j'ai fini par rentrer, au moins pour certaines d'entre elles : April Ethereal est une excellente ouverture, et les très métalliques The Amen corner et Demon of the fall, au coeur de l'album, sont excellentes. Mais il y a aussi des coups de moins bien, dans la conclusion en voix claire de When que je trouve assez ratée, et dans une fin d'album sur laquelle je décroche un peu (Credence s'éloigne complètement de l'univers metal et ne m'intéresse pas vraiment, Karma est au contraire assez brutale mais part dans trop de directions, et l'Epilogue instrumental avec ses claviers, sans être indigne, ne me transporte pas non plus). Le tout reste très agréable à écouter, mais je garde une préférence pour le plus homogène album précédent.
  
  
• Opeth - Still Life (2000) ★ ★ ★ ★ ½
  
  À l'écoute de ce quatrième disque du groupe, il est assez clair que les tentatives qui ne m'avaient pas totalement convaincu sur le précédent relevaient encore de la recherche de la part des suédois du bon équilibre entre la complexité des compositions et le côté très direct du chant guttural, et de l'intégration parfaite du chant clair et des nombreux passages acoustiques. Eh bien, là, l'équilibre, on l'a, et il est vraiment parfait, au moins sur quelques titres. En fait, dès l'intro intrigante de The Moor qui débouche presque par susprise sur un riff de mammouth, on sent qu'on va se prendre une grosse baffe dans la tronche, et on a raison : cette première piste est exceptionnelle ! Tous les éléments caractéristiques de la musique du groupe se mélangent à la perfection, c'est d'une richesse incroyable et ça prend le temps de tout développer, vraiment rien à redire. Le reste de l'album sera presque à l'avenant, n'hésitant pas les sorties de route inattendues sur un disque de metal (Benighted, superbe respiration chorale en chant clair sur fond purement acoustique, ou Face of Melinda qui ne fait intervenir du gros son qu'aux deux tiers de la chanson) mais proposant aussi quelques titres directs au tempo rapide (un peu dans l'esprit de My Arms, your hearse) bien fichus (God's lament). Mes seuls petits reproches (qui suffiront à réserver la note maximale pour une prochaine fois) : les influences trop swinguantes de Moonlapse vertigo (je ne peux pas dire que ce n'est pas bon, loin de là, mais ce côté presque jazzy n'est pas trop pour moi, tout simplement), et une fin de disque à mon sens un peu plus décousue (notamment la piste finale White cluster). Mais franchement, on tient déjà là un album excellent.
  
  
• Opeth - Blackwater Park (2001) ★ ★ ★ ½
  
  Ce cinquième album du groupe est considéré par beaucoup comme le sommet de sa discographie. Je vais encore une fois me démarquer puisque j'ai été, non pas déçu par cet album qui reste globalement très bon, mais tout simplement moins enthousiasmé que par son prédécesseur Still Life, alors que les deux boxent de toute évidence dans la même catégorie. On retrouve les atmosphères dépressives, l'alternance de chant clair et guttural et l'utilisation fréquente de guitares acoustiques chers au groupe. Seul petit ajout, quelques lignes de piano par-ci par-là qui ne m'ont d'ailleurs pas franchement convaincu (sur le court instrumental Patterns in the ivy, je trouve même qu'il est assez mal utilisé). Pour le reste, on retrouve une piste inaugurale vraiment réussie (The Leper affinity) mais moins marquante que The Moor sur le disque précédent, une ballade acoustique (Harvest) réussie mais moins emballante que Benighted, un ou deux titres plus directs (The Funeral portrait), et d'autres vraiment très travaillés (mon préféré est peut-être The Drapery falls, dont le chant clair sur la première partie m'a fait penser à ce qu'on trouve régulièrement sur les disques d'Haken). Bref, c'est très bien tout ça, mais y a rien à faire, ça m'accroche moins, je n'ai pas plus que ça envie de me remettre l'intégralité du disque dans les oreilles après en avoir terminé, et on ne peut pas lutter contre ça !
  
  
• Opeth - Deliverance (2002) ★ ★ ★ ★ ★
  
  Pour cet album et le suivant (Damnation, sorti quelques mois plus tard), Opeth a décidé d'innover un peu en créant un dyptique aux ambiances opposées, le côté violent/énervé pour Deliverance, le côté calme/contemplatif pour Damnation. Honnêtement, à première vue, ça me semblait une très mauvaise idée, dans la mesure où une part non négligeable de l'intérêt de la musique du groupe provient justement de l'apparition au sein d'une musique extrême de plages très contrastantes fournies par le chant clair et les guitares acoustiques. Mais en fait, les suédois sont beaucoup trop malins pour avoir proposé un album uniformément brutal, même s'il est vrai que les premières minutes de Wreath ou Master's apprentices ne font pas vraiment dans la dentelle (on avait toutefois déjà eu ce type d'approche frontale de leur part dans l'album My Arms, your hearse). En fait, on a ici un peu moins de guitares acoustiques et de chant clair que dans les albums précédents (sauf bien sûr sur la sublime parenthèse A Fair judgement) mais on retrouve en contrepartie les longs développements instrumentaux des tout premiers disques du groupe (à part le court interlude instrumental For absent friends, toutes les pistes dépassent les 10 minutes). Et tant mieux, car ça enrichit encore une musique déjà sacrément inspirée ! Il faut vraiment écouter les dernières minutes de la piste-titre, avec son martèlement dans le grave au-dessus duquel s'échappent des bribes mélodiques presque planantes, et son enchaînement avec A Fair judgement, on a vraiment là un quart d'heure de musique de très très haut vol. Le reste du disque est un poil moins impressionnant mais reste excellent quasiment de bout en bout (mélodiquement, c'est vraiment bon), la seule piste m'ayant posé quelques problèmes lors des premières écoutes étant la dernière, By the pain I see in others, qui prend une tournure plus expérimentale parfois surprenant (l'espèce de growl trafiqué assez moche à un moment, des sonorités qui font penser à de l'orgue de barbarie à un autre, et surtout une conclusion bruitiste espacée de silences que je ne comprends pas). Un peu dommage de terminer un si grand album sur une légère fausse note, mais le (premier) chef-d'oeuvre du groupe, pour moi, c'est bien celui-ci.
  
  
• Opeth - Damnation (2003) ★ ★ ★ ★
  
  Deuxième volet du dyptique dur/doux d'Opeth. Autant le premier volet restait largement contrasté et ressemblait finalement pas mal aux autres productions du groupe, autant celui-ci s'en éloigne vraiment radicalement. Plus l'ombre d'un chant guttural ni même d'une guitare électrisée, en fait ce n'est plus du tout un album de metal, mais une suite de pistes douce-amères comme Opeth avait déjà su nous en insérer de brillantes dans d'autres disques. Et encore une fois, ça marche franchement bien, on démarre très joliment avec un Windowpane très mélancolique (bon, de toute façon, ça respire pas franchement la joie de vivre tout au long de l'album) et prenant, les synthés sonnent tout de même parfois un peu pauvres à mon goût sur cette piste et la suivante. Je préfère nettement le piano très présent dans la superbe To rid the disease, ou même ces mêmes claviers en mode "sonorités aquatiques" dans la conclusion de l'album, Weakness, que je trouve extrêmement réussie. Entre temps, une ou deux pistes qui tentent de varier un peu les atmosphères (la curieuse berceuse Death wispered a lullaby, peut-être la piste la plus relativement enjouée du disque, et Closure qui explore des territoires un peu plus surprenants avec sa drôle de ritournelle finalement pas désagréable), mais le principal défaut du disque reste quand même, forcément, sa relative unité de ton. Mais bon, dans un genre différent, ça reste globalement de la très très bonne musique.
  
  
• Opeth - Ghost reveries (2005) ★ ★ ★
  
  Après la parenthèse Damnation, retour à un album classique pour Opeth. Enfin, classique, pas tant que ça, car il y a quelques nouveautés loin d'être négligeables dans ce nouveau disque. Déjà, le plus frappant, ce sont les claviers, pas forcément mis très en avant mais quand même bien audibles dans le paysage sonore sur toutes les pistes. Ca donne parfois un arrière-plan onirique bien vu, mais la plupart du temps, je trouve que ça sonne plutôt cheap et que ça s'intègre assez mal au son du groupe (typiquement sur Hours of wealth, c'est assez mièvre et franchement pas bon). Autre curiosité, l'influence orientalo-arabisante manifeste notamment dans le duo central Beneath the mire (très curieux titre qui ne ressemble pas à grand chose)-Atonement (là, avec la voix trafiquée et le break au piano sans intérêt, c'est pour moi une faute de goût assez nette). Tout ça est pour moi assez clairement raté, et finirait presque par nous détourner d'une majorité de pistes où Opeth fait quand même du bon boulot : Ghost of perdition très maîtrisée, le début de Baying of the hounds excellent (même si ça se cherche un peu ensuite) et Reverie/Harlequin forest qui pourrait presque prétendre à rejoindre le petit cercle des grandes claques assénées par le groupe si la fin n'était trop manifestement proche de la fameuse coda de Deliverance (en moins bien, forcément...). Album trop inégal donc qui marque quand même nettement le pas par rapport au magistral Deliverance.
  
  
• Opeth - Watershed (2008) ★ ★ ½
  
  Après un Ghost Reveries qui m'avait inégalement convaincu, force est de constater qu'Opeth persiste et signe, en introduisant de plus en plus de claviers dans leur son, le rendant à mon sens nettement moins intéressant qu'avant. Mais aussi, pourquoi avoir mis des instruments aussi typés années 70 qui sonnent aussi datés (sur Burden par exemple, c'est assez terrible) ? Quand le groupe se contente d'ajouter quelques flûtes (sur Heir apparent) ou même des tapis de cordes (sur Hessian Peel), c'est déjà nettement moins gênant. Mais mes problèmes avec l'album ne s'arrêtent pas là, puisqu'il comporte aussi son lot d'idées "compositionnelles" franchement foireuses (en fait, la fin de tous les morceaux du début de disque est ratée, que ce soit la stridence désagréable sur Heir apparent, les voix ridicules de The Lotus eater ou, la pire de toutes, cette guitare qui se désaccorde avant de conclure sur un ricanement sur Burden). Honnêtement, à mi-parcours, je m'attendais à devoir vraiment descendre l'album, et puis, ouf, on retrouve ensuite une part du génie du groupe avec notamment un superbe Porcelain heart qui à lui seul fait que l'album mérite au moins une tentative d'écoute. Plutôt convaincu aussi par l'espèce de péroraison quasi triomphaliste de Hex Omega, plutôt inattendue de la part d'un groupe qui cultive aussi régulièrement les atmosphères dépressives. Tout n'est pas à jeter donc, mais de mon point de vue le groupe est clairement sur la pente descendante.
  
  
• Opeth - Heritage (2011) ☆
  
  Bon ben voilà, ça y est, j'ai passé le cap où Opeth a vraiment laissé tomber le metal pour faire complètement autre chose : plus du tout de chant guttural, dix fois plus de claviers old school que de guitares électriques (y a encore des passages où les guitares ne sont pas en acoustique en fait ?), et tout le côté violent de la musique du groupe jeté à la poubelle. Ma foi, c'est bien sûr leur droit le plus strict (et on pouvait s'y attendre au vu du virage déjà pris dans les deux albums précédents), mais d'un point de vue strictement personnel, et sans surprise, je ne peux qu'avouer une grosse déception. Je n'avais initialement pas mis de note car je ne m'estimais pas bien placé pour juger ce genre de musique que je pratique fort peu (pour faire un bel euphémisme), mais l'écoute de ce disque ne m'a en tout cas pas donné envie de m'y mettre. Pour résumer, les (nombreuses) plages lentes m'ennuient au plus haut point (je trouva ça d'une pauvreté terrifiante) et quand ça s'anime un peu, ça tourne au délire jazzy horripilant. Une piste comme Nepenthe, par exemple, me donnerait facilement envie d'aller corriger deux ou trois copies en mode sadique pour me défouler. Les seuls moments que je sauverais quand même sont l'introduction éponyme (du piano classicisant, pourquoi pas), et l'instrumental Marrow of the earth final, apaisé et assez beau. C'est bien maigre... Je me dispenserai d'ailleurs de publier une critique sur les albums suivants du groupe, qui ont confirmé sa nouvelle orientation et donc mon désinrérêt assez clair. Toutefois, Pale Communion contient au moins deux pistes que je trouve sympathiques : l'hommage Goblin qui m'a renvoyé à de vieux visionnages de films de Dario Argento, et Voice of treason avec son motif rythmique complètement hollywoodien, au moins c'est fun.
  
  
  
  
• Overkill - Feel the fire (1985) ★ ★ ★
  
  Dans la catégorie des groupes à la discographie à rallonge, Overkill se pose là : pas moins de 21 albums studio (dont un de reprises) en une quarantaine d'années d'existence, et apparemment sans dévier beaucoup du style thrash de leurs débuts. Pourtant, si le groupe est souvent cité par les amateurs du genre, c'est souvent en tant qu'outsider, venant un peu après les grands noms (notamment ceux du fameux Big Four), peut-être parce que le groupe est considéré comme une bande de suiveurs très efficaces mais qui n'ont jamais révolutionné le genre (en metal comme en classique, la palme est souvent donnée aux pionniers). Sur ce premier effort, on a en tout cas droit à un thrash effectivement assez standard mais quand même sacrément énergique et galopant, bien servi par un chanteur très "dickinsonien" et une patate à toute épreuve. Certes ça manque d'imagination au niveau des riffs (qui sont souvent un peu trop répétés également), mais ça avance et c'est globalement bien efficace (la chanson titre notamment). Le plus gros point noir en fait, c'est la production datée (ça sent bien son époque et le manque de moyens), mais au niveau du contenu, on est par exemple largement au-dessus de ce que proposait le premier album de Megadeth la même année. Encourageant pour la suite.
  
  
• Overkill - Taking over (1987) ★ ★ ★
  
  Deuxième album pour Overkill, et comme son titre l'indique, on prend tranquillement la suite du premier sans en changer la recette. Le groupe n'a clairement pas embauché un graphiste compétent depuis la dernière fois (cette pochette !), ni d'ailleurs un ingénieur du son valable (la production reste brute et brouillonne, même si assez bizarrement j'ai la sensation que ça s'améliore au fil de l'album), mais les titres restent énergiques et efficaces, entre speed en mode rouleau compresseur (Wrecking crew, pas mal mais un peu gâchée par des tentatives de cris très laides de la part du chanteur, également présentes sur quelques autres pistes), thrash des familles (Powersurge, peut-être mon préféré de l'album) et influence Maiden plus que présente (sur Fear his name, d'ailleurs loin d'être déshonorante). Le tout donne une nouvelle fois un disque très correct, mais avec encore quelques défauts (le son et le chant inégal déjà cités, mais aussi des solos techniques qui sont plus bordéliques qu'autre chose) qui empêchent encore une fois d'être totalement enthousiaste.
  
  
• Overkill - Under the influence (1988) ★ ★
  
  Un Overkill "sous influence" ça ressemble un peu à un pléonasme ! Mais si influence il y a ici, c'est vraiment celle des albums les plus durs du thrash de l'époque, avec un son de guitare rugueux qui fait beaucoup penser à Metallica, des riffs qui ne cherchent pas la séduction mélodique, mais aussi un chant qui s'aventure dans des directions pas forcément très pertinentes (quand Bobby chante normalement, ça ne colle pas au style mais quand il fait des trucs plus expérimentaux c'est souvent moche !). Ce n'est pas inintéressant, mais on a la curieuse impression d'un groupe qui se cherche ici beaucoup plus que sur ses deux premiers albums, sans vraiment réussir à se trouver. On a pourtant droit à de bonnes choses (le beaucoup plus maidenien Hello from the gutter, des titres plus développés dans la seconde moitié de l'album qui arrivent à proposer des choses malgré les maladresses, notamment au niveau de choeurs sans intérêt), et on note une grosse progression dans la qualité de la production, désormais satisfaisante (et qui fait bien entendre la basse, c'est agréable). Un album de transition avant deux classiques qui, si j'en crois la sagesse populaire, devraient être plus aboutis.
  
  
• Overkill - The Years of decay (1989) ★ ★ ★ ½
  
  Après un troisième album moins inspiré, Overkill reprend ici indéniablement du poil de la bête. Les titres qui donnent dans le thrash pur et dur vont même du bon (Birth of tension) au franchement excellent (E.vil N.ever D.ies qui conclut l'album, et surtout Elimination, speed et ravageur comme on l'aime), le groupe a clairement retrouvé l'énergie dévastatrice dont ils avaient déjà su faire preuve sur leurs deux premiers disques. Et pourtant, je ne suis pas encore totalement emballé par celui-ci, qui présente à mon sens quelques défauts qui le rendent inégal : déjà, il y a sur quelques pistes une influence nettement plus doom (on pense clairement à Black Sabbath par moments) qui accouche de passages beaucoup moins convaincants (la majeure partie des 10 longues minutes de Playing with spiders, et rebelote sur Who tends the fire, qui là encore est bien longuet). Et puis, tout bêtement, certains riffs sont vraiment pas terribles (Nothing to die for). Ah, je n'ai pas encore cité l'espèce de ballade qui sert de chanson titre, et qui prodigue pour le coup une ambiance assez exceptionnelle, c'est de loin le meilleur des trois titres dépassant les huit minutes. Finalement, plus de bon que de raté, et ce qui est bon mérite vraiment très largement l'écoute, mais encore un peu l'impression que le groupe n'a pas totalement trouvé sa voie.
  
  
• Overkill - Horrorscope (1991) ★ ★ ★ ★
  
  En 1991, alors que Metallica change de direction musicale avec son album noir, Overkill reste droit dans ses bottes (le noir viendra après pour eux) et propose un cinquième album résolument thrash, avec encore quelques teintes doom, mais moins présentes que sur leur disque précédent (seule la chanson titre joue vraiment cette carte, et au vu de ma précédente critique, vous ne serez pas surpris d'apprendre que je ne m'en plains pas). Mais il y a tout de même une évolution notable dans la façon que le groupe a d'aborder sa musique : là où leurs premiers albums débordaient d'une énergie pas toujours totalement contrôlée, celui-ci au contraire est carré et maîtrisé de bout en bout, alignant sans sourciller les titres redoutables d'efficacité, avec introductions bien calibrées pour nous mettre en transe (sur l'excellent Coma qui ouvre l'album, et sur Soulitude qui le referme), breaks soignés (le mini solo de basse de Thanx for nothing), la première moitié du disque est vraiment très réussie. On sent une petite baisse de régime ensuite, mais rien de dramatique non plus, le seul vrai reproche qu'on pourrait faire à l'album est en fait justement le manque d'un léger grain de folie qui aurait peut-être permis de produire plus de titres qui déchirent tout (ici, seul Coma peut rivaliser dans cette catégorie avec le Elimination de The Years of decay). Mais ça reste un album d'une grande solidité.
  
  
• Overkill - I Hear black (1992) ★ ★ ½
  
  Après avoir atteint une sorte de plénitude dans son thrash, et alors même que le genre est en perte de vitesse, Overkill change de maison de disques et sort un nouveau disque... qu'on croirait interprété par un autre groupe ! Le son est différent, mais surtout le style a beaucoup évolué : plus de thrash et de speed, on nage dans du mid tempo qui sonne très rock, très mélodique, avec beaucoup de groove et de rythmes syncopés, et quelques titres au sous-accordage exagéré où le groupe semble clairement vouloir imiter Black Sabbath, même au niveau du chant (bon, ça, ce n'est pas totalement une nouveauté). Le seul titre qui va vraiment vite sur cet album, c'est Weight of the world, tout le reste est au mieux à un tempo modéré. Bon, après tout, pourquoi pas, mais si le disque est loin d'être raté (entre autres, j'aime bien World of hurt), il ne comporte aucun titre réellement marquant, et on a quand même l'étonnante impression qu'Overkill a complètement mis sa personnalité de côté pour produire cet album. Sympathique mais extrêmement dispensable.
  
  
• Overkill - W.F.O. (1994) ★ ½
  
  Avec son disque précédent, Overkill avait ouvert une brèche qui l'éloignait sensiblement du thrash qu'il pratiquait jusque-là, et manifestement ça n'a pas du plaire à tout le monde. En effet, cette nouvelle offrande prend le contre-pied total de la précédente en proposant une musique d'une frontalité assez radicale pour l'époque où elle a été écrite. En fait, ce n'est pas Wide Fucking Open que le disque aurait du s'intituler, mais bien Wide Fucking Bourrin : production très dense et assez moche, alignement de titres lourds très linéaires et bien trop basiques, s'il n'y avait pas quelques indicateurs facilement reconnaissables (en premier lieu la basse hyper mise en avant, comme d'habitude), on pourrait même se demander si le groupe n'a pas été remplacé par une bande de petits jeunes en recherche de style. C'est en tout cas pas très bon (un truc comme What's your problem, on n'est pas loin d'en rire) et très vite lassant, même si la fin de l'album, après l'invraisemblable intermède acoustique R.I.P., reprend un peu du poil de la bête, avec notamment le titre final Gasoline dream qui est le seul à exploiter correctement la rage constamment à l'oeuvre sur l'album et à proposer une construction un peu plus subtile. Pas vraiment suffisant pour sauver cet album qui laisse franchement perplexe sur les intentions du groupe.
  
  
• Overkill - The Killing kind (1996) ★ ★ ★ ½
  
  Après deux albums où Overkill semblait peiner à trouver sa voie, un petit miracle se produit sous forme d'un rebond inattendu. Au lieu d'essayer de se forcer à produire un style de musique qui ne leur convient pas, ils reviennent à leurs fondamentaux thrash, mais avec leurs touches personnelles issues des deux essais précédents : un côté groovy et mélodique vraiment sympa, et une production et quelques éléments modernes (les "yeah" limite narquois du Battle initial) qui en font un album bien de son temps sans tomber dans la merdasse new metal (quand on pense à ce que font quelques poids lourds du thrash dans la deuxième moitié des années 90, on se dit qu'Overkill a nettement mieux géré le virage). Et ça fonctionne fort bien, avec même quelques titres développés aux très belles atmosphères (Burn tou down - To Ashes et The Cleansing), même si le groupe s'égare parfois un peu (l'instrumental Feeding frenzy avec sa basse virevoltante et surtout l'improbable ballade The Morning after avec piano et touches orchestrales qui semble avoir été rapatriée d'un des premiers albums de Black Sabbath sont légèrement à côté de la plaque). Le seul vrai point noir du disque en fait, c'est le chant de Bobby Blitz, qui semble tout simplement ne pas savoir comment accompagner ses camarades. On pense parfois à Dave Mustaine niveau vocal, ce qui n'est jamais bon signe. Dommage, sans ça, on tiendrait peut-être tout simplement le meilleur album du groupe parmi ceux que j'ai écoutés jusqu'ici...
  
  
• Overkill - From the underground and below (1997) ★ ★ ★ ½
  
  Si l'album précédent d'Overkill ne semblait suivre aucune mode, celui-ci est à première vue bien influencé par la seconde vague du thrash US des Pantera et consorts : le son est vraiment hyper puissant, et ça tape très fort mais pas forcément très vite. Pour autant, on ne tombe pas dans le bourrinisme primaire et fatiguant d'un W.F.O. car il y a en permanence des petites sorties de route qui font dresser l'oreille et donnent tout son intérêt au disque : une outro acoustique complètement déconnectée du reste sur I'm alright, quelques samples électroniques surprenants (celui qui ouvre Save me), un solo de basse sorti de nulle part (Half past dead), mais surtout un groove toujours présent qui donne aux riffs les plus éculés une fraîcheur inattendue (comme sur l'excellent Long time dyin', qui nous gratifie aussi de quelques glissandi aigus "gojiresques" du plus bel effet). Bon, dans le rang des surprises, il y en a aussi une mauvaise, c'est le retour de la vengeance de la ballade risible en fin de disque avec Promises (ils avaient perdu un pari qui les obligeait à insérer une ballade sur chacun de leurs albums les gusses d'Overkill ?). Et puis le chant n'est encore une fois pas toujours à la hauteur. Qu'à celà ne tienne, si l'album n'est pas un chef-d'oeuvre incontournable, il propose suffisamment de choses intéressantes, à l'instar de son prédécesseur, pour mériter largement l'écoute.
  
  
• Overkill - Necroshine (1999) ★ ★ ½
  
  Après un petit détour par un album de reprises (que je n'évoquerai pas ici, comme d'habitude pour ce genre de disques), Overkill continue son petit bonhomme de chemin avec ce qui est du coup son dixième album studio si on ne compte pas le précédent. Bon, très honnêtement, pas grand chose de très passionnant à dire sur celui-ci, on a droit à un son moderne assez puissant comme c'est devenu l'habitude du groupe, mais sur ce coup, Overkill a définitivement mis l'énergie et la vitesse de côté pour proposer une musique très lourde (le tempo décolle rarement), maîtrisée mais qui ne décolle jamais vraiment au-dessus du sympathique (la chanson titre qui ouvre l'album, Revelation), avec quelques maladresses (les choeurs à la limite du ridicule par moments). Un peu l'impression que le métier des musiciens sauve un album qui reste malgré tout très mineur dans la discographie du groupe.
  
  
• Overkill - Bloodletting (1999) ★ ★ ★
  
  Pour son premier album des années 2000, donc une époque où le thrash n'est plus forcément très à la mode, Overkill nous sort un album de pur thrash bien frontal. Autant ils ont pu par moments ralentir le tempo et tenter d'autres choses, autant là c'est vraiment rentre-dedans, jusqu'à atteindre parfois un sentiment de confusion assez marqué (des solos bordéliques, mais parfois c'est carrément une piste entière, comme What I'm missin', où on ne comprend pas tout à ce qui se passe). Mais quelque part, on sent que les musiciens se font plaisir, et c'est assez communicatif, avec quelques titres bien efficaces (Bleed me, vraiment symptomatique de ce thrash qui tâche un peu sur les bords, Let it burn malgré ses répétitions, ou le Can't kill a dead man qui conclut le disque). Et puis au beau milieu de cette liste de titres qui semble donner raison à ceux qui ne voient en Overkill qu'un gentil groupe de seconde zone (c'est de fait sympa mais assez limité), se cache quand même une perle qui justifie de remonter la note au-dessus de la moyenne : il s'agit de l'étrange Blown away, qui navigue d'une intro acoustique à l'ambiance étonnante vers une conclusion aux mélismes orientaux inattendus, en multipliant les ruptures de ton, histoire de confirmer quand même que le groupe est capable de proposer des choses autrement plus ambitieuses que ce qu'ils se contentent de faire le reste du temps. Du coup, une petite déception sur le fait que ce titre soit si isolé, mais quand même une certaine sympathie pour cet album qui vaut mieux qu'il n'en a l'air au premier abord.
  
  
• Overkill - Killboxiii (2003) ★ ★
  
  L'avis majoritaire des amateurs d'Overkill est que les années 2000 ne sont pas la meilleure période de l'histoire du groupe. Et il faut bien l'admettre, c'est assez justifié, les disques de cette décennie s'installant dans une sorte de routine thrash pas totalement désagréable mais sans grande inspiration, qui semble indiquer que le groupe, à l'approche des 30 ans de carrière, n'a plus grand chose de neuf à dire. Ici donc, une dizaine de titres desservis par une production moderne mais pas vraiment séduisante (un son trop sec et saturé), qui accentue le côté brouillon de certains titres (notamment le Devil by the tail qui ouvre l'album), et passe-partout (pour ne pas dire remplissage) de la majorité des autres. On a quand même droit par moments à un sursaut de dynamisme qui, combiné au métier des musiciens, suffit à accoucher de quelques chansons tout à fait correctes (The Sound of dying, Unholy) mais l'ensemble est trop quelconque pour prétendre à une place de choix dans la discographie du groupe.
  
  
• Overkill - Relixiv (2005) ★ ★
  
  En plus d'arborer des titres de plus en plus grotesques, les albums d'Overkill sentent de plus en plus fort la routine pas très inspirée. Peut-être eût-il été préférable pour le groupe de ralentir un peu la cadence pendant les années 2000 pour proposer des disques un peu plus frais ? En tout cas, on retrouve ici une suite de 10 titres attendus aux riffs sans imagination, sauvés par un certain métier mais desservis par une production médiocre. Je suis un peu gratuitement méchant, il y a tout de même un certain effort de diversité (le chant scandé de Bats in the belfry), quelques titres efficaces (Within your eyes, Play the Ace), bref un contenu suffisant pour que l'album soit tout juste acceptable. Mais tout de même, terminer sur l'espèce de chanson à boire punkoïde Old school ne laisse pas présager grand chose de bon pour la suite de l'aventure !
  
  
• Overkill - Immortalis (2007) ★ ★ ½
  
  Après un précédent effort franchement poussif, je m'inquiétais fortement de ce qu'allait bien pouvoir proposer Overkill ensuite. Eh bien, pas le moindre ralentissement de cadence en vue, mais ce disque-ci est plutôt meilleur que Relixiv (et nettement moins bon que celui qui suivra, mais ça c'est une autre histoire, chaque chose en son temps). Pourtant, on est à nouveau assez clairement en face d'une espèce de fond de tiroir de seconde zone, avec ses riffs répétés en boucle parce qu'on ne sait pas quoi en faire d'autre, ces choeurs aux frontières du risible (les 666 sur Shadow of a doubt par exemple), ces solos qui semblent improvisés au moment de l'enregistrement, et ce recyclage permanent dont le titre de la chanson finale (Overkill V, qui fait de fait suite à quatre autres datant maintenant de quelques années) est le symptôme le plus évident (la chanson elle-même propose une intro plutôt cool avant d'être quelque peu plombée par un chant peu maîtrisé). Et pourtant, ces nombreuses maladresses font partie du charme étrange de ce disque qu'on a quand même envie d'aimer un peu pour ses titres thrash classiques qui ne se prennent pas la tête (Devils in the mist, Head on) mais qui finissent par convaincre. Pas le chef d'oeuvre de l'année, bien sûr, mais encore un album d'Overkill qui arrive à éviter d'être vraiment raté.
  
  
• Overkill - Ironbound (2010) ★ ★ ★ ★ ½
  
  En 2010, histoire de fêter dignement ses trente ans d'existence (et les 25 ans de leur premier album), Overkill met les petits plats dans les grands : signature chez un gros label allemand populaire, embauche d'un producteur à la mode histoire d'avoir un bon gros son bien puissant, et une volonté certaine de retrouver un tempo allant et de complexifier les titres proposés (8'11 pour The Green and the black qui ouvre l'album). Bon, très bien, mais ça ne va pas transformer magiquement un groupe qui fait tranquillement traîner sa fin de carrière depuis 10 ans en mastodonte capable de sortir un disque majeur du genre, hein, personne n'y croit. À tort puisque l'improbable miracle se produit et qu'Overkill signe là ce qui est pour moi son tout meilleur disque, au-dessus même de ses classiques de la fin des années 80. Tout y est infiniment meilleur que sur les trois albums précédents du groupe, et même au niveau des plus grands albums des mammouths du genre comme Megadeth : ça va vite sans que ça sonne le moins du monde brouillon, les solos mélodiques sont bons, les intros chiadées, la production vraiment énorme, et le trio inaugural (avec la chanson titre en apothéose ébouriffante, le break calme puis le solo qui s'achève sur fond de matraquage martial sont vraiment des moments géniaux) emporte vraiment tout sur son passage. La suite du disque est un peu moins marquante car ça manque un poil de variété sur la durée (on n'est pas obligé de mettre une ballade ou un instrumental pour faire un bon disque de thrash, mais à part pendant les intros, c'est quand même un trop uniformément bourrin) mais reste extrêmement efficace jusqu'à l'excellent The SRC final. Un vrai classique immédiat de thrash moderne !
  
  
• Overkill - The Electric Age (2012) ★ ★ ★
  
  Après un Ironbound monumental, on pouvait se douter qu'Overkill, en général pas vraiment connu pour ses changements de direction musicale fréquents, allait rejouer les mêmes cartes sur leur album suivant. De fait, c'est exactement le cas, on retrouve la même production hyper puissante, la même structure en dix titres assez développés, la même volonté de taper vite et fort. Mais, sans surprise également, le même miracle ne se reproduit pas deux fois de suite. Les solos sont moins inspirés, ça fonce parfois sans trop savoir où (Save yourself qui sent bon son Motörhead), et les premiers titres de l'album ne peuvent tout simplement pas rivaliser avec ceux du disque précédent. C'est d'ailleurs un peu plus loin dans le disque qu'il faut aller chercher les meilleurs moments, Wish you were dead, le très primaire mais bien efficace Drop the hammer down. Le reste ne démérite d'ailleurs pas, et l'album dans son ensemble est bon ! Mais il souffre nécessairement de la comparaison avec son grand frère en rentrant dans le rang des albums de thrash moderne directs et efficaces, mais qui ne donnent pas irrésistiblement envie de les réécouter dix fois de suite.
  
  
• Overkill - White Devil Armoury (2014) ★ ★ ★ ½
  
  Overkill est la preuve vivante de la richesse infinie du langage musical. Non pas justement qu'il aille en explorer les moindres recoins, mais au contraire, avec une grammaire assez limitée et qui évolue fort peu au fil du temps, ils arrivent toujours à sortir tous les deux ans une nouvelle dizaine de titres redoutablement efficaces. Pas de surprise avec cet album de 2014, il est exactement similaire aux deux précédents, sans atteindre les sommets d'Ironbound mais avec une qualité d'ensemble fort respectable qui fait que je le classe un peu au-dessus de The Electric Age. On craint pourtant un nouveau recul sur les premiers titres, où le groupe force un peu le trait (Armorist n'est pas un opener à la hauteur de ce que le groupe propose d'habitude, Pig dépense beaucoup d'énergie pour un résultat pas extraordinaire), mais c'est encore une fois dans la deuxième partie de l'album (à l'exception du varié et excellent Bitter Pill) que se trouvent les meilleurs titres : Freedom rings et son ambiance prenante, It's all yours sans fioritures mais qui retrouve une évidence appréciable, et le titre conclusif, In The Name, qui exploite une nouvelle fois efficacement des rythmiques très martiales (bon, par contre, ça ressemble quand même beaucoup à ce que le groupe a déjà fait quelques fois depuis Ironbound). Vraiment rien de révolutionnaire, mais ça n'en reste pas moins bon pour autant !
  
  
• Overkill - The Grinding wheel (2017) ★ ★ ½
  
  Après un regain de forme impressionnant pour un groupe qui semblait auparavant sur le déclin, Overkill montre à nouveau quelques signes de fatigue sur ce 19ème (!) album studio. On garde pourtant ce son moderne et puissant qui est devenu sa nouvelle marque de fabrique, et même la volonté de proposer des titres bien rapides (le bon The Wheel). Mais bon voilà, pour deux ou trois titres qui sortent vraiment du lot (Shine on) et un Come heavy au sympatiques relents old school, on a droit à quelques autres plus quelconques voire poussifs (Goddamn trouble par exemple), et le renouvellement est trop léger par rapport aux albums qui précèdent celui-ci (le titre d'ouverture Mean, green, killing machine est loin d'être mauvais mais tout dans la structure transpire de la volonté de refaire un Ironbound (la chanson, pas l'album), et la comparaison ne peut pas être à l'avantage du nouveau venu). Tout ça concourt à faire de ce disque un non-évènement dans la riche discographie du groupe, sympathique mais vite oublié.
  
  
• Overkill - The Wings of war (2019) ★ ★ ★
  
  Bon alors, pour le vingtième, les vieux briscards d'Overkill, ils nous fait un truc un peu spécial ? Bah non, pas du tout, un album bien sympa mais sans grande surprise, c'est tout, dans la lignée des quatre précédents. Pas aussi tonitruant qu'Ironbound mais quand même bien brutal dans l'ensemble (la son est d'ailleurs limite trop dense par moments), pas aussi fatigué que The Grinding wheel mais avec quand même quelques moments à la limite du craquage (les choeurs limite elfmaniens qui débarquent sans crier gare sur le très aventureux Batshitcrazy, l'introduction aux arpèges très "clair de lune" de Distortion). Ces détails s'oublient rapidement, on remet un bon coup de riff thrash "prends ça dans ta face", on braille dessus sans aucune retenue (à la limite du trop plein par moments de ce point de vue aussi), et tout le monde est content à la fin même si le disque ne restera pas dans les annales. Les meilleurs titres du lot : A Mother's prayer, classique et efficace, et le titre final Hole in the soul. Fin du disque mais sûrement pas du groupe tant les papys semblent encore péter la forme.
  
  
• Overkill - Scorched (2023) ★ ★ ★ ½
  
  Le 21ème album studio d'Overkill est sorti le même jour que le dernier Metallica. Pied-de-nez ou simple coïncidence ? En tout cas, il n'y a pas vraiment photo entre les deux au niveau de la qualité de la musique proposée. Si Overkill s'enlise en de rares occasions en voulant renouveler un peu son propos (le côté guilleret de Won't be coming back ne fonctionne pas, par contre l'étrange Bag o'bones qui conclut le disque intrigue plutôt positivement), le groupe est toujours aussi efficace quand il s'agit d'aligner les titres thrash en profitant de la production énorme qui est la leur depuis Ironbound : la chanson-titre démarre l'album sur les chapeaux de roue (avec un côté grandiloquent qu'on retrouve sur plusieurs autres pistes), et le duo Twist of the wick/Wicked place au coeur du disque devrait suffire à convaincre tout le monde qu'Overkill, après quarante ans de carrière, reste sans problème dans le peloton de tête des meilleurs groupes du genre.
  
  
  
  
• Pain of salvation - Entropia (1997) ★ ★ ★ ★ ½
  
  Le début de la première piste ! (Foreword) pourrait laisser penser qu'il s'agit ici de metal assez "standard" mais la rapide interruption avec envolée de claviers lance brusquement le titre dans une tout autre direction (et dans une ambiance qui préfigure à mes oreilles Haken, auquel j'ai pensé à d'autres moments, mais il faut dire que mes références en metal progressif sont fortement limitées). Le chanteur, lui, a une présence qui ferait presque penser à celle de Mike Patton, le chanteur de Faith no more. En tout cas, beaucoup d'inspirations diverses et surtout (et c'est bien l'essentiel) des titres très construits et souvent très réussis. On navigue entre chansons bien musclées (Revival), sonorités presque electro (sur People passing by) et déplorations mélancoliques qui constituent à mon sens les plus belles réussites (Oblivion ocean et surtout la paire Nightmist et Plains of down en fin de disque). Quelques pistes totalement inclassables aussi, comme ce Stress qui part vraiment dans tous les sens et qui touche au génie, ou To the end qui convoque un court intermède jazz de façon complètement impromptue (là, sans surprise, ça me semble complètement raté). À quelques maladresses près, tout cela est franchement impressionnant pour un premier disque enregistré par une bande de gamins !
  
  
• Pain of salvation - One hour by the concrete lake (1998) ★ ★ ★
  
  Deuxième livraison du groupe suédois, et par rapport à leur premier opus constitué de morceaux de jeunesse un peu disparates (mais excellents !), on sent qu'il y a eu une grosse progression en termes de maturité : c'est très réfléchi, parfaitement construit, pas grand chose à redire. Et pourtant, j'ai la curieuse impression d'avoir perdu la spontanéité du premier album. Après une première chanson Inside (je passe l'intro au clavier pour mettre dans l'ambiance) pourtant très réussie, j'ai l'impression que ça s'enlise un peu dans des formats un peu trop calibrés pour surprendre (le violoncelle pour accompagner la petite ballade Pilgrim par exemple, c'est beau bien sûr, mais un poil téléphoné). Ca reste bon (et même très bon) mais il manque la petite étincelle qui donne vraiment envie d'y revenir. Un bon album malgré tout, mais j'espérais encore mieux après un premier opus aussi prometteur.
  
  
• Pain of Salvation - The Perfect Element, Part I (2000) ★ ★
  
  Voilà un disque qui m'embête. Commençons par le positif : il y a vraiment de la musique là-dedans, plus de 70 minutes variées, travaillées, avec énormément d'influences différentes mêlées dans des atmosphères souvent prenantes. Mais justement, ce côté très fourre-tout m'embête un peu (on est vraiment loin du metal ici, pour être honnête). Pourquoi pas un Used très urbain aux couplets rappés (une bonne entrée en matière d'ailleurs), mais sur le même album qu'un Idioglossa aux sonorités franchement plus electro-pop, est-ce que ça a un sens ? Pire, on sent le groupe très conscient de faire de la musique "intelligente" et ça tourne trop souvent au chichiteux énervant (l'utilisation des choeurs, du piano ou des violons finit par devenir assez exaspérante), une chanson comme King of loss est assez symptomatique de ces dérives. Vraiment dommage, car il y a toujours un potentiel gigantesque chez ces musiciens, mais à mon sens pas toujours bien exploité (le trop est souvent l'ennemi du bien...).
  
  
• Pain of Salvation - Remedy Lane (2002) ★ ★ ★
  
  Je crois que je commence à comprendre pourquoi Pain of Salvation est un groupe qui me frustre : j'ai mis la barre tellement haut en démarrant dans le metal progressif avec Haken que tout le reste va forcément me sembler médiocre... Plus sérieusement, la comparaison a vraiment du sens sur une piste comme Fandango, où les suédois se sont sûrement abreuvés aux mêmes sources que les britanniques dans Cockroach king (en tout cas les lignes mélodiques et textures vocales y font vraiment penser), mais en beaucoup moins réussi. Pour d'autres pistes, pas besoin de comparer à quoi que ce soit pour se rendre compte que c'est franchement mauvais, comme sur Second love qui se vautre dans le sirop le plus insupportable, ou même sur un Ending theme où les passages parlés sonnent terriblement creux. Et pourtant, il y a aussi de bons moments, qui me réconcilient en partie avec le groupe : A trace of blood et son piano virevoltant, Rope ends qui part un peu dans tous les sens mais qui est très intéressant, Chain sling avec son espèce de mélodie populaire rigolote, ou même la dernière piste Beyond the pale qui arrive à transcender l'espèce de gratouillis de guitare qui l'introduit pour proposer des développements qui fonctionnent bien. Sans être totalement convaincu, il y a vraiment du progrès.
  
  
• Pain of Salvation - BE (2004) gozu !
  
  Une chose est sûre après l'écoute de cet album, nos amis suédois ont de très bons fournisseurs... Il s'agit ici de rien de moins qu'un concept album évoquant Dieu, l'humanité et tout le reste, avec titres de pistes en latin. Bon, déjà, ça sent bien le délire prétentieux qui risque de tomber à plat, surtout vu les antécédents du groupe. Mais attendons de voir : quelle illustration musicale pour tout ça ? Eh bien, tout et n'importe quoi. Littéralement. Il n'est absolument pas question ici de faire un album metal traditionnel ou même metal tout court, on a droit à un orchestre de chambre pour accompagner le groupe (le piano est très présent, mais les flûtes aussi), et une majorité des pistes ne sont pas des chansons à proprement parler. On a droit en vrac à du blabla pontifiant sur fond de bruitages (Animae partus, introduction complètement insupportable), à des conversations sur Dieu sur fond de musique d'ascenseur (Vocari dei), à du gospel (Nauticus, qui se termine sur des dialogues qui auraient plus leur place sur une BO de film de Tarantino...), un espèce de truc folk médiévalisant (avec flutiaux et tambourin de rigueur, Imago), ou même à un Pluvius Aestivus qui est en gros un solo de piano sur fond de pizz de cordes, Omni qui convoque un orgue, et Dea pecunia qui est tout bonnement indescriptible tellement ça part dans tous les sens en ne ressemblant absolument à rien. Bizarrement, le tout n'est pas aussi risible que ça devrait l'être car ça semble fait avec une sincérité assez désarmante. M'enfin bon, si j'avais sérieusement essayé de mettre une note à ce gloubiboulga, elle ne serait vraiment pas élevée (en fait, il y a bien peu de musique à proprement parler, même si Imago ou Martius/Nauticus II dans sa première partie sont plutôt sympa)...
  
  
• Pain of Salvation - Scarsick (2007) ★ ★ ★ ★
  
  La frontière qui sépare les albums qui nous déplaisent de ceux qui nous emballent est parfois bien difficile à tracer. Après plusieurs désillusions avec ce groupe, voilà enfin (c'est le deuxième après leur effort initial Entropia) un disque qui me plaît beaucoup. Pourtant, si on considère le très spécial BE comme une sorte de parenthèse, on ne peut pas dire que les ingrédients aient vraiment changé depuis The Perfect Element (dont ce Scarsick est d'ailleurs censé être la deuxième partie). Toujours des influences très diverses et des chansons qui n'hésitent pas à s'aventurer sur des terrains assez éloignés de ce qu'on peut attendre d'un groupe de metal, mais cette fois-ci j'accroche sans retenue, du moins à la première partie de l'album. Peut-être parce que la musique en est vraiment frontale, sans les chichis trop souvent présent sur les albums précédents, à l'image de cette chanson titre qui verse dans la fusion énervée (le chant est très rappé sur les couplets, opposés à un refrain très mélodique) qui réussit parfaitement son coup. On est carrément dans la sphère hip-hop avec le Spitfall qui suit, je devrais détester mais c'est tellement bien fichu que j'adhère quand même. Une parenthèse plus apaisée quoique mélancolique (la très belle Cribcaged) et on enchaîne sur deux ovnis, notamment l'inénarrable Disco queen qui, comme son titre le laisse deviner, inclut de forts éléments de musique disco. Là encore, ça pourrait (devrait ?) être ridicule, mais ça marche parfaitement. Hélas, la deuxième moitié du disque nettement moins emballante refroidit un peu mon ardeur (rien de franchement mauvais non plus, mais c'est à la fois moins osé et tout bêtement moins inspiré, notamment la doublette Mrs. Modern Mother Mary - Idiocracy qui ne semble pas trop savoir quoi dire et faire dans le bizarre pour le principe), ce qui empêche l'album de décoller encore plus haut niveau note (pour la première moitié, j'aurais mis cinq étoiles sans hésiter). Mais ça fait tout de même bien plaisir de se trouver face à un album enthousiasmant et sur lequel aucune piste ne m'a énervé !
  
  
• Pain of Salvation - Road Salt One : Ivory (2010) ★ ★ ★ ★ - Road Salt Two : Ebony (2011) ★ ★ ½
  
  Il y a quand même une chose qu'on ne peut pas dénier à Pain of Salvation : ce sont des champions du renouvellement. À chaque nouvel album, même si on ne sait absolument pas à quoi s'attendre, on est toujours surpris. Ici, ce n'est d'ailleurs pas un album, mais deux, et on comprend très vite que ce compte-rendu n'a essentiellement rien à faire sur une page consacrée au metal. Un son bien brut et des guitares très saturées ouvrent le très bon No way, mais surtout on plonge directement dans une ambiance très blues et très roots qui évoque les années 70 (vu mon inculture totale, je ne tenterai pas de référence plus précise) et qui sera présente tout au long des deux albums, à quelques rares sorties de route près (la valse déjantée de Sleeping under the stars dans le premier album, les derniers couplets en français de The Physics of Grilock dans le second). Du coup, je me sens assez peu apte à juger dans le détail, mais le premier album est vraiment très bon, l'atmosphère poisseuse et dépressive vous colle aux basques et il y a des sommets assez impressionnants (la très triste Sisters accompagnée presque uniquement au piano au départ pour finir avec des touches chorales et orchestrales, vraiment une réussite exceptionnelle pour moi). Le deuxième album me convainc nettement moins, puisqu'il se contente de reprendre le même concept, mais évidemment sans l'effet de surprise, et surtout sans chanson qui sorte vraiment du lot (si je devais en citer une, peut-être To the shoreline et son ambiance qui fait penser à une BO de western désabusée), et avec quelques passages qui penchent du côté du chichiteux (la plage conclusive...). Mais globalement, une belle unité de ton pour ces deux albums, et beaucoup de belle musique, tout simplement.
  
  
• Pain of Salvation - In The passing light of day (2017) ★ ★ ★
  
  Cet album a été écrit alors que le leader du groupe était hospitalisé dans un état grave, on peut donc se douter que ça ne va pas être une musique débordante d'enthousiasme à laquelle on va avoir droit ici. En soi, ça tombe assez bien, puisque le groupe réussit souvent de belles choses quand il joue la carte de l'émotion. Mais le ton dépressif est en fait loin d'être uniforme, il s'agit de l'album le plus metal du groupe depuis bien longtemps (sûrement depuis le tout premier album, en fait). D'ailleurs, l'ouverture de On a tuesday donne le ton, même si les passages violents alternent ensuite avec d'autres beaucoup plus mélancoliques. Belle chanson en tout cas, qui ouvre parfaitement un disque contenant une majorité de pistes réussies (Tongue of god, The taming of a beast et son riff initial entêtant), mais aussi, hélas, des moments poseurs dont on se serait bien passé (Reasons dont je ne comprends pas l'intérêt, ou la fin de Full Throttle tribe qui était pourtant une belle chanson). Le tout culminant avec une dernière piste de 15 minutes dont la première moitié est d'un statisme absolu, j'ai du mal à accrocher. Un disque inégal donc, mais qui reste quand même plutôt dans les bons crus du groupe selon moi.
  
  
• Pain of Salvation - Panther (2020) ★ ★ ★ ½
  
  Dernier album en date pour le groupe suédois, et c'est du très récent. La surprise est comme d'habitude de mise, avec un Accelerator initial qui démarre... avec des sons qui évoquent la musique techno de mon adolescence (que, je vous rassure, je n'ai d'ailleurs jamais écoutée attentivement). Intéressant à défaut d'être totalement réussi (ça ne vaut pas le Disco queen de l'album Scarsick, mais pas sûr qu'on puisse vraiment faire beaucoup mieux sur ce genre de base), et les sons très électroniques accompagneront d'autres pistes de l'album. Mais on a droit ensuite à une espèce de passage en revue de tout ce que Pain of Salvation est capable de produire, du mélodique hyper sentimentaliste sur fond de claviers avec Restless boy (qui donne quand même un peu trop dans le lacrymal au niveau du chant), du son de guitare vintage pour l'intro de Unfuture (oar ailleurs assez indescriptible avec ses drôles d'influences orientales, mais vraiment réussie), et l'inévitable chanson finale de plus de 10 minutes qui reste globalement dans un ton très mélancolique qui, ma foi, sied bien au groupe. Mais la plus belle réussite de l'album est pour moi la chanson-titre, courte et efficace avec son refrain presque pop qui reste vraiment en tête. On regrettera à côté de ça quelques passages où le groupe s'écoute un peu trop jouer, comme d'habitude (Species par exemple est assez énervante), mais cet album très éclectique est un bon résumé de ce dont le groupe est capable.
  
  
  
  
• Pantera - Cowboys from hell (1990) ★ ★ ★ ★ ★
  
  Sur les bons conseils d'un ami, je me lance dans la discographie de Pantera. Je commence avec le premier "vrai" album du groupe, mais ayant jeté une oreille curieuse sur ce qu'ils avaient produit avant, je trouve que Power metal était déjà un album très intéressant qui ne méritait pas forcément cette mise au rebut (Proud to be loud, par exemple, c'est très bon !). Les tout premiers albums, bon, ça n'a de fait pas grand chose à voir avec ce qu'ils proposent dans celui dont je suis censé parler aujourd'hui.
  Revenons donc à ces cowboys. Dès le début on est cueillis par le son très métallique, pas forcément très avenant au premier abord, mais qui colle en fait parfaitement au propos du disque : taper lourd et fort en permanence. Et de ce point de vue c'est indiscutablement très réussi, l'entrée en matière avec la chanson titre est absolument énorme, et il y a bien peu de moments où la tension redescend. Solos de guitare efficaces, riffs inspirés, et même un ou deux titres qui renouvellent l'atmosphère (Cemetary gates, peut-être le sommet de l'album avec la première piste, ou même Medicine man) c'est du très très bon. Si on voulait pinailler, on pourrait signaler une ou deux marches harmoniques peu subtiles dans les solos, ou un titre qui est à mon sens de trop (Primate concrete sledge, trop rapide et bourrin), mais l'ensemble est tellement maîtrisé que ça mérite la note maximale !
  
  
• Pantera - Vulgar display of power (1991) ★ ★ ★
  
  Je dois bien avouer être assez embêté au moment de parler de cet album, considéré de façon quasi unanime comme le sommet de la production du groupe. Après avoir trouvé Cowboys from hell excellent, je m'attendais donc à une nouvelle baffe magistrale et ... ça n'a pas vraiment été le cas, je trouve ce disque nettement moins bon que le précédent. Entendons-nous bien, on est clairement dans la lignée du précédent, à savoir un bon tabassage en règle (la pochette donne le ton, même si je la trouve assez grotesque), et il y a à nouveau des pistes énormes (la première, Mouth of war, ou encore le très bon This love), mais aussi, à mon avis, des moments beaucoup plus quelconques (Fucking hostile caricaturalement bourrin, le riff de Rise pas emballant, ou même Hollow musicalement assez pauvre et même pas très bien chanté), voire même de vrais ratages (Live in a hole, je trouve ça vraiment pas beau, et la fin de By demons be driven me laisse extrêmement perplexe). Pas suffisant pour gâcher complètement l'album non plus, mais la vague impression de ne pas avoir entendu la même chose que tout le monde.
  
  
• Pantera - Far beyond driven (1994) ★ ★ ★ ★ ½
  
  Pas de changement de cap pour le groupe, et même un recentrage autour de ce qu'ils font de mieux, du lourd, du bourrin, mais maîtrisé à la perfection. Les premiers titres de l'album sont excellents, les derniers aussi (Uses my third arm, Throes of rejection, ça envoie du lourd, on a presque l'impression que la reprise de Black Sabbath en fin de disque n'est là que pour montrer qu'ils peuvent aussi faire moins brutal). Entre les deux, un très léger fléchissement (et un poil d'expérimentation sur Good friends and a bottle of pills, j'avoue ne pas vraiment aimer cette piste), mais l'ensemble est à mes oreilles beaucoup plus constant dans la très bonne qualité que Vulgar display of power. Un peu moins puissant tout de même que Cowboys from hell (et puis bon, au bout d'un moment, l'effet de surprise ne peut plus jouer), mais tout de même un excellent opus.
  
  
• Pantera - The Great southern trendkill (1996) ★ ★
  
  Autant le dire tout de suite : cet album m'a beaucoup énervé, car j'ai vraiment l'impression que ce qui aurait du être un nouveau très bon disque a été en grande partie gâché par une exagération hors de propos dans la volonté de faire agressif et brutal, notamment au niveau du chant. C'est bien simple, Phil Anselmo beugle quasiment en continu sur tout l'album, c'est par moments franchement moche, et surtout ça n'a aucun intérêt (y a le grindcore si on veut vraiment entendre des trucs où la musique est secondaire). D'ailleurs, le début du disque donne le ton, avec cette première chanson qui débute en mode agression caractérisée, ça aurait été rigolo (et même excellent) si ça s'était limité à cette première minute, mais beaucoup de titres pâtissent vraiment énormément de ce "chant" envahissant. Et c'est très dommage, car il y aurait pourtant plein de bonnes choses à dire musicalement parlant, d'ailleurs les quelques plages qui tentent une rupture de ton vers quelque chose de plus dépressif (10's, le début de Floods, la première partie de Suicide note) sont très bien...
  
  
• Pantera - Reinventing the steel (2000) ★ ★ ★ ½
  
  Légèrement échaudé après l'album précédent, c'est avec une certaine appréhension que j'ai testé ce dernier opus de Pantera. Ouf, on est revenus à quelque chose de beaucoup plus supportable niveau chant (ça crie "normalement" pour du metal de ce genre quoi), tout comme au niveau des compositions, avec un bon nombre de titres très classiques dans leur construction, qui semblent clairement indiquer une volonté de recul de la part du groupe. C'est parfois très bien (Goddamn electric ou Revolution is my name), parfois plus quelconque, notamment dans la deuxième moitié du disque où ça tourne un peu à vide (on en viendrait presque à demander un peu plus d'intensité, un comble pour ce groupe !). Quelques tentatives bienvenues pour varier les sonorité (l'inaugural Hellbond ou l'intro de It makes them disappear mais l'ensemble, s'il s'écoute très bien, est un ton en-dessous des meilleurs albums du groupe. Ah, et puis quand même, une pochette aussi moche, c'est vraiment pas possible...
  
  
  
  
• Queensrÿche - The Warning (1984) ★ ★ ★ ★
  
  La liste des groupes de métal dont j'ai écumé la discographie manquait jusqu'ici de Q (oui, l'initiale, à quoi pensiez-vous ?), il est donc temps d'y remédier avec ce groupe américain souvent cité comme un des initiateurs du prog metal (les lettres W, X et Z attendront encore un peu par contre). Dans ce premier album, on sent à vrai dire surtout l'influence du heavy classique (et classe) d'un Iron Maiden et la présence parfois envahissante de son chanteur hors normes Geoff Tate (faut aimer les aigus, mais quand même, ce garçon a quelque chose). On a par ailleurs la curieuse impression d'un album hors du temps, avec ce son qui manque cruellement de puissance (pour une fois, j'avoue que la version remasterisée fait du bien pour donner un peu de poids à tout ça) pour un disque enregistré la même année qu'un Ride the lightning, mais en même temps cette volonté permanente de proposer quelque chose de recherché, de travailler énormément les atmosphères à coups de petits effets qui place la musique de Queensrÿche bien loin des préoccupations de beaucoup de groupes de l'époque. Et franchement, même s'ils semblent encore chercher un peu leur voie sur ce disque (le côté déstructuré de NM 156, la fin très étonnante de En Force), les expérimentations proposées par le groupe ne sont jamais complètement vaines, et leur sens de la mélodie accouche de plusieurs titres vraiment excellents (Warning, Deliverance, les 10 minutes de Roads to madness avec ses touches orchestrales et son chant "too much" qui finissent par convaincre). Plus qu'un essai prometteur, c'est tout bonnement déjà un excellent album !
  
  
• Queensrÿche - Rage for order (1986) ★ ★ ★
  
  Pour ce deuxième album, Queensrÿche se détache de l'influence Maiden et expérimente pas mal, semblant encore chercher un peu sa voie mais proposant une nouvelle fois beaucoup de choses intéressantes et originales dans le monde du metal de l'époque. Un peu plus de synthés que dans leur premier disque, beaucoup de choeurs, toujours la présence de petits effets pour donner de la profondeur aux compositions, des tempos variés, il y a toujours quelque chose à se mettre sous la dent, et en même temps on regrette un peu que le groupe ne développe pas plus certaines compositions qui l'auraient mérité (aucun titre de plus de 5 minutes ici, le côté prog n'est pas encore complètement assumé). Typiquement, The Killing words aurait pu être une tuerie mais s'arrête curieusement en donnant l'impression de ne pas avoir tout dit. C'est quand même l'un des meilleurs titres de l'album, avec Walk in the shadows. Il y a aussi malheureusement un peu de déchet, Surgical strike ou London n'ont pas grand chose de passionnant à raconter. Ensemble inégal, mais le bilan annuel reste suffisant pour un passage en deuxième année. Euh pardon, je ne devrais pas taper mes chroniques entre deux bulletins. Album très correct donc, mais trop souvent constitué de promesses pas totalement réalisées.
  
  
• Queensrÿche - Operation : Mindcrime (1988) ★ ★ ★ ★ ★
  
  Pour son troisième album, Queensrÿche décide de tenter le coup de l'album concept, un choix plutôt judicieux vu leurs tendances à l'expérimentation et à l'insertion d'effets et autres bruitages qui trouveront ici naturellement leur place. En fait, c'est même beaucoup mieux que ça : avec ce disque, ils ont trouvé le format idéal pour laisser vraiment exploser leur créativité et nous pondent tout simplement un classique de très haute volée. Pourtant, l'histoire racontée n'a rien d'extraordinaire, surfant sur des clichés issus des films "inquiets" des décennies précédentes (une histoire de junkie recruté par une mystérieuse société révolutionnaire pour assassiner à tour de bras, qui s'amourache d'une ancienne prostituée, le tout finissant évidemment fort mal). Mais ça n'a pas grande importance car la musique, elle, est vraiment excellente de bout en bout, très mélodique, souvent dépressive (pas surprenant), parfois colorée de teintes progressives (la longue Suite sister Mary) et de touches orchestrales, et surtout vraiment inspirée. Pas vraiment de tube absolu se détachant du reste (quoique The Mission soit quand même vraiment fabuleuse), mais une suite homogène de titres tous réussis (le seul raté à mon sens est My empty room), portés par le chant habité de Tate et des ambiances travaillées, qu'on écoute d'un bloc sans jamais décrocher (vraiment pas le genre d'album à écouter en tranches). Un chef-d'oeuvre ? Pour moi oui.
  
  
• Queensrÿche - Empire (1990) ☆
  
  Me voilà devant le cas de figure assez rare d'un album qui m'énerve tellement que je suis incapable de le noter objectivement. Alors tant pis, je le descends en flamme même s'il ne le mérite probablement pas. Mais tout de même, quelle douche froide : après un Operation : Mindcrime ambitieux et génial, il faut croire que l'un des membres du groupe a eu l'idée saugrenue de proposer aux autres "ben tiens, maintenant, si on enchaînait avec une bouse bien commerciale ?" et surtout que les autres ont suivi. S'il y avait déjà en fond quelques relents de rock FM dans le disque précédent, là ce ne sont pas des relents, c'est permanent : claviers ridicules (les pouet pouet à la fin de The Thin line), choeurs d'une insupportable niaiserie (sur le refrain de Resistance par exemple), passages parlés à côté de la plaque, et tempos retenus et ambiance cool en permanence (le minable Della Brown en est un "bon" exemple), on a l'impression d'écouter une bande-son de jeu video du type GTA et pas un véritable album. Même si tout n'est pas aussi mauvais que je ne le laisse entendre, on a vraiment complètement quitté la sphère metal pour quelque chose qui ne m'intéresse tout bonnement pas du tout. Il ne reste plus qu'à espérer que la suite de la discographie repartira sur quelque chose de moins paresseux.
  
  
• Queensrÿche : Promised Land (1994) non noté
  
  Quatre ans ont passé depuis la sortie d'Empire, une durée relativement longue qui indique peut-être une remise en question de la part du groupe par rapport à ce qu'ils ont proposé dans leur album précédent ? En fait, pas vraiment (et c'est assez normal dans la mesure où ledit album avait été loin d'être un échec commercial), Queensrÿche confirme ici qu'il est parti dans des directions vraiment différentes de ce qu'il faisait initialement, et surtout des directions qui vont me faire arrêter les chroniques régulières le concernant (d'où le fait que je ne donne déjà pas de note pour ce disque-ci). Notons quand même une ambition retrouvée et pas mal d'expérimentations dans cet album, qui tournent parfois au bizarre franchement foireux (Disconnected, par exemple, ça ne ressemble vraiment pas à grand chose), mais débouchent parfois sur des choses au style très éclectique pas désagréables (I am I). Et puis le disque comporte aussi une ballade avec piano et un peu de fond de violoncelle (Lady Jane) que je trouve même vraiment réussie. Un album qui peut probablement convaincre les auditeurs amateurs de rock au sens large qui ne sont pas allergiques aux mélanges pas totalement naturels (la présence du saxo sur la chanson titre par exemple...).
  
  
• Queensrÿche - Operation : Mindcrime II (2006) ★
  
  Alors que le groupe est englué dans une série d'albums médiocres et pas loin de se déliter complètement, il prend en 2006, soit 18 ans après le premier opus, la décision courageuse de proposer une suite à son chef-d'oeuvre de 1988. Courageuse ou suicidaire ? En tout cas, Queensrÿche semble y mettre toute la bonne volonté dont il est capable : le scenario est dans la continuité directe du premier volet (et se déroule d'ailleurs 18 ans après !), les ambiances sont assez proches et on a même droit de temps à autre à des allusions musicales assez directes (les choeurs à la fin de If I could change it all qui font écho à ceux de Suite sister Mary). On a même embauché Dio pour donner un peu de classe à l'ensemble (bon, il n'a pas grand chose à faire, mais le duo de The Chase est l'un des bons moments du disque). Et alors, du coup, ça fonctionne ? Eh bien non, pas du tout, les similitudes ne font que forcer à la comparaison, et ce deuxième Operation : Mindcrime est tout simplement à des années-lumière de son prédécesseur en termes d'inspiration. Quelques chansons correctes (surtout vers la fin, A Junkie's blues par exemple) sans être exceptionnelles, et un long enchaînement de titres très moyens, qui noient sous les effets orchestraux leur manque de panache. Bien sûr, l'album paye un peu le fait d'être la suite d'un chef-d'oeuvre, mais si on a le malheur d'écouter les deux volets à la suite, la médiocrité de celui-ci fait vraiment mal aux oreilles.
  
  
• Queensrÿche - Queensrÿche (2013) ★ ★ ½
  
  Après de bien trop longues années passées à aligner les disques décevants, Queensrÿche s'est enfin décidé à se séparer de son chanteur certes charismatique mais devenu bien trop envahissant, et propose pour fêter cela un album éponyme qui joue manifestement la carte de la sobriété (pochette, durée limitée à moins de 40 minutes). Ok, mais va-t-on simplement avoir droit à la même soupe avec un chanteur différent ? À l'écoute, on a plutôt l'impression curieuse d'entendre une musique différente avec le même chanteur ! En effet, le nouveau venu imite de façon assez saisissante le style de Tate (ce qui n'est quand même pas donné à tout le monde), alors que les musiciens, manifestement libérés par ce changement de cap, osent beaucoup plus que dans les albums précédents. On a même l'impression, le temps de deux titres prometteurs (Where dreams go die et Spore, qui ouvrent l'album après une intro pas vraiment marquante), de retrouver le groupe ambitieux, capable de produire une musique mélodique et sophistiquée, qu'on avait quitté il y a 25 ans (seul bémol, le son de batterie vraiment moche). Ces promesses ne sont hélas pas totalement tenues, le recours à des orchestrations inutiles (sur A World without notamment) et quelques titres vraiment trop légers ou lorgnant encore vers la pop (les voix traquées de Redemption) noircissant le tableau. Mais on va quand même redonner une chance au groupe pour les bonnes intentions qu'il manifeste ici.
  
  
• Queensrÿche - Condition Hüman (2015) ★ ½
  
  Leur album précédent (le premier avec leur nouveau chanteur) m'avait laissé espérer qu'une nouvelle ère intéressante pouvait s'ouvrir pour Queensrÿche, cette nouvelle tentative semble hélas refermer la porte. Non pas d'ailleurs que ce soit fondamentalement mauvais, mais on revient assez clairement à quelque chose de beaucoup moins heavy, très sophistiqué mais au fond pas très profond, et qui m'ennuie assez rapidement. Seul All there was bouge un peu plus, le reste du temps on est en permanence englué dans du mid tempo (voire pire) plutôt bien ficelé mais qui manque quand même cruellement d'accroche, il ne passe jamais rien de vraiment passionnant (un solo comme celui de Selfish lives, à part faire plaisir au guitariste, il sert à quoi ?), aucune mélodie mémorable, bref un album pas désagréable en fond mais dont je ne retiens absolument rien après plusieurs écoutes. Bon, tant pis, Queensrÿche restera pour moi le groupe d'un chef-d'oeuvre, précédé de deux bons albums, et suivi de beaucoup de déceptions.
  
  
  
  
• Rammstein - Herzeleid (1995) ★ ★ ★ ★
  
  Qu'on aime ou pas Rammstein (et il y a certes de bonnes raisons de ne pas les aimer), le groupe a su, à défaut d'en être l'inventeur, populariser à un niveau assez inattendu un nouveau type de metal, et surtout un nouveau type de son, qui fera ensuite bien des émules. Industriel ? Si on veut, plutôt du metal basiquement lourd croisé avec des sons électro-technoïdes (de ce point de vue, le terme "Tanz Metal" souvent utilisé par les membres du groupe eux-même est plutôt mieux vu), et en tout cas reconnaissable des les premières de ce premier disque. Avec Wollt ihr das Bett in Flammen sehen, on est même plongés immédiatement dans une caricature totale de ce que les allemands vont mettre en place (mais ils jouent de toute façon en permanence de cette image caricaturale, notamment via leurs provocations faciles probablement un peu trop systématiques) : motif de quatre notes tellement basique qu'il pourrait être joué par un débutant complet au synthé kitschouille, rapidement repris à l'identique par des guitares bien musclées, chant "germanique" quasi parlé de Lindemann (ou du moins, là aussi, l'image caricaturale qu'on peut s'en faire, avec ce côté guttural accentué à l'excès et les r roulés en permanence), on répète ça en boucle pendant cinq minutes et ... ça marche. C'est ça qui est fort dans cet album : musicalement c'est objectivement très très limité, mais ça réussit quand même à instaurer un climat prenant qui fonctionne à merveille. Bon, pas sur toutes les pistes non plus (on note quand même la volonté de varier un peu avec la curieuse ballade Seemann, pas totalement réussie mais qui offre quand même une rupture bienvenue), mais Asche zu Asche, Du Riechst so gut ou Laichzeit, personnellement, je ne résiste pas. Peut-être aussi le fait que j'ai découvert le groupe il y a fort longtemps voile-t-il un peu mon jugement, mais au sein de ce que je connais déjà bien de la discographie du groupe (en gros les cinq premiers albums), celui-ci reste un de mes préférés (il faut bien avouer qu'ensuite ils reprendront beaucoup la même formule, en mieux exécuté et produit, mais sans la spontanéité du premier jet).
  
  
• Rammstein - Sehnsucht (1997) ★ ★ ½
  
  Après un premier album particulièrement efficace, Rammstein tombe dès ce deuxième essai dans le travers dénoncé à la fin de ma chronique précédente : refaire la même chose en mieux produit, et pourtant au final moins convaincant. Il n'y aucun doute, le groupe a eu nettement plus de moyens à disposition, notamment au niveau des claviers : au lieu des micro-mélodies jouées au synthé un peu cheap, on a désormais une avalanche de bruitages et autres samples électroniques très variés sur toutes les pistes. Mais voila, la qualité des sons ne fait pas tout, et là où les bzoui-bzoui de Herzeleid formaient un contrepoint bienvenu qui mettait vraiment en valeur les riffs de mammouth des guitares, on a désormais un trop-plein d'électronique qui parasite le discours (la seule exception notable étant probablement les violons synthétiques de la perturbante Spiel mit mir, assez intéressants), alors même que le côté dansant du metal produit par les allemands semble avoir été mis de côté (seule Eifersucht va chercher de ce côté), et surtout que les riffs eux-même sont dans l'ensemble beaucoup moins percutants que sur leur premier disque, à l'exception d'un Du Hast qui surnage nettement au-dessus du reste. Dommage, car il reste quand même ce son inimitable, cette ambiance si particulière qui suffisent à rendre le disque largement écoutable, même s'il marque nettement moins que son prédécesseur.
  
  
• Rammstein - Mutter (2001) ★ ★ ★ ★ ½
  
  Après un deuxième essai frustrant, Rammstein trouve définitivement sa carburation avec ce Mutter, qui le placera pour quelque temps au sommet des groupes de metal populaires, et déclenchera donc (forcément ?) des remous chez les fans du groupe, certains l'accusant de s'abaisser à produire de la musique trop commerciale. Accusation qui n'a pas beaucoup de sens, dans la mesure où le groupe a dès le départ assumé les structures très simples de ses chansons et un côté mélodique assez affirmé (même s'il est certes poussé un cran plus loin dans ce troisième album). Oui, le son est désormais beaucoup moins brut que sur Herzeleid (mais toujours aussi reconnaissable et sacrément impressionnant), et les claviers sont définitivement passés en mode symphonique avec notamment l'intervention de violons sur une grande majorité des pistes. On pourra trouver ça trop sucré pour du Rammstein, mais quand c'est aussi bien utilisé que sur le tonitruant Mein Herz brennt qui ouvre le disque (quel parpaing dans la tronche une fois de plus, personnellement je ne peux pas résister), ou dans un tout autre registre sur un Mutter qui réussit enfin admirablement le plan "ballade mélancolique" déjà recherché avec Seemann puis Klavier sur leurs deux premiers opus, on ne peut que s'incliner. On retrouve par ailleurs les bruitages électro caractéristiques, les refrains hyper efficaces et les riffs en béton armé. Probablement un peu trop calibré et prévisible (que des chansons assez courtes, les rythmiques martiales parfois répétitives), mais tellement bien fichu que ça reste un incontournable de la discographie du groupe.
  
  
• Rammstein - Reise, reise (2008) ★ ★ ★ ★ ★
  
  Avec ce quatrième album, le groupe continue dans la droite ligne du précédent (et même un peu plus, c'est sûrement l'album le plus mélodique et accessible du groupe), mais en ajoutant une bonne dose d'humour qui le place à mon sens encore au-dessus de Mutter (ben oui, cinq étoiles pour Rammstein, hop, c'est fait). Alors bien sûr c'est de l'humour (volontairement) pas subtil, mais la doublette Amerika (pour les paroles pour une fois) et surtout Moskau restera toujours irrésistible pour moi (et pourtant ce délire avec choeurs féminins n'a probablement pas vraiment sa place ici, ni sur aucun autre album de metal d'ailleurs, mais j'adore quand même). Le reste est extrêmement solide, que ce soit dans le registre classiquement provocateur cher au groupe (Mein Teil), ou dans celui de la ballade émotionnelle qui prend de plus en plus de place dans le répertoire rammsteinien (Ohne dich). Quelques touches d'originalité bienvenues (l'accordéon à la fin de la chanson titre), et le tout suffit à prouver qu'un album "facile" peut très bien être une grande réussite. D'ailleurs (hélas), le groupe, en gardant pourtant une recette similaire, n'arrivera plus à produire quoi que ce soit du niveau de ce Reise, reise, ni même un album lui arrivant à la cheville d'ailleurs.
  
  
• Rammstein - Rosenrot (2005) ★ ★
  
  Il arrive régulièrement, lorsqu'un groupe tente de renouveler un peu trop brutalement, qu'on pense d'un album "Ils ont voulu faire autre chose, mais ils se sont plantés". Avec ce Rosenrot, Rammstein réussit un autre genre de plantage "Ils ont voulu faire la même chose, mais ils se sont plantés". Sorti un an seulement après l'excellent Reise, Reise, ce nouveau disque en est un copier-coller beaucoup trop manifeste (plusieurs pistes sont d'ailleurs des chutes de studio qui n'avaient pas été retenus pour l'album précédent), mais en beaucoup moins inspiré. On retrouve ce côté très mélodique et limite commercial, encore plus assumé (le duo avec la chanteuse de Texas, faut pas pousser, ça n'a vraiment rien à faire là), un certain nombre de pistes lentes qui jouent la carte de l'émotion (probablement les meilleurs du disque, un Wo bist du ? reste réussi, la conclusion Ein Lied est également et simplement belle), quelques titres qui gardent une accroche plus bourrine mais peinent à franchement impressionner (Hilf mit mir sort quand même de ce lot), et une piste gag où on se rend finalement compte que la frontière entre délire jouissif (le Moskau de l'album précédent) et bouse grossière (ce Te quieto puta) est bien ténue. Du coup, sans être franchement mauvais, le disque déçoit et constitue le premier réel faux pas du groupe, qu'on peut à ce moment-là mettre sur le coup d'un excès de précipitation.
  
  
• Rammstein - Liebe ist für alle da (2009) ★ ★
  
  Après un Rosenrot franchement pas terrible, on était en droit d'attendre des allemands une réaction, malgré les dissensions internes qui minent le groupe depuis plusieurs années. Bon point a priori, ils sont revenus à leurs habitudes pour cet album, à savoir plusieurs années de maturation, mais surtout un retour à un son plus massif que sur les opus précédents, sans revenir toutefois à l'indus des origines du groupe (définitivement remplacé par des sonorités plus synthétiques que réellement électro, avec utilisation un peu trop facile de bouts d'orchestration dispensables). Et pourtant, même si l'album fait preuve d'un savoir-faire indéniable, il peine à convaincre totalement. On a en fait la toujours pénible impression que Rammstein s'est contenté d'aligner une suite de titres bien calibrés, totalement dans l'esprit du groupe, mais sans prise de risque, et a fait dans tous les domaines une copie carbone un peu pâle de ce qu'il avait produit dans ses meilleurs albums. Titres musclés qui n'arrivent pas vraiment à enclencher le turbo (l'ouverture Rammlied essaie de pimenter la chose avec ses choeurs surprenants, mais ça ne suffit pas), ballades vraiment pas très inspirées (Frühling in Paris, ok c'est rigolo pour un francophone mais on ne peut pas dire que ça vous remue beaucoup), même la provocation facile de Pussy est un gros pétard mouillé qui n'arrive pas plus à agacer qu'à enthousiasmer. Un album qui s'écoute très agréablement comme musique de fond mais qui manque trop d'approfondissement pour un groupe qui a fait tellement plus fort auparavant.
  
  
• Rammstein - Rammstein (2019) ★ ★ ½
  
  Après pas moins de dix ans de silence (enfin, façon de parler, puisque le groupe a toujours continuer à tourner), et alors que plus personne n'y croyait trop, voila que Rammstein ressort un album, que la rumeur ne tardera pas à qualifier d'adieu de la part du groupe (à tort, puisqu'un huitième a été publié depuis). Après une grosse baisse de régime sur les deux opus précédents, ce disque sans titre à la pochette particulièrement minimaliste commence bien, en laissant définitivement tomber les titres bourrins (seul Tattoo en fin d'album propose un riff rappelant les premières heures du groupe) et en remettant très clairement les claviers au premier plan. On a même droit à des sonorités assez désuètes sur Radio (justifiées par le thème de la chanson, sympathique malgré son refrain un peu agaçant) et à une louche de disco sur le très bon Ausländer (on retrouve un côté décalé réussi, ça fait plaisir). Mais la piste la plus marquante est probablement Puppe, glauque et dérangeante comme aux plus belles heures de Rammstein, avec un Lindemann qui éructe comme un possédé, c'est assez impressionnant. Mais hélas, après un demi-album vraiment convaincant, les dernières pistes retombent dans une sorte de routine molle sans grand intérêt (la ballade Diamant, qu'est-ce que c'est poussif...). L'ensemble reste le meilleur album proposé par le groupe depuis le sommet Reise, Reise, mais on n'arrive pas à monter au-dessus d'un album bilan honorable.
  
  
• Rammstein - Zeit (2022) ★ ★ ★ ½
  
  L'album éponyme de 2019 n'était donc pas le dernier, le groupe revient cette année avec une nouvelle livraison (même si le titre de la chason conclusive, Adieu, risque fort de relancer la machine à rumeurs). Et ils ont bien fait, car ils proposent là leur meilleur album depuis bien longtemps. Au lieu d'essayer de revenir sans y parvenir aux parpaings industriels de leurs débuts, ils choisissent ici consciemment une ambiance générale nettement plus posée, mais surtout assez dépressive, qui leur réussit finalement assez bien. L'album débute d'ailleurs avec deux titres au tempo très retenu (Armee der Tristen, dont on se doute que ça ne va pas être très joyeux, et l'encore plus étonnante chanson-titre après son piano assez minimaliste, un registre vraiment inattendu pour Rammstein), un contre-pied qui fonctionne très bien. On aura certes droit par la suite à des choses plus classiques pour le groupe (les titres humoristiques à tendance lourde comme Zick zack et Dicke Titten ne sont pas les plus géniaux du disque, mais dans un genre proche, j'aime beaucoup OK), et aussi à quelques moments faibles (Schwartz, Lügen et ses effets dispensables), mais les trois quarts d'heure de musique passent sans qu'on s'en rende compte. Pour le coup, s'ils en restent là, les allemands auront tiré leur révérence sur une bonne note.
  
  
  
  
• RATM - Rage against the machine (1992) ★ ★ ★ ★ ★
  
  Je l'avoue volontiers, parmi les albums "que tout le monde a déjà écoutés", celui-ci ne me tentait a priori pas le moins du monde. Le mélange metal-rap, très peu pour moi (le rap étant l'un des domaines musicaux avec lequel je n'ai vraiment aucune attache), et la revendication politique me passe par-dessus les oreilles quand j'écoute de la musique. Autant dire qu'il m'a quand même mis une baffe assez monumentale pour que je lui accorde a posteriori la note maximale. De fait, c'est bien une baffe qu'on prend en pleine poire avec l'enchaînement des deux premiers titres, Bombtrack et Killing in the name, qui ont bien mérité leur statut de tubes incontournables : violent, puissant, pas besoin de vraiment faire attention à ce qui est chanté pour la sentir, la "rage" des musiciens, et ça fonctionne remarquablement. D'ailleurs, le reste de l'album réussit à maintenir un niveau assez impressionnant : mélange des genres vraiment réussi (je suis moins fan des plages plus déclamatoires comme Settle for nothing, mais il y a toujours quelque chose de musicalement intéressant malgré tout qui fait dresser l'oreille), trouvailles qui relancent constamment l'intérêt (les sonorités étranges de Bullet in the head, le petit passage choral de Know your enemy), et en plus une qualité sonore exceptionnelle pour un premier album. Bref, un album d'une maturité et d'une efficacité impressionnantes, susceptible de convaincre même les plus rétifs au genre comme moi.
  
  
• RATM - Evil empire (1996) ★
  
  Après le choc que m'avait procuré le premier album du groupe, je devais forcément attendre beaucoup du deuxième, probablement trop. La déception aura donc été à la hauteur de cette attente, car cette fois-ci je n'accroche pas du tout. En fait, je trouve là les défauts que je craignais avant de découvrir l'album précédent, avec une musique qui tire nettement plus vers le rap (même le chant est nettement plus clairement orienté rap, ça braille moins que dans l'album éponyme), mais aussi tout de même des accompagnements beaucoup plus basiques et répétitifs, moins variés et percutants, en un mot nettement moins inspirés. Sur le fond, les deux albums ne sont pourtant pas si éloignés que ça, mais j'ai l'impression d'entendre "le même en plus rap et en moins bien" et ça suffit à me le rendre très nettement moins agréable à écouter (je suis quand même moi-même surpris de l'écart d'appréciation que je ressens entre les deux). On verra si leur troisième album me remet la pêche ou pas.
  
  
• RATM - The Battle of Los Angeles (1999) ★ ★ ½
  
  Face au dernier album du groupe, je me sens un peu comme je l'étais parfois au moment de décider ou non d'aller voir au ciné le troisième volet d'une série où le film inaugural avait été un énorme choc, et la suite une tout aussi grande déception. Nos rappeurs métalleux allaient-ils remonter la barre, ou bien devrais-me contenter de me remettre encore leur premier album dans les oreilles pour oublier aussi celui-là ? Eh bien, un peu entre les deux, on retrouve ici sur certains titres une véritable inspiration et une efficacité indéniable (les intros de Calm like a bomb ou de Ashes in the fall font tendre l'oreille), et la variété des sons produits à la guitare est à nouveau impressionnante, mais on reste quand même assez loin du compte car on ne retrouve par contre toujours pas les "coups de poing dans la gueule" du premier album, et il y a encore trop de titres bouche-trou répétitif et trop axés rap pour moi (Born as ghosts, New millenium homes). Clairement, cet album ne m'aurait pas suffi à vraiment considérer le groupe comme une découverte majeure, même si je l'écoute nettement plus facilement que le précédent.
  
  
  
  
• Rhapsody - Legendary tales (1997) ★ ★ ★ ½
  
  Vous l'attendiez tous avec impatience depuis des mois, il est enfin temps que je consacre quelques semaines à éplucher la discographie de Rhapsody (oui, ça prendra du temps, car l'historique du groupe est un peu compliquée depuis quelques années), mythique groupe de metal symphonique qui laisse rarement indifférent. Il faut dire que la force de Rhapsody (ou ses limites, selon le point de vue), c'est le côté complètement premier degré de leur entreprise, là où beaucoup auraient joué la carte de la parodie. Ils ont donc mis au goût du jour à la fin des années 90 (ils seront copiés par une quantité invraisemblable de groupes ensuite, notamment du côté de la Finlande, même si eux-même sont italiens) un nouveau genre de metal qu'ils ont eux-même baptisé "Hollywood metal", ce qui est pour le moins révélateur. Univers fantasy hyper balisé (les cinq premiers albums du groupe racontent l'histoire du chevalier de Glace parti tataner les vilains et sauver les princesses, il vaut mieux ne pas trop faire gaffe aux textes si on ne veut pas être affligé par la quantité de clichés niais débités au mètre carré), alternance de titres speed épiques (avec grand renfort de choeurs, de claviers mais aussi de vrais instruments classiques, violon et flûtes en tête) et de ballades hyper mielleuses, avec un soupçon de folk par moments, et des influences qui mêlent musique classique (sur ce premier album, on a du clavecin, des choeurs bien orffiens, mais aussi une citation des Danses slaves de Dvorak assez incongrue) et musique de film (sans surprise, on peut penser par exemple à celle de Conan le barbare...). Tout ça sent le carton-pâte à plein nez, mais c'est complètement assumé, et assez irrésistible car les gugusses ont du talent à revendre. Bon, ce premier essai souffre quand même d'un équilibre précaire et de compositions parfois très bizarrement construites (Rage of the winter ou Flames of revenge, ça fait plus juxtaposition d'idées plus ou moins sympa qu'autre chose), et surtout de passages vraiment ratés (le break folk de Forest of unicorns tombe complètement dans la ridicule). Mais ça reste un premier album assez fascinant, tant tous les éléments constitutifs de l'univers rhapsodiesque sont présents et dans l'ensemble maîtrisés : intro monumentale qui débouche sur un titre speed imparable (Warrior of ice, mais dans le genre speed, Land of immortals et Lord of the thunder déboîtent bien aussi), instrumental médiéval en cours de route (Virgin skies), belle utilisation du piano et du clavecin, et une longue dernière piste narrativo-épique qui deviendra une marque de fabrique sur les albums suivants, les fans se régaleront déjà, et les autres détesteront déjà !
  
  
• Rhapsody - Symphony of Enchanted Lands (1998) ★ ★ ★ ★ ★
  
  Un an après un premier opus remarqué, Rhapsody enfonce violemment le clou en proposant l'un des albums incontournables du genre qu'il a contribué à ressusciter. C'est très simple, on a ici droit à un Legendary tales puissance mille. Le principe reste le même, une sorte de BO imaginaire d'un film d'heroic fantasy bien carton-pâte (ici, le héros part à la recherche des trois clés de la sagesse qui lui donneront accès à la légendaire épée d'émeraude, aidé en cela d'un fier dragon auquel il a laissé la vie sauve et qui devient son fidèle allié, le sauvant plusieurs fois d'une mort certaine avant de succomber lui-même à ses blessures à la fin de l'épopée, on se demande vraiment comment ils ont fait pour créer une histoire aussi originale !), dopée par un orchestre et des choeurs toujours plus présents (la star du disque est clairement l'orchestre beaucoup plus que le groupe de metal qui joue avec, c'est d'ailleurs le plus symphonique des cinq disques constituant la première saga illustrée par Rhapsody). Mais alors que leur premier album était encore un peu bancal, celui-ci emporte tout sur son passage, alignant les titres speed épiques imparables avec un naturel confondant (Emerald sword, Beyond the gates of infinity), usant des flûtes et du clavecin avec justesse (bon, ok, la ballade Wings of destiny risque de ne pas passer pour ceux qui n'aiment pas le supplément de crème), et arrivant même à insérer bruitages grotesques (pépiements d'oiseaux, cavalcades) et autres passages narrés (ah, les "mighty warriors" chers à Rhapsody !) sans que ça ne tombe dans le n'importe quoi (bon, ça reste évidemment très subjectif comme affirmation, mais l'album dans son ensemble tient vraiment incroyablement bien la route si on rentre dans le trip, il n'y a vraiment aucun titre qui sonne faux). Les amateurs de musique baroque apprécieront (ou pas) The Dark tower of abyss et son côté "Vivaldi revu à la mode metal", et le motif épique qui conclut la très longue piste éponyme finale conclut de façon inoubliable un disque que j'ai du écouter quelques centaines de fois (j'exagère à peine) en 20 ans, sans jamais m'en lasser.
  
  
• Rhapsody - Dawn of victory (2000) ★ ★ ★ ★ ½
  
  Après un Symphony of Enchanted Lands qui semblait être une référence quasiment insurpassable (et qui, de fait, n'a probablement jamais été surpassée dans ce genre), le troisième album de Rhapsody pouvait difficilement faire autre chose que décevoir ses fans de plus en plus nombreux. C'est (un tout petit peu) le cas, mais les italiens ont été assez malins pour ne pas donner dans la surenchère symphonique, orientant beaucoup plus nettement leur nouvelle proposition du côté d'un heavy metal certes encore largement agrémenté de touches symphoniques (on a toujours droit à quelques touches de clavecins et autres flûtes aussi), mais beaucoup plus direct, avec des guitares qui reprennent clairement le dessus sur l'orchestre (il faut dire aussi que le tournant pris par l'histoire le justifie, on est dans l'épisode médian de la série, donc comme il se doit celui où le côté obscur semble prendre le dessus de façon irréversible, et comme d'habitude on a fait dans la subtilité côté textes, avec mort brutale de moult héros et autres atrocités). Cette tendance atteint même son paroxysme dans un Holy thunderforce où le groupe se fait manifestement plaisir, Fabio Lione forçant même pas mal côté vocal. Le reste du temps, on reste sur une majorité de titres speed très mélodiques, avec une intro symphonique spectaculaire mais pas de vraie ballade cette fois-ci (à la place, on a un Village of dwarves en mode gigue revue à la sauce Rhapsody et un Trolls in the dark instrumental nettement plus intéressant que le premier cité à mon sens), et une dernière piste de plus de dix minutes épico-narrative (même si les interventions parlées sont réduites au strict minimum sur ce disque). Et le moins qu'on puisse dire, c'est que Rhapsody maîtrise sacrément bien son sujet, les mélodies sont imparables, les interventions du choeur font mouche à chaque fois, pas un seul titre faible dans le lot, c'est de la très belle ouvrage. En fait, le seul petit défaut de cet album, c'est d'arriver juste après un chef-d'oeuvre dont il n'arrive pas à égaler le côté magique. C'est "seulement" un excellent album, qui prend probablement moins de risques, mais d'une efficacité absolument redoutable.
  
  
• Rhapsody - Rain of a thousand flames (2001) pas de note
  
  Une fois n'est pas coutume, je vais dire quelques mots d'un album sorti sous le format EP (mais pas de note, pour les raisons expliquées ci-dessous : il n'y a en fait pas assez de Rhapsody là-dedans à juger). Un EP certes, mais quand même 42 minutes de musique, et un nouvel épisode de la saga de l'épée d'émeraude (comme le titre peut le laisser penser, il s'agit ici essentiellement de raconter les massacres perpétrés par Gros Méchant qui a récupéré l'épée que le gentil s'était pourtant cassé le cul à chercher pendant tout un CD). Pourtant, le format se comprend dans la mesure où il y a en fait très peu de contenu réellement composé par Rhapsody dans le disque, puisque les deux morceaux de bravoure sont des adaptations d'oeuvres préexistentes. Au niveau du contenu original pour commencer, on a la chanson-titre qui nous propose du speed plus brutal qu'à l'accoutumée, pas mal mais ça force un peu par moments (notamment au niveau du chant), deux titres instrumentaux très dispensables (un machin folk sans intérêt et un autre avec du piano sirupeux), et surtout une piste quasiment exclusivement constituée d'une narration en mode "j'en fais des tonnes" franchement ridicule (Tears of a dying angel). Pour la première fois, hélas, Rhapsody tombe dans le piège de l'auto-parodie qu'ils avaient jusque-là parfaitement su éviter. Les amateurs de classique auront d'ailleurs probablement le même avis sur la piste finale, The Wizard's last rhyme, qui reprend le dernier mouvement de la Symphonie du nouveau monde à la mode Rhapsody, ce n'est pas si mal fichu mais bon, l'intro au clavier ça ne peut pas éviter un côté nanar. L'autre adaptation (ce ne sont pas des reprises à proprement parler, le groupe se base entièrement sur le matériau mélodique d'origine mais en fait une revisite dans son style si particulier) est plus intéressante, il s'agit de la musique composée par les Goblins (groupe italien surtout connu pour ses collaborations avec Dario Argento) pour Phenomena (n'allez surtout pas regarder le film, Argento dans les années 80 c'est vraiment pitoyable, par contre la BO qui utilise aussi du Maiden pour les scènes de meurtres est assez énorme). Le titre, long tout de même de 13 minutes, est vraiment bon, mais on ne peut s'empêcher de penser que c'est surtout grâce aux qualités de la composition originale, les ajouts de Rhapsody consistant surtout en adjonctions de parties orchestrales et chorales bien peu subtiles. Finalement, vous l'aurez compris, voila un disque qui n'ajoute pas vraiment une ligne essentielle au CV du groupe, même si ça reste tout à fait sympathique à écouter à la suite des précédents.
  
  
• Rhapsody - Power of the dragonflame (2002) ★ ★ ★ ½
  
  Après un EP un peu trop bouche-trou, voici venir le quatrième véritable album de Rhapsody, et on est en droit d'attendre un beau feu d'artifice puisqu'il s'agit tout simplement de la conclusion de la saga de l'épée d'émeraude ! Dans cet épisode final, à la surprise générale, le héros triomphe au dernier moment, quand Dark Vador, pardon Dargor, le bras droit du gros méchant, se rend compte in extremis que le Mal c'est mal et se retourne contre son boss. Hum, passons donc sur le scenario toujours aussi recherché, niveau musique ça donne quoi ? Du symphonique magique façon Symphony of Enchanted Lands ou du heavy ultra efficace à la Dawn of victory ? Eh bien, le nouveau venu mélange plus ou moins les deux styles, hélas sans égaler ses deux prédécesseurs. Il faut bien avouer que, sur cet album, Rhapsody commence à s'essouffler et ça s'entend, notamment quand Knightrider of doom démarre sur un riff qui est à peine une variation de celui de Emerald sword. En fait, tous les titres de l'album sont bons mais sentent un peu le réchauffé, et les efforts du groupe pour tenter de le cacher à coups d'innovations hasardeuses ne fonctionnent que rarement : When demons awake est excellent instrumentalement, mais Lione qui essaye d'éructer façon metal extrême c'est mauvais; la ballade Lamento eroico chantée en italien pèse quelques gigatonnes (les choeurs lyriques...); et les 19 minutes du Gargoyles final ne se justifient pas du tout, l'intro à la guitare sèche hispanisante est à côté de la plaque et la deuxième moitié s'éternise en sections inutiles (un solo technique sans âme, des interruptions de chanteurs lyriques déplacées, et un petit bout de narration grand-guignolesque), comme s'ils avaient absolument voulu battre leur record de longueur juste parce que c'est le disque final de la saga et qu'il faut bien marquer le coup. Bref, à trop vouloir en faire, le groupe a un peu raté sa sortie. Et pourtant le disque reste très écoutable, et même au-dessus d'une grosse proportion de productions du genre. Mais venant d'un groupe qui a mis aussi vite la barre aussi haut, on est forcément un peu plus exigeants !
  
  
• Rhapsody - Symphony of Enchanted Lands II - The Dark Secret (2006) ★ ★ ★ ★
  
  Après l'achèvement de leur brillante première saga d'heroic fantasy, la rumeur est allé bon train pour essayer de deviner ce que Rhapsody allait bien pouvoir trouver comme nouvelle source d'inspiration pour la suite de leurs aventures. Autant dire que la déception fût grande quand ils ont décidé... de raconter la suite de la sage de l'épée d'émeraude, avec un premier épisode qui reprend carrément le titre de leur album le plus mythique. Euh, attendez deux secondes, comment dit-on "foutage de gueule" en italien déjà ? Bon, pour compenser, ils ont mis en oeuvre une débauche de moyens révélatrice du statut acquis en quelques années : orchestre symphonique et choeur au complet (jusque-là ils n'avaient jamais disposé de plus que quelques instruments en plus des synthés d'Alex Staropoli), et même Christopher Lee pour assurer les narrations, ça a de la gueule. Mais ne serait-ce pas qu'une façon un peu facile d'amadouer les fans déçus du manque d'ambition du projet ? À l'époque de sa sortie, en tout cas, j'avais rejeté en bloc ce disque, estimant que Rhapsody en faisait cent fois trop pour un contenu musical pas à la hauteur. Je suis en partie revenu sur mon jugement initial. Certes, le groupe en fait des caisses et ça devient parfois pénible : l'orchestre et les choeurs bouffent complètement l'espace disponible (en dehors de quelques solos, les guitares sont quasiment invisibles), les narrations (l'espèce de voix trafiquée de démon, ouille ouille ouille) et surtout les bruitages divers (galopade de cheval et autres bruissements de rivière) sont plus énervants qu'utiles, et les titres les plus longs manquent de cohésion (l'album dans son ensemble est probablement trop long avec 72 minutes au compteur, et on a tellement de citations/allusions à un peu tout et n'importe quoi qu'on a parfois du mal à y retrouver son latin). Mais malgré tout ça, eh bien, je retombe immanquablement sous le charme de la musique proposée par les italiens, qui restent les maîtres pour aligner les titres épiques irrésistibles et mélanger les influences classiques et les touches orchestrales à leur speed généreux. Never forgotten heroes, le début de Erian's mystical rhymes (après la narration !) et une bonne partie de Sacred powers of raging winds, c'est quand même énorme. Du coup, je pardonne même un final un peu plat et surtout des ballades très médiocres (pour le coup, celle en italien, Guardiani del destino, est la moins moisie des trois). Mais la prochaine fois, les gars, même si on sait que ça vous démange terriblement, faites un vrai album de metal et pas une BO de film mal déguisée. Ou alors, à la rigueur, faites une vraie BO, en supprimant les guitares et le chanteur, et en filmant quelques scènes tant qu'à faire. Hum, en fait, vu la qualité des clips produits par Rhapsody à l'époque, c'est sûrement une très très mauvaise idée...
  
  
• Rhapsody of fire - Triumph or agony (2006) ★ ★ ½
  
  Avec ce sixième album commence chez les italiens une assez longue période de soucis judiciaires (qui sera plus ou moins suivie de l'éparpillement du groupe en petits morceaux, autant dire qu'il s'agit vraiment d'un moment charnière marquant pour eux la fin d'une époque dorée). Rien de trop méchant pour eux pour l'instant, ils ont juste du modifier quelque peu le nom du groupe pour lui rajouter un appendice tout de même assez ridicule. Mais ce premier disque de Rhapsody of fire, donc, est surtout pour moi le premier du groupe à susciter autant de doute, si ce n'est plus, que d'enthousiasme. On est certes dans la lignée de l'album précédent, avec un orchestre plus présent que jamais (il y a encore des guitares saturées en fait ?) mais les quelques défauts qui pointaient le bout de leur nez sur The Dark Secret se font ici nettement plus visibles : titres speed qui tournent toujours sur les mêmes recettes (d'ailleurs peu nombreux cette fois-ci), ballade en italien bien creuse, plus généralement un abus de chansons mid tempo qui n'ont vraiment rien à dire (sur The Myth of the holy sword, Lione en fait des tonnes pour essayer de rattraper le coup mais c'est franchement voyant), passages pseudo-folk avec ambiance médiévale vus et revus (Old age of wonders, avec les inévitables flûte et clavecin, c'est vraiment très cucul la praline), et pour couronner le tout une piste épique finale (ou presque, il y a une dernière chanson après), The mystic prophecy of the demonknight, qui enchaîne sur plus d'un quart d'heure les maladresses (rythmique trop répétitive sur la partie "classique", puis surtout quelques passages de dialogues façon "scène de film de fantasy" complètement à côté de la plaque, la volonté de se rapprocher d'une BO de film pousse vraiment les italiens à faire complètement n'importe quoi ici), avant une conclusion grandiloquente avec narration ampoulée qui laisse franchement circonspect sur ce que pourra donner l'album suivant du groupe. En fait, c'est simple, on a souvent l'impression d'entendre un groupe de petits jeunes qui admirent Rhapsody depuis leur plus tendre enfance et qui ont décidé de faire un disque en les copiant, sans en avoir tout à fait le talent. Et de fait, venant d'un groupe débutant, ce disque serait un premier jet assez remarquable, auquel j'aurais mis au-dessus de la moyenne sans hésiter (car il reste tout de même un savoir-faire et une inspiration mélodique certains sur une bonne majorité des pistes). Mais venant après cinq albums quand même très convaincants, on ne peut que constater que Rhapsody est sur la pente descendante sur ce disque. Allez, la moyenne quand même, parce qu'on prend quand même du plaisir (un peu coupable, comme d'habitude) à l'écouter et le réécouter.
  
  
• Rhapsody of Fire - The Frozen tears of angels (2010) ★ ★ ★ ½
  
  Comme les italiens sont particulièrement friands d'originalité au niveau de la construction de leurs albums, la deuxième saga du groupe reprend exactement la structure de la première pour ce qui est de l'enchaînement des disques : quatre vrais albums avec un EP apéritif entre les deux derniers. Et bien sûr, celui-ci qui est le troisième de ce deuxième lot, est celui où tout va mal. En soi, c'est plutôt une bonne nouvelle, ça pourrait donner un coup de fouet musical bienvenu après un album assez mou. Mais en fait de coup de fouet, c'est un gros coup de frein que Rhapsody va subir à la fin des années 2000. Après avoir du changer de nom, c'est leur boîte de production qui leur pose des problèmes, au point d'aller au procès et de rester quatre ans sans sortir de nouveau disque. Vu la productivité habituelle du groupe, et la quantité de concurrents prêts à s'engouffrer dans la brèche, quatre ans c'est une petite éternité. Mais ce silence forcé, et surtout une relative perte de moyens liée au changement de maison de disque (exit le gros orchestre symphonique tchèque), seront finalement un mal pour un bien, dans la mesure où le groupe revient à une formule plus directement centrée sur le speed metal traditionnel (on entend à nouveau les guitares, on a même droit à des bouts de solos fréquents, et les claviers aux sonorités kitsch sont aussi présent que les violons, d'ailleurs tout aussi synthétiques sur cet album). Et même si on tombe un peu dans la facilité (les choeurs sur le refrain de Crystal Moonlight, les narrations de plus en plus dispensables de Christopher Lee, le morceau pseudo-folk médiévale qui semble devenu indispensable pour le groupe), une majorité de morceaux sont réussis (Sea of fate, On the way to Ainor), et l'album contient une improbable tuerie d'un mauvais goût monstrueux (Reign of terror avec ses choeurs lyriques et son déchaînement sans retenue de Lione au chant), comme on n'en avait pas entendues depuis quelques albums de la part de Rhapsody, mine de rien. Si la chanson-titre finale n'était pas aussi moyenne (non, je ne compte pas les deux bonus, dont l'un est d'ailleurs un instrumental d'une laideur sans nom qui n'aurait jamais du être gravé sur disque !), on tiendrait même une très franche réussite. En l'espèce, c'est déjà vraiment pas mal, on remonte à un niveau plus conforme aux standards du groupe.
  
  
• Rhapsody of Fire - The Cold embrace of fears (2010) pas de note
  
  Eh oui, Rhapsody nous a refait le coup : pour faire patienter le chaland entre les deux derniers volumes de sa saga The Dark secret (dont la sortie ne sera pourtant espacée que d'à peine plus d'un an, alors qu'ils sortent de quatre années de silence forcé), un petit album supplémentaire sous forme d'EP, exactement comme pour leur première saga quelques années plus tôt. Mais autant Rain of a thousand flames proposait un contenu réellement original par rapport aux albums qui l'entouraient (pas forcément très convaincant, mais ça c'est une autre histoire), autant le nouveau venu sent très fort l'attrape-pigeon. Pourtant, le groupe italien avait promis un truc énorme, une grande oeuvre symphonique de 35 minutes d'un seul tenant (à peine découpée en quelques chapitres), on allait voir ce qu'on allait voir (l'EP est d'ailleurs sous-titré, avec l'habituel manque de tenue de nos copains italiens, A Dark romantic symphony...). En fait, c'est plutôt "circulez, y a pas grand chose à voir" (en même temps, quand on connaît Rhapsody, on sait que les effets d'annonce sont à prendre avec de grosses pincettes). Il s'agit bel et bien de sept pistes distinctes, dont une bonne partie de remplissage (dialogues complètement surjoués avec quelques passages orchestraux qui débitent les clichés les plus éculés de la musique de film hollywoodienne, même si c'est proprement réalisé), une ballade en italien qu'ils n'ont pas du oser mettre sur le disque précédent, et, quand même, un morceau de bravoure avec un titre de 16 minutes (The Ancient fires of Har-Kuun) varié et dans l'ensemble réussi (celui-ci, pour le coup, il aurait eu sa place sur un "vrai" album de Rhapsody), mais qui n'a rien de plus symphonique que ce que propose habituellement le groupe (ok, on a une intro à l'orchestre synthétique, mais c'est tout). Bref, un contenu pas déshonorant mais tout de même assez maigre, et surtout l'impression tenace que le disque a surtout été fait pour forcer ceux qui suivaient encore les déboires du père Dargor (le héros de la saga en cours, j'ai arrêté de bous bassiner avec le scenario depuis un ou deux albums, je vous rassure, c'est toujours aussi cliché) à débourser quelques euros pour ne pas rater quelques étapes majeures de sa quête (les fameux dialogues font autant avancer le schmilblick que tout un album traditionnel), et ça c'est tout de même assez mesquin...
  
  
• Rhapsody of Fire - From chaos to eternity (2011) ★ ★ ★ ½
  
  À peine quinze ans après l'avoir entamé, mais surtout à peine plus d'un an après être revenus aux affaires après leur imbroglio avec leur maison de disque (avec tout de même un EP et un autre album depuis cette reprise), les italiens de Rhapsody concluent définitivement la saga d'heroic fantasy qui les accompagne depuis leurs débuts, et qui aura marqué l'histoire du genre. Faut-il voir dans cette rapidité (habituelle pour eux ceci dit) un regain d'inspiration et la volonté de conclure sur un feu d'artifice cette épopée ? Probablement pas, puisqu'il filtrera ensuite que les désaccords ayant mené à la rupture des deux principaux compositeurs du groupe, qui interviendra après cet album, était déjà latente au moment de sa composition. Les musiciens étaient donc prosaïquement plutôt pressés de passer à autre chose... Mais, et c'est tout à leur honneur, ils n'en ont pas profité pour bâcler ce dernier disque, qui nous propose une musique tout à fait dans la moyenne de celle de ses prédécesseurs (ce qui pour les premières années de Rhapsody est tout de même signe d'une qualité très élevée !). Pas de grosses surprises même si le groupe tente parfois d'innover un peu (Ghosts of forgotten worlds et son ambiance étrange, titre toutefois trop décousu, et surtout les choeurs très envahissants de I Belong to the stars, que je ne suis pas sûr de vraiment aimer), c'est un disque qui propose un tour d'horizon assez fidèle de ce que Rhapsody sait faire de mieux, en se concentrant sur l'aspect heavy (l'orchestre est discret, comme sur le disque précédent), et on a donc droit à un hymne speed efficace (la chanson-titre qui ouvre le disque, après une intro presque sobre pour du Rhapsody), un titre néoclassique rigolo (Tempesta di fuoco), une chanson "dark" vraiment sympa (Aeons of raging darkness, même si côté vocal ça part un peu dans le décor), et bien sûr à une piste finale épique de 20 minutes parce quand même on est en train de finir notre saga, faut bien qu'on batte notre record hein. Mais ne nous plaignons pas, c'est réussi, et l'idée d'accompagner le passage narratif d'une sorte de récitatif de guitare surprend (dans le bon sens du terme). On n'en dira pas autant de l'extrêmement dispensable ballade en italien Anima perduta, mais on est rassurés : Rhapsody (of Fire) nous quitte donc sur une bonne note, avant de revenir très rapidement sous... deux autres formes dont je parlerai bientôt.
  
  
• Luca Turilli's Rhapsody - Ascending to infinity (2012) ★ ★ ½
  
  Après avoir bouclé leur deuxième saga, les deux têtes pensantes de Rhapsody, Luca Turilli le guitariste et Alex Staropoli le claviériste ont donc décidé de se séparer à l'amiable. Le second cité garde les rênes de Rhapsody of fire (et conserve en gros tous les membres du groupe, en premier lieu le chanteur Fabio Lione), tandis que Turilli s'en va donc fonder... un autre groupe Rhapsody (auquel il colle très simplement et modestement son patronyme), avec le même logo et même pendant un temps le même batteur. Les italiens ne peuvent décidément pas s'empêcher d'être grotesques, mais le bon point (ou pas ?) c'est que ça nous promet une double dose de Rhapsody pour le même prix. Et c'est sans surprise le guitariste qui a tiré le premier. Sans surprise car le sieur Turilli avait déjà pondu auparavant plusieurs albums en solo, qui proposaient une copie conforme de la musique de Rhapsody, avec quelques sonorités plus électroniques, mais surtout en beaucoup moins subtil (j'en vois qui froncent les sourcils, mais je vous assure que c'est largement possible !) et avec un chanteur médiocre. Bonne nouvelle ici, il en a embauché un autre plutôt compétent (ça part un peu plus dans l'aigu qu'avec Lione toutefois, faut aimer). Pour la subtilité par contre, on repassera. Le disque conserve une structure qui rassurera les fans (intro orchestrale suivie d'un titre speed, chanson épique de plus d'un quart d'heure pour conclure l'album), mais débarrassé du carcan heroic fantasy imposé par les albums de Rhapsody (et qui contribuait mine de rien à maintenir une certaine unité stylistique), Turilli se donne le feu vert pour absolument tout et n'importe quoi, sans aucune retenue : orchestrations bien lourdes évidemment, des touches néoclassiques sans surprise, mais aussi quelques inspirations orientales qui déboulent comme un cheveu sur la soupe, des apparitions incongrues de chanteurs lyriques, des sons électroniques, et des moments complètement pop. Le tout pouvant cohabiter au sein d'un même titre, ça devient donc très rapidement bancal (Excalibur par exemple a une construction absolument incompréhensible). Mais si on dénombre une certaine quantité de gros ratages (la voix de l'introduction façon bande-annonce hollywoodienne est risible, la reprise de pop italienne Luna est d'une terrible médiocrité, et le long titre final est tellement confus qu'on s'en lasse avant d'en avoir atteint la fin), ça reste souvent suffisamment bien fichu (surtout point de vue mélodique) pour qu'on prenne un plaisir quand même assez clairement coupable à écouter le tout. Parmi les vraies réussites, la chanson-titre efficace et un Dante's inferno vraiment bon. Parmi les trucs que je ne peux pas défendre mais que je réécoute quand même en cachette, l'inénarrable Tormento e passione, duo lyrique avec intro de piano qui vire à la pop sans crier gare, c'est absolument énorme de mauvais goût ! Ce qui est sûr, c'est que ceux qui ne supportaient déjà pas le Rhapsody des débuts ne risquent pas se réconcilier avec le groupe en écoutant ce genre de disque.
  
  
• Rhapsody of fire - Dark wings of steel (2013) ★ ★
  
  Quelques moins après le disque de son ex-confrère Luca Turilli, c'est donc au tour d'Alex Staropoli (toujours accompagné du reste de la bande, et notamment de Fabio Lione au chant) de sortir son album estampillé Rhapsody. Lui aussi reste d'une certaine manière fidèle à l'ADN du groupe, mais les deux albums reflètent tout de même énormément la personnalité des deux musiciens : là où Turilli en faisait des tonnes niveau orchestrations et visait manifestement à créer le disque le plus spectaculaire possible, Staropoli joue nettement plus sur la sobriété, puisant dans les racines les plus heavy du groupe pour proposer une suite de titres assez homogène, la plupart du temps mid tempo, avec bien sûr une grosse base mélodique, et la présence inévitable de quelques choeurs et touches orchestrales. Et là où son pote pêchait par excès de zèle, c'est sûrement un excès de prudence (matérialisé entre autres par l'abandon complet de la grosse piste épique en fin d'album) qui pourra être reproché au claviériste, qui rend une copie certes propre mais trop gentillette, qui manque justement de la flamme débordante des compositions de Turilli. On démarre pourtant bien avec un Rising from tragic flames efficace (comme le sera d'ailleurs un peu plus loin la chanson titre, les deux titres sont d'ailleurs les plus rapides du disque), mais assez rapidement on s'enlise dans des compositions certes travaillées, mais trop scolaires, peinant à vraiment décoller (surtout sur les titres lents, la ballade My Sacrifice est terriblement laborieuse et s'étire sur plus de 8 minutes). Les orchestrations sont discrètes, les choeurs manquent de puissance, et les tentatives de créer des choses un peu inattendues niveau synthés (notamment un peu de saxo sur les dernières pistes) ne convainc pas totalement. Sans être vraiment mauvais, l'album ne peut que décevoir au regard du reste de la discographie du groupe, n'arrivant pas vraiment à la cheville du moindre album de la grande époque de Rhapsody. À tout prendre, je préfère encore le délire de Turilli à la tiédeur de Staropoli, mais aucun des deux n'a vraiment réussi à reprendre le flambeau Rhapsody de manière à le laisser brûler au sommet de la hiérarchie du speed symphonique.
  
  
• Luca Turilli's Rhapsody - Prometheus - Symphonia ignis divinus (2015) ★
  
  Avec son premier album sous la bannière de "son" Rhapsody, Luca Turilli avait produit un disque pas inintéressant mais vraiment trop boursouflé pour être totalement convaincant. Avec le suivant... eh ben c'est la même chose en cent fois pire. Toute notion de mesure ou de sobriété a définitivement disparu de l'univers musical du guitariste italien, qui annonce d'ailleurs tout à fait sérieusement la couleur en prétendant un changement de style : il ne fait plus du "Hollywood metal" (ce qui était déjà assez révélateur) mais du "cinematic metal"). Sans compter bien sûr le titre et la pochette qui augurent du pire. Le pire, on l'a effectivement assez souvent dans ces compositions tellement noyées sous les choeurs et l'orchestre que le côté metal en devient à peine perceptible, et qui n'hésitent pas à tenter des mélanges pour le moins douteux : chant grégorien-techno-speed héroïque sur Rosenkranz, choucroute égypto-symphonique sur l'hilarant King Solomon and the 72 names of god (à côté, Ketelbey fait de la musique orientalisante tout à fait sérieuse), et comme summum une adaptation du 19ème nocturne de Chopin avec duo lyrique (la qualité de l'original suffit à sauver le morceau du naufrage total, mais le simple fait que personne n'ait empêché Turilli de mettre un tel truc sur son disque montre bien qu'il n'y a plus personne à ses côtés pour freiner ses délires). Bien sûr, il reste quelques belles mélodies et un certain savoir-faire, mais l'ensemble est tellement incohérent qu'on ne peut plus adhérer, même à moitié comme pour le disque précédent (celui-ci sera d'ailleurs le dernier de cette formation, mais on recroisera toutefois Turilli dans ces chroniques). Quand on compare au kitsch naïf et sincère des premiers albums de Rhapsody, ça fait mal.
  
  
• Rhapsody of fire - Into the legend (2016) ★ ★ ★
  
  Pendant que son compère Turilli se vautre dans le n'importe quoi, Alex Staropoli continue d'essayer de faire survivre le Rhapsody "historique" en restant plus fidèle aux fondamentaux du groupe. Et si la copie précédente était un peu trop sage, celle-ci est déjà beaucoup plus convaincante. On retrouve ici une musique beaucoup plus symphonique (on a même droit pour la première fois depuis un petit moment chez Rhapsody à de vrais instruments classiques), des choeurs présents, et une grosse piste épique finale qui dépasse joyeusement le quart d'heure (même si elle est trop morcelée pour être totalement convaincante, il y a de bonnes idées, notamment le passage à la guitare acoustique typé flamenco). Bref, du Rhapsody pur jus, avec ses hymnes épiques attendus (Distant sky enchaîné après l'intro symphonique comme au bon vieux temps), sa ballade ultra crémeuse (Shining star, dont l'absence ne m'aurait pour le coup pas du tout gêné), et les tentatives folk ici matérialisées par des sortes de cornemuses plutôt sympathiques. Et puis, on a de vraies pistes ambitieuses qui atteignent plutôt bien leur objectif, comme ce Winter's rain avec ses choeurs assez inspirés. Bref, sans atteindre au chef-d'oeuvre (on reste loin des plus grands disques du groupe, ça manque d'une ou deux pistes vraiment mémorables), on passe un bon moment avec un groupe qui semble simplement avoir à nouveau pris du plaisir à composer et à jouer, sans trop se soucier du poids du passé.
  
  
• Rhapsody of Fire - The Eighth mountain (2019) ★ ★ ★ ★
  
  Ce qui est bien avec nos copains italiens, c'est que même quand leur musique commence à ronronner, on peut toujours se rattraper avec l'agitation en coulisses : après un Into the legend pourtant encourageant, le chanteur Fabio Lione a décidé de se barrer du groupe pour aller rejoindre Angra, et le batteur a disparu aussi. Autant dire que Staropoli s'est vraiment retrouvé tout seul aux commandes du groupe. Le temps de tirer sa révérence ? Pensez-vous ! On recrute un nouveau chanteur ayant fait ses classes sur The Voice (mais si...), et on repart ! Le premier projet de cette nouvelle formule du groupe, une reprise à l'identique des plus grands tubes historiques de Rhapsody, laissait craindre le pire (on sentait qu'ils voulaient juste se rassurer eux-même avec un album n'ayant strictement aucun intérêt), autant dire que la grande réussite de cette "huitième montagne" est une excellente surprise ! Rhapsody a un peu modernisé son approche (son plus dense et un côté plus énergique que réellement speed dans le très bon Seven heroic deeds), tout en conservant des marqueurs clairs de l'identité du groupe (des titres vraiment classiquement speed comme Master of peace ou Clash of times, mais aussi les ballades pas franchement emballantes...), mais propose surtout des titres ambitieux vraiment très réussis, comme The courage to forgive ou March against the tyrant. Au rayon des petits nouveaux, le chanteur Giacomo Volli est en fait très bon, par contre la batterie prend vraiment trop de place (surtout quand c'est de la double en continu comme sur les quasiment tous les titres rapides), c'est même le principal point noir du disque avec les ballades foirées. Mais indiscutablement, le groupe a retrouvé un niveau qu'il n'avait pas atteint depuis bien longtemps, et ça fait plaisir ! Même Christopher Lee, qui fait une apparition d'outre-tombe à la fin de la piste épique qui conclut le disque (censé être le début d'une nouvelle saga, d'où le clin d'oeil) sera sûrement d'accord.
  
  
• Turilli/Lione Rhapsody - Zero Gravity (Rebirth and Evolution) (2019) ★ ★
  
  Quoi, encore un nouveau groupe, avec un nom encore plus grotesque que tous les autres réunis, dans la galaxie Rhapsody ? Eh ben oui. En 2017, pour fêter les 20 ans d'existence du groupe, les musiciens d'origine ont décidé de faire une grande tournée anniversaire. Ou plutôt, uniquement les musiciens ayant quitté le navire en cours de route, puisque tout le monde est là sauf Staropoli qui continue toujours à essayer de faire vivre le Rhapsody historique dans son coin. Une curieuse conception de la fête, mais ils pousseront le bouchon un peu plus loin ensuite en décidant d'enregistrer un nouvel album ensemble (alors même qu'un an plus tôt Turilli jurait qu'il abandonnait définitivement le metal), et de le faire sous la bannière Rhapsody (avec toutefois un sous-titre qui laisse clairement entendre qu'ils n'assument pas complètement). Tout ça ne donne guère envie d'apprécier l'album, mais essayons de le juger d'un point de vue strictement musical. C'est simple, on est dans la droite lignée des précédents efforts de Turilli : zéro gravité peut-être, mais surtout zéro discernement et zéro subtilité, on fait beaucoup de bruit et on mélange tout et n'importe quoi, avec choeurs et orchestre obligatoires sur chaque piste. Au rayon des incongruités cette fois-ci, des bouts de Queen repompés à l'identique et des citations de l'Otello de Verdi sur la piste finale. Pour le reste, l'univers Rhapsody est maintenant assez lointain, on est clairement dans une ambiance SF futuriste, avec grand renforts de sons électroniques (dès fois que tout le reste ne suffirait pas à saturer les oreilles de l'auditeur). C'est parfois franchement nul (la ballade Anima immortale où Lione force de façon ridicule au chant, le gloubi-boulga I am et son saxo complètement perdu), souvent gentiment divertissant malgré tout (Phoenix rising ou le bon duo Origins/Multidimensional). Nul doute que Turilli pourra à nouveau composer de vrais bons albums le jour où son melon aura un peu dégonflé...
  
  
• Rhapsody of Fire - Glory for salvation (2021) ★
  
  Eh ben voilà, on en arrive au bout, de cette discographie à rallonge du meilleur groupe de metal italien de l'histoire (y a-t-il énormément de concurrents sérieux d'ailleurs ?) ! Les disques précédents l'ont clairement fait comprendre, c'est bel et bien Staropoli avec son line-up entièrement refondu qui détient vraiment les clés pour continuer l'aventure en restant fidèle à l'esprit du Rhapsody originel. Mais si The Eighth mountain avait laissé espérer que Rhapsody puisse même retrouver la superbe de ses débuts, il faut bien avouer qu'on déchante très vite cette fois-ci. Les ingrédients sont là, l'esprit aussi, mais ce qui manque cruellement, c'est tout simplement l'inspiration. Les titres bateaux et poussifs, avec refrain choral nunuche de rigueur, s'enchaînent les uns aux autres sans qu'aucun ne retienne véritablement l'attention. Pourtant, Son of vengeance lançait les hostilités de façon tout à fait correcte, mais ensuite on s'enlise pour ne plus jamais revoir le jour, la seule autre piste convaincante étant (heureusement) la plus ambitieuse, Abyss of pain II (le titre ridicule étant du au fait que le groupe a "développé" sur plus de dix minutes l'intro de 40 secondes de l'album précédent, un concept surprenant). On navigue même pas loin du fond avec un Terial the Hawk dont les teintes folk sont à la limite de la musique d'ambiance Disneyland, ou un Magic signs très pop qui a droit à pas moins de trois versions différentes en comptant les bonus du CD (une en italien, une en espagnol, ils auraient pu au moins mettre du mandarin ou du tamoul pour donner plus d'intérêt à la chose). Bon, du coup, on est bien obligés d'espérer que le groupe ne s'arrêtera pas là, ce serait dommage de partir sur une note pareille.
  
  
  
  
• Riot - Rock city (1977) ★ ★ ½
  
  Pour s'aérer l'esprit entre deux albums de prog metal imbittables, quoi de mieux qu'un bon vieux disque de rock (on est pas encore vraiment dans le domaine du metal pour l'instant, mais la discographie à rallonge du groupe le verra muscler son jeu assez rapidement) bien vintage marquant les débuts d'un groupe un peu oublié ? Tout ici sent bon les années 70 : la production un peu vieillie (mais qui a le mérite d'être d'une netteté surprenante), le chant aigu de rigueur (fort bien maîtrisé d'ailleurs dans l'ensemble), les riffs très groovy dans la lignée d'un Led Zeppelin, et même la durée famélique du disque (33 minutes pour neuf chansons, on ne s'éternise pas dans les développements alambiqués, et pourtant il y a du solo sympa sur à peu près tous les titres). Mais pas besoin de plus que ça quand c'est bon, et ce premier album est bon... pendant sa première moitié (Warrior et son refrain entraînant, la chanson titre qui est de fait rock jusqu'au bout des ongles, Angel hyper classique mais terriblement efficace). Le reste est plus poussif (quelques expérimentations sonores douteuses sur le titre final This is what I get, le chanteur qui se met à en faire trop pour compenser une inspiration en berne sur Tokyo rose), mais bon, vu la durée très réduite de l'ensemble, ça s'écoute tout seul. Et puis quand même, je me devais de consacrer une série à un groupe qui repousse aussi loin les frontières du n'importe quoi au niveau de la laideur des pochettes avec celles particulièrement "what the phoque" de ses premiers albums !
  
  
• Riot - Narita (1979) ★ ★ ★ ½
  
  Je vous ai déjà dit que j'adorais les premières pochettes de Riot ? Oui ? Ah mince, du coup on va être obligé de parler de musique. Dans la droite lignée de leur premier album, celui-ci propose un rock pas encore vraiment métallisé mais déjà un peu plus viril que sur Rock City. Surtout, l'ambition est revue à la hausse avec des titres qui s'étalent majoritairement sur quatre ou cinq minutes, pour une durée totale approchant les trois quarts d'heure. L'inspiration, elle, est toujours au rendez-vous, avec ce côté syncopé vraiment très plaisant et une maîtrise technique appréciable. Et surtout, pas de baisse de régime cette fois-ci, le disque allant même plutôt crescendo : après deux ou trois titres un peu timides pour démarrer (comme si les musiciens en gardaient un peu sous la pied) et une reprise sans intérêt de Born to be wild, l'excellent instrumental qui donne son titre à l'album est suivi d'une deuxième moitié de disque très convaincante, alignant les chansons au feeling irrésistiblement entraînant (on tombe quand même dans l'excès avec les bruitages douteux à la fin de la bien nommée Hot for love) jusqu'à un Road racin' final excellent. Pas vraiment la découverte d'un trésor oublié, mais un bon disque qu'on a envie de réécouter quand on arrive au bout de la dernière piste, que demander de plus au fond ?
  
  
• Riot - Fire down under (1981) ★ ★ ★ ★ ½
  
  Ce troisième disque de Riot, le dernier avec son premier chanteur (et avec sa mythique mascotte phoque en couverture) représente l'apogée de sa première période très teintée rock. Mais l'évolution est déjà notable ici, le son est beaucoup plus tranchant et les influences du metal britannique manifestes. 1981, ce sont en gros les débuts d'Iron Maiden, mais on pense plus aux albums contemporains de Judas Priest ici, avec toujours sur certaines pistes un arrière-goût zeppelinien prononcé (Feel the same, l'excellent Don't hold back). Mais l'essentiel, c'est que ce disque est une tuerie (à mon sens meilleur justement que les pourtant plus réputés Judas Priest de la même période), avec des titres presque speed ultra efficaces (Swords and tequila, la chanson titre, Run for your life), bien contrebalancés par les titres plus rock déjà cités. On aurait juste aimé que le groupe fasse preuve d'encore un peu plus d'ambition et de personnalité (les quelques notes d'intro de Outlaw par exemple sont géniales mais ça ne dure qu'une dizaine de secondes !), et aussi évite de terminer son disque par un Flashbacks foireux (un bout d'enregistrement live qui ne comporte pas de réel morceau, c'est très bizarre). Mais tel quel, ce disque mériterait déjà d'être plus souvent cité parmi les tous meilleurs des débuts du metal.
  
  
• Riot - Restless breed (1982) ★ ★ ½
  
  J'avais dit des bêtises dans ma chronique précédente, le phoque est une espèce en voie de disparition mais pas encore éteinte sur la curieuse pochette de ce quatrième opus de Riot. Mais le plus important ici, c'est surtout le changement de chanteur, le nouveau n'a pas du tout le même registre que le précédent, tessiture plus medium et chant plus agressif, pas mauvais mais on n'y gagne clairement pas au change (il force pas mal pour essayer de rendre Loved by you intéressante, mais le fond musical est trop pauvre pour qu'il y parvienne). La qualité musicale est aussi nettement en baisse après un magistral Fire down under : son plus brut (quelque part ça colle au changement de chanteur) et surtout des constructions trop basiques, à la limite de la paresse (hop, un petit motif de cavalcade qu'on répète un peu trop et ça fait tout un morceau). On conserve quand même quelques titres tubesques (Hard loving man, la chanson titre, le très speed Violent crimes qui conclut le disque) pour rendre l'album acceptable, mais contrairement au précédent, celui-ci n'a aucune raison majeure d'être sorti de l'oubli dans lequel il est tombé.
  
  
• Riot - Born in America (1983) ★ ★ ★ ½
  
  Le départ de son premier chanteur et son échec à vraiment trouver sa place parmi les ténors du genre après son pourtant excellent Fire down under finiront par avoir raison de Riot un peu à retardement, puisque le groupe va couler corps et biens après ce cinquième album... avant de renaître quelques années plus tard sous une tout autre forme (son fondateur et guitariste Mark Reale était pour le moins persévérant !). Le temps tout de même de nous gratifier d'un dernier disque qui remonte la pente après un Restless breed décevant. Il ne faut pas se fier à la pochette une fois de plus ratée et à l'hymne patriotique testostéroné qui sert d'ouverture, le reste est nettement plus intéressant, on retrouve le goût pour les titres rapides et autres cavalcades déjà présent sur l'album précédent, mais Running from the law, Gunfighter ou Heavy metal machine (sans surprise le titre le plus heavy du disque !) retrouvent une efficacité qui les rend immédiatement irrésistibles. Un peu de déchet tout de même (la reprise Devil woman simplement hors sujet) et un son brouillon irritant quand on pense à la netteté des premiers enregistrements du groupe quelques années auparavant, mais ça reste un album carré, solide, une bonne sortie de scène pour la deuxième mouture de Riot.
  
  
• Riot - Thundersteel (1988) ★ ★ ★ ★
  
  Cinq ans après ce qui semblait devoir être son dernier album, Riot renaît de ses cendres grâce à la ténacité de son leader, mais ce dernier est bien tout ce qu'il reste du groupe d'origine. Non seulement le lineup a été intégralement revu, mais surtout le style musical lui-même à fortement évolué : on oublie les racines rock vintage du groupe, et on sort un album... de speed mélodique avec chanteur à la voix très haut perchée façon Helloween. Et le pire, aussi surprenant que ça puisse paraître, c'est que Riot réussit ainsi un come-back assez impressionnant, alignant sur le début de l'album les tubes imparables (la chanson titre, Sign of the crimson storm notamment), les refrains (souvent appuyés de petites intervention chorales) sont d'une simplicité désarmante mais hyper efficaces, ça va à fond les ballons sans jamais faiblir, les solos sont réussis, bref c'est tout bonnement excellent. Seule petite ombre au total, le chant devient vite assez horripilant (faut aimer le suraigu quoi). C'est vraiment au niveau des meilleures productions du genre pendant une petite demi-heure, avant que la fin de l'album ne baisse clairement de régime (Run for your life, pour le coup, ressemble à une caricature ratée avec ses choeurs robotiques hilarants, et Buried alive essaye de proposer une conclusion heavy épique de huit minutes mais ne colle pas au style du reste de l'album et paraît poussive en comparaison). Ce qui n'empêche pas le disque de mériter l'étiquette de classique complètement inattendu dans un de mes genres de prédilection.
  
  
• Riot - The Privilege of power (1990) ★ ★
  
  Riot est un exemple assez frappant de groupe qui a sûrement raté son rendez-vous avec la gloire, et à plusieurs reprises qui plus est ! Alors qu'ils venaient d'effectuer un retour en force avec l'excellent et très speed Thunderspeed, la voie semblait toute tracée pour eux : encore un ou deux albums dans ce genre porteur, et leur popularité sera définitivement assise. Mais quand ils lui proposent un successeur deux ans plus tard, c'est certes un album speed... mais unique en son genre. En effet, comme si c'était trop facile de se contenter de produire quelques tubes déchaînés (et il y a du bon speed sur ce disque, même si on frise le n'importe quoi sur un Dance of death où la mélodie finit par disparaître sous le délire technique et où le chant trop aigu et pas totalement maîtrisé est assez terrible), le groupe a décidé de lui ajouter quelques éléments supplémentaires : des ballades, bon pourquoi pas, ça rompt la monotonie (mais elles sont quand même assez mièvres). Une reprise de Race with the devil on a spanish highway pour conclure le disque, ça c'est une excellente idée (qui doit évidemment beaucoup à la qualité de l'original jazzy d'Al di Meola, pourtant pas trop mon rayon a priori). Les introductions interminables à base de samples divers (parfois près de deux minutes !), par contre, c'est vraiment saoulant. Et surtout, surtout, inviter la section cuivre du groupe de funk avec qui on partage le studio d'enregistrement à intervenir sur quelques titres du disque, là c'est vraiment la faute de goût totale. Le mélange incongru donne au mieux un On your knees encore sauvable, au pire le terrifiant Killer qui ne ressemble vraiment strictement à rien. Ce auto-sabordage incompréhensible transforme un disque qui aurait du être très bon en curiosité difficilement recommandable, et provoquera hélas rapidement une nouvelle dissolution du groupe Riot. La vraie fin de l'aventure ? Pensez-vous, Riot est immortel, il se relèvera encore une fois (ou deux) !
  
  
• Riot - Nightbreaker (1993), The Brethren of the long house (1995), Inishmore (1997), Sons of society (1999), Through the storm (2002), Army of one (2006) ★ ★ pour le tout
  
  Six albums d'un seul coup, ça me permettra de rattraper efficacement mon retard des vacances, mais ça se justifie ici aussi par le contenu. Après un nouveau split, Riot s'est une nouvelle fois reformé quasi intégralement, embauchant un quatrième chanteur depuis sa création, et surtout subissant une nouvelle évolution stylistique en forme de retour en arrière. C'est assez curieux d'ailleurs, on a l'impression que le groupe adapte sa musique à son chanteur plutôt que le contraire. Le nouveau venu est un peu dans le style de Rhett Forrester (celui qui avait participé à Restless breed et Born in America), typé hard rock classique et assez passe-partout (sans être du tout mauvais). Et la musique laisse donc complètement tomber le côté speed des deux albums précédents du groupe, et retourne à un heavy assez tranquille qui manque sérieusement de nerf et d'ambition, et semble assez daté vu la période à laquelle sont sortis les six albums produits avec ce line-up (le plus stable du groupe, seul le batteur changeant deux ou trois fois sur cette période). On ne peut pas dire pour autant que les albums soient ratés, c'est joué avec un grand professionnalisme, les compositions ne sont pas infamantes, mais il faut bien avouer que ça manque vraiment d'un petit truc en plus pour qu'on en retienne quelque chose une fois l'album terminé (Nightbreaker est le meilleur du lot et mériterait probablement une note un poil meilleure que les autres, les deux suivants sont sauvés par leur thématique intéressante, "native americans" pour l'un et immigration irlandaise pour l'autre, les trois derniers sentent vraiment fort la routine malgré quelques bons titres). Par ailleurs, les quelques reprises et autres ballades peu inspirées (qui lorgnent vers le Scorpions de Wind of change sans en arriver à la cheville) forment un remplissage dont on se serait volontiers passé. Rien de déshonorant donc, mais la tenace impression que le groupe a tout bonnement laissé tomber ses rêves de grandeur et s'est contenté d'assurer proprement un rôle de groupe de seconde zone. Quand on voit la tenue de leurs meilleurs disques, c'est tout de même décevant.
  
  
• Riot - Immortal soul (2011) ★ ★ ★ ★
  
  Après 20 ans à vivoter, il ne devait pas rester grand monde pour espérer une résurrection digne de ce nom chez Riot. Et pourtant, en 2011, son fondateur et compositeur de toujours Mark Reale, alors déjà bien malade (il décédera début 2012), tente une sorte d'improbable baroud d'honneur en convoquant pour un dernier album le line-up de l'énorme Thundersteel et en revenant pour l'occasion à une musique infiniment plus rapide que celle qu'il proposait dans les disques précédents du groupe. Et alors paf, d'un coup de baguette magique, ils vont ressortir une tuerie speed comme s'ils n'avaient pas pris une ride entre temps ? Eh bien, aussi extraordinaire que ça puisse paraître, oui ! Le Riot (c'est le nom de la première chanson de l'album) initial est une tuerie absolue qui nous met proprement sur le cul (bon, il faut toujours supporter le chant très aigu de Tony Moore, qui n'a curieusement absolument pas bougé en deux décennies). Et la suite du disque, loin de décevoir, comportera son lot de titres speed (moins tonitruants que le premier certes, mais Wings are for angels ou Sins of the father sont quand même très bons) et d'autres plus classiquement heavy mais pas en reste niveau inspiration mélodique (Whiskey man entre autres). Même si la deuxième moitié de l'album pêche un peu plus (un trou d'air notamment sur le duo Immortal soul/Insanity notamment), ça reste très recommandable. Un retour en grâce totalement inespéré mais sacrément réussi !
  
  
• Riot V - Unleash the fire (2014) ★ ★ ★ ½
  
  Le groupe le plus immortel de l'histoire du metal aura même survécu à la mort de son leader et membre permanent depuis sa création... à une lettre (ou un chiffre pour désigner le cinquième chanteur de l'histoire du groupe ? Ce n'est pas très clair) près ajoutée à son nom, subtil changement qui en dit long sur le respect que les musiciens formant désormais le groupe vouent à Mark Reale. C'est d'ailleurs absolument flagrant tout au long de l'album : on est ici en plein hommage au passé du groupe, avec une sélection soigneuse de morceaux tirant vers le speed (la chanson titre, Fight fight fight) et d'autres plus heavy old school à l'ambiance rock qui regardent carrément vers les tout premiers albums de Riot (Kill to survive, Take me back), le tout agrémenté d'une ou deux ballades franchement réussies, et d'un nouveau chanteur qui perpétue la tradition "chant aigu" remise au goût du jour par le dernier disque enregistré avec Reale. L'hommage est d'ailleurs tellement soigné que j'ai été un peu déçu à la première écoute, ça me semblait un peu trop appliqué (limite scolaire), comme si le groupe avait eu peur de vraiment se lâcher complètement (de fait, les morceaux speed n'atteignent pas la furie de ceux qui introduisaient Immortal soul ou Thundersteel). Et puis quand même, il faut bien admettre que c'est du tout bon qu'on a sous la main : aucun titre raté, des ambiances variées, techniquement irréprochable, à défaut de proposer LE titre qui va vous faire tomber de votre siège, Riot V sait clairement composer des morceaux d'une solidité à toute épreuve.
  
  
• Riot V - Armor of light (2018) ★ ★ ½
  
  Après un album hommage qui renouait en partie avec les racines rock du groupe, que pouvait nous proposer Riot V pour la suite de son aventure ? Eh bien, une douzaine de titres heavy speed très calibrés, qui constituent un album homogène au point d'en être presque lassant. Pas grand chose à redire pourtant sur la qualité des compositions, ça reste efficace, mais (c'était déjà un peu le cas dans le disque précédent) presque trop policé par moments, et donc pas assez varié (plus rien qui ressemble à une ballade ici, et les atmosphères rock vintage ont aussi disparu, la seule originalité, c'est l'irruption de cuivres faisant penser à The Privilege of power sur Caught in the witches eye). Sans compter une impression de déjà entendu qui confine à l'auto-plagiat sur l'intro de Messiah qui fait vraiment beaucoup trop penser à celle d'un certain Thundersteel. C'est d'ailleurs d'autant plus frappant que ledit Thundersteel est repris en conclusion de l'album, peut-être une fausse bonne idée : bel étalage de maîtrise technique de la part des musiciens (ça vaut l'originale), mais aucune des compositions de l'album n'est aussi tranchante que celle-ci... Un album correct malgré tout, mais bien en-deça des principales réussites du groupe.
  
  
  
  
• Septicflesh - Mystic places of dawn (1994) ★ ★
  
  Allez, aujourd'hui, on tente un nouveau groupe... grec (ça changera des tarés norvégiens qu'on croise quand on veut écouter du black metal). Difficile de classer cet album aux influences diverses (le chant est bien guttural mais il y a une grosse présence de touches orchestrales et de sonorités inattendues aux synthés, et le tout reste globalement très mélodique), mais les étoiles attribuées vont essentiellement aux atmosphères intéressantes crées sur certains titres (le très onirique et vraiment spécial (Morpheus) The Dreamlord, plutôt sympa, ou encore Crescent moon, les titres lents sont les plus réussis). Niveau réalisation, ça sent malheureusement beaucoup trop le premier album : production médiocre, batterie boîte à rythme (si j'en crois ce que j'ai lu, c'est en fait vraiment une boîte à rythmes) et basse inaudible, et surtout une construction des morceaux qui laisse à désirer (chansons courtes trop répétitives, chansons longues qui s'enlisent dans des développements peu maîtrisés, et beaucoup de ruptures de ton mal amenées, c'est souvent trop décousu). Un potentiel certain (l'instrumental Mythos qui achève le disque en laissant les guitares au placard, c'est osé mais franchement pas mal), mais encore trop mal exploité.
  
  
• Septicflesh - Esoptron (1995) ★ ★ ★
  
  Avec ce deuxième album, le combo grec a vraiment trouvé sa voie, et un certain équilibre entre le côté metal extrême (le chant guttural, les riffs de guitare bien gras) et le côté "antiquité grecque" matérialisé par les sonorités des synthés (je ne sais pas s'ils sont censés imiter un instrument particulier, ça sonne la plupart du temps comme une espèce de harpe antique) et l'introduction de choeurs archaïsants assez étonnants. Les atmosphères ainsi créées sont vraiment sympa, même si ça tombe parfois un peu à côté de la plaque (le court intermède médiévalisant Celebration est un peu hors sujet) et si la deuxième moitié du disque manque clairement de souffle (Succubus priestess ou So clean, so empty s'enlisent un peu dans des développements trop scolaires, même si la structure des chansons est globalement mieux maîtrisée que dans le premier album du groupe). Mais il y a aussi de très bonnes choses, surtout au début de l'album donc (la chanson titre, très efficace, ou Ice castle), mais aussi dans la piste finale Narcissism qui expérimente pas mal de choses dans sa première moitié mais finit par convaincre). Pas encore un album indispensable, mais il y a du progrès.
  
  
• Septicflesh - Ophidian Wheel (1997) ★
  
  J'ai lu pas mal d'avis sur le web prétendant que ce troisième album était le sommet de la première partie de carrière des grecs (ils ont eu une interruption de quelques années à un moment). Autant dire que je ne suis vraiment pas d'accord, c'est pour moi assez clairement le moins réussi des trois que j'ai écoutés. Par rapport au précédent, le groupe a décidé de remplacer ses synthés atmosphériques évoquant la Grèce antique par de vraies touches orchestrales... mais toujours jouées sur des claviers achetés chez Prisunic. Bon, ben les quelques intermèdes purement instrumentaux ne s'en relèvent pas, c'est complètement ridicule, Tartarus en particulier ne passerait même pas comme musique 8-bit de jeu video des années 80. Autre tentative de renouvellement, une soprano lyrique ajoutée par moments (et mélangée au chant guttural habituel), c'est tantôt inutile, tantôt kitsch car trop grandiloquent. Le reste du temps, on retrouve le metal à la fois brutal et très mélodique du groupe, qui arrive quand même à nous proposer quelques pistes sympathiques (Geometry in static est la meilleure selon moi), mais aucune qui marque vraiment. Une grosse déception.
  
  
• Septicflesh - A Fallen temple (1998) ★ ★
  
  Oula, pas moins de 76 minutes de musique pour ce quatrième album (un peu moins dans la première version de l'album en fait), nos amis grecs ont eu beaucoup d'inspiration ! Ou pas en fait, puisque le disque est un drôle de patchwork qui contient seulement trois nouvelles chansons (dont une dans pas moins de trois versions différentes), une reprise, quatre titres qui sont le réenregistrement d'un vieil EP, et pour compléter le tout, trois pistes d'une dizaine de minutes chacune qui versent dans le pseudo-classique symphonique. Aïe ? Pas tant que ça, on est loin du désastre de Tartarus dans l'album précédent, et il y a même des moments intéressants dans Underworld (act II) avec des polyphonies vocales qui accrochent l'oreille (et mêmes des vrais bouts de chant opératique par moments). Dommage quand même que tout ça soit encore fait avec une prétention (les passages parlés...) qui colle fort moyennement avec l'utilisation de synthés. Pour le reste, le plus intéressant provient curieusement des anciennes chansons, les nouveaux titres étant dans le style de Ophidian Wheel avec des mélanges de voix pas toujours inspirés et un manque d'accroche mélodique. Surtout, évidemment, ce curieux mélange donne un album qui manque cruellement de cohérence, même s'il est à mon sens nettement moins mauvais que le précédent.
  
  
• Septicflesh - Revolution DNA (1999) ★ ★
  
  Une révolution chez nos amis grecs ? Mais oui, après des albums qui lorgnaient de plus en plus vers une musique pseudo-classicissante qui se mêlait de moins en moins bien à leurs racines "metal extrême", ils se sont rendus à l'évidence en se séparant en deux entités distinctes. L'une, nommée Chaostar, continuera à creuser la veine classique (j'avoue ne pas être certain d'aller écouter ce qu'ils ont à proposer), tandis que Scepticflesh se recentre sur le metal. À tel point d'ailleurs qu'ils ont carrément supprimé entièrement les claviers (dénaturant quand même assez profondément l'esprit de la musique du groupe) et introduit des sonorités très électrofuturistes pour accompagner des titres extrêmement calibrés (la durée tourne systématiquement autour des cinq minutes) lorgnant carrément vers du hard FM (ok ça reste mélodique mais ça tombe franchement dans la facilité dès la première piste, et ça n'en ressortira que pour une deux expérimentations assez pénibles, comme Androïd). C'est pas si mal fichu, ça se laisse même très bien écouter, mais ça s'oublie tout aussi vite, et c'est tout de même assez déconcertant de la part d'un groupe qui avait jusque-là affiché de toutes autres ambitions (même si je n'ai pas apprécié outre mesure les albums précédents, ça n'avait quand même rien à voir !).
  
  
• Septicflesh - Sumerian daemons (2003) ★ ★ ★
  
  Je continue mon parcours de la discographie de Septicflesh (j'en suis en plein milieu, cinq albums sur dix) après un Revolution DNA surprenant qui laissait de côté les fondamentaux du groupe. Nos amis grecs allaient-ils continuer dans cette voie ? Eh bien, pas du tout, même si on retrouve ici quelques utilisations de sonorités électro qui rappellent l'album précédent (et même un titre comme When all is none qui n'est pas loin de déraper du côté du metal industriel), on a surtout droit à un retour en force des claviers (avec leur fameux sons "harpés"), arrangements symphoniques, choeurs, et mêmes interventions de soprano (plutôt discrets ceci dit) qui marquaient le style des premiers albums. Grosse différence tout de même, il n'est plus question de faire de la musique intellectualisante avec inspiration classique, le but est désormais de taper fort à peu près tout le temps. Un peu trop de blastbeat, des choeurs quasiment orffiens, quelques passages qui sonnent gothique de carton pâte (la chanson titre notamment), cette orgie sonore s'égare parfois (la dernière piste Shapeshifter, qui mélange tout sans aucun discernement), mais réussit la plupart du temps à impressionner, en s'appuyant sur des bases mélodiques efficaces (ça tombe un peu dans la facilité sur une chanson comme The Watchers, d'ailleurs). Rien de génialissime, mais un bon album, qui sera suivi d'une rupture provisoire du groupe, qui reprendra du service quelques années plus tard pour enfoncer encore le clou dans cette veine puissante et peu subtile.
  
  
• Septicflesh - Communion (2008) ★ ★ ★ ★ ½
  
  Le groupe grec est donc de retour après une rupture qui n'aura finalement duré que quelques années, et pour marquer le coup, le moins qu'on puisse dire, c'est qu'ils ne font pas dans la dentelle ! Vrai orchestre et choeur au grand complet pour les accompagner, prédominance de chant guttural, batterie brutale, et surtout une volonté de monumentalité manifeste en permanence (le côté intellectualisant de leur musique a vraiment complètement été jeté aux oubliettes). Bon ben, je n'y peux rien, c'est mon mauvais goût qui parle, j'adore ! C'est vraiment puissant, mélodiquement toujours inspiré et efficace (mention spéciale pour Anubis, une vraie tuerie, et We, The gods), et l'orchestre est extrêmement bien exploité, passant d'ambiances très "musique de film" (tout le début de Persepolis par exemple) à des choses nettement plus subtiles et inattendues, comme ces cordes stravinskiennes de l'intro de Babel's Gate, sans jamais être relégué au rang de faire-valoir. C'est vraiment une oeuvre pour orchestre et groupe de metal à laquelle on a droit, et pas un disque de metal coloré par quelques touches symphoniques. Mes seules petites réserves qui me poussent à ne pas mettre la note maximale : l'utilisation de la voix claire peu convaincante sur quelques pistes (mince alors, c'est bien la première fois que je regrette qu'il n'y ait pas du guttural en permanence !), et une fin d'album moins inspirée (le Narcissus final n'est pas à la hauteur) alors même que le disque est très court (à peine 40 minutes). Mais pour ceux qui aiment le metal Technicolor, franchement écoutez ça, ça envoie du pâté.
  
  
• Septicflesh - The Great Mass (2011) ★ ★ ★
  
  Nouvelle direction confirmée pour Septicflesh, après un Communion vraiment excellent qui misait tout sur la puissance et les orchestrations sophistiquées, on reste dans la droite lignée avec ce nouvel album. À tel point d'ailleurs que celui-ci souffre un peu du syndrome "c'est le même en moins bien". La première piste The Vampire from Nazareth est pourtant excellente, mais assez rapidement, on sent que ça force un peu au niveau des compositions (l'orchestre prend pour le coup carrément le dessus sur des guitares qui se font presque oublier par moments) alors que l'inspiration est en-deça de celle du précédent disque : mélodie un peu facile dans Pyramid god (qui reste malgré tout une bonne chanson), Five-pointed star un peu décousu, Oceans of grey qui joue la carte mitraillage de batterie pour masquer le relatif manque de contenu, et encore une fois le chant clair assez peu convaincant quand il est employé (dans Rising notamment). Au niveau des points (très) positifs, on garde quand même un son absolument énorme, et aucune piste ne tombe non plus dans le vraiment décevant. Simplement, un album juste bon est nécessairement décevant quand il suit une tuerie ultime. Notons quand vers la fin du disque la très curieuse intro avec clavecin de Mad Architect, peut-être une piste à suivre pour le groupe pour renouveler l'intérêt dans leurs prochains albums.
  
  
• Septicflesh - Titan (2014) ★ ★ ★
  
  Septicflesh a trouvé un bon filon et ne compte manifestement pas le laisser tomber tant qu'il fonctionne à peu près. Ce nouvel album est peut-être encore plus épique, monumental, en un mot hollywoodien, que ses deux prédécesseurs. D'ailleurs, pour bien le marteler, le disque débute avec plusieurs titres ultra bourrins (blastbeat de rigueur, rythmes martiaux, orchestre envahissant). Si War in heaven est une bonne entrée en matière, Burn est nettement moins convaincant, et Order of dracul ne fait tendre l'oreille qu'en tentant des alliages osés (le break clavecin+violon tzigane fait un peu cliché vu le thème de la chanson). À l'image de l'album dans son ensemble, qui alterne bons moments (les atmosphères angoissantes de la chanson titre et de Confessions of a serial killer en fin de disque) et les plages plus anecdotiques. Le savoir-faire est indéniable, mais encore une fois le metal s'éloigne (en plus de l'orchestre mammouth, on a droit cette fois à des interventions de choeurs diaphanes, plutôt sympas d'ailleurs sur Prototype). On écoute l'ensemble avec plaisir, mais il ne faudrait pas que tout ça finisse, à l'image de la conclusion abrupte de cet album, par tourner vraiment en eau de boudin.
  
  
• Septicflesh - Codex Omega (2017) ★ ★ ★ ★ ½
  
  Après deux albums qui sentaient un peu la routine, n'était-il pas temps pour Septicflesh d'évoluer un peu ? La réponse des grecs est sans appel : non, pas du tout, on est repartis pour un tour de metal symphonique ultra spectaculaire. Et le pire, c'est que pour le coup, ils ont bien eu raison ! En effet, ce nouvel album est excellent, retrouvant pratiquement le niveau du monumental Communion. Dès le premier titre Dantes inferno, on sent qu'il y a quelque chose : l'orchestre est parfaitement utilisé, c'est mélodiquement très efficace, on retrouve la recette magique que le groupe semblait avoir un peu perdu, et on tient un tube incontournable. Un moment d'inquiétude avec le 3rd Testament qui suit, qui retombe dans un style "passage en force" nettement moins convaincant, mais c'est en fait le seul faux pas de l'album, qui aligne ensuite avec une implacable régularité les chansons excellentes. Interventions de la voix claire bien senties (souvent en opposition au chant guttural, comme sur Our church below the sea), instrumentation variée (je ne sais pas quel est l'instrument qui est utilisée pour l'intro plaintive de Portrait of a headless man mais c'est un excellent choix), ambiances variées (mais si on reste toujours dans le très hollywoodien quand même), y a vraiment pas grand chose à redire. Ah si : on frise parfois le mauvais goût (les arpèges triomphalistes de Dark art, j'adore, mais ce ne sera pas le cas de tout le monde), et surtout il y a des passages qui sont un peu trop ouvertement inspirés de succès antérieurs du groupe (les guitares du tube Faceless queen font vraiment furieusement penser à celles d'Anubis, ça n'est pas pour me déplaire mais c'est un peu voyant). Du coup, je considère quand même l'album un léger poil inférieur à Communion, mais ça reste une bonne turie !
  
  
  
  
• Sepultura - Morbid visions (1986) ☆
  
  Je veux bien admettre qu'enregistrer un album de metal au Brésil au beau milieu des années 80 ne devait pas être évident, mais là, quand même, c'est assez terrible, ça ressemble plus à une démo faite entre potes dans un garage qu'à un truc vraiment commercialisable. Guitares mochissimes, chanteur qui, euh, en fait c'est difficile à décrire, on a l'impression qu'il dit son texte sans vraiment chercher à chanter, ça ne ressemble à rien, son globalement infâme, même si la musique derrière était génialissime, ce serait dur d'accrocher. Et comme en plus les guitaristes se contentent d'essayer de jouer des trucs bateaux et répétitifs le plus vite qu'ils peuvent, ben c'est vraiment très très mauvais. Seul le batteur se détache vaguement du lot, pour ce qu'on en entend. En fait, le seul truc miraculeux dans cet album, c'est que le groupe ait réussi à percer après un début pareil.
  
  
• Sepultura - Schizophrenia (1987) ★ ★
  
  Deuxième tentative pour Sepultura, il y a déjà un très net progrès, on passe de l'inaudible au simplement pas terrible. Pourtant, l'intro ridicule avec grincements de BO de mauvais film d'horreur suivis d'un grand cri laissait craindre le pire. Mais déjà, la qualité sonore est nettement meilleure (bon, ça reste loin d'être fabuleux, notamment au niveau de la batterie dont les toms semblent avoir été croisés avec un vibraphone, c'est vraiment très bizarre comme sonorité, peut-être un effet de remasterisation étrange sur la version que j'ai écoutée, mais ça avait l'air d'être l'original...), et ça ressemble à de la musique, avec même des vrais solos et autres plages instrumentales (on se serait bien passé ceci dit de The abyss où le guitariste semble juste s'entraîner à faire quelques arpèges). Après, pas de miracle non plus, c'est du thrash hyper classique, souvent répétitif, et dont le but suprême semble toujours être uniquement de jouer très vite (pas une seule chanson dont le tempo ne soit pas rapide sur le disque). Surtout, si côté instrumentistes c'est nettement mieux (et les riffs sont dans l'ensemble corrects), niveau chant c'est toujours aussi mauvais. Bref, ça se laisse écouter, mais il y a nettement plus intéressant dans le genre et à la même époque.
  
  
• Sepultura - Beneath the remains (1989) ★ ★ ½
  
  Troisième album de la part de nos brésiliens, et changement de calibre pour eux, puisqu'ils se font produire pour la première fois par une boîte américaine. Eh ben, indiscutablement, ça se sent... Le son est infiniment meilleur (même si je trouve la batterie bien sèche), on a enfin droit à un album vraiment maîtrisé et même tout à fait professionnel de la part de presque tous les membres du groupe (je ne suis toujours pas emballé par le chanteur, mais ça se fond déjà nettement mieux dans la musique ici). Tellement pro d'ailleurs que ça en devient presque un défaut tant l'album est carré, sans rien qui dépasse, dans un style très uniforme (du thrash qui va vite, encore et toujours, avec des riffs corrects mais souvent semblables et qui ne font pas non plus sauter au plafond), et surtout sous influence manifeste (j'ai lu que Slayer avait beaucoup influencé Sepultura, mais n'ayant rien entendu d'eux, j'aurais du mal à en juger, c'est plutôt l'influence Metallica, évidente dans l'intro de la première piste qui cite quasiment Call of Khtulu ou dans le riff initial de Lobotomy, qui me saute aux oreilles), au point de devenir franchement impersonnel. Bref, rien de spécial à reprocher, mais ça s'oublie presque aussi vite que ça n'a été entendu.
  
  
• Sepultura - Arise (1991) ★ ★ ½
  
  Les copains, je suis bien obligé de l'admettre, j'ai manifestement un problème avec Sepultura. En fait, ce nouvel album m'a fait essentiellement le même effet que le précédent : encore plus parfait techniquement (même pas spécialement de mal à dire du chant, et les intros ajoutées à pas mal de titres, même si elles sont très courtes, sont un bonus appréciable), je n'aurais vraiment aucun reproche à formuler, mais je ne sais pas pourquoi, je n'accroche pas vraiment. Chaque début de chanson, je me dis "celle -ci, c'est sûr, elle va me faire décoller", et puis non, j'écoute sans déplaisir, mais il me manque quelque chose, peut-être un élément un peu plus mélodique qui me titille l'oreille, des formules un peu moins stéréotypées à la batterie, des riffs qui explosent vraiment, en tout cas je continue à trouver cette musique assez désincarnée. En fait ce que j'ai préféré ce sont les courtes intros (celle assez tribale de Altered state notamment)... Bon, je ne désespère pas et je vais quand même continuer à explorer la discographie du groupe, puisqu'il semblerait qu'ils aient changé de style ensuite.
  
  
• Sepultura - Chaos A.D. (1993) ★ ★ ★ ★
  
  Eh bien voilà, il suffisait d'être patient, enfin un album de Sepultura qui me parle ! Bon, pas entièrement non plus, mais beaucoup, beaucoup plus que les précédents quand même. C'est effectivement nettement plus varié, avec une volonté claire de faire intervenir régulièrement des percussions exotiques pour donner un côté tribal qui me plaît vraiment (les intros de l'excellent Refuse/Resist et des moins excellents mais intéressants quand même Territory et Manifest), mais aussi quelques respirations bienvenues, avec l'instrumental "tribal" acoustique Kaiowas et l'exploration de sonorités électroniques plus industrielles dans le strident Clenched fist (pas mon titre préféré de l'album, mais intéressant). Dommage qu'il y ait un creux en cours d'album, où le groupe retombe dans la succession de chansons soit super speed, soit très lourdes mais sans grande conviction (l'enchaînement Biotech is Godzilla - Nomad - We who are not as others) car l'album dans son ensemble est vraiment séduisant.
  
  
• Sepultura - Roots (1996) ★
  
  Le changement de style amorcé par le groupe dans leur album précédent est ici nettement plus prononcé, et manifeste rien qu'à regarder la pochette de leur nouvelle production : un retour aux sources avec une forte inspiration tribale, qui va même envahir le disque jusqu'à ce que le groupe propose une collaboration étonnante avec un chanteur local (Ratamahatta, qui a le mérite incontestable d'explorer des pistes inattendues) et une piste en acoustique avec des chants tribaux (Itsari) à laquelle on ne s'attend pas forcément quand on lance un disque de metal. Ma foi, pourquoi pas, j'avais été plutôt conquis par les premiers éléments tribaux apparaissant dans Chaos A.D.. Mais justement, mon gros problème, c'est que ça se mêlait bien au metal très brutal du groupe dans l'album précédent, beaucoup moins dans celui-ci. Là, on a sur la plupart des pistes des percussions exotiques pour créer une espèce d'atmosphère de transe, mais par-dessus un metal vraiment lourd et peu développé, qui plus est gâché par le chant hurlé vraiment pas beau de Cavalera (qui régresse d'un bon cran alors qu'il avait atteint précédemment un niveau tout à fait acceptable niveau chant), quand ce ne sont pas des saturations volontaires qui fatiguent très vite les oreilles. Qui plus est, c'est très répétitif et le disque dure plus de 70 minutes (bon, certes, en comptant les 13 minutes du jam tribal de la dernière piste qu'on peut très bien se dispenser d'écouter), on finit par décrocher complètement. Dommage, il y avait moyen de faire tellement mieux...
  
  
• Sepultura - Against (1998) ★ ½
  
  Je vais passer assez vite sur cet album-là qui me convainc à peine plus que le précédent. On n'a plus droit aux hurlements de Max, mais le nouveau venu est encore ici assez effacé derrière les instrumentistes (et quand on l'entend, ça reste du beuglement pas très passionnant). Et surtout, niveau musical, ça reste bien décevant. Le but semble ici avoir été de créer au niveau du son une mixture entre le côté tribal et un son très industriel saturé, et ça fonctionne assez mal, surtout que beaucoup de titres sont courts et ne proposent vraiment pas grand chose. Trop brut, trop massif, bof bof. Il y a pourtant quelques échappées qui auraient mérité meilleur traitement : Old earth qui est la seule piste du début d'album à trouver un équilibre assez intéressant, des instrumentaux qui fonctionnent (F.O.E), et une fin de disque qui retourne plus du côté d'un thrash (toujours mêlé d'influences tribales) nettement plus digeste. La dernière piste T3rcermillenium ajoute des violoncelles pour créer une ambiance sympa, mais le titre en lui-même est anecdotique. Dommage, tout ça manque vraiment d'aboutissement.
  
  
• Sepultura - Nation (2001) ★ ★ ★
  
  À la première écoute, j'avais trouvé cet album vraiment très bon, peut-être en comparaison avec mes déceptions précédentes avec Sepultura. À la réécoute, je serai moins enthousiaste, mais c'est quand même selon moi nettement mieux que Against et Roots. Derrick Green est maintenant mieux intégré au collectif, le chant me semble par ailleurs un peu plus varié (bon, ça beugle encore pas mal, mais il y a pas mal de pistes où c'est plus scandé voire presque rappé, et Green gère bien ce style), et surtout on a un fond musical qui respire un peu plus (beaucoup de tempos lents, les rares chansons rapides sont d'ailleurs expédiées en à peine une minute et peu intéressantes) et un peu plus mélodique, bien que ça reste globalement très lourd. Toujours des percussions tribales régulièrement utilisées, mais pas spécialement mises en avant, on retrouve une certaine unité ... jusqu'à l'étonnante dernière piste où les violoncelles font irruption, je trouve ça assez réussi. Le problème du disque reste quand même une certaine monotonie et le manque de titres vraiment très accrocheurs (malgré quelques expérimentations plutôt réussi, comme le riff bizarre et entêtant de Vox populi, ou celui très bourdonnant de Saga), mais l'ensemble est quand même dans une bonne moyenne. Encourageant.
  
  
• Sepultura - Roorback (2003) ★ ★ ½
  
  Ce troisième album avec Derrick Green au chant opère un espèce de curieux retour en arrière, alors qu'un équilibre plutôt intéressant semblait avoir été trouvé sur Nation. Ici, l'aspect tribal qui était devenu une marque de fabrique du groupe disparait totalement, on se retrouve face à un album de metal bourrin tout à fait standard... et c'est bien le problème, car même si c'est bien exécuté, c'est beaucoup trop homogène, avec beaucoup de titres qui manquent sérieusement d'ambition (ça va vite sans réfléchir, on se croirait presque revenu aux débuts du groupe). Les bonnes nouvelles viennent en fait des quelques chansons où les brésiliens tentent justement de sortir un peu des sentiers battus, comme la très bonne More of the same avec son atmosphère plus aérée et ses passages en chant clair, et As it is ou Bottomed out où Green fait preuve d'une belle capacité à varier son chant (plus crooner sur la première, carrément coloré blues sur la seconde). Ces quelques pépites éparses montrent que ce Sepultura-là est tout à fait capable de produire de l'excellente musique, dommage que ce ne soit pas assumé tout au long de l'album.
  
  
• Sepultura : Dante XXI (2006) ★ ★ ★ ★
  
  Après plusieurs tentatives plus ou moins intéressantes, voici enfin l'album de la maturité pour Sepultura version Derrick Green ! Manifestement inspirés par le thème de ce concept-album (pas de piège, c'est bien de la Divine Comédie de Dante qu'il s'agit), nos brésiliens livrent un album plus ramassé (moins de 40 minutes), plus mélodique, et surtout plus inspiré que la plupart de ceux qui le précèdent. Certes, on reste dans le domaine du gros son, mais une touche orientalisante (sur City of dis), quelques riffs à base de notes répétées bien exploités (sur False notamment) et même des touches orchestrales (surtout présentes dans les très courtes pistes de transition, avec encore une fois une prédominance de violoncelles, on peut même regretter que le groupe n'ait pas osé en mettre un peu plus) rendent le tout vraiment moins dense et tout bêtement plus intéressant. Certes, ça s'essouffle un peu dans la deuxième moitié de l'album (Buried woods ou Crown and miter sont trop basiquement bourrines), mais une conclusion inattendue (Still flame avec ses choeurs et le retour du violoncelle) confirme s'il le fallait qu'on a vraiment trouvé l'album du renouveau pour le groupe. Encore inégal et perfectible, mais plus qu'une promesse, un bon album.
  
  
• Sepultura - A-lex (2009) ★
  
  Mes amis brésiliens sont pour le moins déroutants. Après un album vraiment réussi inspiré par Dante, ça paraissait une bonne idée de repartir sur un concept similaire, cette fois-ci à partir d'Orange Mécanique. Bon ok, ils se sont crus obligés de caser un hommage à Beethoven, et sans surprise la piste sobrement intitulée Ludwig van n'a pas l'ombre d'un intérêt (mais y a-t-il des reprises de classique par des métalleux qui dépassent le stade de la simple curiosité anecdotique ?). Mais pour le reste, on pouvait espérer quelque chose de sympa. Grosse déception, le groupe revient quasiment tout le temps à un metal speed ultra rentre-dedans et franchement peu inspiré, c'est long, poussif et lassant. Les meilleurs moments sont même peut-être les quelques pistes intitulées A-Lex qui servent de transitions, c'est dire... Allez, soyons honnêtes, quelques tentatives de diversifier l'ambiance fonctionnent à peu près (We've lost avec son intro acoustique, la première moitié de Sadistic values en chant clair, ou Strike et ses effets de vibrato bizarres mais intéressants), mais c'est bien peu sur un album de 18 titres (certes courts pour la plupart). Un net recul de la part de Sepultura.
  
  
• Sepultura - Kairos (2011) ★ ½
  
  Encore un album décevant pour Sepultura, on remonte légèrement la pente après A-Lex mais ça ne va tout de même pas chercher bien loin, avec beaucoup de titres similaires, une batterie qui mitraille souvent de manière très répétitive, et des pistes de transition totalement inutiles. En fait, et c'est assez symptomatique, les meilleures pistes du disque sont celles où Sepultura ne fait pas du Sepultura : reprise de Ministry avec Just a fix (je ne connais pas du tout l'original, mais cette version est efficace), une autre reprise en fin d'album (piste bonus initialement si j'ai bien compris) et, encore plus inattendu, une collaboration avec le groupe de percussions français Les Tambours du Bronx. On se demande un peu comment cette improbable rencontre a pu avoir lieu, mais elle donne complètement autre chose à entendre, et à vrai dire ça fait du bien tant l'album est globalement attendu.
  
  
• Sepultura - The mediator between head and hands must be the heart (2013) ★ ★ ★
  
  Prix du titre à rallonge gagné haut la main par Sepultura avec ce disque. Fort heureusement, il n'y a pas que le titre qui soit plus long que d'habitude, les morceaux aussi gagnent en durée par rapport à la plupart des albums précédents (seulement 11 chansons sur cet album de 50 minutes), et c'est bon signe, car ça marque une nouvelle fois un retour de nos brésiliens à un metal beaucoup plus posé, en fait assez proche du thrash teinté de percussion tribales (qui, elles, sont à nouveau assez présentes, surtout sur les derniers titres de l'album) d'un Chaos A.D.. Bon, ne rêvons pas non plus, le disque n'est pas à la hauteur de ce dernier car encore trop inégal, mais il y a vraiment de bons moments : l'intro de The Vatican un peu facile (choeurs et cloches, vu le thème, c'est cliché) mais efficace, le très déjanté Da lamo ao caos (ne pas chanter en anglais, mine de rien, ça change beaucoup), ou le très dépressif mais excellent Grief (acoustique et lent quasiment tout le temps). Globalement, peu de tempi très rapides (on en retrouve sur Obsessed par exemple, et c'est loin d'être bon), quelques incursions pas forcément géniales vers une ambiance plus urbaine (The Age of the atheist), mais aussi des titres thrash efficaces à défaut d'être très originaux, globalement c'est un album très acceptable.
  
  
• Sepultura - Machine Messiah (2017) ★ ★ ★ ½
  
  Après un The Mediator [...] qui effectuait une sorte de retour aux sources plutôt réussi, Sepultura allait-il capitaliser et nous proposer à nouveau un metal soigné et (un peu) calmé par rapport aux excès précédents ? Eh bien, oui, et en même temps non... À nouveau très peu de titres speed et brutaux (I am the enemy ou Silent violence qui sont d'ailleurs les chansons les moins intéressantes du disque), mais côté tranquillité on repassera tant le groupe semble volontairement shooter dans toutes les directions à la fois ! Dès la chanson titre inaugurale, surprise, un tempo lent, du chant clair, une ambiance futuriste glaciale, c'est très épuré mais surtout très réussi ! Mais on est loin d'être au bout de nos surprises, puisqu'un peu plus loin (sur Phantom self), ce sont carrément des violons orientalisants qui viennent se combiner avec les percus tribales, pour un effet, euh, assez spécial (pas sûr d'être vraiment convaincu, pour le coup). On retrouvera des interventions orchestrales dans Resistant parasites (assez anecdotiques) et surtout dans l'excellent Sworn oath qui lorgne vers un côté épique rarement présent chez les brésiliens. La piste fait accessoirement suite à Iceberg dances, un instrumental (là aussi c'est très rare chez Sepultura) qui part vraiment dans tous les sens. Sans même compter le bonus ridicule (une reprise de générique d'anime assez grandiose), on a donc un album très varié, surprenant, qui se prend parfois un peu les pieds dans le tapis, mais qui arrive aussi à renouveler grandement l'intérêt que pourrait porter l'auditeur blasé à Sepultura, plus de trente ans après ses débuts. Vraiment un album à tenter.
  
  
• Sepultura - Quadra (2020) ★ ★ ★ ★
  
  Me voilà donc arrivé au bout de la discographie de Sepultura et (ça tombe particulièrement bien), cet album prétend faire une sorte de tour d'horizon des différents styles du groupe depuis ses débuts. De fait, on a un peu de tout au fil des différentes pistes : ça commence de façon assez brutale avec un Isolation toutefois plutôt inspiré, les choeurs (très présents sur tout l'album) ne tardent pas à faire leur apparition (sur un Last time qui s'éparpille un peu), et on passe carrément dans un autre monde avec Capital enslavement, qui convoque à la fois les percus tribales devenues classiques pour le groupe et l'orchestre orientalisant de leur album précédent, avec des choeurs tribaux par-dessus le marché. Indigeste ? Eh bien non pas tant que ça, ça passe même franchement bien. On n'est même pas loin de penser à certaines chansons de Gojira sur le refrain, et ce sera à nouveau le cas un peu plus tard dans le très bon Raging void. Mais le meilleur est peut-être encore à venir, avec une deuxième moitié d'album plus ambitieuse qui réussit par moments à créer des ambiances vraiment prenantes, comme sur la superbe Guardians of earth avec son intro acoustique et ses choeurs encore très présents. On a aussi droit à un instrumental sympathique... et à une dernière piste (Fear, Pain, Chaos, Suffering, tout un programme) dispensable avec invitée qui se mêle moyennement bien au son Sepultura. Peu importe, les brésiliens ont encore poussé le curseur un peu plus loin par rapport au déjà très intéressant Machine Messiah, et les grandes réussites font oublier les quelques pistes plus convenues. Au point de se demander si on ne tient pas là, tout simplement, le meilleur album du groupe...
  
  
  
  
• Slayer - Show no mercy (1983) ★ ★
  
  Allez, aujourd'hui je démarre, après l'exploration de la disco de Megadeth il y a peu, celle d'un autre géant du thrash. Je dois bien l'avouer, les quelques fois où j'ai déjà écouté du Slayer, j'ai plus ri qu'autre chose tant le côté "on va provoquer le bourgeois" est outré au point qu'on se demande en permanence si tout ça est bien sérieux (probablement pas totalement de fait). Après, il faut remettre les choses dans leur contexte et rendre à César ce qui lui appartient : ce premier album du groupe sort alors que le thrash est à peine balbutiant (Metallica vient tout juste de lancer son Kill'em all) et, pour l'époque, le style Slayer est sacrément ravageur, et ouvrira grandes les portes qui mèneront tout droit au metal extrême dans les années qui suivent. Au moins, on ne peut pas reprocher à Slayer d'avoir simplement suivi les autres avec un train de retard comme Megadeth. D'un autre côté, quand on écoute ce premier essai, il faut bien admettre que ça ne vole pas très haut : certes c'est énervé, mais la vitesse d'exécution est encore mal gérée (un morceau comme The Final command avec ses ruptures de tempo incompréhensibles, ça fait très amateur), les solos sont bordéliques (m'enfin ça c'est une constante du groupe hélas) et le chant qui hésite entre le suraigu et le beuglement ne ressemble objectivement à rien malgré la sympathie naturelle qu'on peut avoir pour Tom Araya. Quelques bons titres font quand même un peu plus que surnager : The Antichrist, Metal storm/Face the slayer ou Black : magic, il y a des riffs efficaces et on passe un bon moment. Mais : le disque dans son ensemble n'a vraiment rien de transcendant.
  
  
• Slayer - Hell awaits (1985) ★
  
  Il y a un truc bien avec les albums de Slayer, c'est que si on n'apprécie pas leur musique, on n'a pas à la subir trop longtemps. Sept chansons, moins de 40 minutes de musique, et on peut passer à autre chose. Et pourtant, pour du Slayer, les titres sont plutôt développés puisqu'on a quand même droit à trois chansons qui dépassent les six minutes, avec des tentatives de construction presque recherchée et d'assez longues intros instrumentales. Pas sûr que ce soit un très bon plan d'ailleurs, dans la mesure où le principal (le seul ?) intérêt de la musique de Slayer est de taper vite et fort, là le mince propos musical est fortement délayé (et bien sûr, faut pas compter sur les solos pour nous éblouir). Pire, le groupe a encore radicalisé son approche, ce qui fait que sa musique tend dangereusement vers le néant : aucun riff marquant, une espèce de chant parlé franchement laid (malgré quelques tentatives de cris divertissantes en cours de route), et un son qui vise tellement l'agressivité qu'il devient lui aussi moche et désagréable. Bref, tout ça confirme que j'ai du mal avec le thrash primaire de cette époque (constatation déjà fait avec certains des premiers albums de Sepultura, par exemple), mais dans la mesure où il est unanimement reconnu que Slayer a eu une grosse baisse d'inspiration après la "bonne" période constituée de ses cinq premiers albums, je m'inquiète franchement pour la suite...
  
  
• Slayer - Reign in blood (1986) ★ ★ ★ ½
  
  Eh bien nous y voilà arrivés, à cet album qui est non seulement le plus connu du groupe mais même, assez objectivement, l'un des plus mythiques de toute l'histoire du metal : quiconque s'intéresse de près au genre a forcément déjà entendu l'inoubliable cri de Tom Araya qui ouvre Angel of death, ou le riff mythique de Raining blood. Bon, ok, mais musicalement, ce troisième opus est-il vraiment meilleur que ses prédécesseurs ? Assez indiscutablement, oui. Déjà, il bénéficie de la présence de deux titres réellement excellents, ceux que j'ai déjà cités. Angel of death, nonobstant le scandale que ses paroles ont provoqué, est une ouverture hyper percutante et efficace, et même si Raining blood retombe dans certains travers slayeriens (c'est vraiment construit n'importe comment, plus une juxtaposition de séquences énormes qu'une vraie chanson en fait), elle conclut l'album de façon magistrale (bon, ok, les bruitages de pluie c'est quand même très cliché). Et entre les deux ? Eh ben, c'est du Slayer typique et plus difficile à digérer (solos super moches au son très métallique notamment), mais au moins les titres sont balancés en deux minutes (c'est vraiment la durée moyenne de ces pistes, le disque entier n'atteint même pas la demi-heure !), c'est super rapide et agressif, on n'a pas vraiment le temps de réfléchir, même si à la fin on n'en a pas retenu grand chose. C'est à la fois la force et la faiblesse de l'album finalement : un coup de poing d'une violence inouïe pour l'époque, mais qui semble paradoxalement trop extrême aujourd'hui (alors même que le metal a produit quantité de choses nettement pires depuis). Mais bon, rien que les deux titres "longs", il mérite vraiment d'être écouté.
  
  
• Slayer - South of heaven (1988) ★ ★ ★ ★
  
  Que faire après un album aussi brutal et sans concession que Reign in blood ? Slayer a eu la présence d'esprit de ne pas tenter de faire "le même en pire", mais au contraire de revenir à un thrash nettement plus posé et classique, avec un ralentissement de tempo très net, manifeste dès la superbe chanson-titre qui ouvre l'album avec un intro lente et très mélodique qui met immédiatement dans le bain. De toute façon, Slayer a une qualité indéniable : ils savent mettre leurs meilleurs morceaux aux bons endroits pour accrocher l'auditeur. Ici comme dans leur disque précédent, les deux pistes les plus mémorables sont sûrement la première et la dernière (Spill the blood, qui comme par hasard joue aussi la carte de l'ambiance lourde et du tempo très retenu). Mais ce qui se trouve entre les deux est globalement de meilleur tenue que sur Reign in blood, c'est assez varié (on a quand même du bourrin rapide avec Silent scream ou Ghost of war, à mon sens les titres les plus faibles de l'album, mais aussi des pistes comme Live undead ou le très bon Mandatory suicide où on se croirait presque chez Metallica), on a même une reprise (franchement dispensable) de Judas Priest, et aucune chanson n'est vraiment décevante. Malgré tout, ce n'est pas encore suffisant pour moi pour dépasser une très bonne note, la faute encore une fois à des solos indigestes (sur Mandatory suicide ou Cleanse the soul) et quelques titres quand même moins bons déjà signalés. Je préfère quand même assez largement ça à leurs albums précédents.
  
  
• Slayer : Seasons in the abyss (1990) ★ ★ ★ ★ ½
  
  Me voici donc arrivé à ce cinquième album censé représenter la quadrature du cercle pour Slayer, proposant le meilleur des deux mondes (le Slayer survolté de Reign in blood et celui nettement plus posé et mélodique de South of heaven) et maîtrisant totalement son sujet. De fait, l'album est assez inattaquable : quelques titres vraiment monstrueux (comme d'habitude, l'ouverture et la clôture du disque sont particulièrement soignées, aux deux extrêmes niveau style d'ailleurs), pas de temps faible vraiment gênant, et surtout l'impression que les musiciens ont de fait atteint une sorte de maîtrise technique absolue de ce qu'ils font qu'on ne ressentait pas jusque-là (le chant varié et souvent surprenant d'Araya fait mouche à chaque fois, et même les solos sont pour une fois quasiment tous corrects). Sans surprise, je suis plus séduit par les titres plus lents aux ambiances glauques (la chanson titre, quand même, avec ce refrain hyper marquant, c'est énorme !) que par le déferlement des titres plus rapides (même si je dois admettre que War Ensemble est assez imparable ou qu'une chanson comme Expandable youth est également très réussie), et les quelques tentatives d'expérimentation sont réussies (l'excellent refrain de Skeletons of society ou les bizarreries qui émaillent le glauquissime Dead skin mask, par exemple). Bon, mais alors, si tout est bon, pourquoi pas la note maximale ? Eh bien, je vais faire le pénible de service, mais je continue à penser que le groupe s'appuie un peu trop sur le principe "on met une bombe au début, une bombe à la fin, et le reste passera tout seul", ce qui crée une sorte de ventre mou en cours d'album (surtout la deuxième moitié en fait, Temptation et Born of fire, c'est pas mauvais, mais un peu paresseux). Et puis bon, presque par principe, je n'ai pas envie de mettre autant qu'aux albums ultimes du thrash que sont pour moi le Rust in Peace de Megadeth et les premiers albums de Metallica. Malgré tout, ce disque-ci n'a clairement pas usurpé son statut de grand classique. Allez, je me remets Seasons in the abyss (la chanson) pour la cinquantième fois de la semaine...
  
  
• Slayer - Divine intervention (1994) ★ ½
  
  Beaucoup de fans de metal considèrent que la carrière de Slayer s'est brutalement arrêtée après l'an de grâce 1990 (celui de la sortie de leur album précédent, pour ceux qui n'auraient pas suivi). Il me restera quelques disques à écouter après celui-ci, mais pour l'instant, il faut bien être honnête, je ne peux pas trop leur donner tort. Déjà, contrairement aux bonnes habitudes du groupe, ça part assez mal avec un Killing fields inaugural qui n'a pas la force de frappe recherchée et qui souffre surtout d'un son plus froid (et, disons-le clairement, plus moche) qu'à l'accoutumée. Le nouveau batteur qui a succédé à Lombardo signe une entrée remarquée, mais en fait on l'entend trop (sur tout le disque d'ailleurs), et Araya passe son temps à brailler sans nuances. Mais le pire est encore à venir, une bonne moitié de l'album étant constituée de titres au mieux écoutables (Fictional reality) au pire franchement mauvais (Dittohead et Circle of beliefs, simplement pénibles), et souvent coupés de façon absurdement brutale (il faut dire aussi que l'album parait long malgré ses 36 minutes au compteur). Heureusement, alors qu'on y croyait plus, le groupe retrouve un peu d'inspiration en fin de parcours et arrive à aligner quelques titres sympas (le riff de SS-3 est le premier à vraiment m'accrocher, 213 est un bon titre de type "lent et glauque"). Pas suffisant pour sauver le disque, mais peut-être pour croire encore un peu en l'avenir.
  
  
• Slayer - Diabolus in musica (1998) ★ ★ ½
  
  Des fois, on ne devrait pas se renseigner avant d'écouter un disque. Ayant parcouru le web pour lire des avis sur la discographie de Slayer, j'ai pu constater que cet album avait une réputation assez désastreuse, souvent cité même comme pire opus du groupe. Eh bien je ne suis franchement pas d'accord, et le trouve assez nettement plus réussi que le précédent Divine intervention (oui, j'ai sauté le disque de reprises punk qui a été sorti par le groupe entre les deux). Après, je comprends très bien les problèmes que les fans du groupe ont pu avoir : Slayer ne fait plus du tout du Slayer. Au lieu d'innover en proposant une musique ultra agressive comme il l'a fait dans le passé, le groupe se contente désormais de suivre les modes et de produire un metal relativement passe-partout. C'est flagrant dans le titre d'ouverture, Bitter peace, avec son intro hyper lourde, ou dans quelques pistes tentant de sonner urbain (Death's head, Desire) sans d'ailleurs trouver une formule qui marche réellement (un gros point faible de l'album est de toute façon le chant hurlé sans nuance d'Araya). Mais peu importe que Slayer copie, si au moins c'est bien fait, et c'est le cas pour une bonne partie des chansons de ce disque : Bitter peace fonctionne très bien, Perversions of pain aussi (même si je ne peux pas l'empêcher de penser à Fight fire with fire quand j'entends ce genre de motif de guitare), et Point est une bonne conclusion. Entre deux, c'est vrai, pas mal de pistes un peu poussives ou plombées par des lignes vocales médiocres, mais instrumentalement, ça assure quand même plutôt bien. Au final, un disque très écoutable, même si on ne retrouve pas le niveau des sommets du groupe.
  
  
• Slayer - God hates us all (2001) ★ ★
  
  Cet album doit une partie de sa célébrité au fait qu'il est sorti le 11 septembre 2001 (et avec Slayer, on peut être sûr qu'il y aura au moins un ou deux passages douteux dans le disque pouvant conférer à cette coïncidence une portée inattendue). Bon, 20 ans après, demandons-nous plutôt ce qu'il y a de neuf point de vue musical. Eh bien, en fait de neuf, c'est plutôt un retour vers du "vrai" Slayer, comprendre du bourrinage thrash avec solos médiocres mais une exécution instrumentale qui force quand même le respect. Peu de titres vraiment marquants (les meilleurs sont probablement Disciple, belle ouverture de disque après une intro à la limite du supportable, et surtout Bloodline qui est l'un des seuls titres à vraiment proposer une ambiance intéressante), pas franchement de gros ratage, c'est tout à fait correct sans grosse prise de risque (sauf peut-être sur Deviance qui se démarque un peu). Le genre d'album qui s'écoute tout seul et qui vaudrait une bonne moyenne s'il n'était plombé par deux défauts : l'un assez mineur, le son est spatialisé de façon parfois franchement pénible quand on écoute au casque, et l'autre beaucoup plus gênant, Tom Araya ne semble définitivement plus savoir faire autre chose que brailler en continu (c'est plus de la hargne à ce niveau d'acharnement), c'est vraiment fatiguant et ça gâche carrément quelques titres par ailleurs corrects (New Faith, War Zone). Du coup, on descendra à un simple "passable", on est en droit d'attendre mieux de la part d'un tel groupe.
  
  
• Slayer - Christ Illusion (2006) ★ ★ ★
  
  Plus le temps passe, et plus les albums de Slayer se font rares. En même temps, 20 ans après Reign in blood, le groupe a-t-il encore suffisamment de choses à proposer pour se (re)faire une place au sommet du thrash violent et provocateur dont il fut l'un des pionniers ? Eh bien oui, au niveau de la pochette du moins, ils ont encore de la ressource (qu'est-ce que c'est moche, quand même !). Pour ce qui est de la musique on sera plus circonspects, même si là aussi un certain retour aux sources d'un thrash assez speed semble acté (la seule piste proposant quelque chose de franchement différent, Jihad, ne ressemble d'ailleurs pas à grand chose). Deux bonnes nouvelles en tout cas : Araya a retrouvé des nuances dans son chant, mine de rien ça change tout. Et le titre d'ouverture est à nouveau (comme au bon vieux temps) excellent et très percutant, de quoi rêver à un retour au sommet pour le groupe. Ce début en fanfare ne sera toutefois pas vraiment confirmé par la suite du disque, qui se contente de faire du classique efficace sans grande imagination, en retrouvant accessoirement les solos de guitare bien pourris. Tout cela est très correct (Catalyst, Cult, ça passe tout seul) mais on est loin de l'agressivité qui a fait les beaux jours du groupe (on est même à la limite de la rigolade sur le bizarre Consfearacy). Simplement un bon album de thrash avec quelques années de retard, quoi.
  
  
• Slayer - World painted blood (2009) ★ ★ ½
  
  Voilà un album bien déroutant, et du coup pas si évident à juger. Non, Slayer ne fait pas énormément évoluer son fonds musical, mais la dichotomie "rapide et violent"/"plus lent et glauque" est ici particulièrement douloureuse tant les chansons à ranger dans la première catégorie sont ratées. Unit 237 sauve encore les meubles avec son solo assez étrange mais qui pour une fois chez Slayer n'est pas totalement inintéressant, mais Snuff ou Hate worldwide, franchement, on a l'impression que les guitaristes ont joué quelques notes très vite au hasard, mis ça en boîte et gardé en se disant "allez, ça passera". Comme en plus Araya n'a plus l'air très motivé par ce qu'il chante (au moins, c'est moins fatiguant pour les oreilles que sur les albums précédents), ces pistes sont tout simplement à jeter à la poubelle. Mais c'est vraiment dommage, car le reste est bon ! La chanson-titre initiale ne ressemble pas vraiment à du Slayer pour le coup, mais finit par séduire (je ne suis pas emballé du tout par le début), et surtout, les pistes qui jouent la carte plus atmosphérique (Beauty through order, Playing with dolls et surtout Human strain, qui semble même retrouver l'inspiration de Seasons in the abyss (la chanson)) sont excellentes. Du coup, on a la curieuse impression que l'album est deux fois trop long (il est pourtant dans les standards du groupe, à peine 40 minutes de musique), tout en se disant que si le groupe n'insistait pas à vouloir produire des titres dans un style qu'il n'est plus capable d'assurer, il pourrait encore faire de sacrés disques...
  
  
• Slayer - Repentless (2015) ★ ★ ★
  
  Slayer aura été, pendant un peu plus de trois décennies d'existence, un groupe d'une stabilité absolument exceptionnelle dans le monde du metal : quelques crises de son batteur Dave Lombardo mises à part (toujours remplacé par le même Paul Bostaph quand il n'était pas là, d'ailleurs), le quatuor est resté immuable jusqu'à ce dernier album. Ici, le changement s'est effectué par la force des choses puisque Jeff Hanneman, l'un des guitaristes inamovibles du groupe, est décédé, et le groupe ne lui survivra d'ailleurs pas longtemps, se retirant définitivement après ce dernier disque. Si on pouvait du coup s'attendre à une sorte de disque testament, il n'en sera en fait absolument rien, puisqu'on a ici droit à un travail étonnamment appliqué et limite scolaire de la part de Slayer. Après une intro qui lorgne du côté de Maiden (au moins la mélodie initiale), s'alignent des titres ni trop rapides ni trop lents, avec des solos parcimonieux et pour une fois tout à fait audibles, mais surtout une exécution propre et soignée qu'on n'attend pas vraiment de la part de Slayer. Rien ne dépasse vraiment, aucun titre n'est une tuerie inoubliable, aucun non plus n'est complètement raté (mes préférés quand même : l'espèce de ballade When the stillness comes et Piano wire), c'est en fait très homogène (parfois même à la limite du répétitif), parfait pour une écoute en musique de fond, un peu moins si on espère y trouver de quoi vraiment se réveiller. En fait, un peu le genre d'album qu'on attendrait d'un groupe prometteur à ses débuts (et que Slayer était à des années-lumière de proposer à ses propres débuts, d'ailleurs !), très sympa mais un peu lisse et assez vite oublié. Une conclusion loin d'être indigne pour le groupe, en tout cas.
  
  
  
  
• Slipknot - Slipknot (1999) ☆
  
  C'est bien beau d'écouter de l'obscur black norvégien ou de l'improbable metal prog aux influences variées, mais pour faire un tour d'horizon un peu complet des différentes tendances du metal, il fallait bien aussi que j'aille un peu plus regarder du côté commercial de la force obscure, par exemple avec l'album éponyme de Slipknot, qui après tout a du vendre à lui seul plus de disques que tous les groupes des deux genres cités en début de critique réunis. Au pire, j'aurai perdu une heure à écouter de la merde. (Une heure plus tard). Ah ben oui, j'ai perdu une heure à écouter de la grosse merde (je ne suis même pas honnête, j'ai essayé le disque plusieurs fois avant de le critiquer). Premier point relativement anecdotique : je suis très dérangé par le look des membres du groupe, avec leurs masques. C'est assez curieux dans la mesure où les outrances nettement plus limite de certains groupes de black, par exemple, auraient plus tendance à me faire rigoler, mais là ça me rend mal à l'aise. Deuxième point qui me surprend énormément : que ce groupe ait pu avoir un tel succès commercial dépasse mes capacités de compréhension. On est ici très loin d'un metal gentillet ou mélodique accessible au plus grand nombre, ça lorgne plutôt vers vers les penchants les plus extrêmes et bordéliques du genre. Déjà, le groupe est constitué de neuf gugusses, et hélas ça s'entend : bruitages, samples et autres joyeusetés en permanence, c'est bien simple, c'est le foutoir constamment, dont émergent à peine quelques riffs médiocres répétés sans inspiration, et surtout le "chant" de Corey Taylor, qui mérite à lui seul un triple carton rouge. Les rares fois où on l'entend en voix claire (sur quelques refrains), ce mec chante tout à fait correctement, mais il passe une écrasante majorité de l'album à beugler le plus hideusement possible et à prendre un style slammé complètement atroce (oui, le groupe veut manifestement faire de temps à un autre une sorte de metal fusion) qui rendent sa performance sur l'intégralité des pistes de l'album tout bonnement insupportable. Le pire du pire : la piste finale Scissors, longue suite de hurlements sur fond de bouillie sonore indistincte, le premier album de grindcore venu est mieux construit (et ça dure une minute par chanson et pas huit comme ici). Le mieux : une indéniable énergie se dégage de certaines pistes, (sic) par exemple c'est très très bourrin mais presque audible. Globalement quand même, on peut quand même constater que la fusion du metal et d'influences urbaines n'est pas donnée à tout le monde : quand on a du talent à revendre ça donne le génial premier album éponyme de Rage Against The Machine, quand on en a aucun, ça produit la grosse bouse malodorante qu'est celui de Slipknot.
  
  
• Slipknot - Iowa (2001) ½
  
  Malgré ma critique assassine de ce qui n'était en fait pas le premier album du groupe (ils avaient apparemment enregistré un premier effort avant d'embaucher Corey Taylor au chant, peut-être que c'était moins inaudible mais je n'ai pas eu la curiosité de tenter le coup), je continue la discographie du groupe, dont la qualité est strictement croissante au moins sur les premiers disques (je n'ai pas encore terminé mes premières écoutes). Oui, c'est même très net, on passe de "bouse absolue avec rien à sauver" à "bouse absolue avec quelques titres surprenants". L'essentiel de ce disque est en effet à nouveau composé de titres bourrins et confus où alternent beuglements et chant plus ou moins rappé complètement insupportable (et puis on atteint quand même un fond assez indépassable au niveau des paroles avec par exemple People=shit), mais il y a quelques échappées inattendues qui laissent penser que Slipknot pourrait être capable avec un petit effort de produire de la musique (de la vraie, je veux dire) : l'introduction presque subtile de Gently (hélas, ça se gâte assez vite au cours de cette piste), les percussions un peu recherchées de Skin ticket (dommage que ce soit aussi répétitif, mais quand Slipknot a une idée, en général, ils ne vont pas chercher plus loin ensuite que la répétition pure et simple), et surtout l'ovni que constitue la piste finale Iowa. Là, c'est carrément un quart d'heure de musique quasi expérimentale, avec un espèce d'ostinato de percussion qui évolue à peine, et pas mal de passages essentiellement bruitistes par-dessus. C'est beaucoup trop statique pour tenir la longueur, mais il y a là-dedans un minimalisme étonnant qui arrive à instiller une ambiance assez spéciale. Bien insuffisant pour sauver le disque, mais on est quand même en progrès, ce qui me permet d'utiliser pour la première fois dans ces critiques la note généreuse de 0.5.
  
  
• Slipknot - Vol.3 : The Subliminal verses (2004) ★ ★ ½
  
  Le deuxième album du groupe avait laissé entrevoir un léger mieux par rapport au premier (on partait il est vrai de bien bas), celui-ci sera le premier à être réellement écoutable. Mais curieusement, pour cela, le groupe a mis de côté une partie de ce qui faisait son identité pour proposer quelque chose de nettement plus policé, peut-être curieusement poussés par un succès dépassant leur attente à proposer quelque chose de plus commercial pour le justifier a posteriori. En tout cas, le son est plus propre, c'est moins le bordel, et on a de plus en plus de pistes où Taylor ne beugle pas (je rassure les fans de la première heure, il en reste d'assez inaudibles, comme Welcome ou The Nameless). Un prélude assez mélancolique, les interludes Vermilion (bon, le chant est trop poseur et pop pour ne pas agacer mais l'effort est quand même louable), et surtout la très belle Circle avec ses violoncelles (si on pouvait supprimer le break aberrant, ce serait parfait), franchement, on n'imaginerait pas du tout du Splipknot. Et même le reste du temps, il y a de gros progrès, avec des riffs plutôt efficaces parfois hélas gâchés par un chant encore hystérique (The Blister exists). Et puis, pour conclure cet album finalement assez varié, on a à nouveau droit à des trucs expérimentaux assez invraisemblables mais loin d'être inintéressants (la piste finale Danger - keep away me plaît bien). Tout ça est encore trop inégal, mais montre cette fois vraiment que le groupe est capable de produire de bonnes choses.
  
  
• Slipknot - All Hope is gone (2008) ★ ★
  
  C'était latent dans leur album précédent, c'est maintenant complètement manifeste, Slipknot n'assume plus du tout son côté "bad boys". On a toujours une partie des pistes qui proposent certes un metal assez violent, qui louche de plus en plus vers une influence thrash ma foi pas désagréable (les première et dernière chansons, Gematria et All Hope is gone, sont assez réussies), mais cette brutalité est en permanence gommée, d'abord par une production et une organisation des compositions de plus en plus aseptisées (le foutoir total des premiers albums est loin, ça on ne s'en plaindra pas, mais on se demande souvent s'ils sont vraiment encore neuf dans le groupe), mais surtout par l'adjonction systématique de refrains en chant clair limite pop (pour le coup, ça devient vraiment un procédé un peu fatiguant) et de petits morceaux de choeur vraiment dispensables. Et comme si ça ne suffisait pas à s'assurer un public suffisamment large, on a même des chansons complètes en chant bien clair, qui vont parfois chercher une espèce de guimauve pour midinettes (j'ai pensé à Type O Negative sur Gehenna, c'est vraiment pas bon signe) à des années-lumière de l'univers du groupe. Pas de titres expérimentaux pour nous perturber cette fois-ci, dommage, car le fond musical est toujours en progrès, mais c'est frustrant de ne pas l'exploiter mieux et de ne proposer qu'un disque qui s'écoute tranquillement, mais au fond très passe-partout et vite oublié.
  
  
• Slipknot - .5 : The Gray chapter (2014) ★ ★
  
  Après un nouveau break de plusieurs années, Slipknot se décide à sortir un nouvel album en hommage à l'un de ses anciens membres récemment décédé (ils ont aussi perdu leur batteur dans l'intervalle). Comme d'habitude, on a droit à 14 titres, ce qui est sûrement trop, mais le disque s'ouvre de façon très encourageante avec un XIX à faire pleurer les pierres. La promesse d'un album émotionnellement fort ne sera pas vraiment tenue puisque le groupe alterne ensuite sans prendre le moindre risque entre des titres rapides au chant agressif (Sarcastrophe ou The Negative one, un peu dans le style de leurs premiers albums, c'est toujours aussi mauvais) et d'autres nettement plus easy listening lorgnant même franchement vers la pop, avec un succès variable (Killpop, c'est vraiment horrible, mais Nomadic par exemple est vraiment sympathique). Bien sûr, on a aussi droit quelques fois à la facilité de la dichotomie couplets énervés / refrain mielleux qui est devenu un classique du groupe (AOV s'en sort assez bien dans ce genre). En fait, une sorte de compilation de ce que le groupe sait faire de mieux (le titre final, If rain is what you want, très atmosphérique, conclut l'album en beauté) mais aussi de moins bon, à peu près au niveau de leurs deux productions précédentes. Toujours pas de quoi justifier le statut de groupe majeur de Slipknot, mais ça s'écoute gentiment.
  
  
• Slipknot - We are not your kind (2019) ★ ½
  
  Dernière résurrection en date pour Slipknot avec cet album à la pochette sympathique. Corey Taylor aurait prétendu à propos de cet opus vouloir revenir aux sources de la musique produite par le groupe (ce qui, pour moi, ressemble à une très mauvaise nouvelle !), mais c'est en fait plutôt à un résumé de toute leur carrière auquel on a droit : hétéroclite, souvent agaçant, et au fond musicalement trop limité. On se pose quand même des questions en entendant l'intro de Unsainted (précédé comme d'habitude par une piste bruitiste sans intérêt), ses choeurs angéliques et ses lignes de chant clair très pop, vite interrompus par des passages nettement plus agressifs au chant pseudo rap complètement insupportable (Taylor n'avait pas totalement menti, il arrive hélas à être pratiquement aussi horripilant au niveau du chant que sur les deux premiers disques du groupe), où cela est-il censé nous mener ? On n'aura pas vraiment de réponse puisque le groupe continuera tout du long à alterner chant slammé ignoble (sur Critical darling ou Orphan, on touche vraiment le fond) et chant clair (parfois sur une même chanson, en réservant comme d'habitude le chant clair aux refrains), et à entrecouper le tout d'interludes qui ne semblent avoir été insérés que pour atteindre le compte habituel de 14 pistes (ils ne sont pas désagréables, mais la cohérence du tout laisse à désirer). Et finalement, là où le groupe me convainc le plus, c'est quand il part tellement en cacahouète qu'il propose des choses qui n'ont plus rien à voir avec le metal (le début de la ballade de rigueur A Liar's funeral, l'amusant Spiders, ou même My pain qui pour le coup part vraiment complètement en vrille). Quelque part, ça prouve une fois de plus que le fond de commerce de Slipknot est vraiment une musique qui ne m'intéresse pas, ce qui explique en partie le fait que je n'ai trouvé aucun de leurs albums vraiment satisfaisant. Mais je suis quand même allé jusqu'au bout de l'aventure...
  
  
  
  
• Sonata Arctica - Ecliptica (1999) ★ ★ ★
  
  Fin du millénaire dernier, alors que le metal speed est un genre à la mode et qu'il est même devenu une spécialité finlandaise (notamment grâce à Stratovarius), le premier album d'un groupe venu du froid reçoit un accueil enthousiaste assez unanime chez les fans du genre. Le genre de disque fait pour moi donc ? Eh bien je dois admettre que la réputation de ce disque me semble assez grandement exagérée. On peut sûrement l'expliquer par le fait que, contrairement à d'autres qui ont pas mal tâtonné avant de proposer un contenu vraiment convaincant, le tout jeune groupe (une vingtaine d'années de moyenne d'âge à l'époque) semble déjà en pleine possession de ses moyens, à quelques approximations du chanteur près (surtout quand il essaye de chanter aigu pour faire comme tous les autres chanteurs de speed alors que sa voix n'est clairement pas faite pour ça). Mais même au maximum, ce qu'ils produisent ressemble quand même sérieusement à un gros alignement de clichés (les guitares hyper speed mais brouillonnes de Blank file, le clavier en mode clavecin, la ballade crémeuse accompagnée à la flûte Letter to Dana), sans jamais avoir l'étincelle de folie qui permette de tout emporter sur son passage (Picturing the past est le seul titre vraiment irrésistible du disque à mon sens), ou la mélodie hyper bien troussée qui se retient toute seule (en fait, niveau lignes vocales, on penche dangereusement du côté d'une pop quelconque). Après, ça reste très bien fait et tout à fait agréable à écouter pour qui aime le genre, mais il faut remettre les choses à leur place, c'est "seulement" un bon album, rien de plus.
  
  
• Sonata Arctica - Silence (2001) ★ ★ ½
  
  Avec ce deuxième album au titre surprenant (on ne peut pas dire que la musique du groupe soit chiche en décibels), Sonata Arctica confirme assez exactement mon avis donné sur leur premier disque : une musique hyper balisée qui navigue entre les titres speed aux refrains pop un peu faciles avec claviers qui en font des tonnes (c'était le chanteur qui gérait les claviers dans leur premier opus, ils ont embauché un musicien supplémentaire pour celui-ci, du coup c'est encore pire de ce point de vue) et ballades avec piano terrifiantes de mièvrerie (Tallulah, quand même, c'est assez dur à avaler). On a même droit cette fois-ci à un court instrumental (Revontulet) plutôt rigolo dans son côté totalement exubérant. L'ensemble est à nouveau tout à fait sympathique quand on aime le genre, mais tout autant frustrant car on sent parfaitement que le groupe pourrait faire infiniment mieux s'il ne cédait pas autant à la facilité : cette fois-ci le titre qui sort du lot est Wolf and raven, réellement irrésistible avec son chant rageur. Mais c'est une nouvelle fois le seul à se situer au-dessus du "bon sans plus".
  
  
• Sonata Arctica - Winterheart's guild (2003) ★
  
  Après deux premiers albums pleins de fougue juvénile mais manquant de profondeur au niveau du contenu musical, Soanata Arctica semble décidé à se poser un peu plus, et leur nouveau disque ralentit globalement le tempo (enfin, y a encore plus de ballades nunuches quoi), et allège les accompagnements, qui deviennent même par moments aux frontières de l'indigence (le très bizarre Broken). Et du coup, on voit encore plus clairement qu'ils n'ont essentiellement rien de nouveau à raconter. Un ou deux titres rapides potables (Victoria's secret, malgré son titre improbable), mais aussi une tentation néoclassique mal digérée (Champagne bath et sa section de solos complètement foirée), des ballades insupportables (The Misery, Draw me) qui feraient tâche au milieu d'une set-list de tubes FM, et enfin, et c'est peut-être le plus inquiétant, des lignes vocales souvent carrément moches (The Ruins of my life, entre autres). Bref, pas grand chose à sauver, même si l'envie manifeste des musiciens donne encore envie de ne pas les dézinguer complètement. M'enfin, encore un ou deux albums comme ça et je passerai quand même à autre chose.
  
  
• Sonata Arctica - Reckoning night (2004) ★ ★
  
  Définitivement, Sonata Arctica est un groupe frustrant, pour ne pas dire franchement agaçant. Pour ce quatrième album, ils ont beaucoup moins forcé sur les ballades que sur le précédent (ouf !) et font indiscutablement preuve de plein de bonnes intentions, mais arrivent à chaque fois à les gâcher partiellement (quand ce n'est pas totalement). Par exemple, la volonté de faire de White pearl, black oceans une longue piste épique portée par ses choeurs (de toute façon, des choeurs, il y en a partout dans l'album, avec même un peu d'influence Queen surprenante sur The Boy who wanted to be a real puppet), mais qu'est-ce que c'est mielleux et gnangnan (le titre reste écoutable mais aurait pu et du être nettement meilleur) ! Pourtant je ne suis pas franchement allergique au glucose, mais là on a vraiment beaucoup trop souvent de la ligne mélodique bien crémeuse à peine accompagnée par une guitare et une batterie en mode pilotage automatique (faut dire qu'ils ont pas grand chose à faire, les claviers ont plus de boulot). Même sur un Wildlife plus énervé (le groupe essaie de refaire, sans y arriver, le coup de Wolf and raven deux albums plus tôt), ça finit par partir complètement en vrille sur un solo presque gênant tellement on a l'impression que les notes ont été balancées au hasard. En fait, c'est sur les morceaux les plus classiquement speed que le groupe s'en sort le mieux (Misplaced, Don't say a word, My Selene) et propose des titres sympa même si là encore bien cliché. Pas de pot, à partir de l'album suivant, ils vont décider de laisser tomber les titres au tempo rapide pour faire quelque chose de plus complexe et réfléchi. Bon, ben sauf miracle improbable à l'écoute, je me dispenserai d'analyse détaillée pour la suite de leur discographie...
  
  
  
  
• Strapping Young Lad - Heavy as a really heavy thing (1995) ☆
  
  Démarrons aujourd'hui une longue aventure avec l'un des touche-à-tout les plus prolifiques du metal actuel : Devin Townsend. Depuis ses débuts il y a une trentaine d'années, le canadien a en effet mené en parallèle plusieurs projets et sorti des albums par dizaines, en solo ou avec ce groupe, Strapping Young Lad, qui représente en quelque sorte un exutoire aux penchants les plus violents et extrêmes du gugusse (je ne sais pas si je me farcirai toute la discographie disponible, mais comme à mon habitude (qui a dit "maniaque" ?), je vais essayer de procéder chronologiquement). De fait, brutal, ça l'est très souvent, en plus d'être expérimental, au point même de proposer une bonne partie du temps une sorte de condensé de sonorités industrielles ou électro et de metal hardcore bien bourrin, le tout avec un son dense et franchement moche. N'y allons pas par quatre chemins : en fait, c'est vraiment de la grosse merde, comme j'en ai entendu assez peu depuis que j'ai commencé ces chroniques, il n'y a pas une piste à sauver dans ce machin franchement pénible à écouter jusqu'au bout. Bon, ce ne sera ni le premier ni le dernier groupe à mal commencer sa carrière, mais espérons quand même que la suite sera nettement meilleure.
  
  
• Strapping Young Lad - City (1996) ★ ★
  
  J'aurais peut-être du accepter l'offre de boules Quies faite par un camarade quand il a su que j'écoutais ce groupe, car Strapping Young Lad est de retour pour une deuxième offrande, et on ne peut pas vraiment dire qu'elle calme le jeu par rapport à la précédente. Devin hurle beaucoup, la rythmique est monstrueusement brutale, les pistes s'enchaînent sans pause, la production très (trop) riche (on a vraiment l'impression qu'il y a "trop de son", comme si le but était d'assourdir l'auditeur), bref ça dépote sévère. Mais, et c'est ce qui justifie la note en forte progression, la musique n'a cette fois-ci pas totalement été oubliée, et il y a même des pistes dont l'intérêt dépasse celui de la jouissance primaire provoquée par la puissance de la chose. All hail on the new flesh est vraiment intéressante, AAA et son côté scandé fonctionnent, et Room 429 est une belle curiosité avec son ostinato de piano incongru déboulant après une demi-heure de violence absolue. La dernière piste qui lui succède semble d'ailleurs également hors-sujet, comme si le groupe n'avait pas pu se résoudre à mener à terme son projet jusqu'au-boutiste. On peut d'ailleurs se demander s'ils ont produit ce disque dans le but d'être admirés ou détestés. En pratique, pour moi, ce ne sera ni l'un ni l'autre : pas assez de fond musical pour en faire un chef-d'oeuvre, et au fond trop inoffensif pour être rejeté, ça ressemble juste à une espèce de caprice d'un gamin doué, qu'on écoute avec indulgence mais auquel on n'a plus envie de revenir que ça.
  
  
• Strapping Young Lad - Strapping Young Lad (2003) ★ ★ ★
  
  La boulimie productive de Devin Townsend est régulièrement coupée par des phases de rejet où il promet qu'il ne sortira plus jamais de disques. Mais en général, ça ne dure pas longtemps, et quand il revient c'est avec deux ou trois nouveaux projets sous les bras. Ainsi, après une première coupure en 2001, Devin déboule deux ans plus tard avec deux albums quasiment simultanés, le retour de son groupe défouloir Strapping Young Lad avec un disque éponyme, et un nouveau projet solo dont je causerai donc ailleurs. Pas de grosse surprise pour la facette brutale, c'est du bien bourrin, mais il y a tout de même eu une évolution des sonorités, on quitte le côté indus et vraiment ultraviolent des deux premiers disques du groupe, pour trouver un son nettement plus rond (avec pas mal de claviers, comme si la mise entre parenthèses du projet pendant quelques années lui avait fait subir l'influence de la carrière solo de Townsend) et plus "classique" (beaucoup de blast beats, des guitares qui martèlent leurs notes dans les fréquences graves, on pourrait presque se croire dans un album de death ou de black standard par moments), mais avec par-dessus tout ça de vrais motifs travaillés et même parfois mélodiques et la voix de caméléon de Townsend qui passe du hurlement bestial à des passages plus clairs avec talent. Tout ça pour un résultat à mon sens nettement plus intéressant que sur City, j'aime vraiment bien le long Aftermath et sa rythmique intraitable et le curieux Bring on the young conclusif qui s'éloigne pour le coup sensiblement de la brutalité du reste du disque. Un disque que je n'écouterais pas tous les deux jours (ça blaste quand même trop sévèrement pour moi) mais qui propose vraiment quelque chose d'intéressant dans un cadre d'expression a priori assez limité.
  
  
• Strapping Young Lad - Alien (2005) ★
  
  Strapping Young Lad était initialement le défouloir "plus extrême tu meurs" de Devin Townsend, mais plus le temps avance, moins ce projet semble avoir de sens pour le canadien. Ne pouvant plus guère pousser plus loin le curseur de la violence, il essaye quand même de continuer à proposer de nouvelles choses en ajoutant des éléments plus ou moins incongrus à son metal extrême (ici pas mal de choeurs, y compris des choeurs de gamins dont on se demande ce qu'ils font là, une utilisation étrange des guitares sur We ride, et même Two weeks, piste acoustique calme qui semble avoir été casée là juste pour faire contraste avec le reste). Mais sur le fond, il ne semble pas avoir grand chose à dire, et il comble le vide à grands coups de synthés comme il le fait sur ses albums solo, au point d'ailleurs que, s'il n'y avait pas le chant extrême (pas du tout systématique d'ailleurs, il y a nettement plus de chant clair sur ce disque que sur les précédents du groupe), on pourrait confondre. Et puis, rien que pour le foutage de gueule que constitue le Info dump final (douze minutes de bruits inaudibles), l'album mérite sa sale note, même si le reste est loin d'être minable (simplement pas très intéressant). Le groupe aura encore droit à un album en 2006, The New black, dont je ne ferai pas de chronique, plus ou moins dans la même lignée, avec quelques bizarreries (des cuivres sur une piste, entre autres), quelques titres sympa (le très exubérant Far beyond metal) mais trop peu de musique consistante à se mettre dans les oreilles. Ensuite, Devin Townsend comprendra qu'il est temps de ranger ce projet au placard pour se consacrer à autre chose.
  
  
  
  
• Stratovarius - Fright night (1989) ★ ★ ★
  
  Pour ceux qui ne le sauraient pas, Stratovarius est l'un des ces groupes de metal "symphonique" (comprendre : avec plein de claviers de mauvais goût) venus du Nord qui proposent un metal très mélodique, volontiers épique ou au contraire bien crémeux, et qui n'hésitent pas à rajouter une bonne dose de guimauve pour faire passer les choses. De toute façon, si vous vous voulez mesurer votre perméabilité au groupe, testez donc le début de My eternal dream (première piste tirée de leur dernier album) et, selon l'endroit où vous positionnerez votre curseur entre "génialement épique" et "horriblement pompier", vous saurez à quoi vous en tenir. Mais revenons pour l'instant une trentaine d'années en arrière, avec les débuts nettement moins pyrotechniques du groupe. À l'écoute de ce Fright night, on a l'impression d'entendre le devoir de fin d'études bien appliqué d'étudiants en école de musique qui se lancent dans le grand bain (ce qui est de fait à peu près le cas des finlandais à l'époque). Mais assez curieusement, ça n'a pas du tout un esprit metal (ce n'est pas le machin enregistré dans un garage avec soli approximatifs), on aurait plutôt la sensation d'entendre des musiciens classiques qui voudraient soudain faire autre chose et tenter du metal : c'est assez épuré (de ce point de vue, on est vraiment loin de la future musique du groupe !), l'utilisation de gammes ou autre motifs n'est vraiment pas conforme à ce qu'on entend habituellement dans le genre, et on a même droit en guise de Goodbye à un instrumental qui sonne carrément médiéval. Amusant, et même si c'est un peu trop lisse, j'avoue passer un très bon moment à écouter ce machin (le chant sur Future shock, la cavalcade de Witch hunt, le refrain de Fright night, ça passe très bien). Clairement pas un chef-d'oeuvre, mais un début prometteur.
  
  
• Stratovarius : Twilight time (1992) ★ ★ ★
  
  Après un premier album assez surprenant, Stratovarius change de cap avec un deuxième disque qui annonce beaucoup plus clairement ce que fera le groupe par la suite : son beaucoup plus heavy, mais surtout un metal très mélodique avec des claviers qui ne s'imposent pas encore totalement mais qui font tout de même des apparitions remarquées et même quelques bruitages d'un goût pas toujours excellent (la combinaison des grincements stridents et du synthé "fantômatique" en intro de Madness strikes at midnight, c'est vraiment kitsch), tout pour me plaire. Et de fait, le Break the ice qui ouvre l'album est très réussi, ça se répète beaucoup mais c'est c'est assez irrésistible, avec même un break assez inspiré en cours de route. La suite sera tout de même très inégale, des hauts (Madness strikes at midnight avec sa belle utilisation du registre grave des claviers et son refrain tellement efficace qu'on l'entend au moins cinquante fois), des titres power trop basiques pour vraiment marquer (The hands of time et sa batterie insipide, le joyeux Out of the shadows), et un instrumental de 2 minutes qui essaye de claquer mais qui finit dans le mur faute d'intentions claires. Mais surtout, le disque s'achève en apothéose avec Lead us into the light. Dès les premières mesures on craint le pire : tempo très retenu, tchac poum béats de la batterie et motifs de violons synthétiques, ça sent fort la ballade FM sirupeuse en diable. Eh bien on a raison puisque c'est exactement ça, mais fait avec une telle envie sincère d'émouvoir l'auditeur indulgent que ça passe crème (avec supplément chantilly). À l'image d'un album que je ne peux m'empêcher d'apprécier malgré ses gros défauts, même si je ne le conseillerais qu'à ceux qui apprécient déjà fortement le genre à la base.
  
  
• Stratovarius - Dreamscape (1992) ★ ★
  
  Après deux premiers albums très différents mais tous les deux prometteurs, Stratovarius semble prêt à passer à l'étape supérieure avec cette troisième proposition : pas moins de 14 chansons, des ambiances très variées, sur le papier c'est intéressant. À l'écoute, hélas, c'est plutôt la déception qui l'emporte. Déjà, les aléas de l'écoute sur deezer font que j'ai du faire pour cet album avec une version "d'origine" quand j'avais très certainement eu une version remastérisée pour le précédent, car la qualité sonore est très moyenne (les guitares sonnent brouillon et assez grises, c'est bizarre, en tout cas sur certains titres c'est vraiment pas très beau). Mais surtout, après un début de disque plutôt sympathique (Chasing shadows a un refrain efficace même si beaucoup trop répété, 4th reich et son ambiance oppressante intrigue, et Eyes of the world est vraiment sympa même si on tombe un peu dans la facilité), le groupe expérimente à tout va et ne convainc que trop rarement : Magic carpet ne ressemble à rien, les titres Thin ice et Atlantis sont certes intéressants mais quand même franchement bizarres, et les chansons plus classiques ne provoquent aucune étincelle (la ballade Tears of ice tombe encore dans la caricature avec ses ajouts de flûte, les quelques titres speed comme We are the future) sont tout bonnement quelconques). Le tout s'achève avec un Wings of tomorrow aux cuivres synthétiques datés et au refrain pop vraiment mauvais, probablement la piste de trop qui fait vraiment pencher la bascule du mauvais côté. Dommage, les finlandais ont des choses à dire, mais ont probablement voulu en mettre trop dans ce disque-là, même si tout n'est pas à jeter.
  
  
• Stratovarius - Fourth Dimension (1995) ★ ★ ★ ★
  
  Pour ce quatrième opus au titre subtil et à la pochette, euh, datée, les finlandais ont changé de chanteur (le nouveau venu est une sorte de caricature du chanteur de speed à la voix bien claire qui peut facilement monter dans l'aigu, mais en même temps il assure tout à fait correctement) mais ont surtout laissé tomber les expérimentations diverses et parfois difficiles à suivre de leur précédent album. Les deux premières pistes Against the wind et Distant skies l'affichent haut et fort : maintenant on fait vraiment du bon vieux speed à tendance héroïque, avec refrain un peu facile mais tellement entraînant que personne ne peut y résister. Pas moi en tout cas, puisque de fait j'accroche à fond sur ces deux titres. Il y aura ensuite des choses moins réussies, mais toujours intéressantes (bon ok, l'intro kitsch de Galaxies est d'un goût discutable, mais le reste de la chanson est franchement sympa ; et puis j'aime beaucoup le curieux 030366 avec son ambiance quasiment indus qui semble déplacée sur un disque de ce type). Dans la deuxième moitié de l'album, le groupe essaye de varier un peu les sonorités : de la flûte sur Nightfall (un peu cliché tout ça) et des claviers qui semblent faire une obsession sur le mode clavecin, c'est assez amusant même si Twilight symphony (qui contient par ailleurs un peu de vrais violons) frise le trop plein. Finalement, c'est probablement quand ils essaient de rester le plus classiques possible que les finlandais s'en sortent le mieux mais l'album dans son ensemble est quand même assez irrésistible à mon goût.
  
  
• Stratovarius - Episode (1996) ★ ★ ★ ★
  
  Avec ce cinquième album, on rentre vraiment de plain pied dans la période "classique" de Stratovarius. Le nouveau chanteur est maintenant bien installé, mais surtout la production est nettement plus propre (et clinquante, il faut bien l'avouer) qu'auparavant, et le style speed mélodique avec une bonne dose de mauvais goût complètement assumé. Les plus allergiques seront donc complètement horripilés par les tics parfois énervants (entre autres l'utilisation du synthé clavecin caractéristique du groupe, l'instrumental Stratosphere est franchement à la limite du n'importe quoi, et l'intrusion assez incongrue d'une citation de Bach dans Will the sun rise ? de trop), et probablement terrifiés par la ballade Forever qui conclu l'album (ah, ces violons dégoulinants ! Même pour moi c'est un peu too much !). Les fans, au contraire, se réjouiront d'une première moitié d'album vraiment excellente (les très speed Father time et Speed of light, et l'assez décousue mais vraiment attachante Eternity). La fin n'est pas tout à fait au niveau, les pistes Babylon (avec, on s'en serait douté, un peu plus que quelque touches d'orientalisme de bazar) et Night time eclipse ne justifiant pas vraiment leur assez longue durée (plus de sept minutes). Dans l'ensemble, ça reste quand même un classique du genre tout à fait appréciable.
  
  
• Stratovarius - Visions (1997) ★ ★ ★ ★
  
  Stratovarius avait atteint une sorte de vitesse de croisière avec son précédent essai Episode, il confirme avec ce nouvel album assez unanimement considéré comme son plus grand classique. Je suis assez d'accord avec cet avis, mais avec quelques réserves. Oui, il s'agit d'un disque assez imparable pour qui apprécie ce metal speed très mélodique (et, bien entendu, supporte le clavecin si cher à nos finlandais), qui a par rapport au précédent l'énorme avantage d'être extrêmement homogène : aucune piste vraiment faible, une belle alternance entre titres rapides qui lorgnent toujours un peu trop sur la virtuosité gratuite (Forever free dont la fin est un peu lourdingue), chansons plus calmes mais aux ambiances travaillés (le réussi Kiss of Judas qui ouvre l'album), les inévitables ballades (Before the winter et Coming home, toutes les deux réussies pour qui supporte la guimauve), l'instrumental de rigueur (pour le coup, niveau virtuosité et clavecin, on est servis) et même une piste finale éponyme beaucoup plus ambitieuse que de coutume, dix minutes de délire sur les prédictions de Nostradamus, c'est intéressant à défaut d'être tout le temps génial. Non, vraiment, tout ça fait un excellent album sur lequel on peut difficilement cracher, et pourtant, quelque part, c'est trop lisse, trop "facile" (Black diamond, un des tubes absolus du groupe, me semble relativement peu intéressante à cause de ce côté franchement prévisible, et puis singer Bach au clavecin en intro et en conclusion, désolé, ça ne suffit pas à m'impressionner), il manque probablement un titre qui surprenne vraiment pour monter au-dessus de la catégorie "album très recommandable". Je laisse quand même quatre étoiles pour la qualité globale (et homogène, encore une fois) des titres proposés, mais je crois que je préfère légèrement le disque précédent.
  
  
• Stratovarius - Eternity (1998) ★ ★ ★ ★
  
  Probablement mon album préféré de la grande période du groupe. On est dans la même lignée que les deux précédents, malgré un ton globalement moins enjoué, ce qui se traduit notamment par une présence encore plus grande que d'habitude de morceaux lents (l'excellent 4000 rainy days, les moins mémorables Years go by et Venus in the morning, qui sauvent les meubles avec un peu de piano pour la première et d'orchestrations pour la seconde). On a tout de même droit à quelques titres speed comme il faut (No turning back, où le chanteur semble dangereusement proche du plantage quand il part dans l'aigu, c'est d'ailleurs encore plus manifeste sur les titres live de la même époque où on est souvent sur le fil du rasoir, ou le très sympathique Playing with fire). Mais les deux morceaux de bravoure du disque, ce sont les longues fresques qui ouvrent et clôturent l'album, Destiny avec sa très belle utilisation de choeurs angéliques (si, si, c'est possible), et Anthem of the world, qui donne plus dans l'épique et confirme que Stratovarius se dirige de plus en plus clairement vers un metal orchestral. Même pas un seul instrumental, et le clavecin qui se fait rare, le résultat est peut-être un peu moins personnel mais quand même encore une fois sacrément maîtrisé.
  
  
• Stratovarius - Infinite (2000) ★ ½
  
  Après trois albums consécutifs particulièrement solides, Stratovarius semblait avoir trouvé la recette qui lui permettait d'assurer le succès à chaque coup. Et pourtant, comme ça arrive parfois sans qu'on puisse réellement expliquer pourquoi, ici, la recette pourtant pas franchement renouvelée accouche d'un plat sans saveur franchement décevant. En fait on a l'impression que, l'inspiration en berne, le groupe force en permanence pour accrocher l'intérêt de l'auditeur (Freedom, on se croirait dans un générique d'anime lambda), sans réellement y parvenir. L'album démarre pourtant correctement, Hunting high and low (malgré un son assez électro qui me plait moyennement) et Millenium disposent de refrains efficaces et font le job, comme on dit. Mais ça se gâte terriblement avec Mother Gaia, espèce de ballade de huit minutes complètement destructurée qui démarre sur fond de piano sans âme, et termine avec des envolées de violons synthétiques qui font très "mauvaise musique de film des années 70". L'autre morceau long du disque, la chanson titre, fait à peine mieux en tournant trop souvent à vide. En fait, ce sont les titres les plus classiques qui sauvent l'album de la déroute (A Million light years away) si on oublie les solos gratuitement virtuoses. Mais l'ensemble reste vraiment médiocre en comparaison des précédents disques du groupe.
  
  
• Stratovarius - Elements Pt. I (2003) ★ ★ ★
  
  Ceux qui avaient aimé la pochette de l'album précédent devraient logiquement adorer celle-là. De toute façon, c'est bien simple, avec ce nouvel album (qui n'est que la première partie d'une espèce de concept autour des quatre éléments), Stratovarius, se sentant probablement menacé sur son terrain de prédilection par une quantité de groupes qui montent (faut dire que leur précédente tentative était vraiment en retrait) décide de réagir en en faisant des tonnes, en rajoutant dans tous les domaines : un vrai orchestre symphonique pour les accompagner (à part dans l'épique et assez sympathique Elements, il est relativement mal employé, il faut bien le dire), un instrumental (Stratofortress) encore plus délirant de virtuosité gratuite qu'à l'habitude (j'avoue beaucoup aimer), un break d'accordéon improbable sur Fantasia (là, par contre, désolé, mais c'est vraiment complètement décousu, un gros ratage), une ballade lacrymale sur fond de bruits de vagues pour conclure l'album (A drop in the ocean), finalement les titres speed "standard" sont presque noyés dans ce déferlement de mauvais goût (Eagleheart qui ouvre l'album est réussie, mais Learning to fly est franchement pénible (Kotipelto devient de plus en plus horripilant quand il part dans l'aigu). Oh, mais j'allais presque oublier de signaler la cerise sur le gâteau, l'extraordinaire Papillon : intro avec petit braillard en voix de tête sur fond de clavecin, orchestre mielleux, à l'image du chant qui pèse des tonnes, c'est vraiment du concentré de sirop à la guimauve en barres. J'en suis moi-même assez désolé tellement c'est indéfendable mais j'adore. À l'image d'un album qui creuse très profondément la caricature d'un style déjà peu subtil, mais que je prends quand même un malin plaisir à écouter (bon, pas tout, quand même...).
  
  
• Stratovarius - Elements, Pt. II (2003) ★ ★ ½
  
  En écoutant la deuxième partie du projet de Stratovarius centré sur les éléments (et sorti à peine quelques mois après le premier disque), on se pose une question un peu gênante : pourquoi avoir fait ce deuxième disque ? Là où le premier avait le mérite (discutable certes) d'en rajouter des tonnes avec ses orchestrations sirupeuses, le deuxième volet revient à quelque chose de beaucoup plus classique pour le groupe (l'orchestre ne sert objectivement à peu près à rien), tout en se restreignant pas mal sur les titres speed (on a droit à pas moins de trois ballades, et il faut bien avouer qu'on tombe bien bien bas de ce côté là, Liberty et surtout Luminous sont vraiment des bouses infâmes). On a quand même droit à quelques belles réussites (Alpha & Omega qui ouvre l'album après avoir repris les bruits de vagues clôturant le précédent histoire de créer un lien complètement artificiel, Awaken the giant et son côté bourrin sans complexe qui me plait), et à des caractéristiques habituelles pour le groupe (le clavecin virevoltant sur Know the difference est plutôt rigolo, le chant poussif dans l'aigu sur le même titre beaucoup moins). Un album qui reste largement écoutable mais assez anecdotique.
  
  
• Stratovarius - Stratovarius (2005) ★ ★
  
  Les hasards de ma programmation font que j'enchaîne avec un disque qui a un certain nombre de points communs avec le Turbo de Judas Priest (dont la critique a été tapée la veille de celle-ci, NdRoupoil) : des claviers horriblement datés (les synthés ont toujours joué un rôle important chez Strato, mais quand même, l'intro de l'horripilante Maniac Dance qui inaugure ce disque fait mal aux oreilles avec ces bip-bips façon jeux vidéo 8 bits), et surtout un changement de cap inattendu qui renie complètement l'ADN musical du groupe. Il faut dire que cet album de 2005 a été enfanté dans la douleur, après deux ans de déchirements au sein du groupe, et qu'il sera d'ailleurs le dernier avec Timo Tolkki (quasiment unique compositeur depuis la création de Stratovarius) à la barre. Mais le choix de laisser tomber les orchestrations, les titres speed héroïques et même les ballades sirupeuses (The land of ice and snow joue plutôt la carte pseudo folklorique avec r roulés et flûtiaux en accompagnement, un titre assez mignon à mon avis) qui ont fait tout le succès du groupe est quand même très surprenant, surtout sur un album éponyme dont la pochette arbore uniquement le logo du groupe. On a donc ici droit à des titres globalement nettement plus heavy, au tempo modéré, teintés donc (surtout en début d'album) de sons électroniques très dispensables. L'ensemble n'est pas franchement mauvais, même si les quelques expérimentations laissent plutôt perplexe (Back to madness avec son chanteur lyrique et son texte lu à la fin, United qui termine quand même dans la grosse guimauve avec choeur nunuche et trompette), mais semble quand même légèrement à côté de la plaque dans la discographie du groupe.
  
  
• Stratovarius - Polaris (2009) ★ ★
  
  On pouvait craindre que le départ du fondateur Timo Tolkki et les années de tension n'aient tout simplement raison de l'existence même de Stratovarius, mais pas du tout, les membres restants du groupe ont recruté, ont presque tous contribué à composer les titres d'un nouvel album, et annoncent la couleur dès la pochette : on revient à du Strato bien coloré et spectaculaire, quitte à tomber dans le kitsch. Et en effet, on retrouve les titres speed (Forever, très classique mais très bien), les refrains mélodiques joyeusement chantés en choeur, beaucoup de synthés qui font mal aux oreilles (dès l'introduction de Deep unknown) et du clavecin réminiscent de Bach (l'intro de Blind), sans compter un poil de violons synthétiques par-dessus (poil qui se transforme en baobab sur l'improbable When mountains fall qui conclut l'album et qui est assez désarmant de mièvrerie). En fait, l'album compile tous les clichés du genre habituellement pratiqué par Stratovarius, mais avec quelques maladresses de composition (lignes vocales souvent mal fichues) qui font plutôt penser qu'on est en train d'écouter un groupe débutant essayant de singer son modèle (ce qui, quelque part, est effectivement le cas, sauf que le groupe qui singe est le même que le groupe singé !). Tout ça n'est ni vraiment convaincant, ni franchement raté, mais laisse en tout cas de l'espoir pour les futurs albums du groupe.
  
  
• Stratovarius - Elysium (2011) ★ ★ ★ ½
  
  Après un premier album "sans Timo" (enfin, sans Timo le compositeur guitariste, l'autre Timo, le chanteur, est toujours là) qui manquait d'assurance mais affirmait résolument un retour aux sources du speed mélodique, Strato confirme largement avec ce premier album sorti dans les années 2010. Encore une fois, absolument rien de révolutionnaire, on se base sur une recette largement éprouvée avec tempi rapides (on a quand même droit à la ballade de rigueur, Move the mountain et son piano dans une atmosphère folk gentillette), du refrain choral quasiment systématique, et surtout du clavier très très présent (les touches orchestrales le sont par contre beaucoup moins). Pas tellement de clavecineries néoclassiques de ce côté, plutôt une vraie sonorité d'ensemble électro kitsch qui passe curieusement très bien. Et le tout se termine avec une très ambitieuse chanson titre de 18 minutes qui arrive à tenir la route sans toutefois complètement impressionner. C'est un peu le problème général de l'album d'ailleurs : tout est très bien et s'écoute avec plaisir, mais il manque un titre un peu plus accrocheur qui permettrait de ne pas oublier trop vite ce qu'on a entendu (allez, j'aime quand même beaucoup Lifetime in a moment avec son intro façon choeurs grégoriens et son riff qui ne vous lâche pas). On n'est pas peut-être pas encore remontés au niveau des meilleurs albums du groupe, mais franchement, c'est déjà du très très solide.
  
  
• Stratovarius - Nemesis (2013) ★ ★ ★
  
  Révolution totale chez Stratovarius : alors que depuis toujours ils proposaient pour leurs albums des pochettes ultra-kitsch avec forte dominante de couleurs froides, voilà qu'ils passent soudain aux couleurs chaudes (mais en donnant toujours dans l'ultra kitsch, faut pas trop en demander non plus) ! Faut-il y voir un signe de renouvellement musical ? Pas franchement non, même si les claviers se fendent d'un peu plus de variété et d'originalité que d'habitude (les bruitages de Halcyion days ou de Dragons, avec la volonté de créer une curieuse ambiance épique pseudo futuriste, font assez mal), on reste dans un registre hyper balisé pour le groupe, avec intro du disque qui tape volontiers dans le grandiose (Abandon, moi j'adore), nombreux titres speed aux refrains accrocheurs mais déjà entendus des centaines de fois, quelques fautes de goût en cours de route (le break atmosphérique de One must fall, la modulation au demi-ton supérieur honteuse de Dragons), et la ballade de rigueur If the story is over qui fait son petit effet même si elle épuise là aussi des recettes franchement éculées. En fait, si on veut être objectif avec ce genre d'albums, on ne peut pas nier que c'est beaucoup trop facile pour prétendre être un chef-d'oeuvre, et en même temps le groupe nous joue ça avec un enthousiasme communicatif (et un son énorme, comme toujours chez eux) qui emporte l'adhésion. Sans être le moins du monde révolutionnaire, ça s'écoute vraiment tout seul pour qui aime le genre.
  
  
• Stratovarius - Eternal (2015) ★ ★ ★ ★
  
  Encore une longue discographie qui s'achève avec le dernier véritable album en date de Strato (depuis 2015, ils n'ont sorti qu'une misérable compilation). En trente ans et une quinzaine de disque, le groupe sera finalement resté très fidèle à son metal très mélodique et haut en couleurs, n'atteignant jamais véritablement un niveau exceptionnel (de toute façon, je persiste à penser que c'est un groupe qui s'adresse aux fans du genre et pas aux autres), mais en ne proposant presque pas non plus d'album réellement décevant. Cette dernière offrande est à l'image des deux précédentes, du pur Stratovarius hyper enthousiaste mais bien calibré, ça va souvent (très) vite, les refrains sont imparables, et on passe un très bon moment sans se prendre la tête. Je le préfère même à ses prédécesseurs car il en rajoute une couche avec un caractère épique bien affirmé et ça marche toujours avec moi : The Lost saga qui conclut l'album est une longue fresque qui ne fait absolument pas dans la subtilité mais qui marche très bien, et surtout le titre d'ouverture My eternal dream est absolument énorme avec ses claviers symphoniques déchaînés. Le reste est trop classique mais bien fichu, avec une mention particulière pour Man in the mirror qui tente de sortir des sentiers battus et s'en sort assez bien.
  
  
• Stratovarius - Survive (2022) ★
  
  En faisant mon petit tour des albums sortis en 2022, j'avais raté la résurrection de Stratovarius, pourtant relativement inattendue sept ans après leur dernier disque. Il faut dire qu'après plus de 30 ans de carrière et quinze albums au compteur, les finlandais sont désormais des dinosaures du speed mélodique, mais leur précédent effort Eternal m'avait plus qu'agréablement surpris par son souffle épique et son inspiration. Le nouveau-venu jouissant d'un avis assez unanimement positif chez les amateurs du genre, j'étais donc confiant sur la qualité de la musique proposée. Eh ben douche froide assez claire. Ce n'est même pas tant que le disque soit mauvais, mais il part avec une insstance désespérante dans une direction qui me déplaît fortement, en l'occurrence celle d'une musique ultra consensuelle et accessible, avec mélodies crémeuses en permanence, un son "électro moderne passe-partout" gonflant (une évolution malheureusement assez prévisible vu ce que proposait déjà le groupe auparavant, mais là c'est vraiment pire), surtout quand les claviers prennent le dessus, et surtout des lignes vocales complètement pop sur tous les morceaux, et ça c'est impardonnable (sans compter les nombreux effets complètement inutiles sur la voix). On a même droit à quelques expérimentations franchement ridicules (l'intro dance de We are not alone). Restent quand même des refrains efficaces (celui beaucoup trop répété de Firefly, le côté irrésistible de Before the fall) et plus globalement une inspiration mélodique toujours présente, mais quelle idée de la mettre au service d'une soupe à peine digne d'être écoutée à la radio en corrigeant ses copies ? J'avoue avoir une certaine crainte à me remettre les albums plus anciens du groupe, de peur de ne rendre compte que je les ai complètement surestimés il y a quelques mois dans l'élan de la découverte pas-à-pas de leur discographie (mais bon, j'ai réécouté Eternal et y a vraiment pas photo, donc c'est probablement infondé).
  
  
  
  
• Summoning - Lugburz (1995) ½
  
  Histoire denous immerger un peu dans une ambiance fantasy, attaquons-nous à la discographie de Summoning, groupe autrichien (enfin, groupe, façon de parler, ils sont en gros deux) qui a la particularité de s'être spécialisé dans la revisite des écrits de Tolkien à une sauce black metal très personnelle. Mais en 1995, les deux zigues (qui sont d'ailleurs accompagnés sur cet album par un batteur qu'ils s'empresseront de virer juste après) en question tournent encore dans plusieurs groupes de black et, au moment de lancer ce nouveau projet, s'ils ont déjà bien en tête le thème (tout est vraiment issu de Tolkien, à commencer par le titre du disque), ce n'est pas encore vraiment le cas en ce qui concerne le style musical. On a bien droit à de (beaucoup trop) rares moments avec un peu de claviers (l'introduction Grey Heavens, très minimaliste mais intrigante) et à des riffs vraiment mélodiques (éléments qui deviendront centraux dans les albums suivants), mais pour l'instant, c'est noyé sous une épaisse couche de black bien crasseux, avec production abominable et un chant piaillé tellement atroce qu'il suffit à lui seul à rendre une bonne partie du disque à peu près inaudibles. Ce n'est pas totalement nul (non, vraiment, il y a des riffs qui auraient mérité meilleur traitement), mais on n'en est pas loin. En fait, quand on écoute la suite de la discographie de Summoning, il est bien étrange que ce premier essai ait été publié sous la bannière du groupe, tant il n'a rien à voir avec ce qui va suivre...
  
  
• Summoning - Minas Morgul (1995) ★ ★ ★ ★ ½
  
  À peine quelques mois après un premier essai sans intérêt, Summoning démarre réellement avec Minas Morgul son entreprise d'illustration d'une Terre du Milieu fantasmée, très personnelle mais ô combien envoûtante. Ceux qui ont de l'univers de Tolkien la seule image retranscrite par les adaptations hollywoodiennes de Peter Jackson et qui imagineraient une musique spectaculaire (à grands coups d'orchestration type Rhapsody par exemple, après tout le groupe italien a eu un temps le projet de se lancer dans une saga inspirée de Tolkien) en seront pour leur frais, la musique de Summoning est beaucoup plus rustique et minimaliste, ne serait-ce qu'à cause des moyens très limités dont dispose le duo autrichien. S'ils ont conservé des guitares grésillantes et un chant extrême (toutefois beaucoup moins hystérique que sur Lubgurz, en adéquation avec des tempi beaucoup plus retenus), il ne s'agit ici que d'un élément complétant une musique essentiellement atmosphérique, basée sur des motifs très mélodiques répétés jusqu'à l'obsession (les pistes s'étirent volontiers aux frontières de la dizaine de minutes), des claviers très cheap énormément mis en avant, quelques instruments typés pour donner une ambiance médiévale (l'inoubliable bombarde de The Passing of the grey company) et une boîte à rythmes minable histoire de simuler deux ou trois tambourins en guise de base rythmique. C'est bien peu mais ce minimalisme assumé, s'il rate parfois le coche (sur l'intro Soul wandering, on se demande quand même où on a débarqué, et l'interlude Orthanc et sa mélodie orientale semblent aussi s'être un peu perdus), réussit régulièrement à mettre en place une ambiance mélancolique assez irréelle mais surtout absolument magique (Marching homewards et sa superbe mélodie en tête en ce qui me concerne), et, ce qui est peut-être la plus grande réussite de l'album, à ouvrir en grand les portes de l'imaginaire de l'auditeur, quel qu'il soit. Est-ce que le mélange improbable "instrumental Renaissance-black metal doux" est vraiment une illustration appropriée de la Terre du Milieu ? On s'en contrefiche, cette musique invite au voyage, et chacun y apposera les images mentales qu'il souhaite. Ce qui est certain, c'est que s'il rentre dans cet univers surprenant, il ne sera sûrement pas déçu.
  
  
• Summoning - Dol Guldur (1997) ★ ★ ★ ★ ½
  
  Ayant désormais trouvé sa voie, Summoning propose ici un disque dans la lignée de l'excellent Minas Morgul : claviers omniprésents, titres étirés à l'extrême par la répétition de riffs très mélodiques mais assez simples (on est systématiquement à quasiment onze minutes sur les pistes chantées), ambiance médiévale assez mélancolique, et surtout une capacité incroyable à créer des atmosphères prenantes à partir de pas grand chose. Cette fois-ci, pas besoin d'attendre longtemps pour être conquis, l'introduction Angbands schmieden, avec ses cloches, sa sublime mélodie à la harpe et ses espèces de gémissements en fond, est absolument extraordinaire. C'est d'ailleurs à mon sens le sommet de l'album avec Khazad-dum, qui reprend le principe déjà mis à l'oeuvre sur le disque précédent d'une mélodie naïve jouée sur des instruments typés "médiéval" (avec cette polyphonie basique mais tellement efficace), sur laquelle le chant black apaisé vient se coller très naturellement pour nous envoûter, c'est superbe. Presque trop même, car en comparaison les titres n'arrivant pas à tutoyer les mêmes sommets peuvent paraître un peu fades (la fin de l'album notamment, Unto a long glory... et Over old hills sont moins réussis). Mais l'expérience reste globalement inoubliable, et le disque est un digne successeur à Minas Morgul, même si je rechigne encore à mettre la note maximale (en même temps, un album qui réussit à être constamment au niveau des meilleures chansons de Summoning, ça mériterait probablement 6/5).
  
  
• Summoning - Stronghold (1999) ★ ★ ★
  
  La malédiction du quatrième album a encore frappé : alors que j'ai lu un peu partout que Stronghold constituait un sommet de la discographie de Summoning, je le trouve nettement moins bon que les deux disques qui l'ont précédé (le tout premier, on est d'accord, on l'ouble de toute façon). Et ce n'est pas la première fois que je bloque un peu sur ce numéro 4 (au hasard, le phénomène s'était déjà produit pour des groupes obscurs comme Black Sabbath, Iron Maiden ou Metallica). Mais au moins, cette fois-ci, j'en identifie facilement la raison. Sans révolutionner son style, le duo autrichien propose ici un disque nettement plus metal que les précédents : certes les claviers sont toujours très présents (heureusement !) et les tempi lents, mais les guitares ont vraiment repris le dessus, et on n'a plus droit à l'instrumentarium typé médiéval qui apportait ce charme désuet si délectable aux meilleures pistes de Minas Morgul ou de Dol Guldur. Ici, tout de même, quelques cuivres sympathiques (sur l'intro Rhun qui nous met correctement dans l'ambiance, sans plus), mais aussi des violons pas très inspirés. Même la production, moins bancale que d'habitude, fait paradoxalement rentrer cet album dans le rang, c'est dommage. Tout ça n'empêche quand même pas notre duo de nous proposer un bon album, aux ambiances travaillées, qui contient quelque nouveautés pas forcément convaincantes (le chant féminin sur Where hope end daylight die, les samples guerriers de la piste finale) mais surtout quelques très belles chansons (Long lost to where no pathway goes loin devant tout le reste, mais The rotting horse on the deadly ground vaut le coup d'oreille aussi). On reste donc au-dessus de la moyenne, mais ça reste une petite déception, en attendant la suite de pied ferme.
  
  
• Summoning - Let Mortal heroes sing your fame (2001) ★ ★ ★ ½
  
  Pour cette cinquième offrande en quelques années, le duo autrichien n'offre pas de révolution notable, mais quelques nouvelles pistes pour agrémenter ses compositions toujours aussi lancinantes (même si le tempo sur la première moitié de l'album est légèrement revu à la hausse par rapport à ce qu'ils produisent d'habitude) : de petites apparitions de samples (on en avait déjà eu dans le titre conclusif de Stronghold) qui tiennent plus du gadget qu'autre chose, et un peu de choeurs fantomatiques qui contribuent discrètement mais plutôt efficacement à ajouter encore un peu de cachet à une musique qui n'en manquait déjà pas. Pour le reste, on est en terrain très connu, avec une volonté manifeste ici de faire dans le majestueux, matérialisée par une utilisation assez massive de claviers très cuivrés (sur la très bonne intro A new power's rising, entre autres). On ne retrouve toujours pas la magie naïve des premiers albums, mais il y a quand même pour moi un assez net regain d'inspiration, l'album se terminant très bien avec Ashen cold et Farewell qui retrouvent une sorte d'évidence mélodique un peu perdue de vue depuis le disque précédent. Un dernier bémol tout de même, je ne sais pas si c'est un problème de version, mais l'écoute au casque fait apparaître des problèmes de son, comme une sorte de spatialisation mal gérée, qui est assez déroutante. Dommage, mais l'album reste quand même très recommandable.
  
  
• Summoning - Oath bound (2006) ★ ★ ★ ★ ½
  
  C'est à partir de ce sixième disque que le rythme des sorties de Summoning se ralentit très nettement. Des difficultés à retrouver l'inspiration pour de nouvelles compositions ? Ce qui est sûr en tout cas, c'est que le style inimitable des compères autrichiens reste le même, les quelques nouveautés (un peu de piano et de flûte, totalement synthétiques comme il se doit, et des bruitages de bestioles évoquant les armées ténébreuses des adaptations hollywoodiennes de Tolkien) s'y insérant en douceur, sans rien révolutionner. Et ce n'est pas un mal, car on est arrivés là à une sorte d'aboutissement pour cette musique, parfaitement maîtrisée, toujours aussi évocatrice et tout simplement belle (Across the streaming tide, Menegroth, ou le monumental (presque 13 minutes au compteur, toutes les pistes sont de façon longues sur cet album) Land of the dead avec ses superbes choeurs grésillants). Je continue, comme sur les deux albums précédents, à regretter le côté bric-à-brac féerique de leurs premières productions (ici, on est clairement dans du plus concret, matérialisé notamment par les bruitages déjà évoqués) qui me semblait encore plus magique, mais dans son genre, c'est un disque inattaquable.
  
  
• Summoning - Old mornings dawn (2013) ★ ★ ★ ½
  
  Incontestablement, Summoning est l'un des groupes à la discographie la plus homogène que j'ai pu découvrir ces derniers mois. Si on excepte leur premier disque, on ne risque pas d'être déçu en se mettant leurs oeuvres les plus récentes dans les oreilles tant leur musique repose toujours sur les mêmes ambiances et les mêmes types de mélodies. Le risque au bout d'un moment, c'est évidemment la lassitude, et celle-ci pointe un peu le bout de son nez sur ce septième album, un temps pressenti comme étant le dernier du duo (qui commençait lui-même à se lasser un peu, d'où probablement également les temps d'attente désormais bien longs entre deux sorties). Le début du disque laisse même un peu craindre le pire, tant ils semblent avoir du mal à renouveler un tant soit peu leurs propositions (l'intro est différente de ce qu'ils font d'habitude, mais pas vraiment convaincante, la chanson-titre est proche de l'auto-plagiat). Et puis, petit à petit, l'ambiance assez lourde (le chant sur Earthshine se fait franchement désespéré) finit par nous prendre, et on replonge avec délectation dans cet univers onirique inimitable, avec notamment deux derniers titres très réussis. Sûrement pas de quoi convaincre ceux qui n'ont pas aimé les albums précédents, mais les fans y trouveront encore leur compte.
  
  
• Summoning - With doom we come (2018) ★ ★ ★ ★
  
  Après quelques atermoiements (et quelques années supplémentaires d'attente), Summoning est donc bien revenu avec une nouvelle offrande. Et cette dernière pousse le style du groupe dans ses derniers retranchements, en permanence à deux doigts de tomber dans l'auto-caricature (Mirklands notamment semble recycler des motifs mélodiques déjà entendus dans les albums précédents). Les sept titres proposés (plus un interlude instrumental, mais pas d'intro à proprement parler ici, même si la première piste ne fait pas intervenir le chant black habituel) sont encore plus étirés et répétitifs que d'habitude, et constamment noyés dans une sorte de demi-teinte dépressive qui était déjà bien présente sur l'album précédent du duo. Et cette atmosphère fatiguée sied ma foi très bien à la musique des deux compères, plus hypnotique que jamais même si le côté "émerveillement magique" est maintenant un lointain souvenir, malgré l'usage assez intensif de cuivres majestueux. Qu'importe de toute façon, seuls les fans trouveront un intérêt à cette enième variation sur un même thème, mais ceux-là seront reconnaissants à Protector et Silenius de leur avoir procuré une dernière heure de bonheur avant de (probablement) se retirer de la scène. Ils laisseront un vide irremplaçable tant leur musique est unique.
  
  
  
  
• Symphony X - Symphony X (1994) ★ ★ ★ ½
  
  Je vais faire plaisir aux fans de metal progressif en m'attaquant à l'un des ténors du genre. Ceci dit, les influences de Symphony X pour ce premier disque éponyme sont assez variées et parfois surprenantes : une volonté manifeste de faire du "progressif technique" avec des guitares qui nous gratifient régulièrement de solos "enfilade de notes" à la limite de la virtuosité gratuite, une basse bien audible, des claviers bien présents et variés (clavecin, orgue, piano, on a droit à un peu de tout, du néoclassique avec citations de Bach à des trucs nettement plus orientés pop qui font parfois mal aux oreilles, comme sur la très dispensable ballade Shades of grey), et un chanteur, euh, un peu à la ramasse hélas (si les titres plus faciles ne passent pas c'est d'ailleurs aussi parce qu'il est incapable de les porter) qui ne fera d'ailleurs qu'un album avec le groupe. Mais en plus de tout ça donc, on a niveau vocal une énorme influence de Queen (les interventions assez systématiques du choeur sur les refrains sont souvent à la limite de la copie conforme) qui à mon sens donne une fraîcheur et une sorte d'évidence mélodique à l'ensemble franchement bienvenues (ça s'écoute tout seul). En tout cas, ça donne irrésistiblement envie d'y revenir malgré les maladresses (trop de titres semblables, une piste finale qui s'essouffle au long de ses 12 minutes, et des transitions pas toujours adroites, on a souvent l'impression que les solos sont là pour faire un peu de remplissage), et surtout d'écouter la suite de la discographie.
  
  
• Symphony X - The Damnation game (1995) ★ ★ ★
  
  Grosse évolution pour le groupe dès ce deuxième album, en grande partie due au changement de chanteur. Le nouveau venu, Russell Allen, il faut le dire, est autrement plus qualifié que le précédent, et donne clairement une autre dimension aux titres proposés par le groupe. Mais en même temps, il n'est sûrement pas étranger non plus à un changement de direction musicale assez net : on a encore des choeurs présents, mais l'influence Queen est beaucoup moins présente, et surtout le groupe semble se reposer beaucoup plus sur les lignes vocales d'Allen, se contentant assez souvent d'accompagner son chanteur (attention quand même, hein, ça continue à tricoter pas mal niveau instrumental et à proposer des soli techniques régulièrement). En fait, malgré les passages néoclassiques encore présents (l'introduction éponyme, bien fichue, ou la citation de Bach de rigueur sur Dressed to kill), on se rapproche dangereusement (à mon goût !) d'un metal progressif "à la Dream Theater", moins mélodique et accrocheur que sur leur premier album (on a même des sonorités de clavier à la limite du ridicule par moments, mais ça passe encore). Mais, pour finir sur une note nettement plus positive après ces bémols, ça reste quand même bougrement bien fichu, et après une première écoute mitigée, je me suis laissé prendre (The Edge of forever, le titre le plus développé, est vraiment sympa, Savage curtain aussi). Pas non plus (ou pas encore ?) de sommet inoubliable (le dernier titre A winter's dream, séparé en deux parties qui n'atteignent même pas les 10 minutes au total, ressemble un peu à un pétard mouillé), mais encore un bon album. Je préfère quand même leur premier.
  
  
• Symphony X - The Divine wings of tragedy (1996) ★ ★ ★ ★ ★
  
  Eh non, pour une fois, le ronchon de service ne va pas aller à contre-courant de la doxa des fans du groupe ! Après un deuxième album encore un peu hésitant sur la voie à suivre, Symphony X enclenche la vitesse supérieure, et a même du en griller quelques-unes au passage tant cet album présente un aboutissement fulgurant par rapport au précédent. C'est bien simple, ici, l'équilibre entre les différentes composantes qui fondent maintenant la musique du groupe est parfait : influence néoclassique bien digérée (Sea of lines, The witching hour), tricotage technique jamais gratuit, riffing lourd (plus d'ailleurs que sur leur album précédent), chant maîtrisé (allez, pour chercher la petite bête, les lignes vocales de Russell Allen pourraient être un peu moins lisses par moments, mais bon, c'est quand même sacrément bien interprété), et bien sûr une composante progressive qui se traduit régulièrement par des breaks complètement inattendus et qui se fondent pourtant parfaitement dans l'ensemble (le changement d'ambiance brutal vers la fin de The eyes of the medusa, ou le passage avec les cloches dans The Accolade). Le tout sans sacrifier le versant mélodique, bien présent ici (plus que sur The Damnation game même, par exemple dans le thème qui apparaît après les citations de Mars dans la chanson-titre, on retrouve même un peu de choeurs "queenesques" dans l'excellent Of sins and shadows), c'est une quadrature du cercle parfaitement réussie. Seul très léger bémol de ma part : la construction de l'album se veut un piédestal pour la chanson-titre fleuve de 20 minutes qui arrive presque à sa conclusion, mais cette dernière n'est finalement pas tellement une apothéose dans la mesure où elle ne se hisse pas vraiment à mon sens au-dessus du niveau de qualité de toute façon phénoménal de l'ensemble des titres qui la précédent. Reprendre Holst est par ailleurs une facilité dispensable (alors que l'intro a cappella qui précède est superbe). Mais ça reste très bon, à l'image de cet album sans point faible.
  
  
• Symphony X - Twilight in Olympus (1998) ★ ★ ★
  
  Après un troisième album extraordinaire, Symphony X n'a que légèrement relâché le rythme de ses sorties, voici donc que déboule un quatrième opus qui vise manifestement les mêmes sommets épiques et progressifs que le précédent, mais qui n'y arrive pas tout à fait. Pourtant, l'intro de Smoke and mirrors met bien en jambes, mais on n'est pas encore arrivés à la fin de ce titre d'ouverture qu'on sent déjà que la mayonnaise prend un peu moins bien. Déjà, les influences classiques sont moins subtiles et s'insèrent moins bien dans le propos : passe encore pour la citation de Bach de rigueur à la fin de ce premier titre, mais l'interlude Sonata qui se contente de réorchestrer des bribes de la Pathétique de Beethoven, je trouve ça vraiment complètement raté (le thème du finale pris au ralenti...). Un peu à l'image de l'ensemble du disque finalement, où on retrouve bien les ingrédients habituels, mais avec un certain manque de fluidité (la piste finale, Lady of the snow, prend même des chemins de traverse curieux avec ses côtés orientalisants). Restent quand même une réalisation impeccable et quelques titres qui suffisent à rendre l'écoute plus que sympathique (le plus court et franchement épique In the dragon's den, et les plus progressives, un peu inégales, Church of the machine et Through the looking glass). Un bon album quand même donc, mais on attendait forcément mieux après le chef-d'oeuvre qui le précède (là on est en gros au niveau de The Damnation game).
  
  
• Symphony X - V : The New mythology suite (2000) ★ ★ ★ ★ ½
  
  Après un quatrième album un peu décevant, Symphony X revient plus ambitieux que jamais à l'orée des années 2000 : album concept enchaînant une heure de musique sans interruption, avec des interludes symphoniques (aux claviers, pas de véritable orchestre convoqué ici) pour servir de transitions (interludes qui frisent d'ailleurs le mauvais goût par moment, On the breath of Poseidon a un côté Disney assez prononcé, qui sera confirmé dans certains passages de l'album suivant du groupe). Si l'inspiration est là, pourquoi pas, mais le prélude douche assez vite notre enthousiasme. Déjà, je l'ai déjà dit, les reprises de tubes classiques sont une facilité qui ne me plaît pas trop, mais il faudrait au moins bien les choisir : autant Bach sur A Fool's paradise s'intègre sans souci, autant le requiem de Verdi au clavier cheap, il est assez évident que ça ne peut qu'être ridicule par rapport à la puissance de l'original (je suis d'ailleurs très surpris que les membres du groupe eux-même ne s'en soient pas rendu compte). Et pourtant, après ce faux départ, on retrouve une musique vraiment super bien fichue, qui nous convie à un voyage assez fantastiquement dépaysant, presque au niveau de The Divine wings of tragedy. Evolution envoie du pâté, l'enchaînement avec l'excellent Fallen est parfait, et malgré des claviers parfois trop crémeux (sur Communion and the oracle notamment), pas vraiment de titres ratés (l'ambiance orientale de Egypt arrive à éviter les clichés, les passages techniques sont présents mais pas envahissants). C'est encore un excellent album auquel on a droit là.
  
  
• Symphony X - The Odyssey (2002) ★ ★ ★ ★ ½
  
  Sixième disque déjà pour Symphony X, et on sent vraiment désormais un groupe sûr de sa force et de la qualité de la musique qu'il nous propose, enchaînant les titres aussi mélodiques que techniques avec une régularité impressionnante (Wicked par exemple, sans surprise mais tellement bien fichu). Mieux, les citations d'oeuvres classiques sont ici beaucoup plus discrètes et intégrées (un petit coup presque obligé de Dukas dans Incantations of the apprentice, et Uranus de Holst qui hante la fin de la chanson-titre), et le ton est globalement plus agressif que dans les disques précédents. Ca ne plaira d'ailleurs pas nécessairement à tout le monde (le chant d'Allen notamment est plus rugueux), mais s'il y a moins de claviers crémeux (encore présents ici dans The Accolade II, par ailleurs très réussi, et Awakenings, qui pour le coup me semble être un des rares creux de l'album), je ne vais personnellement pas m'en plaindre (encore une fois, d'ailleurs, cette nouvelle tendance sera encore nettement accentuée dans le disque qui suivra, l'évolution globale du groupe est extrêmement cohérente). Non, la seule chose dont je me plaindrai cette fois-ci, ce sont les premières minutes de la monumentale The Odyssey (24 minutes pour conclure le disque, la construction générale de l'album fait fortement écho à celle de The Divine wings of tragedy), qui convoquent ses claviers en mode "dessin animé" complètement assumé (une espèce de croisement de musique de Disney années 80 et de Elfman versant Simpson), c'est pour le moins perturbant, et pourtant après quelques écoutes on finit par s'y faire et admettre que l'ensemble est assez bien construit. Un choix tout de même discutable pour un album qui est par ailleurs une nouvelle grande réussite (plus je l'écoute, plus je l'apprécie).
  
  
• Symphony X - Paradise Lost (2007) ★ ★ ★ ★ ★
  
  Jusqu'ici, Symphony X avait enchaîné les albums à un rythme soutenu (jamais plus de deux ans entre deux sorties), mais il aura fallu patienter pas moins de cinq ans pour voir un successeur à The Odyssey. Autant dire qu'ils ont eu largement le temps de mûrir leur choix d'évoluer vers un style nettement plus rentre-dedans, plus metal et moins progressif en gros. C'est déjà nettement visible au niveau de la production, qui met souvent les claviers en retrait, mais surtout dans les premières compositions proposées : après une intro pour une fois réellement symphonique façon Hollywood (avec des choeurs qu'on retrouvera utilisés avec parcimonie à d'autres moments de l'album), les trois premiers vrais titres sont très musclés, tout en conservant les mélodies efficaces et la technique sans faille habituels du groupe, et autant le dire tout de suite, j'adore. J'irai même jusqu'à placer Domination comme mon titre préféré du groupe tous albums confondus. Ensuite ça se calme un tout petit peu, même si seules la chanson titre (et son piano mélancolique) et The sacrifice jouent la carte de la (relative) douceur (on retrouve par exemple une ambiance très épique sur The Walls of Babylon). Et tant mieux car c'est excellent de bout en bout, tout le temps inspiré, fabuleusement accrocheur, on voudrait que ça ne s'arrête jamais (et de fait j'ai bien du mal à ne pas me repasser au moins les trois quarts du disque à la fin de chaque écoute). Alors bien sûr on y a perdu les longues suites hyper progressives qui manqueront à certains (rien qui atteigne les dix minutes ici), et Russell Allen force un peu sur le côté rauque de son chant, mais honnêtement, ça ne modère même pas mon enthousiasme. Non seulement il s'agit là de mon album préféré du groupe, mais il va même se faire une place de choix parmi mes albums de metal préférés.
  
  
• Symphony X - Iconoclast (2011) ★ ★ ★ ★
  
  Après l'énorme claque infligée par Paradise lost, il aura fallu encore quatre ans à Symphony X pour proposer un nouvel album. Signe d'une nouvelle évolution, peut-être confirmée par la pochette et les thèmes assez futuristes abordés cette fois-ci (on est plus proche de Terminator que des histoires mythologiques auxquelles le groupe a consacré plusieurs de ses premiers albums) ? En fait, pas vraiment, le thème semble surtout être un prétexte pour proposer une musique définitivement plus métallique dans la droite lignée de l'album précédent. On a d'ailleurs l'impression un peu pénible tout au long de l'album que le groupe a suivi une ligne où la prise de risque est volontairement limitée : assez peu de variations de tempo, (Light up the night s'approche quand même dangereusement du speed mélodique), une ambiance robotique relativement uniforme (jusqu'à When all is lost et son intro au piano, les titres se ressemblent pas mal), des refrains hyper mélodiques et parfois un peu faciles (mais toujours indéniablement efficaces, à l'image de la chanson titre qui ouvre l'album), et bien sûr des riffs techniques et autres soli estampillés Symphony X qui ne se démarquent pas de ceux des albums précédents du groupe mais sont toujours parfaitement calibrés. Le groupe se repose sur ses acquis ? Oui, un peu, mais il a quand même fait l'effort de proposer plus de 80 minutes de musique (à vrai dire, c'est peut-être un peu trop), et surtout ça reste dans l'ensemble de la très bonne musique (en vrac, Dehumanized, Heretic ou la fin de When all is lost, c'est excellent). Il repassera moins souvent sur les platines que le précédent (moins de morceaux qui déchirent vraiment, un effet de surprise atténué), mais on ne peut vraiment pas dire que l'écoute soit décevante malgré tout.
  
  
• Symphony X - Underworld (2015) ★ ★ ★ ★ ★
  
  Le rythme des sorties a définitivement ralenti puisque cet album, sorti quatre ans après le précédent, est le dernier en date à ce jour. Mais tant que la qualité reste à ce niveau, on peut difficilement se plaindre. Si Iconoclast était un poil trop "facile", le petit dernier retrouve une inspiration éclatante et se permet même le luxe d'être plus varié que son prédécesseur. On reste globalement dans un registre musclé, mais To hell and back (et ses presque 10 minutes) rappellent les tendances les plus progressives du groupe, et surtout Without you (malgré tout pour moi le point faible de l'album, les lignes de chant sont vraiment tarte à la crème) et Swan song (avec son piano très présent) jouent une carte nettement plus apaisée, qui contribuent à rendre l'album moins uniformément dense et donc plus digeste. N'empêche que je continue à préférer quand ça envoie du bois, et là on est franchement servis : après une Ouverture grandiose qui n'est pas loin de taper dans le kitsch, Nevermore ouvre le bal de façon classique pour le groupe (avec un refrain un peu facile) mais tellement efficace, et un peu plus loin, la paire Kiss of fire (le titre qui déménage le plus, avec des touches symphoniques crânement assumées)/ Charon (plus subtile mais pour le coup les lignes vocales sont irrésistibles) enfonce le clou. Peu importe si la fin de l'album est moins inoubliable (j'avoue ne pas bien comprendre la fin brutale du dernier titre), peu importe si la chanson titre tend parfois dangereusement à se rapprocher de ce que produisent certains groupes de power peu subtils (bon, moi, ça ne me dérange guère, bien entendu), on a une nouvelle fois eu une dose de musique sacrément maîtrisée de la part d'un groupe dont la discographie toute entière est de toute façon assez exceptionnelle.
  
  
  
  
• System of a down - System of a down (1998) ★ ★ ½
  
  Encore un groupe que je n'avais jamais écouté et que je découvre donc complètement. Première réaction : "Waoh, ça décoiffe, excellent !". Deuxième réaction (à peine dix minutes plus tard) : "Ah ouais, on comprend pourquoi le CD est pas très long, c'est assez vite saoulant en fait". De fait, ce qui fascine au premier abord, c'est vraiment l'énergie dévastatrice dispensée quasiment en continu par le groupe (en concert ça doit être quelque chose), tellement peu canalisée qu'on peut quand même s'en lasser beaucoup trop vite. Notamment, le chant du leader, qui fait en permanence le grand écart entre tout et n'importe quoi (on est parfois proche du chant "folklorisant", des fois ça penche presque vers le rap) est franchement horripilant à la longue. D'ailleurs, on peut très bien avoir dans une même chanson (elles ne sont pourtant pas longues) envie de se laisser entraîner, et d'arrêter tout (sur Sugar, par exemple). En fait, j'ai été très embêté pour mettre une note, tant j'oscille entre l'impression que c'est pas loin d'être génial, et celle qu'on se fout de moi. Du coup j'ai mis une "moyenne" qui n'a pas beaucoup de sens.
  
  
• System of a down - Toxicity (2001) ★ ★ ★ ★
  
  Bonne surprise avec ce deuxième album, certes dans la lignée du précédent, mais qui à mon avis penche beaucoup plus du côté génial que du côté horripilant, même si le chanteur continue à en faire des tonnes et que certaines pistes gâchent un peu l'ensemble (Bounce, et surtout Shimmy et Psycho, je m'en serais bien passé). Le reste du temps, on retrouve le côté survitaminé (la première chanson, Prison, réussit à lancer l'album malgré le chant bien hystérique), mais surtout un peu plus d'équilibre et quelques titres vraiment excellents, comme Forest ou Aerials.
  
  
• System of a down - Steal this album ! (2002) ★ ★ ★ ½
  
  Un troisième album totalement dans la lignée des précédents, qui aligne très majoritairement des chansons courtes et très énergiques, mais en conservant l'équilibre trouvé dans Toxicity (à part Fuck the system, pas vraiment de piste qui donne envie de donner des baffes). Dommage tout de même que le groupe semble capitaliser sur son style sans chercher à se renouveler (une piste comme Roulette, qui part vraiment dans une autre direction, est pourtant très intéressante), il y a un petit côté paresseux dans cet album qui le rend moins intéressant que le précédent (ça manque aussi de chansons vraiment mémorables, c'est assez homogène dans le "bon mais pas transcendant"). Tout de même, il y a très souvent chez eux une touche mélodique ou rythmique bien sentie qui fait qu'on ne s'ennuie jamais.
  
  
• System of a down - Mezmerize/Hypnotize (2005) ★ ★ ½
  
  Déjà la fin pour SOAD avec ce faux double album que j'ai choisi de regrouper dans une même critique. Deux disques beaucoup moins survitaminés que les précédents, et même globalement moins metal, on sent la volonté de se renouveler, que ce soit en adoptant des tempos nettement plus modérés (l'espèce de balade Lonely day) ou en assumant encore plus clairement le côté floklorique de certaines mélodies (on a carrément des bouts d'accompagnement arabisants par moments). Je ne vais pas m'en plaindre, mais le problème c'est que cette diversification semble par ailleurs être là pour cacher une baisse d'inspiration assez manifeste, la plupart des chansons manquent de spontanéité, les multiples changements de ton au sein d'une même plage (certes un des marqueurs du groupe depuis son premier album) sont trop souvent artificiels, et il y a bien peu de titres dans lesquels on retrouve ces éclairs qui faisaient dire régulièrement à l'écoute de leurs précédents opus "quand même, y a du bon là dedans". Rien de déshonorant non plus, tout ça s'écoute plaisamment, mais on sent un peu le groupe (déjà) à bout de souffle qui court après ses propres succès sans parvenir à vraiment les rééditer. Ils ont peut-être eu raison de mettre l'activité du groupe en pause après ces deux albums...
  
  
  
  
• Testament - The Legacy (1987) ★ ★ ★
  
  Encore un petit tour par la case "seconde zone du thrash metal" pour les semaines à venir. Mais si Testament n'a pas totalement réussi à se faire sa place dans le panthéon du genre, c'est peut-être tout simplement parce qu'il est arrivé un peu tard. Quand sort ce premier disque, les géants du Big Four sont déjà installés, et on peut ne considérer le groupe américain que comme un suiveur de ses illustres aînés. Alors oui, c'est vrai, les ingrédients ressemblent à des choses déjà entendues ailleurs, mais pour autant leur mixture est assez personnelle, avec ces solos étonnants, très mélodiques, qui partent parfois carrément dans une direction néoclassique (celui de First strike is deadly) surprenante vu l'enrobage quand même assez brut de l'album (qui constitue d'ailleurs une de ses grosses limites, le son est quand même vraiment trop typé années 80, et les titres les plus rapides comme Do or die tournent un peu à la bouillie sonore). Et il y a quand même une certaine variété dans les riffs, comme sur Burnt offerings (que je trouve à vrai dire assez raté, mais au moins c'est différent), et une énergie (le titre d'ouverture Over the wall, très bon) qui rend l'album intéressant même si très imparfait.
  
  
• Testament - The New order (1988) ★ ★ ★ ½
  
  Un deuxième album dans la droite ligne du premier : du thrash bien carré mais avec un son assez brut (c'est toujours pas folichon de ce point de vue), avec une influence Metallica (période Ride the lightning) encore plus évidente : intros avec quelques arpèges acoustiques assez fréquentes, et surtout une dernière piste instrumentale qui ne peut que faire penser à Call of Ktulu et Orion. Sauf qu'évidemment ça n'arrive pas à leur cheville, et que ça renforce donc l'image de Testament comme étant un groupe qui imite avec moins de talent. Et pourtant, l'album dans son ensemble est vraiment pas mal, il y a du titre bien frontal et direct (Into the pit) mais aussi une recherche d'atmosphère plutôt sympathique au niveau des introductions (la première piste Eerie inhabitants est une franche réussite, Disciples of the watch est bien également) et, comme dans le premier album, une pincée d'orientalisme (ici sur la chanson titre) qui aurait sûrement mérité d'être développée pour renforcer un peu l'identité du groupe. Mais tel quel, si on oublie un peu les références écrasantes, on tient déjà un album bien solide.
  
  
• Testament - Practice what you preach (1989) ★ ★ ★ ½
  
  Avec ce troisième album, Testament continue son petit bonhomme de chemin et semble trouver une sorte d'équilibre : le son est nettement meilleur, les tempi assez tranquilles (sauf sur la salement brutale Nightmare), et l'influence Metallica est plus que présente une fois de plus (au niveau des lignes vocales, on a très souvent l'impression d'entendre des chutes des premiers albums des Horsemen). Bref, aucune surprise dans tout ça, mais quand c'est bien fait on n'a pas vraiment de raison de se plaindre, et il y a du bon là-dedans : la basse bien audible, un caractère mélodique sympathique avec quelques refrains bien sentis (j'aime notamment l'atmosphère de Time is coming) et même un instrumental final nettement plus original (et donc convaincant) que sur l'album précédent (là, pour le coup, on n'est pas dans l'ombre de Metallica, et c'est fort bien). Dommage tout de même que le groupe se soit cru obligé d'introduire une ballade brillamment intitulée The Ballad et à peu près aussi inspirée que son titre (on a vraiment l'impression qu'ils ne savent pas quoi en faire !). Encore un album qui, sans atteindre le chef-d'oeuvre, est très recommandable pour Testament.
  
  
• Testament - Souls of black (1990) ★ ½
  
  Après un début de carrière d'une remarquable régularité, ça devait arriver, à force de se contenter de produire un thrash metal générique bien troussé mais assez répétitif, Testament a foiré un album pour la première fois. Pourtant, l'introduction en mode "galopade flamenco" à la guitare sèche, quoique totalement incongrue, laissait imaginer un certain renouveau. En fait, pas du tout, le groupe aligne ensuite sa dizaine de titres thrash plus ou moins inspirés (tout n'est pas mauvais, Face in the sky ou Malpractice s'écoutent très bien) mais qui se ressemblent beaucoup trop, et surtout plombés par un son très saturé franchement pénible à la longue. On a d'ailleurs presque l'impression que les solos toujours aériens de Skolnick ont été plaqués par-dessus et pas enregistrés au même moment (leur son étant très pur comparé au reste). Ajoutez à ça une ballade assez affligeante de niaiserie prévisible, et on se retrouve avec un disque qui, sans être désespérant, est essentiellement sans intérêt.
  
  
• Testament - The Ritual (1992) ★ ★ ½
  
  En 1991, Metallica bat tous les records de vente pour un album metal avec son black album. Du coup, en 1992, presque tous les groupes pratiquant un thrash sur la pente descendante s'engouffrent dans la brèche et y vont de leur album commercial au tempo ralenti. Testament ne fait pas exception à la règle, ce qui ne surprendra d'ailleurs personne tant l'influence de Metallica était déjà patente dans les premiers albums du groupe. Mais, sans surprise également, ils proposent une copie soignée mais qui manque tout simplement de talent. À part dans le très bon Electric crown qui ouvre le disque, les titres sympathiques mais un brin poussifs (typiquement, la chanson titre peine à vraiment instaurer l'atmosphère sombre qui est manifestement voulue) s'enchaînent, au point que la ballade de fin d'album semble cette fois-ci particulièrement raffraîchissante. Et puis bon, on sent que les musiciens ne sont pas totalement dans leur élément, notamment le chanteur qui s'accommode comme il peut de ce tournant très mélodique (c'est à des années-lumière de ce qu'il proposera sur les albums suivants du groupe !). Les solos de Skolnick, par contre, trouvent ici une place assez naturelle pour se mettre en valeur. Bref, une curiosité finalement pas si ratée que ça.
  
  
• Testament - Low (1994) ★ ★ ★ ★
  
  Après un virage heavy commercial qui n'a pas plu à tout le monde, Testament a explosé, perdant une partie de ses musiciens et en particulier son guitariste prodige Alex Skolnick parti faire complètement autre chose (bon, les mauvaises langues diront qu'il faisait déjà complètement autre chose que ses camarades quand il enregistrait avec eux). Déjà la fin d'un groupe qui n'aura finalement pas vraiment eu le temps de proposer une musique personnelle ? Eh bien pas du tout, c'est au contraire l'occasion pour Testament d'une renaissance inattendue. On change à nouveau de style en revenant à un thrash vraiment moderne (pour l'époque), qui lorgne même vers l'extrême sur certains points (le chant plus qu'agressif de Chuck Billy sur Legions), et porté par une production puissante qui envoie vraiment du pâté (ça change très agréablement de ce à quoi on avait droit sur les premiers disques du groupe). Et comme une bonne partie des titres est sacrément efficace (la chanson titre, Dog faces gods, Ride), ça donne tout simplement un excellent album qui ne pêche que par son côté un peu trop primaire et quelques titres plus discutables (l'instrumental Urotsukidôji est vraiment spécial avec ses samples de voix japonaises intégrées, mais surtout la ballade niaise Trail of tears a pour unique intérêt de calmer un peu le jeu). Encore un peu inégal, mais quand même une bonne baffe dans la tronche inattendue pour un groupe qui semblait au bord de la rupture !
  
  
• Testament - Demonic (1997) ★ ★ ½
  
  Après le changement de cap surprenant mais réussi de l'album précédent, Testament entend bien enfoncer le clou sur celui-ci, et même aller un peu plus loin en direction du metal extrême. Encore quelques changements de personnel pour ce disque (preuve que le groupe est en recherche de stabilité), et surtout un chanteur qui franchit complètement le pas du growl, désormais omniprésent. Bon, je ne suis toujours pas un grand fan de ce type de chant, mais ça ne fait pas une si grande différence par rapport au chat déjà agressif de Low. Niveau instrumental, c'est du lourd (le son est à nouveau énorme), bien pesant et poisseux, le tempo s'emballe rarement, mais le groupe a eu la bonne idée de jeter la ballade traditionnelle à la poubelle (ça aurait vraiment fait tâche vu l'ambiance de ce disque). Pas mal dans l'ensemble, avec même une chanson-titre vraiment très efficace, mais peu de titres totalement emballants, et des choeurs qui s'insèrent mal sur quelques pistes (Together as one), on reste dans le passable mais c'est un recul assez clair par rapport à l'album précédent.
  
  
• Testament - The Gathering (1999) ★ ★ ★
  
  Pour son huitième album, Testament continue à tourner autour d'un thrash teinté de death à l'équilibre pas toujours totalement convaincant (c'est moins extrême que sur le Demonic précédent, mais on se demande d'autant plus pourquoi par exemple un break avec growls très moches a été inséré dans un titre très mélodique comme True believer, ça ne colle pas du tout), mais avec encore un changement de line-up. Cette fois-ci c'est Dave Lombardo qui vient s'occuper de la batterie, et le moins qu'on puisse dire est qu'il prend pas mal de place (énormément de double, et l'instrument est mis en avant dans un mixage par ailleurs plus brouillon que sur les deux disques précédents du groupe, ce qui est bien dommage). Bon, il fait bien son boulot, et le disque fait preuve d'une variété appréciable, qui le place au-dessus de son prédécesseur, sans atteindre toutefois la puissance et l'efficacité de Low. De bons moments quand même, notamment sur Eyes of wrath (intro morbide, sonorités orientales), mais on a quand même un peu l'impression que Testament a retrouvé sa place de bon artisan du metal, aux disques solides mais pas inoubliables.
  
  
• Testament - The Formation of damnation (2008) ★ ★ ½
  
  Alors qu'il semblait avoir retrouvé une certaine continuité dans sa seconde vie de groupe de metal presque extrême, Testament a fini par exploser. Il faut dire aussi que le cancer de son chanteur n'a pas aidé, mais ce dernier s'en est sorti, et voilà que, près de 10 ans après le précédent album, le groupe est de retour, et qui plus est dans sa formation d'origine ou presque (avec notamment le retour de Skolnick à la guitare). On se doute que le virage death va être oublié (de fait, quasiment pas de growl sur ce disque), mais on n'a pas pour autant droit à un vrai retour au thrash crasseux des origines du groupe, on est plutôt dans une sorte de heavy passe-partout et même franchement mou du genou (les tempi sont dans l'ensemble bien tranquilles, la batterie en arrière-plan, il faut quasiment attendre FEAR, l'avant-dernière piste, pour que ça s'énerve un peu). On a en fait vraiment l'impression que le groupe n'a pas voulu prendre le moindre risque pour son retour, proposant un metal consensuel noyé dans une production moderne au son très riche (c'est à mon avis trop clinquant pour du Testament) et en même temps souvent synthétique (niveau son on est assez proche de ce que fait Megadeth depuis un bon moment maintenant). Rien de déshonorant là-dedans (même si ça manque de puissance, les compositions tiennent la route), mais un sentiment mitigé face à un album qui s'oubliera très vite.
  
  
• Testament - Dark roots of earth (2016) ★ ★ ★ ★
  
  Après un retour en mode mineur en 2008, on pouvait imaginer que la reformation de Testament verrait le groupe finir sa carrière dans une certaine indifférence. Grosse erreur, puisque ce galop d'essai est suivi quatre ans plus tard (ils ont appris à prendre leur temps, ce sera désormais la durée standard entre deux de leurs albums) de la sortie inattendue d'un classique immédiat qui vient sans problème concurrencer les premiers disques du groupe en termes de qualité, la production moderne et efficace en plus. Rise up met tout le monde d'accord dès l'entame, redoutablement entraînant et efficace. Il marque le début d'une série de titres maîtrisés, suffisamment variée pour ne pas lasser (le côté épique de Throne of thorns, la ballade Cold embrace qui met tout de même trop de temps à décoller) bien que tout ça ne soit pas d'une originalité folle (en même temps, un bon thrash à l'ancienne en 2012, ça fait plaisir !). Le tout est conclu par une série de reprises pas franchement indispensables mais bien fichues (ça fait toujours plaisir d'entendre Powerslave même si cette version n'apporte rien à l'originale). Tout ça donne vraiment envie de continuer à écouter ce que Testament a à nous proposer.
  
  
• Testament - Brotherhood of the snake (2012) ★ ★ ★ ½
  
  Après avoir créé la surprise avec un Dark roots of earth excellent, Testament était forcément à nouveau attendu au tournant, peut-être même plus qu'il ne l'avait jamais été dans la première partie de sa carrière. Le groupe a de nouveau pris son temps (quatre ans pour un album, on vous a dit !), mais c'était pour mieux assurer, puisque le nouveau cru est tout à fait satisfaisant, presque aussi bon que son prédécesseur. Il lui manque peut-être un ou deux titres vraiment emballants (seul la chanson titre qui ouvre l'album tambour battant a le côté "classique immédiat" qui caractérisait une majorité des pistes de l'album précédent), mais ça reste en permanence solide et maîtrisé, avec une accélération globale du tempo qui montre que les dinosaures du thrash ne sont pas le moins du monde rouillés (le très vitaminé The Number game qui conclut l'album, entre autres). Je regretterai quand même certaines tentatives pas très heureuses côté vocal (le passage parlé de The Pale King par exemple), mais, porté à nouveau par un son moderne qui claque parfaitement, voilà du bon boulot, sans grand génie mais diablement efficace.
  
  
• Testament - Titans of creation (2020) ★ ★ ★ ★
  
  Quatre ans pile poil après le précédent, voici donc le nouveau (et donc dernier en date... en attendant 2024 ?) album de Testament, qui a désormais revêtu le costume du groupe qui défend avec une solidité remarquable un thrash bien traditionnel avec un son tout ce qu'il y a de plus moderne. On a même l'impression avec ce dernier disque qu'ils prennent un malin plaisir à placer dans un écrin bien de son temps (production énorme une fois de plus) une musique aux accents vintage en refusant totalement d'y faire poindre la moindre parcelle d'imprévu. Et en même temps, on ne peut pas leur en vouloir tant c'est carré, maîtrisé et surtout redoutablement efficace. Les titres sont consistants (souvent cinq à six minutes par morceau) sans jamais être lassants (même si on peut regretter une uniformité de style qui est clairement volontaire), et les excellents morceaux abondent (Children of the next level en ouverture, Symptoms, Curse of Osiris). Il manque peut-être encore la touche de génie qui rendrait l'album totalement inoubliable, mais franchement, on passe un très très bon moment à son écoute.
  
  
  
  
• The Gathering - Always... (1992) ★ ★
  
  Je démarre aujourd'hui la discographie d'un groupe pour lequel je sais bien que mes comptes-rendus s'arrêteront avant d'avoir atteint la fin. Non pas que j'aie décidé à l'avance ne pas pouvoir supporter très longtemps leur musique, mais tout simplement car ils ont évolué d'un style qu'on peut encore raisonnablement qualifier de metal vers une sorte de pop-rock sophistiquée à la Radiohead qui n'aurait vraiment plus rien à faire ici. Mais ce tout premier album est (donc) le plus metal de toute leur discographie, notamment via l'emploi d'un chanteur en voix gutturale (pas tout à fait tout seul, il est parfois rejoint par une soprano qui chante faux, mais c'est heureusement assez rare). Les guitares sont bien grasses, mais le rythme global très lent, on est en fait face à une sorte de doom pimenté par... des claviers très très kitschs beaucoup trop présents (surtout que les sons proposés devaient déjà faire mal aux oreilles en 1992, sur Second sunrise notamment il y a quelques interventions assez hilarantes). En fait, il s'agit vraiment d'un premier galop qui manque cruellement de tenue et fleure bon l'amateurisme, mais curieusement c'est aussi ça qui lui donne un certain charme. Mélodiquement c'est pas si mal (The Mirror waters qui ouvre l'album notamment), on sent l'envie de créer des atmosphères intéressantes sans se prendre la tête (même si on peut douter que le chant guttural soit ce qui convienne le mieux au fond instrumental proposé par le groupe), et ce n'est pas du tout désagréable à écouter, même si on est quand même loin du chef-d'oeuvre.
  
  
• The Gathering - Almost a dance (1993) ☆
  
  Ce deuxième album confirme que le groupe n'a pas encore trouvé sa voie. Le côté doom du premier disque a complètement disparu ici, et même la classification metal de l'ensemble pourrait prêter à discussion (les guitares saturées étant planquées bien loin au fond pendant une écrasante majorité de l'album, il n'y a presque que sur The Blue vessel qu'on les entend vraiment), on est déjà assez proche de l'esprit pop rock qui prévaudra dans la suite de la discographie du groupe. Mais surtout, la chanteuse qui fera la célébrité du combo n'est pas encore là, on garde cette fois-ci un duo masculin-féminin, mais différent du précédent. Si on n'y perd pas vraiment au niveau de la soprano (interventions très ponctuelles, et voix constamment nimbée d'une sorte de halo qui fait qu'on ne distingue à peu près rien à ce qu'elle chante, mais cette fois la justesse est là), le remplacement du chanteur guttural du premier disque suffit à faire passer le deuxième dans la catégorie "navet indéfendable". C'est bien simple, il est absolument impensable que le nouveau venu ait pu faire une carrière musicale faisant intervenir son chant, il ne passerait pas le tour préliminaire de la première audition pour The Voice (chant complètement faux, voix nasale, timbre atroce, c'est vraiment complètement inécoutable, mettez juste les premières secondes de la piste inaugurale On a wave et vous pourrez constater l'ahurissant effet repoussoir qu'il produit). Comme le fond musical assez vaporeux qui l'entoure, quoique plutôt sympathique, n'est pas du tout suffisamment original pour être mémorable, c'est direction la poubelle pour cet opus à oublier très vite.
  
  
• The Gathering - Mandylion (1995) ★ ★
  
  Ce troisième album est souvent considéré comme le véritable point de départ pour le groupe, qui est rejoint ici par sa chanteuse Anneke van Giersbergen. Il faut bien avouer que ce changement a de grosses conséquences sur la musique produite par le combo : déjà la dame chante infiniment mieux que ceux qui l'ont précédée (c'était pas très dur, mais on a vraiment un chant puissant et incarné, qui plus est à une époque où les chanteuses dans le milieu du metal n'étaient pas encore devenues populaires), mais du coup l'accompagnement instrumental qui l'entoure évolue pas mal lui aussi pour lui laisser un maximum de place. Le disque est considéré comme un classique du "metal atmosphérique", étiquette qui me fait doucement rigoler. En gros, c'est de la pop vaporeuse accompagnée par des guitares saturées, quoi. Pourquoi pas, mais c'est assez loin de mes préoccupations quand j'écoute du metal, et même si c'est assez beau (et bien chanté donc), c'est à mon avis beaucoup trop lisse (en gros, on met un écrin de guitares qui se contentent de figures d'accompagnement assez simples pour entourer les lignes vocales) et surtout uniforme (tempo lent identique à chaque piste, des titres qui s'étirent au-delà des six minutes sans que le contenu ne le justifie) pour faire mieux que créer un fond musical agréable mais assez anecdotique (chanté par quelqu'un d'autre, en fait, ça serait vraiment complètement insignifiant). La piste la plus intéressante est la chanson titre, instrumental aux influences ethniques qui a le mérite de proposer quelque chose de plus recherché. Je n'irai pas plus loin dans la discographie de ce groupe, les albums suivants ont conservé peu ou prou la même ambiance générale en troquant la saturation pour des bidouillages electro (même si on reste loin du chef-d'oeuvre, j'aime assez If_then_else par exemple, mais ce n'est plus du tout du metal), et accessoirement en perdant sa chanteuse emblématique pour les derniers en date (bon, depuis 15 ans quand même en fait), ce qui les rend pour les coups (et sans surprise tant le groupe se reposait sur sa chanteuse) extrêmement mauvais.
  
  
  
  
• Tool - Undertow (1993) ★ ★ ½
  
  Je me lance dans l'écoute d'un groupe controversé, dont l'étiquette "metal expérimental" me laisse a priori plutôt perplexe. Mais bon, il y a un paquet de fans dythirambiques et au moins, il y aura peu d'albums à écouter, que j'accroche ou non ! Concernant cette première proposition, je suis assez circonspect. Assez clairement, je n'aime pas la voix du chanteur (je ne saurai pas dire exactement pourquoi d'ailleurs, je me demande si ce ne sont pas les lignes mélodiques, ou plutôt pas mélodiques du tout justement, du chant qui me posent problème). Tout aussi clairement, j'aime bien par contre ce que font les instrumentistes (guitares assez massives, un son très froid et souvent assez urbain, des motifs pas très mélodiques non plus aux rythmes très hachés, on n'est pas loin de RATM quelque part, même si c'est beaucoup moins direct et rentre-dedans quand même). Mais l'ensemble me laisse un sentiment assez mitigé, aucun titre ne me faisant vraiment sauter au plafond (mon préféré est probablement Bottom, malgré le break pénible au milieu), et aucun ne me semblant franchement désagréable malgré quelques bizarreries que je trouve plus agaçantes qu'autre chose (on sent que ces gusses là n'ont pas envie de faire la même musique que M. Tout le monde, même si sur cet album on reste dans des choses assez standard, mais certains éléments semblent placés là uniquement pour faire dans le bizarre, comme l'intro de 4° par exemple). Bizarrement, toutefois, je ne trouve pas complètement insupportable les premières minutes de Disgustipated, qui devraient pourtant me donner envie de jeter le CD par la fenêtre si je n'écoutais pas en dématérialisé (bon, par contre, quasiment 10 minutes de bruit blanc pour finir l'album, là c'est vraiment du foutage de gueule !). Finalement, un disque indiscutablement très intéressant, mais qui ne me donne pas plus envie que ça de le réécouter régulièrement.
  
  
• Tool - Ænima (1996) ☆
  
  Le premier album du groupe m'avait laissé relativement indifférent, mais avait un potentiel de bizarrerie qui laissait envisager que je puisse être au choix très emballé ou très agacé par le suivant. Assez clairement, c'est la deuxième option qui a prévalu. Les premières pistes m'ont laissé à peu près sur la même impression que Undertow, à savoir de la musique assez inutilement sophistiquée (les sons de guitares de Eulogy, l'intro de Stinkfist) mais pas désagréable, qui me laisse toutefois fortement sur ma faim car j'ai l'impression que ça ne décolle jamais vraiment (j'ai encore une fois eu, notamment sur la première chanson, l'impression d'entendre une espèce de RATM plus délayé et intellectualisé, sans le côté directement percutant). Puis, Forty six & 2 m'a même plutôt agréablement surpris, et j'ai cru un instant que ça décollait vraiment et que j'allais passer un bon moment avec la fin de l'album (enfin, ça c'était l'espoir de la première écoute...). Grosse douche froide ensuite, non seulement il n'y a plus un seul titre valable au niveau des "vraies" chansons, mais en plus le côté conceptuel prétentieux du groupe prend le dessus avec des pistes intermédiaires complètement gratuitement fumeuses (sérieusement, Cesàro summability comme titre d'une piste où on entend un bébé beugler puis des bruitages inaudibles ? Ok, ça attire l'oeil du matheux que je suis, mais c'est vraiment d'un ridicule absolu, le pire étant qu'il y a des gens pour essayer de vraiment aller déterrer un sens profond derrière ça, les membres du groupe doivent bien se marrer dans leur coin...), et là pour le coup le disque rejoint la catégorie "à fuir absolument". D'ailleurs, tout ça se conclut presque logiquement par une piste de 13 minutes alignant les effets pédants et se concluant de façon insupportable... Je n'étais pas sûr de vouloir réécouter leur premier album, celui-ci, pour le coup, je suis tout à fait certain de ne plus vouloir l'entendre.
  
  Tool - Lateralus (2001) ★ ★
  
  Vu ma déconvenue avec leur album précédent, c'est avec une certaine appréhension que j'ai enchaîné sur le troisième disque de Tool. Bonne nouvelle, celui-ci ne m'a pas agacé comme Aenima, il faut dire que le groupe a fait un effort en se contentant d'une piste finale d'un peu moins de trois minutes incompréhensible, le reste se concentrant sur un contenu qu'on peut qualifier de musical. Bon, de la musique certes à nulle autre pareille, tant ils mélangent tout et n'importe quoi (percussion tribale, passages planants, chant tour à tour doux et hurlé). On ne sait jamais trop où ils vont essayer de nous transporter, mais je dois bien avouer une fois de plus que, si je trouve tout ça très écoutable, je ne décolle guère de mon canapé. Là où beaucoup vivent l'écoute de l'album comme un trip émotionnel inoubliable, je navigue en ce qui me concerne entre un réel intérêt (The Patient ou Schism arrivent vraiment à créer une atmosphère surprenante), une certaine incompréhension (assez rare toutefois, il n'y a que Ticks & Leeches qui me semble franchement ratée) et, la plupart du temps, une sorte de bercement hypnotique qui finit par se transformer en ennui poli (à partir de la deuxième moitié de la chanson-titre, l'album tire horriblement en longueur, une piste comme Reflection étalée sur 11 minutes c'est au moins deux fois trop à mon goût). Pas totalement mauvais donc, mais loin d'être brillant. Ma réputation de bourrin primaire ne va pas en ressortir grandie (ou plutôt si, justement), mais je prends mille fois plus mon pied en écoutant Amon Amarth (NdRoupoil : mes critiques des albums de ce denrier groupe ont été tapées en parallèle de celles de Tool).
  
  
  Tool - 10000 days (2006) ★
  
  Je ne vais pas être très poli ce soir, Tool est définitivement un groupe qui m'emmerde. Au sens propre d'abord : sur cet album-ci, on a bien sûr droit à une piste conclusive complètement absconse, comme si c'était une sorte d'obligation morale de la part du groupe (et celle-là vaut vraiment son pesant de cacahuètes dans le genre délire fumeux même pas drôle), à un interlude risible, et à quelques plages où le côté mystique hypnotique se transforme bien vite en ennui profond (dommage, en général ces plages durent très longtemps, comme l'(inter)minable Rosetta stoned). Au sens figuré ensuite, car je ne sais toujours pas vraiment quoi penser de leur posture. Il y a de bonnes choses disséminées ici et là, comme sur leur disque précédent (ici, j'aime bien la progression de Right in two, et le côté hypnotique fonctionne bien sur la chanson titre par exemple), une qualité d'exécution évidente, mais aussi, encore et toujours, cette insupportable manie de faire différent simplement pour faire différent, de trouver des sonorités inhabituelles voire même franchement désagréables (Lost keys, pour moi, c'est à peu près inécoutable), de la jouer inspiré en proposant des trips minimalistes où il ne se passe en fait strictement rien, bref de donner infiniment plus d'importance à l'effet lui-même qu'à son sens musical. Au final, dans la mesure où le chant m'intéresse toujours aussi peu et où je ne trouve jamais de chanson qui me fasse vraiment un effet monstrueux sur leurs disques, c'est ce côté poseur et prétentieux qui me reste le plus en tête, malheureusement...
  
  Tool - Fear Inoculum (2019) ★ ★ ★ ★
  
  Autant le dire très franchement, avant d'écouter le dernier disque en date de Tool, mon a priori était plus qu'ultra négatif. En plus de ne jamais vraiment être entré dans les albums précédents, j'ai eu le malheur d'apprendre via mes lectures sur le web que le groupe avait vendu celui-ci sous forme physique uniquement en édition limitée avec bonus risibles (un système audio-video inséré dans le boîtier pour permettre la diffusion d'un clip) et à un prix complètement gerbant. Bref, ces gars sont quand même des ordures assez gratinées ("eh, nous on fait de la vraie musique conceptuelle coco, alors tu vas raquer sévère pour nous ok ?"). Mais, je suis bien obligé de l'admettre, j'ai trouvé l'album très bon... Ben oui, cette fois-ci, enfin, je suis rentré dans les atmosphères très hypnotiques concoctées par le groupe, je n'ai pas été trop gêné par la voix (il est vrai peu présente, beaucoup de longs développements instrumentaux), j'ai même franchement aimé les motifs rythmiques répétés inlassablement (presque à la Opeth) et les progressions dynamiques des longs titres proposés, et encore mieux, j'ai trouvé certains moments réellement très inspirés (l'intro magique de la piste titre, la fin de Pneuma). Non, franchement, malgré quelques longueurs dispensables et (dans la version numérique) la présence d'intermèdes à zapper de toute urgence pour ne pas gâcher la fête, j'ai passé un fort bon moment à écouter de la bonne musique (pas très metal d'ailleurs, mais peu importe). Bon, il sort quand le prochain album de ces abrutis, en 2050 ?
  
  
  
  
• Triptykon - Eparistera Daimones (2010) ★ ★ ★ ★ ½
  
  Celtic Frost est mort, légendaire groupe Suisse précurseur du métal extrême, est mort en 2006, mais pas le son monstrueux qu'il avait développé dans son dernier album, dont celui-ci (première proposition du nouveau bébé de Thomas Fischer, le fondateur et leader de Celtic Frost) est au fond une sorte de jumeau. On retrouve en effet telle quelle cette chape de plomb de guitares grésillantes qui vous tombe dessus dès la première piste pour ne (quasiment) jamais vous lâcher, ces tempos lents et cette atmosphère complètement dépressive, et c'est à nouveau très convaincant, les deux premières pistes Goetia et Abyss within my soul (une dizaine de minutes chacune) plantant magnifiquement le décor glaçant à souhait de ce nouvel opus. La suite nous proposera tout de même un peu plus de variété, d'abord via un intermède bruitiste dispensable puis un titre plus thrash (A thousand lies) que je trouve personnellement nettement moins bon que le reste (à ce moment-là, lors de ma première écoute, j'ai même craint que l'album ne gâche son superbe départ), puis un peu plus loin avec des surprises qui ne sont pas si loin de rappeler les jeunes années de Tom Fischer (l'improbable intermède au piano de Myopic empire, qui suit sans transition un passage ultra massif, est assez génial, et My pain offre une respiration infiniment plus intéressante que celles proposées sur Monotheist). Et puis, il y a cette dernière piste, The prolonging. Et là, on touche le fond. Non, non, pas en termes de qualité musicale, au contraire, il s'agit d'une litanie de 19 minutes (oui, oui) qui ne vous lâche jamais, répétant ad nauseam les mêmes paroles sur un fond hypnotique. Fascinant, le point d'orgue d'un album qui réussit l'exploit d'être sûrement encore plus sombre que son prédécesseur, mais surtout encore plus intéressant (encore quelques petits défauts à gommer, ça reste notamment un peu long, mais on est pas loin du chef-d'oeuvre).
  
  
• Triptykon - Melana chasmata (2014) ★ ★ ★ ★
  
  Après avoir atteint ce qui semblait être un sommet de noirceur assez indépassable avec son premier album, qu'allait bien pouvoir proposer Triptykon pour le second ? La même chose, au risque de lasser (il parait assez difficile d'aller encore plus loin dans ce style) ? Autre chose au risque de ne pas réussir à atteindre la même intensité ? En fait, c'est un peu des deux, on reste globalement dans le même univers (non, ça ne va pas être très joyeux encore une fois), mais avec des tentatives pour s'appuyer sur des riffs plus clairement thrash (sur Breathing) ou même pas spécialement lents et dépressifs (l'intro presque bluesy de Boleskine house). C'est surtout palpable dans la première moitié du disque, et je dois avouer avoir été un peu déçu, car même si ça reste intéressant, j'ai trouvé les premières pistes globalement moins accrocheuses que celles de l'album précédent. Heureusement, le groupe nous réserve une fin d'album à nouveau extrêmement pesante, l'enchaînement In the sleep of death/Black snow étant même particulièrement énorme et réussi. Et puis, au beau milieu de tout ça, il y a Aurorae et son ambiance indescriptible que je trouve vraiment génial. Comme d'habitude avec Fischer, on a aussi droit à quelques apparitions de voix féminine qui ajoutent à la richesse de l'ensemble (l'hypnotique Waiting conclusif). Finalement, même si ce disque est peut-être moins maîtrisé et terrassant que leur premier (ou même que le Monotheist de Celtic Frost qui les a précédés), ça reste de la très belle ouvrage.
  
  
  
  
• Turisas - Battle Metal (2004) ★ ★ ★ ½
  
  Tiens, ça faisait longtemps que je ne m'étais pas penché sur un groupe finlandais produisant du metal à forte teneur mélodique et d'une subtilité pas toujours évidente ! Non ? Bon, tant pis, j'y retourne quand même. Turisas, donc, est un groupe assez mineur à la discographie restreinte (quatre albums quand même) qui prétend faire du... battle metal, comme le nom de l'album l'indique. En pratique, il s'agit sans grande originalité d'un metal sous forte influence viking, avec une grosse touche folklorisante (on a du violon, de l'accordéon, un peu de flûte), énormément de fanfares qui pouët-pouëtent à mort (hélas, pour le coup, ce sont bien des synthétiseurs qui gèrent la chose) pour justifier le côté guerrier, et même quelques interventions très lyriques d'une soprano qui semble s'être un peu perdue, mais surtout des choeurs fournis pour le coup assez impressionnants. Mine de rien, ça en fait du monde (et sur scène ils pimentent le tout avec costumes qui vont bien et peintures tribales rouges et noires, histoire que la fête soit complète), et on n'échappe pas par moments à un côté kermesse viking un peu trop téléphoné. On n'échappe pas non plus à quelques mauvaises idées quand le groupe essaie de se la jouer cool (les bruits de studio à la fin de Among ancestors et la ridicule adresse à l'auditeur Prologue for R.R.R auraient trouvé une place de choix dans la poubelle la plus proche). Mais quand ils se contentent de faire de la musique, eh bien c'est loin d'être ridicule, parfois un peu fourre-tout, mais les titres speed notamment (As torches rise) fonctionnent particulièrement bien. Le genre de disque dont on n'attend rien, mais qui procure un plaisir simple et immédiat.
  
  
• Turisas - The Varangian way (2007) ★ ★ ★
  
  Après un premier album assez enthousiasmant malgré ses défauts, Turisas persiste et signe avec une deuxième cuvée tout aussi entraînante, mais dont la subtilité est peut-être encore plus absente (c'est dire). Consacré avec une extraordinaire originalité aux vikings (ah, pardon, aux Varègues, histoire de faire cultivé), le disque nous propose un voyage assez court (seulement huit titres et 40 minutes de musique) mais pour le moins mouvementé. Intro symphonique pétaradante aux claviers (mais plutôt sympathique) de rigueur sur To Holmgard and beyond, mais on constate rapidement une surprise de taille, le chanteur guttural qui officiait jusque-là a été remisé au placard pour une grosse majorité des pistes, laissant la place à du chant clair acceptable mais sans charme et surtout trop lisse pour coller au style épique voulu par le groupe. Bon, pas grave (ou peut-être que si ?), les musiciens se rattrapent en en faisant des tonnes en permanence, comme s'ils avaient peur que l'inspiration mélodique ne soit pas suffisante (c'est pourtant plus que correct de ce point de vue). Du coup, ça tourne quand même bien dangereusement à la choucroute boursouflée qui ferait passer Rhapsody pour un groupe à la sobriété exemplaire (si, si, le début de Fields of gold par exemple, c'est assez terrible, et la touche russe sur In the court of Jarisleif est juste grotesque). Et pourtant, on passe un moment festif franchement sympathique à l'écoute de l'album (The Dniepr rapids, c'est très bon), en regrettant quand même que la lourdeur des arrangements le fasse passer d'un potentiel excellent à un simple bon. Attention quand même, à force de charger la barque (le drakkar ?), on va couler vers le mauvais...
  
  
• Turisas - Stand up and fight ! (2011) ★ (note réelle) / ★ ★ ★ ★ (note "nanar musical")
  
  Leur deuxième album le laissait craindre, celui-ci va le confirmer, Turisas s'est définitivement laissé glisser le long d'une pente douteuse. On pourrait pourtant penser que l'emploi d'un véritable orchestre en lieu et place des pouët-pouëts synthétiques habituels est une bonne nouvelle, mais le souci c'est le que le groupe a apparemment du revendre ses guitares pour pouvoir embaucher l'orchestre. Non, j'exagère, ce sont seulement les amplis qui ont été sacrifiés, les guitares sont bien là pour proposer une sorte de fond vaguement metallisé complètement anecdotique. À la place, on a tout bonnement droit à une sorte de musique de film sans images, qui reprend et mélange allègrement tout ce qui a pu se faire dans le genre à Hollywood ces dernières décennies : un titre égaré depuis la BO d'un Pirates des Caraïbes (le bien nommé Hunting pirates, rappelons quand même qu'on est toujours censés suivre l'épopée des Varègues en terres slaves), des fanfares tirées d'un peplum période Ben-Hur (Vanetoi ! Prasinoi !), des relents de western (March of the varanguian guard), et plein de cavalcades et autres violons larmoyants, sans oublier un peu de piano pour rendre le cocktail encore plus indigeste (End of an empire, probablement le titre le plus foutraque du lot), des choeurs en veux-tu en voila, et une piste finale qui joue la carte du récit parlé sur fond symphonique et s'achève avec une cadence tellement ridicule qu'enfin, on comprend l'intérêt de ce disque ! Mais oui, tout ça n'était qu'une vaste blague. Pris au premier degré, c'est effrayant, mais si on admet qu'il ne s'agit que d'une parodie déjantée, la générosité mélodique, les arrangements pachydermiques et le mélange absolument pas canalisé de tout et n'importe quoi confine au génie créatif. En tout cas, je m'amuse follement en écoutant ce machin, même si je doute très fort que les musiciens l'ayant créé aient eu cet objectif-là...
  
  
• Turisas - Turisas 2013 (2013) ★
  
  Pour son dernier effort discographique à ce jour, Turisas a décidé de faire dans la sobriété. Plutôt une bonne idée vu le sommet de choucroute assez indigeste que constituait son album précédent, mais le problème c'est que ce dégraissage semble avoir carrément vidé de toute substance la musique du groupe. Les guitares sont sous-mixées, les arrangements franchement pauvres, même les choeurs sont nettement moins tonitruants qu'avant, l'ensemble sonne terriblement creux (en fait on a carrément l'impression qu'ils ont oublié d'enregistrer une bonne moitié des instruments). Forcément, quand on prétend proposer une musique épique, ça pose un petit problème (particulièrement flagrant sur Ten more miles). On retrouve bien quelques touches folklorisantes et des mélodies sympathiques, mais c'est bien insuffisant au milieu d'expérimentations au mieux ratées (le chant trafiqué de Greek fire, les trompettes de We ride together), au pire carrément indéfendables (le break de Run Bhang-eater, run ! avec son solo de sax sur fond de gémissements explicites, c'est plus que gênant d'avoir laissé passer un truc pareil). Pour le coup, quel que soit le degré auquel on a envie de le prendre, cet album est simplement mauvais.
  
  
  
  
• Type O Negative - Slow, deep and hard (1991) ☆
  
  Sur le forum de musique classique que je fréquente régulièrement (et qui ne parle donc pas que de classique...), nous avions il y a quelque temps l'autoproclamé plus grand fan de France du groupe Type O Negative. Une bonne raison d'inclure ce groupe à ma liste de choses à explorer dans la galaxie metal, quitte à en dire du mal ensuite. Eh ben voilà, j'ai écouté leur premier disque, il est effectivement temps d'en dire beaucoup de mal. Déjà, le groupe semble baser pas mal de choses sur un sens de l'humour, euh, particulier. Tour à tour sans intérêt (la plage entière silencieuse), lourd niveau ado à peine pubère (les gémissements de plaisir, forcément féminin, qui accompagnent une partie du premier titre), ou carrément gênant (une chanson dézinguant les assistés sociaux intitulée Der Untermensch, on franchit allègrement à grands coups de hache les frontières du bon goût). Mais bon, je suis conciliant, s'il y a de la bonne musique derrière, je suis prêt à pardonner beaucoup. Sauf que musicalement, c'est également très lourd : fond de guitares ultra saturées franchement usant, des claviers étranges (on a droit à un peu d'orgue par moments), un ennui profond dès que le tempo ralentit (c'est-à-dire souvent, les chansons sont en plus très longues), et pas beaucoup d'idées pour sauver le tout (le chant du leader Peter Steele n'est pas totalement inintéressant, et l'utilisation de choeurs sur certains passages censés servir de refrains presque rafraîchissante). Ah, on a aussi droit assez régulièrement à des stridences limite insupportables qui n'apportent rien au "discours". Notons quand même que le second disque du groupe sera un faux live (avec fans insultant les musiciens à coups de "Fuck you"...) reprenant quasiment tout le premier album (forcément, y avait pas trop le choix, mais c'est quand même assorti de quelques improbables reprises où on ne reconnaît guère les originaux) en mode encore plus mauvais. Sûrement une autre tentative d'humour...
  
  
• Type O Negative - Bloody kisses (1993) ☆
  
  Deuxième tentative avec Type O Negative, dont le style a pas mal évolué depuis le premier album : un son nettement plus avenant, le côté "rapide et moche" de certaines pistes de leur premier album a quasiment disparu (on ne le retrouve que sur un ou deux des sortes d'interludes vaguement humoristiques qui séparent les "vraies" chansons, comme le très étrange Kill all the white people) pour laisser la place à un genre apparemment connu sous le nom de metal gothique. En gros, c'est lent, avec un accompagnement musical franchement minimaliste (des guitares saturées bien graves histoire de justifier l'appellation metal) et une atmosphère qui se veut mélancolique, le tout porté par la voix de crooner neurasthénique de Peter Steele. En pratique, c'est à la fois beaucoup trop superficiel (pas plus de profondeur que de la mauvaise pop) et répétitif (les chansons durent dix minutes) pour qu'on ne s'emmerde pas fermement, malgré les interventions des claviers et des choeurs (souvent ridiculement angéliques) censés mettre un peu d'animation. Je vais être tout à fait honnête : je ne comprends pas comment on peut trouver de l'intérêt à cette musique (et c'est pourtant censé être ce qui se fait de mieux dans le genre !), c'est donc le dernier album du groupe sur lequel je me pencherai (avec un beau 0 de moyenne, il ne risque pas d'être détrôné en tant que plus mauvais groupe apparaissant sur cette liste...).